Sabes que un concierto es un evento de primer nivel cuando el periódico más leído del país moviliza a su redacción para que prepare el típico artículo sobre cuántas horas pasaron los fans haciendo cola bajo el calor o la lluvia. Se manda a un fotógrafo a hacerles fotos. Se cuentan cuántos se disfrazaron de su ídolo, en el caso de esta era de Rosalía, portando hábitos de monja -o intentos caseros del mismo- o un pelo teñido en forma de halo.

Esto de imitar a tu artista se ha visto muchas veces, pero ninguna en 30 años yendo a conciertos en el antiguo Palacio de los Deportes, había visto a gente intentando colarse tan a la desesperada. Una pareja, chico y chica de unos 30 años, lograron burlar la seguridad a pocos minutos de que se iniciara el show, con tan mala suerte de caer en la zona de prensa, que aún no estaba tan abarrotada como las demás: les localizaron y les pillaron enseguida. Fue corta su aventura, pero también bonita. Imaginad desear tanto acudir a un concierto para el que se agotaron las entradas de manera instantánea, como para gastar la tarde en presentarte en el recinto pertinente, a ver si el personal de seguridad tenía un descuido. Los Bonnie & Clyde del mundo Motomami tuvieron que abandonar el recinto de aquella manera, topando cabizbajos con el siempre hostil Barrio de Salamanca, pero lo hicieron de la mano, dejando una romántica estampa tras de sí.

Rosalía levanta pasiones entre un público variado que va desde la post-adolescencia a gente de la edad de Almodóvar, que por supuesto no quiso perderse el show. ‘Lux’ ha sido un disco diferente, en el que lo más interesante no es tanto su búsqueda religiosa, como el modo en que incorpora lo que se daba en llamar «alta cultura» a lo que podemos considerar la música pop de hoy.

Tal obra exigía por tanto una presentación en vivo diferente, que contrasta en todos los sentidos con lo visto en el anterior tour para ‘Motomami’. Si en aquella gira no había casi músicos sobre el escenario, en esta una orquesta se sitúa en el centro de la pista. Si aquella gira se componía de vídeos y selfies verticales como ideados para TikTok, en esta lo que predomina es un recorrido por la historia del arte a través de otras disciplinas, no tanto la música, como por ejemplo la pintura. En esta era, menos disfrutona, parece que lo que busca Rosalía es un lugar en los museos.

Dispuesta a sacrificar cualquier cosa de su carrera por el concepto actual de ‘LUX’, Rosalía comienza este tour interpretando el disco en riguroso orden, hasta que llega el turno de ‘Berghain’. A partir de ahí hará concesiones, incluyendo por ejemplo las pistas que más le encajan de ‘Motomami’, como aquella que aseguraba que «el mejor artista es Dios». Pero ‘LUX’ sonará casi al completo, incluso recurriendo a un par de temas exclusivos de la edición vinilo.

En el primer acto, se viste de bailarina de ballet, seguramente en representación del sacrificio que supone elegir entre dos mundos, que es de lo que habla ‘Sexo, violencia y llantas’. Rosalía emerge entonces del interior de una caja en medio de una escenografía muy austera, en la que apenas destacan un par de escaleras, y que está recibiendo comparaciones con el «teatro pobre» de Grotowski y los cambios de escenografía visibles al espectador de Bertolt Brecht. Nada que ver con la pompa de una Katy Perry, las plataformas voladoras de una Dua Lipa o las pirotecnias de unos BTS. Ni hubo grandes sorpresas escénicas ni mucho menos confeti.

El show de Rosalía se esfuerza en su lugar por abrir el camino de las interpretaciones por un lado, y por otro por mantener una estética cohesiva. Respecto a lo primero, el show se divide en varios actos que van explorando temáticas como el nacimiento (representa a una muñeca inmóvil durante ‘Reliquia’), la espiritualidad (sus primeros planos en ‘Mio Cristo piange diamanti’ son impresionantes), el pecado (‘Saoko’ y ‘La combi Versace’, más adelante ‘Bizcochito’ seguida de ‘Despechá’), el perdón («Rumba»), y finalmente la muerte con ‘Magnolias’. Tras su imagen abandonando el escenario una vez terminada esta última canción, bellísima, es evidente que no habrá bis con ‘Malamente’ ni absolutamente nada procedente de ‘El mal querer’, porque habría roto todo el «momentum». En cambio, de ‘Los Ángeles’, sí le encaja ‘El redentor’ dentro del concepto.

Un concepto en el que, en cuanto a estética, destaca la recreación de esculturas o cuadros insignes, como ‘El Aquelarre’ de Goya, ‘La Venus de Milo’ o, de manera muy divertida, la ‘Gioconda’ de Leonardo Da Vinci durante la versión de ‘Can’t Take My Eyes Off You’ (también hay guiños a Dido y Eurythmics en otros puntos del concierto). Durante el clásico de Frankie Valli, Rosalía se sitúa detrás de un marco mientras sus seguidores le hacen fotos y vídeos, produciendo una estampa muy cómica, nunca de engrandecimiento de sí misma.

Que el humor es importante en este show en principio tan místico, que no en vano ha caído en Madrid en plena Semana Santa, se constata con tres momentos especialmente divertidos: el confesionario junto a Soy Una Pringada antes de ‘La perla’, con Esty narrando su peor experiencia amorosa. Luego, el «artcam» en el que varios asistentes enfocados tienen que imitar la pose de un cuadro muy famoso, como ‘El grito’. Y el recorrido por las primeras filas que realiza Rosalía durante ‘Dios es un stalker’. Ahí Vila tiene tiempo de hacer cantar a sus fans alguna frase, de firmarles un CD o de fijarse en alguna seguidora en concreto. La agraciada ayer fue una tal Eugenia. Esta se había apañado antes para que todo el estadio la escuchara chillándole a la cantante: «¿Sabes por qué no tienes vicios? ¡Porque el vicio eres tú!». Tras la carcajada generalizada, Rosalía pudo bajar a darle un abrazo durante «Stalker».

