México ocupa un lugar importante dentro del LUX Tour. Rosalía programó ocho conciertos en el país, dos en Guadalajara, uno en Monterrey y cinco en la Ciudad de México. La noche del 24 de agosto llegó al Palacio de los Deportes para la segunda fecha capitalina y la quinta de su paso por tierras mexicanas.
Su paso por el país también se ha visto fuera de los escenarios. En los últimos días ha caminado por La Lagunilla, probado comida mexicana, incluso presenciado una batalla de “farmear aura” en el Parque México. Durante el concierto, habló precisamente de esos días en la ciudad.
“Estoy disfrutando muchísimo estos días aquí, tanto sobre el escenario como fuera de él. Y quería tomarme un momento para decirles a quienes son de aquí o viven aquí: qué privilegio. Mires por donde mires, siempre hay vida y belleza. Esta ciudad es preciosa: la arquitectura, la vegetación, los colores… Es un lugar muy vibrante, muy despierto. También están sus olores: a tierra húmeda, hasta a gasolina, a jacarandas. Y, por supuesto, la comida, unos tacos campechanos, unos taquitos… Estoy muy feliz de poder pasar tiempo en esta ciudad, que amo y que tanto me ha dado a lo largo de los años. Gracias a todos por venir esta noche, por compartir este momento y por elegir estar aquí. Significa muchísimo para mí”.
Sobre el escenario, Rosalía presenta una de las producciones más impresionantes actualmente. Hay una enorme cantidad de elementos funcionando al mismo tiempo. Coreografía, orquesta, bailarines, cámaras, iluminación, vestuario, escenografía y movimientos que necesitan estar bien coordinados. El resultado es un espectáculo en el que cada detalle está cuidado y todo funciona con precisión.
Eso incluye a la propia Rosalía. Como vocalista es casi infalible y su manejo del escenario es uno de los puntos más fuertes del concierto. Puede sostener los momentos más exigentes de la producción y, al mismo tiempo, hacer que una arena de ese tamaño se sienta mucho más cercana cuando habla con el público.
La catalana se mueve con soltura y encuentra momentos genuinamente cómicos dentro del show. Ese sentido del humor funciona particularmente bien porque LUX puede ser un espectáculo serio en ocasiones. Su manera de romper esa tensión ayuda a que el concierto respire y hace que su brillante personalidad esté presente más allá de la ejecución musical.
La orquesta en vivo, dirigida por la cubana Yudi Heredia, marca buena parte de la energía del concierto y amplía considerablemente el sonido de las canciones. Su presencia es fundamental para la escala que alcanza el show. La coordinación entre la orquesta, Rosalía y el resto de la producción es impecable. En los momentos de mayor intensidad, el volumen y las frecuencias bajas hacen que la música se sienta físicamente en el pecho, a pesar de que el Palacio de los Deportes no tiene la mejor acústica. Otro de los momentos visuales más logrados llegó con una estructura de luces que simulaba el movimiento de un botafumeiro sobre el escenario. La imagen fue espectacular y encajó perfectamente con el imaginario religioso de LUX.
‘Berghain’ fue probablemente el momento más poderoso de la noche. La canción reunió buena parte de las virtudes del espectáculo. La fuerza de la orquesta, la producción electrónica, las voces pregrabadas de Björk y Yves Tumor, la interpretación de Rosalía y un juego de luces que convirtió al “domo de cobre” momentáneamente en un club berlinés.
LUX es un álbum dedicado a Dios, habla principalmente de la religión, la espiritualidad y la relación de Rosalía con Dios. Es un concepto que posiblemente no conectó con todas las personas que vivieron a fondo su era Motomami. Aun así, resulta interesante ver a una artista de su escala comprometerse completamente con una idea que era importante para ella, aunque supiera que podía dividir a su público.
LUX se entiende más cuando está acompañado por todo lo que Rosalía imaginó visualmente para él. El vestuario, las coreografías, la orquesta, las referencias religiosas y las imágenes terminan de construir su concepto.
En lo personal, algunas de las letras de LUX me sacaron por momentos de una experiencia que visual y musicalmente es monumental. Hay una dicotomía extraña entre la magnitud del espectáculo y ciertas frases que pueden sentirse demasiado directas. La producción te lleva a un lugar enorme y, de pronto, la letra puede hacerte consciente otra vez del discurso concreto detrás de la canción.
Pero incluso desde esa distancia emocional con el álbum, que por supuesto no asumo que sea generalizada, vale la pena experimentar LUX completo. Ver el concepto como Rosalía lo imaginó permite entender mucho mejor el proyecto y también dimensionar el trabajo detrás de él. Haber hecho un disco dedicado a Dios porque era lo que creativamente le nacía es una decisión respetable, especialmente cuando podía resultar menos accesible para parte del público que llegó con trabajos anteriores.
Rosalía también resolvió un reto complejo, hacer convivir LUX y Motomami dentro del mismo concierto. Son discos muy distintos en sonido, estética y concepto, pero la transición funciona. Canciones como ‘SAOKO’, ‘LA FAMA’, ‘LA COMBI VERSACE’, ‘CUUUUuuuuuute’, ‘BIZCOCHITO’ y ‘DESPECHÁ’ cambiaron de inmediato la energía del Palacio de los Deportes, pero bajo una misma narrativa. “No solo vinimos a llorar, también a mover el culo”, dijo la catalana.
Entre los recursos visuales recurrentes están las pinturas en movimiento. Rosalía recrea composiciones que recuerdan obras clásicas. Al llegar, recibe un enorme lienzo invertido, mientras que en otro momento el público aparece en las pantallas formando sus propios cuadros. Es una idea sencilla, pero está muy bien integrada al lenguaje visual de la gira y demuestra el nivel de atención puesto incluso en los segmentos que podrían funcionar únicamente como transiciones.
El repertorio incluyó buena parte de LUX, con ‘Sexo, violencia y llantas’, ‘Reliquia’, ‘Porcelana’, ‘Divinize’, ‘Mio Cristo piange diamanti’, ‘Berghain’, ‘El redentor’, ‘La perla’, ‘Sauvignon blanc’, ‘La yugular’, ‘Dios es un stalker’, ‘La rumba del perdón’, ‘Focu ’ranni’ y ‘Magnolias’. También aparecieron ‘De madrugá’, una versión de ‘Can’t Take My Eyes Off You’, de Frankie Valli, y una interpretación de ‘Angel’, de Jimi Hendrix, al comienzo de la noche.
Antes de ‘Sauvignon blanc’ ocurrió uno de los momentos más emotivos del concierto. Rosalía leyó una pancarta de una mujer llamada Pavlova, quien pedía que dedicara la canción a su tía Celina, fallecida el domingo a causa de cáncer. La artista aceptó y dedicó el tema a su memoria.
El concierto permite entender mejor LUX incluso si el disco no terminó de conectar contigo. La propuesta religiosa puede seguir generando distancia y algunas de sus letras pueden resultar menos efectivas que el espectáculo que las rodea, pero sobre el escenario el concepto adquiere otra dimensión.
Rosalía construyó una gira técnicamente impresionante, vocalmente impecable y visualmente muy bien pensada. Y en una noche llena de elementos funcionando al mismo tiempo, desde una orquesta hasta pinturas, coreografías y cámaras, consigue que todo parezca estar exactamente donde debe estar.
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Dolly Parton, la leyenda del country que dejó grandes éxitos como ‘Jolene’, ‘I Will Always Love You’ y ‘9 to 5’, ha fallecido este martes 25 de agosto a los 80 años. La noticia fue confirmada por su sobrino Bryan Seaver a través de un video publicado en las redes sociales de la artista. La causa de la muerte no ha sido revelada, pero durante el último año Parton batalló con varios problemas de salud relacionados con su sistema inmune y digestivo.
“Es en representación de la familia Parton y Owens que hoy anuncio el fallecimiento de mi tía, Dolly Rebecca Parton Dean”, dijo. “Este anuncio en video es algo que Dolly me pidió hacer hace años, mucho antes de que pudiera asumirlo como una realidad en el futuro”. El clip continúa con Seaver, quien se desempeñaba como su jefe de seguridad, ofreciendo un sentido homenaje a su tía: “Dolly vivió en la luz y ahora está en los brazos de Jesús, y seguramente se reencontró con [su esposo] Carl, sus padres y muchas otras personas más que cuidaron de ella y esperaron reencontrarse con ella en el Cielo”.
“Dolly no solo me abrió las puertas a mí, sino a toda su familia para alcanzar un potencial que no sabíamos que era posible. Dolly también les abrió la puerta a generaciones de cantantes, compositores, músicos y soñadores de cualquier contexto y a lo largo de todos los continentes. Gracias a su ejemplo, creímos que todo era posible. Ella nunca vio una puerta que no pudiera abrir, y las que ella misma abrió hicieron y cambiaron la historia”, añadió.
Seaver continuó sus palabras recordando que, aunque una persona no fuese seguidora o amante de su música, sus canciones siempre han estado presentes en algún punto de su vida. “Mi familia y yo compartimos una vida de hermosos recuerdos con Dolly, pero ustedes también. Ella siempre estuvo en sus televisores, sus reproductores de música, sus CDs y en sus playlists, convirtiéndose en un miembro más de sus familias, les gustara o no. Nuestra familia y el equipo a quienes ella les confió su legado continuaremos trabajando para lograr que su espíritu permanezca con nosotros por siempre”, mencionó.
“Dolly era granjera, así como su padre. Él cultivó el suelo; ella cultivó canciones y felicidad. Dolly me llamó y me dijo que quería descansar en una hermosa cama de algodón acolchado porque después de una vida utilizando joyas pesadas, finalmente merecía sentirse cómoda y descansar”, concluye el video.
Parton padeció de varios problemas de salud que solo se hicieron públicos luego del fallecimiento de su esposo de casi seis décadas, Carl Dean, a inicios de 2025. En un principio, la artista pospuso una serie de presentaciones en Las Vegas programadas para finales del año pasado, shows que luego tuvo que cancelar porque tenía que enfocarse en su bienestar. En aquel momento, la cantautora explicó que estaba presentando problemas con cálculos renales, así como dificultades con su sistema inmune y digestivo.
Hace tan solo unos días, la revista People compartió una entrevista reciente en la que Parton mencionó que estaba “lidiando con algunos problemas de salud a los que no les presté atención mientras cuidaba a Carl”. El ícono country aseguró que continuaba “sanando” al tiempo que seguía trabajando en sus proyectos.
Noticia en desarrollo…
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Ya ha pasado un año desde el accidente fatal de Brent Hinds, pero Mastodon, la agrupación que ayudó a fundar en 1999, continúa recordándolo. El baterista y también miembro fundador Brann Dailor habló recientemente sobre cómo el vivir dos duelos paralelos —su madre falleció en febrero de 2025— influyó en el resultado final del próximo álbum de la banda, Marrow Deep.