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Hay varios momentos muy medidos y especialmente vistosos en ‘Lux Tour’, como ese en que un bailarín cae al suelo por cada «I’ll fuck you till you love me» de Yves Tumor durante ‘Berghain’… solo para resucitar durante la rave tecno. O aquel que nieva en ‘La yugular’, antes de que veamos a Rosalía arrodillada en una plataforma transparente, en busca del amor de su Dios. O ese en el que se sube a un piano para interpretar ‘Sauvignon Blanc’, mientras se toma una copa del mismo. Sin embargo, es claro que la artista no ha querido sumarse a la moda de producir espectáculos cada vez con más brilli brilli, más efectos especiales y hits cortados a la mitad para que le quepan todos. De nuevo, y como los más grandes, ha querido ofrecernos… otra cosa. 9.

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Conoce los grupos de la movida madrileña fue un movimiento cultural que emergió en España durante la transición democrática a finales de los años 70 y principios de los 80. Fue un período de efervescencia artística, social y cultural que transformó la escena madrileña y dejó un legado perdurable en la historia de la música española y en la memoria colectiva del país.

¿Qué son los grupos de la movida madrileña?

Los grupos de la Movida Madrileña son aquellos conjuntos musicales que surgieron en Madrid durante los años 80, en pleno periodo de transición democrática en España. Estos grupos fueron exponentes de una corriente cultural y contracultural que se caracterizaba por su espíritu innovador, su rebeldía ante las normas establecidas y su búsqueda de libertad de expresión. La Movida Madrileña no solo fue un movimiento musical, sino también un fenómeno social que abarcó diversas manifestaciones artísticas como el cine, la moda, la literatura y las artes plásticas.

Los grupos de la Movida Madrileña se destacaron por su diversidad estilística, que iba desde el punk y el rock hasta la electrónica y el pop, y por sus letras cargadas de crítica social, ironía y desenfado. Bandas como Nacha Pop, Alaska y los Pegamoides, Los Secretos, y Aviador Dro, entre otros, se convirtieron en referentes de esta época dorada de la música española, dejando un legado imborrable en la historia cultural del país.

Su origen

En el corazón de la Movida Madrileña se encontraban los grupos musicales que, con su innovación y rebeldía, reflejaban la atmósfera de cambio y libertad que se vivía en la sociedad española de aquel entonces. Estos grupos de la Movida Madrileña no solo crearon música, sino que también fueron catalizadores de una revolución cultural que desafió las normas establecidas y abrazó la experimentación en todas sus formas.

Los iconos de La Movida Madrileña

Entre los grupos más destacados de la Movida Madrileña se encuentra «Los Secretos», una banda que combinaba el rock con la canción melódica y que se convirtió en un referente del movimiento. Canciones como «Déjame», «Sobre un vidrio mojado» y «Pero a tu lado» son himnos inolvidables de aquella época. La banda liderada por Álvaro Urquijo logró capturar la esencia de la Movida con sus letras emotivas y su estilo único.

Otro grupo emblemático fue «Nacha Pop», cuyo sonido fresco y juvenil conquistó a toda una generación. Temas como «La chica de ayer», «Antes de que salga el sol» y «Una décima de segundo» se convirtieron en clásicos instantáneos y siguen siendo recordados con cariño por los amantes de la música española. Nacha Pop encarnaba la esencia desenfadada y optimista de la Movida Madrileña, convirtiéndose en un símbolo de rebeldía y libertad.

Su influencia en el mundo de la música

Los grupos de la Movida Madrileña no solo dejaron un legado musical, sino que también fueron pioneros en la creación de un nuevo lenguaje visual y estético que permeó la cultura española de la época. Sus letras hablaban de amor, desamor, libertad y deseo, reflejando las inquietudes y aspiraciones de una juventud ávida de expresión y cambio.

El legado perdurable

Aunque la Movida Madrileña tuvo su apogeo en los años 80, su influencia sigue vigente en la cultura española hasta el día de hoy. Los grupos que surgieron durante aquel período siguen siendo venerados por nuevas generaciones de fans y su música continúa sonando en las calles de Madrid y más allá.

Herencia cultural de los grupos de La Movida Madrileña

La Movida Madrileña dejó un legado cultural invaluable que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio. Su espíritu de rebeldía, creatividad y libertad sigue siendo una fuente de inspiración para artistas de todas las disciplinas y un recordatorio de la capacidad transformadora del arte y la cultura.

Los grupos de la Movida Madrileña no solo marcaron una época en la historia de la música española, sino que también fueron protagonistas de una revolución cultural que cambió para siempre el panorama artístico y social de España. Su música sigue siendo un testimonio vivo de una época de cambio y libertad que sigue resonando en el corazón de todos aquellos que vivieron y disfrutaron de aquellos años dorados de la cultura española.

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En la era digital y la industria musical en constante evolución, los cursos de producción musical se han convertido en un recurso invaluable para aquellos que desean dominar las complejidades de la creación sonora. Estos cursos ofrecen a los estudiantes la oportunidad de explorar los fundamentos de la producción musical, desde la grabación y la mezcla hasta la masterización y la composición.

En este artículo, nos sumergiremos en el mundo de los cursos de producción musical, explorando su pensum académico, las habilidades que enseñan y mencionando algunas de las mejores instituciones del mundo que ofrecen estos cursos.

Descubriendo los cursos de producción musical

Los cursos de producción musical son programas educativos diseñados para enseñar a los estudiantes las habilidades necesarias para crear música de alta calidad en un entorno de estudio profesional. Estos cursos abarcan una amplia gama de temas, incluyendo la grabación de audio, la edición digital, la mezcla de sonido, la síntesis de sonido, la composición musical y más. A través de una combinación de teoría y práctica, los estudiantes aprenden a utilizar software y equipos especializados para producir música en una variedad de estilos y géneros.

El pensum académico de estos cursos

El pensum académico de los cursos de producción musical varía según la institución y el nivel de estudio, pero generalmente incluye una combinación de cursos teóricos y prácticos diseñados para desarrollar las habilidades técnicas y creativas de los estudiantes. Algunos de los cursos comunes que se encuentran en estos programas incluyen:

1. Teoría Musical: Fundamentos de la teoría musical, incluyendo lectura de partituras, armonía, ritmo y estructura musical.
2. Grabación de Audio: Técnicas de micrófono, acústica de estudio, grabación en vivo y grabación multipista.
3. Edición de Audio: Uso de software de edición de audio para editar, cortar, recortar y procesar grabaciones de audio.
4. Mezcla de Sonido: Principios de mezcla de sonido, ecualización, compresión, efectos y panoramización.
5. Masterización: Proceso final de optimización de audio para su distribución, incluyendo ecualización, compresión y limitación.
6. Composición Musical: Técnicas de composición musical, incluyendo melodía, armonía, estructura y desarrollo temático.

Instituciones que ofrecen los mejores cursos de producción musical

Si estas interesado en tomar alguno de estos cursos, aquí te ofrecemos un listados de las mejores instituciones para hacerlo:

1. Berklee College of Music (Estados Unidos): Berklee es una de las principales instituciones de música del mundo, y ofrece una amplia gama de cursos de producción musical a través de su departamento de producción y tecnología musical.
2. Sae Institute (Varios Países): SAE Institute es una red global de instituciones educativas que ofrece programas de estudio en producción musical, audio ingeniería y más en ciudades de todo el mundo.
3. Full Sail University (Estados Unidos): Full Sail University es conocida por sus programas de estudio en entretenimiento y medios, incluyendo la producción musical y la ingeniería de sonido.
4. Abbey Road Institute (Varios Países): Con sede en Londres y con ubicaciones en todo el mundo, Abbey Road Institute ofrece cursos de producción musical impartidos por profesionales de la industria en estudios de grabación de renombre mundial.
5. Point Blank Music School (Varios Países): Point Blank es una escuela de música con sede en Londres que ofrece una variedad de cursos de producción musical, desde cursos cortos hasta programas de grado completo.

1. BIMM Institute (Varios Países): BIMM Institute es una red de instituciones de música contemporánea ubicadas en varias ciudades de Europa, que ofrece una variedad de programas de estudio en producción musical, composición y más.

¿Por qué son importantes?

Estos cursos desempeñan un papel fundamental en la formación y el desarrollo de músicos y productores de audio profesionales. Estos programas proporcionan a los estudiantes las habilidades técnicas y creativas necesarias para tener éxito en la industria musical, así como una comprensión profunda de los procesos y tecnologías involucradas en la producción de música de alta calidad.

Además, los cursos de producción musical ofrecen a los estudiantes la oportunidad de colaborar con otros músicos y productores, ganar experiencia práctica en entornos de estudio profesionales y construir una red de contactos en la industria.

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Los cantantes más famosos de la historia han dejado una huella imborrable en el mundo de la música, cautivando a audiencias de todas las edades y culturas con su talento, carisma y pasión. Desde los escenarios más grandes hasta las grabaciones más icónicas, estos artistas han elevado el arte de cantar a nuevas alturas y han dejado un legado perdurable que continúa inspirando a generaciones posteriores.

En este artículo, exploraremos la vida y obra de algunos de los cantantes más influyentes de todos los tiempos, destacando su país de procedencia y el tema musical que los catapultó a la fama mundial.

Cantantes más famosos de la historia

Los cantantes más famosos de la historia han trascendido barreras culturales y lingüísticas, llegando a millones de personas en todo el mundo con sus interpretaciones emotivas y poderosas. Desde las baladas románticas hasta el rock and roll frenético, cada uno de estos artistas ha dejado una marca indeleble en la historia de la música, convirtiéndose en íconos eternos de la expresión artística a través del canto. A continuación, te presentamos una selección de los mejores a nivel mundial:

Elvis Presley (Estados Unidos) – Rock and Roll

Elvis Presley, conocido como el «Rey del Rock and Roll», es sin duda uno de los cantantes más famosos de la historia. Nacido en Tupelo, Mississippi, Estados Unidos, en 1935, Elvis irrumpió en la escena musical en la década de 1950 con su estilo único y su carisma magnético. Con canciones como «Heartbreak Hotel», «Hound Dog» y «Jailhouse Rock», Elvis no solo revolucionó la música popular, sino que también dejó una marca indeleble en la cultura popular mundial.

Freddie Mercury (Reino Unido) – Rock y Ópera

Freddie Mercury, el carismático líder de la legendaria banda Queen, es otro de los cantantes más famosos de la historia. Nacido en Zanzíbar en 1946 y criado en Inglaterra, Mercury cautivó a audiencias de todo el mundo con su increíble rango vocal y su presencia escénica inigualable. Con éxitos como «Bohemian Rhapsody», «We Will Rock You» y «Somebody to Love», Mercury demostró su versatilidad como intérprete, fusionando el rock con elementos de la ópera y el teatro musical.

Edith Piaf (Francia) – Chanson Française

Edith Piaf, la «Môme Piaf» o «El Gorrión de París», es una de las cantantes más famosas de la historia de Francia y una de las voces más emblemáticas del siglo XX. Nacida en París en 1915, Piaf cautivó al mundo con su emotiva interpretación de la chanson française, o canción francesa. Con clásicos como «La Vie en Rose» y «Non, Je Ne Regrette Rien», Piaf transmitió una intensa emoción y vulnerabilidad a través de su voz única y su estilo inconfundible.