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“El dolor y angustia de perder a alguien en esas circunstancias es difícil de explicar. Era alguien muy cercano y, pese a que la relación quedó en malos términos, todos pensamos que las diferencias iban a dejar de importar con el tiempo. Tenía la esperanza de que regresaría”, le comentó el músico a NME sobre su excompañero. Luego, añadió que la mejor manera que encontró el grupo de procesar sus emociones y pensamientos fue escribiendo música. “Marrow Deep es el resultado de eso”, dijo.
Dailor continuó hablando sobre lo mucho que echa de menos a Hinds, pero a pesar de las circunstancias, ni el guitarrista Bill Kelliher, ni el bajista Troy Sanders ni él mismo consideraron terminar con la banda o, por lo menos, darse un descanso. “Desearía que estuviera aquí tanto como la persona que más lo extraña, pero también soy un ser humano que se expresa a través del arte y la música, y he dejado todo de mi ser artístico en Mastodon por casi 27 años”, afirmó. El baterista dejó claro que todavía tienen mucho por ofrecer y que, aunque haya gente que no quiera escucharles, el grupo continuará.
“Pese a que estamos pasando por un proceso de duelo, también nos sentimos motivados porque creemos que todavía tenemos cosas especiales para decir a nivel musical”, agregó. “No voy a dejar de tocar la batería ni a dejar de pensar en riffs, ni mucho menos a dejar de tener nuevas ideas para camisetas de heavy metal. Y quiero que todo eso tenga que ver con Mastodon, como siempre lo he hecho”.
Sobre su madre, Dailor explicó lo importante que fue para él haberle podido contar que haría parte del cartel de Back to the Beginning, el último concierto de Black Sabbath, pues era fanática de la banda inglesa. “Ella sabía que íbamos a tocar, pero no alcanzó a vernos”, comentó. Además, habló sobre el haber podido contar con Geezer Butler en la introducción de ‘The Vanishing’, una canción que habla sobre su madre y su hermana fallecida en 2009. “El tema habla sobre ellas uniéndose al cosmos y convirtiéndose en dos constelaciones”, mencionó. “¡Y el miembro favorito de mi madre siempre fue Geezer! Amaba a Ozzy, pero siempre decía, ‘Es que Geezer escribió las letras’. Así que pensé que tenerlo en esa canción en particular la habría hecho enloquecer”.
Además de Butler, Mastodon también invitó a Josh Homme, frontman de Queens of the Stone Age, para compartir las voces en ‘Snakes for Dinner’. Marrow Deep estará disponible en plataformas a partir del 28 de agosto.
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ROLLING STONE relanzó, en una edición revisada y ampliada, este bookazine de Paul McCartney con entrevistas históricas, fotografías antológicas, reseñas de sus shows en el país y un recorrido por su gran obra, y ya está disponible, en el marco de Rolling Week, en Colecciones La Nación.
“Estoy orgulloso de Los Beatles”, le dijo Paul McCartney a ROLLING STONE en 1974. “Fue genial, y puedo tolerar a todas esas personas que te cruzás en la calle y que te dicen que le diste tanta felicidad a tanta gente. No creo que sea cursi.” Era una declaración valiente para Paul McCartney, en una época en la que las heridas de la difícil separación de su banda seguían abiertas. Pero de algún modo, ahí está la esencia de Paul McCartney: él puede celebrar el atractivo eterno de los Beatles incluso si ya está trabajando para establecer su propia voz creativa solista. Y aun si se pasó los últimos 50 años siendo una de las personas más famosas del mundo –probablemente como el músico pop más adorado de la historia– sigue siendo un artista fascinante que nunca perdió su rareza esencial.
Esta edición especial cuenta toda la historia del singular viaje de McCartney en el rock & roll, desde sus años en los Beatles hasta el presente. El hombre tiene una larga y colorida historia con ROLLING STONE, la cual se ve en estas entrevistas que van de 1970 hasta 2017. En el camino, él fue muchos McCartneys: el excéntrico hippie hombre de familia que hizo discos clásicos como Band on the Run y Ram, el brujo de la industria con éxitos ruteros como “Silly Love Songs”, el sabio distinguido que sigue reinando como uno de los mejores intérpretes en vivo que hay dando vueltas.
En este especial para coleccionistas, desglosamos nuestra lista definitiva de las 40 mejores canciones del Macca solista, desde baladas universalmente adoradas como “Maybe I’m Amazed” hasta rarezas como “Monkberry Moon Delight”. También reconsideramos su papel en los Beatles y revelamos las historias detrás de sus canciones más famosas, en sus propias palabras.
Indagamos en el archivo de ROLLNG STONE en busca de nuestras entrevistas más importantes con él, en donde exhibe su encanto típico para responder. Conversa sobre su dolor tras la muerte de Linda, su esposa, y recuerda a John Lennon con tanta ira como amor. En su entrevista de 1970 con el fundador de RS Jann S. Wenner, McCartney suena resignado a perder a John, y aun así su vínculo nunca se derrumbó. Como le dijo a RS en 2001: “Ser el tipo que componía con él… Bueno, eso ya es suficiente. Ahí está, podés retirarte y decir: ‘Dios, tuve una vida fantástica. Llevame, Señor’”.
Por supuesto, McCartney no paró de moverse, a lo largo de sus años como solista, a través de momentos de inspiración musical y otros en los que incluso sus mayores fans tenían que preguntarse si no había perdido el camino. Pero nunca se quedó atascado en el pasado, y su música reflejaba el amor, el dolor y el caos de su vida. En una de las entrevistas, comparte un detalle elocuente sobre los 60: “Hace años, cuando los Beatles estábamos con el Maharishi, nos regaló un libro. En el mío escribió: ‘Irradiá conciencia dichosa’. Y después puso: ‘Disfrutá’. Esa es la parte que me tomé en serio”.