Luciano Pavarotti (Italia) – Ópera

Luciano Pavarotti, el «Rey de los Tenores», es uno de los cantantes más famosos de la historia en el ámbito de la ópera. Nacido en Módena, Italia, en 1935, Pavarotti cautivó a audiencias de todo el mundo con su voz potente y su técnica impecable. Con su interpretación de arias como «Nessun Dorma» de la ópera «Turandot», Pavarotti se convirtió en un ícono global de la ópera, llevando el arte vocal a nuevas alturas de popularidad y accesibilidad.

Michael Jackson (Estados Unidos) – Pop y R&B

Michael Jackson, el «Rey del Pop», es indudablemente uno de los cantantes más famosos de la historia moderna. Nacido en Gary, Indiana, Estados Unidos, en 1958, Jackson dejó una marca imborrable en la música popular con su increíble talento, su innovadora coreografía y su estilo único. Con álbumes como «Thriller» y éxitos como «Billie Jean» y «Beat It», Jackson dominó las listas de éxitos y se convirtió en un ícono global de la música pop y el R&B.

Celia Cruz (Cuba) – Salsa

Celia Cruz, conocida como la «Reina de la Salsa», es una de las cantantes más famosas de la historia de la música latina. Nacida en La Habana, Cuba, en 1925, Cruz cautivó a audiencias de todo el mundo con su voz potente y su energía contagiosa. Con éxitos como «La Vida Es un Carnaval» y «Quimbara», Cruz se convirtió en un símbolo de la música salsa y en una embajadora de la cultura cubana en el mundo entero.

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La música impresionista es un género fascinante que evoca imágenes y emociones a través de sonidos sutiles y evocadores. Originada en el siglo XIX, esta forma de expresión musical comparte características con el movimiento artístico impresionista, buscando capturar impresiones y sensaciones en lugar de representar la realidad de manera precisa. En este artículo, exploraremos qué es la música impresionista, sus características distintivas y su funcionalidad en el mundo de la música clásica.

¿Qué es la música impresionista?

Algunos temas que son ejemplos de música impresionista incluyen «Claro de luna» de Claude Debussy, «Preludio a la siesta de un fauno» también de Debussy, «Golliwog’s Cakewalk» de Debussy, «La Mer» de Debussy, «Pavana para una infanta difunta» de Maurice Ravel y «Images» de Claude Debussy. Estas composiciones capturan la atmósfera etérea y evocadora del impresionismo musical, con tonos suaves, texturas delicadas y una narrativa musical que sugiere más que describe, creando paisajes sonoros que invitan a la imaginación del oyente a vagar libremente.

Magia de la música impresionista

La música impresionista es un género que busca evocar imágenes, atmósferas y emociones a través de sonidos sugestivos y abstractos. Al igual que el movimiento artístico del impresionismo, que se originó en la pintura en la década de 1860 en Francia, la música impresionista busca capturar la sensación de un momento o lugar en lugar de representar una realidad objetiva. Esta forma de expresión musical se caracteriza por su uso de armonías vagas, colores tímbricos sutiles y estructuras no convencionales, creando paisajes sonoros que invitan a la imaginación del oyente a vagar libremente.

Características de la música impresionista: texturas luminosas y atmosféricas

La música impresionista se distingue por una serie de características distintivas que la diferencian de otros géneros musicales. Una de las características más destacadas es el énfasis en las texturas sonoras y las atmósferas evocativas. Los compositores impresionistas utilizan una variedad de técnicas para lograr este efecto, como el uso de acordes extendidos, armonías ambiguas y efectos tímbricos sutiles. Estas texturas luminosas y atmosféricas crean una sensación de inmersión y transportan al oyente a un mundo de sonidos sugerentes y enigmáticos.

Funcionalidad de la música impresionista

Este estilo musical no solo busca evocar imágenes y emociones, sino también explorar nuevas formas de expresión musical. Los compositores impresionistas experimentan con estructuras formales no convencionales, como la forma libre y la improvisación, rompiendo con las convenciones musicales tradicionales y abriendo nuevas posibilidades creativas. Además, la música impresionista a menudo se inspira en otras formas de arte, como la literatura, la pintura y la danza, integrando elementos de estas disciplinas en su composición para crear obras multidimensionales y emocionantes.

Compositores y obras representativas

Varios compositores han dejado una marca indeleble en el mundo con sus obras innovadoras y visionarias. Claude Debussy es quizás el más conocido de estos compositores, con obras como «Preludio a la siesta de un fauno» y «Claro de luna» que son ejemplos paradigmáticos del estilo impresionista. Maurice Ravel es otro destacado exponente de la música impresionista, conocido por obras como «Bolero» y «Daphnis et Chloé», que fusionan elementos del impresionismo con influencias de otras tradiciones musicales.

Su legado para el mundo en la música

Aunque tuvo su apogeo en el siglo XIX y principios del XX, su legado perdura hasta el día de hoy, inspirando a músicos de todas las épocas y estilos. La influencia del impresionismo se puede encontrar en una amplia variedad de géneros musicales, desde la música clásica hasta el jazz y más. Además, la música impresionista sigue siendo una fuente de inspiración y exploración para compositores contemporáneos que buscan nuevas formas de expresión y conexión emocional a través del arte sonoro.

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La música celta, con sus melodías encantadoras y sus ritmos cautivadores, ha fascinado a oyentes de todo el mundo durante siglos. En este artículo, nos adentraremos en el apasionante mundo de los grupos de música celta, explorando a los mejores representantes, su estilo musical distintivo y su impacto a nivel mundial.

Música celta grupos, su encanto y tradición

Los grupos de música celta han desempeñado un papel crucial en la preservación y difusión de la rica herencia musical de los pueblos celtas a lo largo de los siglos. Desde las verdes colinas de Irlanda hasta las brumosas tierras de Escocia, la música celta ha sido una fuente de inspiración y orgullo para sus seguidores, y los grupos de música celta han sido los guardianes de esta tradición vibrante y emocionante.

Los mejores representantes de la música celta grupos

A lo largo de los años, han surgido numerosos grupos de música celta que han dejado una huella indeleble en la escena musical internacional. Algunos de los mejores representantes incluyen:

1. Clannad: Conocido por su distintivo estilo musical que fusiona elementos de la música tradicional irlandesa con sonidos contemporáneos, Clannad ha sido uno de los grupos de música celta más influyentes de todos los tiempos. Con éxitos como «Theme from Harry’s Game» y «I Will Find You», han llevado la música celta a audiencias de todo el mundo.
2. The Chieftains: Fundado en 1962, The Chieftains es uno de los grupos de música celta más venerados y respetados. Con su enfoque virtuoso de la música tradicional irlandesa, han colaborado con una amplia gama de artistas internacionales, desde Van Morrison hasta los Rolling Stones, y han ganado múltiples premios Grammy por sus innovadoras interpretaciones.

El estilo musical de los grupos de música celta

El estilo musical de estos grupos es distintivo y único, caracterizado por una combinación de melodías emotivas, ritmos pulsantes y letras evocadoras que capturan la esencia del alma celta. Algunas de las características más destacadas de este estilo incluyen:

1. Instrumentación Tradicional: suelen utilizar una amplia variedad de instrumentos tradicionales, como la flauta irlandesa, el violín, la gaita, el bodhrán (tambor irlandés) y el arpa celta. Estos instrumentos crean un sonido rico y evocador que transporta al oyente a las tierras místicas de la antigua Celtia.
2. Armonías Vocales: las armonías vocales desempeñan un papel importante en la música celta, con múltiples voces entrelazadas para crear un sonido celestial y conmovedor. Los grupos de música celta a menudo se destacan por sus armonías vocales exquisitas y sus letras poéticas que exploran temas de amor, pérdida, naturaleza y mitología celta.

Su influencia a nivel mundial

La música celta ha tenido un impacto duradero en la escena musical internacional, inspirando a artistas y oyentes de todo el mundo con su belleza y emotividad. Los grupos de este estilo han contribuido significativamente a esta influencia global, llevando los sonidos y las tradiciones de Celtia a nuevos horizontes y audiencias. Algunos de los aspectos más destacados de su influencia incluyen:

1. Popularidad en Festivales y Eventos Internacionales: estos grupos a menudo son invitados a actuar en festivales y eventos internacionales, donde comparten su música y su cultura con personas de todas las edades y nacionalidades. Festivales como el Festival Intercéltico de Lorient en Francia y el Milwaukee Irish Fest en Estados Unidos son ejemplos de lugares donde la música celta es celebrada y apreciada.
2. Colaboraciones con Artistas de Diversos Géneros: estos grupos han colaborado con una amplia gama de artistas de diferentes géneros musicales, desde el rock y el pop hasta el jazz y la música clásica. Estas colaboraciones han ampliado la audiencia de la música celta y han demostrado su versatilidad y relevancia en el panorama musical contemporáneo.

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La música en Roma antigua es un tema fascinante que nos ofrece una visión única de la vida y la cultura en uno de los imperios más influyentes de la historia. En este artículo, nos sumergiremos en el vibrante mundo de la música en la antigua Roma, explorando los instrumentos utilizados, los representantes emblemáticos, los compositores y mucho más.

Música en Roma antigua

La música en Roma antigua ocupaba un lugar destacado en la vida cotidiana de sus ciudadanos, tanto en lo religioso como en lo secular. Desde las majestuosas ceremonias religiosas hasta las animadas fiestas y celebraciones, la música era una parte integral de la experiencia romana, sirviendo como medio de expresión, entretenimiento y conexión con lo divino.

Instrumentos utilizados

La música en Roma antigua se caracterizaba por una amplia variedad de instrumentos, cada uno con su propio sonido distintivo y función en la música de la época. Entre los instrumentos más comunes se encontraban:

1. Lira: La lira era un instrumento de cuerda pulsada que se asemejaba a una pequeña arpa. Era uno de los instrumentos más populares en la antigua Roma y se utilizaba tanto en actuaciones musicales como en acompañamientos para la poesía recitada.
2. Tibia: La tibia era una flauta de madera con varios agujeros que se tocaba soplando aire a través de ella. Era un instrumento versátil que se utilizaba en una variedad de contextos musicales, desde ceremonias religiosas hasta entretenimiento en eventos sociales.
3. Trompeta: Las trompetas romanas eran instrumentos de metal que se utilizaban principalmente en contextos militares y ceremoniales. Su sonido potente y penetrante se asociaba con la autoridad y el poder, y se utilizaba para anunciar la llegada de dignatarios y la celebración de eventos importantes.
4. Tambor: Los tambores eran instrumentos de percusión utilizados para marcar el ritmo y proporcionar una base rítmica para la música. Se tocaban golpeándolos con las manos o con palos, y se utilizaban en una variedad de contextos musicales, desde desfiles militares hasta festivales y espectáculos teatrales.

Representantes emblemáticos de la música en Roma antigua

En la antigua Roma, la música era interpretada por una variedad de artistas talentosos, cuyas habilidades y actuaciones cautivaban a audiencias de todas las clases sociales. Entre los representantes emblemáticos de la música en Roma antigua se encontraban:

1. Terencio: Terencio fue un famoso compositor y cantante de la antigua Roma, conocido por sus habilidades en la lira y su capacidad para componer poesía lírica y canciones emotivas. Sus actuaciones eran muy apreciadas por la élite romana y a menudo se le pedía que actuara en fiestas y banquetes.
2. Apuleyo: Apuleyo fue otro destacado músico y poeta de la antigua Roma, conocido por su virtuosismo en la tibia y su habilidad para componer música para una variedad de ocasiones, desde ceremonias religiosas hasta eventos sociales y festivales públicos. Su obra musical influyó en generaciones posteriores de compositores romanos y su legado perduró mucho tiempo después de su muerte.