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Este texto forma parte de la reedición ampliada del Bookazine Rolling Stone especial para coleccionistas con la historia y la obra de Soda Stereo, disponible en Rolling Week, la semana de descuentos de la revista en Colecciones LA NACION.
1. “EN LA CIUDAD DE LA FURIA” (DOBLE VIDA – 1988)
A modo de egotrip, gustavo cerati explora la condición de rockstar en un rotundo clásico sobre la alienación urbana, el peso de la gloria y los destinos circulares. El riff inicial, que crece como introducción y plataforma de lanzamiento hacia un swing incesante, es un rescate de los viejos temas adolescentes del guitarrista en ciernes. Según Cerati, fue una ex novia la encargada de desatar los acordes iniciales, “debo haberlo hecho cuando tenía 13 o 14 años”, casi como un modo de retener a uno de esos primeros idilios. La evocación regresó mientras el país acusaba los efectos de la hiperinflación, cerca del final del gobierno de Raúl Alfonsín se respiraba un ambiente de profunda desazón y bronca contenida. A esos ecos de la calle, representados en Buenos Aires como una posible versión de Ciudad Gótica, se suma el personaje de Argos: una especie de superhéroe medieval que Gustavo solía dibujar de niño y que más tarde mutó en la imaginación del autor con el mito griego de Icaro. Sobre ese menjunje de recuerdos de tiempos ideales y un presente en donde lo público y lo privado se mezclaban en medio de una realidad a punto de estallar, la frase “nadie sabe de mí/ y yo soy parte de todos” revela el síntoma “doble vida” y también el sobrevuelo de un ser alado por las cúpulas de una metrópolis alterada.
Desde esa supuesta torre de marfil, Cerati expone el conflicto y crea un retrato nocturno tan épico como los ingredientes que lo sostienen: el bajo de Zeta es un andamio mullido para sostener los vuelos del guitarrista que recuerda en su ascenso a “Stay” de David Bowie, pero de forma más lenta, en donde Carlos Alomar también fue un colaborador esencial. Como productor, el guitarrista de Young Americans alcanza su mejor performance en un disco un tanto desparejo en su acabado final. El video de la canción completa las visiones de oscuridad, sofisticación y hedonismo: casi nadie podrá despegarse de la cadencia de la guitarra mientras Cerati curva la cintura en un baile midtempo; todo en blanco y negro. Es un himno pop, no hay duda, que incluye el mejor título de regreso para repetir una y otra vez “me verás volver”.
2. “SIGNOS” (SIGNOS– 1986)
Es el quiebre compositivo de cerati: una gesta íntima de guitarra acústica que se va amplificando a medida que los versos van ampliando el cuadro de la imagen, como si de un zoom se tratara. En lo musical, es contemporánea del momento en que las bandas de pospunk expandieron sus miras hacia un sonido más profundo y robusto (The Big Music se suele llamar a la resultante), incluso tomando elementos del pasado, casos Echo & the Bunnymen, The Waterboys, inclusive U2. En esa pulsión expansiva, en comparación deja raquítico al sonido de sus dos primeros discos. Ya nadie más iba a llamarlos “plásticos”.
3. “DE MÚSICA LIGERA” (CANCIÓN ANIMAL – 1990)
Popular en el sentido mas amplio, “De música ligera” alcanzó el rango de himno de estadios por su perfecta prepotencia eléctrica y un estribillo para abrazar multitudes. El título proviene de la discoteca familiar de los Cerati: “Clásicos ligeros de todos los tiempos” era una caja de vinilos en donde podían convivir soundtracks, música culta y melodías inolvidables. Sobre esa idea inclusiva, en tres minutos y medio Soda Stereo ofrece su propia genealogía pop. Con armas bien rockeras, en donde la guitarra manda y la base abre caminos, el mensaje final funciona como una despedida: “Nada nos libra, nada más queda”.
4. “PERSIANA AMERICANA” (SIGNOS– 1986)
Uno de los mayores exitos de la carrera de Soda es, también, uno de los menos pensados. Incluso excede la ya mítica larga noche en la que un atormentado Cerati despertó y compuso todas las letras de Signos de un tirón. La lírica es una adaptación de una letra enviada a un concurso del programa radial Submarino Amarillo (conducido por Tom Lupo) por un fan llamado Jorge Daffunchio. A Gustavo le interesó la condición de voyerista del narrador, basado en películas de época como Doble de cuerpo (Brian De Palma). En lo musical, es de lo menos atractivo de Signos… pero los hits no se discuten.
5. “PRÓFUGOS” (SIGNOS– 1986)
En este hitazo de manual, gustavo Cerati pluraliza y remarca la fatalidad de una pareja (desparrama adjetivos como “condenados”, “cómplices”, “prófugos”) y, al borde de la asfixia, compone una estrofa digna del relato de la serie The Walking Dead (“No tenemos dónde ir/ Somos como un área desvastada (sic)/ Carreteras sin sentido/ Religiones sin motivo/ Cómo podremos sobrevivir”), para liberar tensión en uno de sus estribillos más famosos. El riff robótico original, incluido como primer corte de Signos (1986), mutaría en un esquema más rockero en los shows de la gira Me Verás Volver (2007).