Compositores y obras destacadas en la música en Roma antigua

Si bien la mayoría de los nombres de los compositores de la música en esta época se han perdido en el tiempo, algunas obras musicales han sobrevivido y nos brindan una visión fascinante de la creatividad musical de la época. Algunas de estas obras destacadas incluyen:

1. Himnos Religiosos: En la antigua Roma, la música desempeñaba un papel importante en la adoración religiosa, y se componían numerosos himnos y canciones para honrar a los dioses y celebrar los rituales sagrados. Estas obras, que a menudo se cantaban en coro acompañadas de instrumentos musicales, reflejaban la devoción y la espiritualidad de la sociedad romana.
2. Música Teatral: La música también era una parte integral del teatro romano, donde se utilizaba para realzar la atmósfera de las representaciones y evocar emociones en el público. Se componían música y canciones para acompañar las obras de teatro, tanto las tragedias como las comedias, y se consideraba una parte esencial de la experiencia teatral romana.

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En el vasto y misterioso reino de la creatividad, la musa de la música brilla como una figura divina que inspira a compositores, músicos y artistas a alcanzar nuevas alturas de expresión artística. En este artículo, exploraremos la musa de la música: su definición, características y la profunda funcionalidad que desempeña en el proceso creativo de la composición musical.

Musa de la música como fuente de inspiración celestial

La musa de la música se alza como una fuerza etérea que influye en la mente y el espíritu de los artistas, guiándolos hacia la expresión más pura y elevada de la música. Esta musa, una entidad de inspiración divina en la mitología griega, personifica el poder creativo que impulsa a compositores y músicos a explorar nuevas melodías, armonías y ritmos en su búsqueda de la belleza sonora.

Definición de la musa de la música

Se define como una entidad mítica o simbólica que sirve como fuente de inspiración y creatividad para compositores, músicos y artistas. En la mitología griega, las musas eran hijas de Zeus y Mnemósine, la diosa de la memoria, y cada una presidía sobre un área específica de las artes y las ciencias. La musa de la música, conocida como Euterpe, era la guardiana de la música y la poesía lírica, inspirando a aquellos que buscaban expresar sus emociones a través del arte del sonido.

Características

Se caracteriza por su belleza etérea y su conexión con el mundo celestial. Representada a menudo como una joven hermosa coronada con laureles y llevando una flauta o una lira, la musa de la música personifica la armonía y el equilibrio en todas sus formas. Su presencia evoca sentimientos de inspiración, pasión y creatividad en aquellos que buscan dar forma a la música en todas sus manifestaciones.

Funcionalidad

Desempeña un papel fundamental en el proceso creativo de la composición musical, sirviendo como fuente de inspiración y guía para los artistas en su búsqueda de la perfección estética y emotiva. Su influencia se manifiesta de diversas formas, desde la inspiración repentina que golpea a un compositor en un momento de éxtasis creativo hasta la orientación sutil que guía la elección de melodías, armonías y estructuras musicales.

La musa de la música como fuente de inspiración

Esta musa, ante todo, una fuente inagotable de inspiración para compositores y músicos de todos los géneros y estilos. Su utilización en el proceso creativo puede manifestarse de muchas maneras, desde la aparición de melodías en sueños hasta la revelación de nuevas ideas mientras se improvisa frente al piano o la guitarra. Los artistas que se abren a la influencia de la musa de la música pueden encontrar una conexión profunda con su creatividad interior y dar vida a obras maestras musicales que resuenen con la humanidad.

Guía creativa

Además de ser una fuente de inspiración, la musa de la música también actúa como una guía creativa para los artistas, ayudándolos a tomar decisiones en el proceso de composición y a encontrar el camino hacia la expresión más auténtica y personal de su arte. Su influencia puede manifestarse en la elección de acordes, la estructura de una canción o la instrumentación de una pieza musical, guiando al compositor hacia las decisiones que mejor capturan la esencia de su visión creativa.

Su legado eterno

A lo largo de la historia de la música, la musa ha sido una presencia constante e inspiradora que ha guiado a innumerables artistas en su búsqueda de la perfección musical. Desde los antiguos griegos hasta los compositores contemporáneos, la influencia de la musa de la música se puede sentir en cada nota, cada melodía y cada armonía que resuena en el corazón humano.

Su legado eterno perdura como una fuente de inspiración y creatividad para todas las generaciones de artistas que buscan dar forma al sonido y la emoción en su forma más pura y sublime.

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Gorillaz es, cuanto menos, una banda particular. Su historia comienza en los años 90, cuando Graham Coxon, guitarrista de la icónica banda de britpop Blur y fanático del ilustrador inglés Jamie Hewlett, le pidió a este último que entrevistara a su grupo, ya que Hewlett también era cofundador de la revista Deadline.

En esa entrevista, Hewlett conoció al vocalista y frontman del cuarteto londinense, Damon Albarn, y como muchas relaciones que construimos a lo largo de la vida, no se llevaron bien desde el principio. El animador pensaba que Albarn era, por decirlo de forma suave, un bobito, mientras que Damon le guardaba cierto rencor a Hewlett, ya que este comenzó a salir con la exnovia de Coxon en esos típicos caso en los que tu mejor amigo termina más enojado por todo el asunto de tu ex que tú mismo.

El caso es que, tras algunos años de tensiones, coincidió que Hewlett y Albarn terminaron sus relaciones con Jane Oliver y Justine Frischmann, respectivamente, casi al mismo tiempo. Eso, de una u otra forma, los llevó a vivir juntos en una casa ubicada en Londres en 1997. En uno de esos días a finales de los 90, viendo MTV, ambos llegaron a la conclusión de que en la cadena —y en la industria en general— nada tenía sustancia.

De ahí nació la idea de hacer algo que rompiera con los parámetros musicales del momento: crear una banda ficticia que existiera dentro de su propio universo, uno bizarro, lleno de personajes grotescos pero profundamente humanos. Así nació Gorillaz.