6. “EN EL SÉPTIMO DÍA” – (CANCIÓN ANIMAL – 1990)
En los albores del grunge, bandas como Screaming Trees, The Smithereens y Pixies formaban el nuevo mapa de influencias de Soda Stereo. Esa intención de válvulas a punto de quebrarse suena en el arranque de Canción animal. Son guitarras de hard-rock que también dialogan con Pescado Rabioso y los Beatles menos amables. El compás de 7/4 no sólo marcó el tiempo irregular del tema, sino que disparó la idea de séptimo, de ahí a la “creación” bíblica había un solo paso. El hastío dominical, cierta megalomanía en la letra y la batería más Bonham de toda la historia de Alberti completan la ingeniería de una canción perfecta.
7. “UN MILLÓN DE AÑOS LUZ” (CANCIÓN ANIMAL – 1990)
Conocida internamente como “no vuelvas”, el segundo track de Canción animal es una obra mayor tanto en las complicadas y bellísimas filigranas que dibuja la guitarra de Cerati como en el uso psicodélico del trip infinito para alejarse de un mal romance. “Un millón de años luz” primero fue un riff para luego someterse a una vieja técnica del grupo: al estilo “Bolero de Ravel”, la guitarra se enfrenta al bajo creando un contrapunto. En esa misma línea de tensión corren elementos bíblicos como nave, fuego y diluvio. Al final la tormenta se disipa en la melodía y la esperanza renace en esa guitarra luminosa.
8. “NADA PERSONAL” (NADA PERSONAL – 1985)
El primer corte del segundo disco de Soda Stereo sumerge el pulso anfetamínico del debut bajo un novedoso matiz dark, apuntalado por la reverberancia opresiva de los golpes de batería y la tensión construida entre el riff de guitarra –similar al de “Dietético”, el primer single del grupo–, y los teclados tenues a cargo de Fabián Von Quintiero. El nombre del track, tomado por Cerati de una frase de un boceto de canción compuesta junto a Richard Coleman, marca el inicio de la primera refundación del sonido del trío, a través de esta pieza que parece abordar el vacío existencial de modo desesperado.
9. “ELLA USÓ MI CABEZA COMO UN REVOLVER” (SUEÑO STEREO – 1995)
Cerati nunca aprobo que el titulo de esta canción fuera una cita directa de la letra de “Planet Queen” (T. Rex, 1971) y sí alumbró la versión de que fue tomada de una película serie B. Como fuera, el fuego prometeico de sublimación eléctrica + arreglos de cuerdas (dos violines, viola y violoncello), derivado del “Kashmir” de Led Zeppelin, le da sentido al tema de Soda favorito del Indio Solari y corte estelar de Sueño Stereo. No debería desestimarse la metáfora sexual como una inspiración primaria y menos barroca de sus múltiples interpretaciones posteriores.
10. “CUANDO PASE EL TEMBLOR” (NADA PERSONAL – 1985)
La base de “cuando pase el temblor” había sido compuesta por Cerati para el primer disco de la banda, pero recién en Nada personal tomó volumen cuando adquirió su ADN reggae de tinte folclórico. “Tenía un aire a carnavalito a pesar de que no lo sea escolásticamente hablando, y eso le da un clima muy especial y quizás muy raro”, dijo Cerati. El rumbo estético de la canción, para la que Cerati escribió sobre paisajes del noroeste argentino que había conocido de chico, se terminaría de definir con las características flautas que grabó Von Quintiero con el sonido calliope de un sintetizador Yamaha DX7.
11. “LO QUE SANGRA (LA CÚPULA)” – (DOBLE VIDA – 1988)
Para la grabacion del disco en Nueva York, el productor Carlos Alomar –que llegó a Soda seducido por el video de un show en Viña del mar–, se propuso capturar la combustión del grupo en vivo. El clásico “Lo que sangra…” fue el resultado más contundente: con la presencia elegante y poderosa de la voz de Cerati, el trío se luce con pulso funk, entre congas, teclados, saxos y la guitarra líder del mismo Alomar.
12. “HOMBRE AL AGUA” (CANCION ANIMAL – 1990)
Un autentico cerati-melero, la película completa llegaría con Colores santos y años más tarde hasta el tándem Solari-Beilinson tomaría algo del comienzo de “Hombre al agua” para transformarlo en “Gualicho”. El bajo punzante de Zeta pasea por una historia que tiene principio y fin, una rareza en el catálogo del trío, mientras un inesperado gesto barroco combina orquestaciones, samplers y juegos vocales.
13. “PRIMAVERA 0” – (DYNAMO – 1992)
El metodo loud-quiet-loud de Pixies se coló en el mainstream local gracias al primer corte de Dynamo, estrenado en la estación proclamada. El feedback inicial promocionó los shows de diciembre en Obras y la frase “goles suenan a la distancia” se empalmó en vivo con un gol de San Martín de Tucumán a Boca, que esa misma tarde se consagraría campeón, mientras Cerati proclamaba el inusual “aguante Racing”.
14. “EL RITO” (SIGNOS – 1986)
Contra lo que presupone el titulo, ningún cliché del dark-pop de época: Hammond en lugar de sintetizadores y melodías con cadencia atemporal. “Soy un profanador/Estoy desafiando el tiempo”, canta Cerati como un depredador sexual, en una de las cumbres de Signos. En dos momentos (minutos 1:45 y 3:20) un pasaje instrumental sale similar a uno de “Canción para naufragios” (Redondos), editado en simultáneo.