El nombre de la banda aparece ya que tanto Damon como Jamie nacieron en 1968, que según el calendario chino es el año del mono. A partir de ahí comenzaron a construir el universo de personajes que daría vida al proyecto. Desde el caótico y manipulador Murdoc Niccals, pasando por el traumado pero talentoso Russel Hobbs, hasta la enigmática Noodle, todos aportan algo especial a la propuesta. Sin embargo, el corazón del grupo siempre fue 2-D, su vocalista, un personaje ingenuo, distraído y emocionalmente transparente que, en palabras del propio Albarn, nunca fue difícil de construir, en gran parte porque estaba basado en él mismo y en ese arquetipo de líder frágil y algo perdido que definía la época.

Con los protagonistas ya definidos, solo faltaba dar forma a su primer arco, algo en lo que Albarn y Hewlett no escatimaron en detalles, dotando a su creación de un origen convulso y visceral que conectó de inmediato con una nueva generación de jóvenes en todo el mundo.

La historia comienza el 15 de agosto de 1997, cuando Murdoc, un bajista obsesionado con la fama, decide asaltar una tienda de instrumentos estrellando su coche contra el escaparate. En el proceso hiere gravemente a Stuart Pot, empleado a tiempo parcial del establecimiento, fracturando permanentemente su ojo izquierdo y poniéndolo en un estado catatónico. Murdoc fue sentenciado a 30.000 horas de servicio comunitario además de otras 10 semanales al cuidado de “Stu-Pot”, como se conocía cotidianamente a Stuart. 

No mucho después, Murdoc volvió a herir a Stuart en un accidente automovilístico en un estacionamiento en Nottingham cuando intentaba dar un giro de 360° para impresionar a unas chicas. Durante el primer giro, el pobre Stu-Pot salió disparado a través del parabrisas y aterrizó de cara en una acera. Esto dañó permanentemente su ojo derecho pero lo despertó de su coma. Impresionado por su nueva apariencia, Niccals lo reclutó como teclista y vocalista de su grupo, rebautizándolo como “2-D” (Two-Dents) por el par de abolladuras en su cabeza debido a los accidentes.

Instalado en los Kong Studios, una mansión abandonada y cargada de historias extrañas, Murdoc añadió a la alineación a Russel, un baterista marcado por un pasado traumático en Nueva York, donde sobrevivió a un tiroteo y quedó poseído por los espíritus de sus amigos, lo que explica tanto su talento en la percusión como su presencia inquietante.

La primera formación se completó con Paula Cracker, guitarrista y pareja de 2-D, pero su salida tras un conflicto interno obligó al grupo a buscar un reemplazo. La respuesta llegaría de forma tan absurda como el propio universo de la banda: una niña japonesa apareció enviada en una caja con una guitarra. Era Noodle, un prodigio que terminó de definir la identidad del grupo.

Con la formación cerrada y una dinámica marcada por el caos, la violencia y el absurdo, la banda empezó a grabar sus primeras demos, que juntaron en su primer EP titulado Tomorrow Comes Today, lanzado el 27 de noviembre de 2000, dando forma a un proyecto que pronto buscaría dar un golpe sobre la mesa con su primer LP.

Tras ese EP y sencillos como ‘Clint Eastwood’, que se convirtió en un éxito mundial y alcanzó la cuarta posición en el Reino Unido, el 26 de marzo de 2001 llegó su álbum debut, Gorillaz, un trabajo que desde el inicio se percibe disruptivo y experimental, coherente con la estética construida desde su nacimiento y decidido a romper con cualquier lógica de género dentro del pop-rock de la época.

El disco le da la bienvenida al oyente con ‘Re-Hash’, que según Rise of the Ogre, la autobiografía de 2006 de la banda, es descrita como “una apertura gloriosamente optimista para el álbum”. Es cierto que su ritmo calmado, sostenido principalmente por la melodía de la guitarra, evoca una sensación de optimismo; pero, teniendo en cuenta el contexto del grupo y su propósito, no se trata de un comienzo superficial.

La letra, en versos como “Cause it’s the money or stop / It’s the money or stop” (Porque es el dinero o parar / Es el dinero o parar), puede leerse como una crítica a la sociedad contemporánea, donde el dinero funciona como motor absoluto, una lógica en la que, básicamente, sin dinero no eres nadie. Por otro lado, la referencia a “drugstore soul boy” sugiere una búsqueda de consuelo o escape en sustancias, reforzando esa idea de vacío que atraviesa el trasfondo del tema.

Después, llega ‘5/4’, que comienza con un riff de guitarra que parece sacado directamente del punk de finales de siglo. Más allá del detalle de que la canción lleva ese nombre porque la melodía de la guitarra está construida sobre un compás irregular de 5/4 —mientras el resto de instrumentos se mueven en un 4/4 más convencional, generando una sensación constante de inestabilidad—, el tema se siente como uno de los momentos más caóticos del álbum .

La canción nos mete de lleno en una mente fragmentada, cercana a esa etapa más desordenada de Damon Albarn, marcada por excesos y vacíos emocionales. La letra es oscura, casi absurda por momentos, cargada de imágenes crípticas sobre magia, latidos silenciosos y una mujer que “excita” a su padre, que más que contar algo concreto construyen una atmósfera incómoda y desorientadora . Esa misma rareza fue, en parte, lo que la dejó fuera como sencillo principal —a pesar de haber sido considerada para ese lugar—, reforzando su carácter menos accesible y más experimental dentro del disco, eso sí, dejándonos un interesante borrador de cómo habría sido su video musical.