15. “TE PARA 3” (CANCION ANIMAL – 1990)
Los ecos de la nave artaud sobrevuelan en el único tema acústico de Canción animal: las inflexiones vocales de Cerati son pura devoción hacia Spinetta. La letra, en cambio, es una foto junto a sus padres, Lilian y Juan José: conocer la noticia del cáncer terminal que se cobraría la vida de su padre activó la imagen del ritual del té, y también el noble recurso poético de cubrir dolor con belleza.
16. “SUELES DEJARME SOLO” (CANCION ANIMAL – 1990)
En el viaje hacia las raices del rock nacional que emprendió Gustavo Cerati a lo largo de todo Canción animal, “Sueles dejarme solo” resulta el lapso más pesado, crudo y distorsionado. “Tiene que ver con ‘Color humano’ de Almendra. Pienso en esa cosa de tres acordes todo el tiempo moviéndose, un sonido poderoso con la guitarra haciendo base y un solo”, dijo Cerati. “Es probablemente el tema más heavy que hayamos hecho.”
17. “TRATAME SUAVEMENTE” (SODA STEREO – 1984)
Por aca nada es lo que parece. “la China Suárez cantó un tema de Cerati”, se tituló cuando la actriz lo grabó para la película Abzurdah. “Una canción de amor”, sentenciaron casi todos. Hasta Shakira, cuenta la leyenda, se acercó a Gustavo diciéndole que, de todas sus creaciones, se quedaba con ésta. Y sin embargo, el autor es Daniel Melero, que se inspiró “mirando hablar al general Galtieri durante la Guerra de Malvinas”.
18. “FINAL CAJA NEGRA” (SIGNOS – 1986)
Intenten encontrar alguna banda exitosa y latina actual que presente un tema (en un disco destinado a consolidar su éxito) donde la voz recién entre al minuto de iniciado. Una pieza extensa y una lírica que enfatiza la yuxtaposición de imágenes. En lo musical, se inscribe en el patrón del pospunk épico del contemporáneo “Love Like Blood” (Killing Joke), con sintetizadores que vuelven a usarse como colchones.
19. “FUE” (DYNAMO – 1992)
Una isla sonora dentro de la propuesta sónica de Dynamo: pensemos en 10CC regrabando All Things Must Pass de George Harrison. La línea de flotación es rubricada por la sutil trompeta de Flavio Etcheto y Cerati desagota una relación con una de sus frases más memorables: “Y lo más resbaladizo/ es creernos sin memoria”. Casi tres lustros más tarde, ofrecería una versión superadora de la temática en “Adiós”.
20. “JUEGOS DE SEDUCCIÓN” (NADA PERSONAL – 1985)
Aunque gustavo cerati ya tenia definida su estructura, impulsada por el riff de guitarra agudo y serpenteante del inicio, “Juegos de seducción” fue terminada cuando conoció a Tashi, su novia de sólo 15 años. La letra refleja el juego entre “mayordomo” y “señora bien” que jugaban en la intimidad. “Es el mejor tema del disco”, dijo Cerati. “Es a la letra que más le presté atención.”
21. “SOBREDOSIS DE TV” – (SODA STEREO – 1984)
Si “volver a bailar” era el eje que guiaba el debut del trío, “Sobredosis de TV” aporta lo suyo con una combinación de desparpajo new wave y funk sintético que seduce con la base de bajo y batería procesada, y noquea con las ráfagas de guitarra sincopada de Cerati. Y por lo bajo, una idea: ¿hasta dónde dominamos nuestro reflejo catódico y hasta dónde nos domina a nosotros?
22. “ENTRE CANIBALES” (CANCION ANIMAL – 1990)
Bajo el efecto envolvente de su relación con Paola Antonucci, Gustavo Cerati tradujo en “Entre caníbales” el costado tortuoso y masoquista de aquel noviazgo. La estructura del tema resulta la más compleja y orgánica de Canción animal, con secciones cambiantes y una orquestación expansiva que incluye percusiones de Andrea Alvarez y teclados de Daniel Melero y Tweety González.
23. “CORAZON DELATOR” – (DOBLE VIDA – 1988)
Aludiendo al cuento de edgar allan Poe, “El corazón delator”, el cuarto corte de Doble vida resulta un tratado privado sobre la fragilidad emocional. Entre una atmósfera nocturna y tenue, la voz de Cerati se abre paso con tono enigmático hasta erguirse en un estribillo de aroma reggae. “Es el tema más romántico del álbum”, dijo Cerati. “La escribí pensando en que mi corazón me delata cuando veo a la persona que amo.”
24. “DANZA ROTA” (NADA PERSONAL – 1985)
“Danza rota” es una de las canciones de Nada personal que Soda venía testeando en sus shows en vivo, aunque durante los trabajos de preproducción del disco en una quinta de Parque Leloir lograron llevar la composición hacia un plano más complejo y orgánico. Sobre teclados brillosos y baterías cargadas de eco, el trío abraza la new wave para ubicarse al borde de la pista de baile con tono desolado.
25. “ESTOY AZULADO” (NADA PERSONAL – 1985)
Como otros temas que el trio ya tocaba en los shows previos a Nada personal, “Estoy azulado” marca uno de los gestos más rupturistas del disco, a través de su intro de saxo en clave free jazz interpretada por Gonzalo Palacios. El cuerpo de la canción, de pulso new wave, carga con un abigarrado trabajo de samplers de Von Quintiero y una segunda guitarra de Richard Coleman, co-autor de la canción junto a Cerati.
26. “CAE EL SOL” (CANCION ANIMAL – 1990)
A pesar de su intro en fade in con sonidos que replican un amanecer en la selva, “Cae el sol” resulta una postal netamente urbana. Compuesta por Cerati junto a Melero, está inspirada en los atardeceres que el cantante pasaba con su novia Paola en el balcón de su departamento de Núñez. “Buenos Aires humedad…”, canta Cerati sobre una base de rock sintético de aroma inglés.
27. “UN MISIL EN MI PLACARD” (SODA STEREO – 1984)
“Tuve que dejar de hacer el amor en el momento”: la suspensión del placer cotidiano ante el miedo que acecha. Malvinas trajo al misil ahí, a un metro de nuestras camas, ¿cómo seguir con nuestras vidas? Cerati ofrece una alternativa: exorcizar demonios con un ritmo juguetón de reggae-rock blanco que no le debe poco a The Police.
28. “CANCION ANIMAL” (CANCION ANIMAL – 1990)
Cerati ya tenia definida la progresión de acordes en Mi menor y el clima opresivo de “Canción animal” cuando le pidió a Melero que escribiera una letra sobre su relación con su pareja Paola. Aunque era resistido dentro del círculo íntimo de Gustavo, Melero emprendió la misión con ojo casi periodístico. “La canción describe perfectamente nuestro noviazgo”, dijo Paola a RS.
29. “LUNA ROJA” (DYNAMO – 1992)
Ocupa en dynamo el lugar de “te para 3” en Canción animal: el cinema verité de la pérdida, meciéndose en una cadencia sacudida por rayos hacia el final de sus cinco minutos. En este caso, alumbrando a las víctimas del HIV. “Cuidame/ Yo te cuidaré/ Yo también pagué placeres ciegos/ Y no quiero ver la luna roja”, dice el temón acreditado a Cerati y Zeta, cuyas regalías fueron donadas a la Fundación Huésped.
30. “EN REMOLINOS” (DYNAMO – 1992)
La cumbre de dynamo y el mejor ejercicio de estilo shoegaze en el rock latinoamericano. Un Cerati extático perdiéndose en el goce de la electricidad y un agujero negro que capitanea la perplejidad de sus sentidos. “¿Quién sabrá el valor de tus deseos?”, se pregunta y sigue encandilado hasta perder el heliocentrismo y sentarse a ver cómo gira Dios. “La ternura luego de la violencia”, definiría luego el cantante.
31. “PLANTA” (SUEÑO STEREO – 1995)
El travelling sonoro de una experiencia de Cerati con la savia del Wachuma se inicia con este tema. El primero de una trilogía que, líricamente, continúa con “X-Playo” y “Moiré”, las tres además atadas a “Crema de estrellas” en forma de suite abbeyroadiana. Los arreglos de cuerdas sostienen en tierra el “amor vegetal” que narra Cerati, en una canción que abrió todos los shows de la gira de Sueño stereo.
32. “NO EXISTES” (SIGNOS – 1986)
Nunca cerati sono tan despechado y catártico en un reproche, diez años antes de que Diego Maradona convirtiera el “No existís” en la frase descalificadora oficial de los argentinos. Por momentos parece adelantar el tono hímnico de Canción animal, pero hacia la mitad se embarca en una cabalgata de bajo batería en la vena The Cure/ Siouxsie que lo regresa de nuevo a 1986.
33. “TOMA LA RUTA” (DYNAMO – 1992)
El tratamiento shoegaze del riff luego torna en fraseos rítmicos de guitarra que recuerdan a la era Signos. La consigna del tema exhorta a salir del road trip circular que agobia al protagonista (“Después de tanto andar/ Estás en el mismo lugar”). Aunque es uno de los temas más oscuros de Dynamo, Cerati lo repescó en vivo en la gira de Ahí Vamos (2006).
34. “IMAGENES RETRO” (NADA PERSONAL – 1985)
“mis ojos perciben otra vez imagenes retro/ Así es la trama de este film, tu propio reflejo”, canta Cerati como sumergido en una pesadilla existencial. La canción –uno de los seis sencillos que tuvo el disco Nada personal– revela la influencia del disco Tonight de Bowie (sobre todo en el sonido de la base y las guitarras), por ese entonces uno de los álbumes de cabecera de Cerati.
35. “ZOOM” (SUEÑO STEREO – 1995)
Una reduccion que la banda glam Hello realizara sobre el arquetípico shuffle rítmico del pionero rockero Bo Diddley en su tema “New York Groove” (1975) es la propulsión deliberada del último gran hit de Soda. Y aunque sea difícil separarlo del particular clip de Mariano Galperín, vale la pena recordar citas propias de J.G. Ballard, como “zoom anatómico”, “labios de plata” y “macro porno intenso”.
36. “PASEANDO POR ROMA” (SUEÑO STEREO – 1995)
Con la pulsion new wave/power pop del riff, remite a los dos primeros discos, en un estilo ágil en contraste con lo cargado del resto de Sueño Stereo. La historia de un desencuentro circular, de la que Zeta develó, no hace tanto, un giro capusotteano: puede leerse como “paseando porro(ma)”. El apunte retro ceratiano acude en la mención al Simulcop, típico librito de calcos escolares de los 70.
37. “PLANEADOR” (COMFORT Y MUSICA PARA VOLAR – 1996)
De las sesiones de sueño stereo, mas que un descarte sabe a la decisión estratégica de no haber querido agruparla con melodías similares. Un ejercicio de dream-pop, zapado en un ensayo y grabado inicialmente en dos canales, con vocalizaciones evocadoras y presumida imaginería familiar. Incluida en Comfort y música para volar, integró el set list de El último concierto.
38. “SWEET SAHUMERIO” (DYNAMO – 1992)
Inevitable no relacionar este track con el ambient-dance de época de nombres como Ultramarine y The Orb. Incluso como una variable del material del proyecto Cerati-Melero y el disco Colores santos. Inscripta a nombre de los tres Soda, se realza con el aporte de Sanjay Bhadoriya (tabla), Eduardo Blacher (tambura) y Roberto Kuczer (sitar). El texto tiene características incidentales y el tema fue recuperado en 11 Episodios Sinfónicos de Cerati.
39. “TE HACEN FALTA VITAMINAS” (SODA STEREO – 1984)
Pocas canciones reflejan tan bien el cambio de espíritu que representó el advenimiento de la democracia en los jóvenes como “Te hacen falta vitaminas”, que explícitamente se pregunta “¿hasta cuándo seguirán esas canciones?” y propone que cortes con el pasado de sombras, recargues el optimismo y “te levantes de una vez”. La era de la diversión en un ska frenético al que se le nota por todas partes la mano del productor Federico Moura.
40. “TELE-KA” (SODA STEREO – 1984)
¿Qué pretendia soda stereo en su primer álbum, más que hacernos mover a la distancia? Un disco girando en la bandeja de una radio y, a cientos de kilómetros, un oyente bailando o simplemente estremeciéndose: ésa es la telekinesis de la que habla Cerati en este tema que, por si acaso, remarca varias veces: “No esperes más de mí”. Todo eso sobre una base que vuelve a abrevar en el reggae-rock de guitarras filosas que patentó Andy Summers.
LISTA DE VOTANTES
Adrián Taverna Sonidista (Soda Stereo)
Andrea Alvarez Música
Carlos Rodríguez Ares Empresario
Cecilia Amenábar Actriz/DJ
Daniel Grinbank Empresario
Daniel Sais Músico (Soda Stereo)
Diego Lucente Tour manager (Cerati)
Gillespi Músico/conductor
Gonzo Palacios Músico (Soda Stereo)
Fabián Von Quintiero Músico (Soda Stereo)
Fernando Samalea Músico
Javier Calamaro Músico
Leandro Fresco Músico (Cerati)
Leo García Músico
Mario Breuer Ingeniero de sonido
Martín Carrizo Músico (Cerati)
Richard Coleman Músico (Cerati/Fricción)
Tweety González Músico/productor
Cómo se elaboró la lista
Para definir el ranking de las “40 mejores canciones de Soda Stereo”, Rolling Stone convocó a un panel de expertos formado por músicos y productores con un conocimiento profundo de la obra de Soda. A cada uno se le pidió que eligiera los diez mejores temas de toda la discografía del grupo. A partir de esos resultados y sumando sus propios aportes, los editores de RS elaboraron esta lista.
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Periodistas rockeros del renombre de David Fricke y Kurt Loder tenían debilidad por los Ramones. Y si bien Rolling Stone estuvo lejos de ser el órgano de difusión oficial del punk-rock, la revista siempre reconoció la relevancia de los Ramones, esgrimió su LP debut como un clásico instantáneo y glorificó a Johnny en el puesto 16 de los mejores 100 guitarristas.
Para Rolling Stone Argentina, claro, los Ramones fueron aún más grandes, si bien la revista comenzó a publicarse cuando ya estaban separados. En un giro absolutamente ramonero del destino, este fue el país donde la banda recibió al fin el amor que buscaba, con una convocatoria y un culto que no conoció en ningún otro lugar.
Esta es la mirada de Rolling Stone a la asombrosa historia de una sencillísima banda de rock de Queens, Nueva York, que debuta en 1974 ante diez personas, que veinte años después toca ante miles alrededor del mundo y que, aún mucho más tarde, con sus integrantes originales ya muertos, sigue siendo una (extraña) fuerza inspiradora.
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“En la primera mitad de la década del 90, había en el under rockero un secreto a voces: en la esquina de Cochabamba y Defensa, en el subsuelo de un edificio gris del barrio de San Telmo que funcionaba como sala de conciertos (tan húmeda como oscura) para pequeñas bandas con sueños grandes, solía subirse al escenario
un grupo que había que ir a ver en vivo. Sí o sí. Rock de sangre caliente, con un cantante flaco y carismático, de movimientos stoneanos y formación teatral, que casi siempre terminaba sus presentaciones en cuero (hiciera el clima que hiciese afuera, adentro siempre era un horno) y entre la gente, cantando canciones que hablaban de viajes en trenes, colgados como racimos, de mocosos que deambulan a la buena de algún Dios y de pistolas que se disparan solas. Los Piojos en Arpegios”, evoca Sebastián Ramos, Secretario de Redacción de ROLLING STONE.
“En ese subsuelo y en esos años, esta banda nacida y criada en Ciudad Jardín forjó su mística y comenzó a escribir su leyenda (hasta allí también llegó una noche el trío redondo Solari-Skay-Poli para constatar lo que se decía en las calles). Tres décadas y mucha (demasiada quizás) agua bajo el puente después, Los Piojos rompieron todos sus propios récords de convocatoria tras anunciar un regreso a los escenarios y cortar así con un parate de quince años: siete conciertos en el Estadio Único de La Plata agotados en apenas horas (alrededor de 350.000 personas en total), su presencia como cabeza de cartel en los dos festivales de rock más grandes del país, otros tres multitudinarios shows en el interior (Córdoba, Rosario, Mendoza) y conciertos varios en la Ciudad de Buenos Aires, coronados por un doblete, el 21 y 22 de junio, en el estadio de River Plate”.
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