A partir de ahí, el disco entra en una zona más introspectiva con ‘Tomorrow Comes Today’ y ‘New Genious (Brother)’. La primera se sostiene sobre un ritmo lento y casi hipnótico, marcado por la armónica y una producción minimalista que refuerza su aire melancólico. Es una canción que transmite una sensación de vacío y desconexión, como si el presente se sintiera estancado. En esa misma línea, ‘New Genious (Brother)’ profundiza en ese tono introspectivo, con una base más densa y una interpretación vocal que se siente distante, casi fantasmagórica, construyendo un paisaje emocional frío y contenido.

El quiebre llega con ‘Clint Eastwood’, uno de los puntos más altos del disco y probablemente su declaración de intenciones más concisa. Sobre un beat simple pero efectivo, la canción mezcla la voz apagada de Damon con el rap de Del the Funky Homosapien, dando como resultado un tema que equilibra melancolía y groove con naturalidad. Luego, ‘Man Research (Clapper)’ retoma un tono más inquietante, con un ritmo más fragmentado y una atmósfera tensa que juega con lo experimental, cerrando esta parte del álbum con una sensación de incomodidad.

Después de ese tramo más cargado hacia el hip hop, llega ‘Punk’, una pieza breve pero clave para entender la versatilidad de Gorillaz. Si el inicio del álbum ya había coqueteado con un sonido más roquero, aquí la banda lo lleva al extremo, apostando por una energía cruda, acelerada y casi desordenada que remite directamente al espíritu del punk más clásico. En poco más de un minuto, el tema funciona como una descarga de ruido y actitud, reafirmando que el proyecto no estaba atado a ningún género en particular, sino que se movía con total libertad entre estilos.

Tras la descarga de ‘Punk’, el álbum vuelve a sumergirse en un terreno más denso con ‘Sound Check (Gravity)’ y ‘Double Bass’. La primera se construye sobre un ritmo pesado y repetitivo, casi hipnótico, donde las voces aparecen filtradas y distantes, reforzando una sensación de aislamiento y caída constante —como sugiere el propio “gravity” del título—. Es una de las piezas más atmosféricas del disco, donde la estructura importa menos que el mood. En esa misma línea, ‘Double Bass’ lleva la experimentación aún más lejos: prácticamente despojada de estructura tradicional, se apoya en sintetizadores y efectos que generan un paisaje psicodélico y flotante, interrumpido únicamente por una breve intervención vocal de Damon en la que dice “All of which makes me anxious / At times unbearably so” (Todo lo que me hace ansioso / A veces tan insoportable) lo que la convierte en uno de los momentos más abstractos del trabajo.

El pulso cambia con ‘Rock the House’, uno de los sencillos del disco y quizá su expresión más directa hacia el hip hop. Sobre un beat más marcado y bailable, el tema vuelve a apoyarse en la colaboración de Del the Funky Homosapien, aportando flow y carisma a una canción que equilibra groove y accesibilidad sin perder la identidad del proyecto. Después de varios pasajes más introspectivos y experimentales, ‘Rock the House’ funciona como un punto de anclaje, recordando que Gorillaz también sabía moverse con soltura dentro de estructuras más clásicas.

Tras ese regreso al hip hop, es inevitable no hablar de ‘19-2000’ y su icónico “Get the cool / Get the cool shoeshine”. Empezando por el título, este hace referencia directa al cambio de milenio, al paso de los 1900 a los 2000, utilizando ese momento como metáfora del cambio constante al que las personas se ven sometidas por la velocidad con la que avanza el tiempo.

La idea queda clara desde el inicio con el verso “The world is spinning too fast / I’m buying lead Nike shoes / To keep myself tethered / To the days I’ve tried to lose” (El mundo gira demasiado rápido / Voy a comprar unos tenis retro de Nike / Para mantenerme atado / A los días que he intentado dejar atrás), donde aparece esa imagen de los zapatos como ancla. Más que un simple objeto, funcionan como símbolo de estabilidad: una forma de mantenerse con los pies en la tierra en medio de un entorno acelerado, evitando que el paso del tiempo, los excesos o el propio caos arrastren al individuo.

El coro, con ese repetitivo “Get the cool / Get the cool shoeshine”, refuerza esta idea desde otro ángulo, casi como un mantra. Puede interpretarse como una invitación a encontrar esa “chispa” o versión más auténtica de uno mismo, incluso en medio de la saturación cultural y emocional. En lo musical, la canción refleja perfectamente ese contraste entre caos y control. A diferencia de otros momentos más densos del disco, aquí Gorillaz apuesta por una base más ligera y rítmica, como sacada de una caricatura de Cartoon Network, con un groove casi juguetón construido sobre sintetizadores, percusiones marcadas y una línea melódica pegajosa que la acerca al pop sin dejar de lado su ADN alternativo. Esa accesibilidad, sumada a su estética ligeramente absurda y repetitiva, termina convirtiéndola en uno de los temas más reconocibles del álbum.

A continuación llega una de las sorpresas más gratas de todo el álbum: ‘Latin Simone (¿Qué Pasa Contigo?)’, en colaboración con Ibrahim Ferrer. El tema, completamente en español, fusiona una balada salsera con una base de hip hop, incorporando además elementos muy propios del género como un piano tocando un montuno y la trompeta característica que refuerza su identidad latina. Es, quizá, uno de los momentos donde la agrupación ficticia se muestra más abierta y global, expandiendo su sonido hacia territorios poco habituales dentro del pop alternativo de la época.

Si nos detenemos en la letra, parece que Ferrer le canta directamente a los integrantes de la banda. Versos como “Déjalo si quieres continuar (Hermano) / Sal, ilumina tu vida / Todo el cielo aplastandote / Dime que harás Inténtalo) / Ilumina ese amor / Antes que se vaya” dejan claro que el cantante cubano hace un llamado directo a la reflexión, invitándolos a salir del abismo en el que los excesos, las drogas y ese afán por la fama parecen haberlos atrapado, rematando con “¿Qué pasa contigo? / Déjalo si quieres continuar / No ocultes tu alma al sol / Tienes una vida preciosa / De que sirve si sólo muerte / sobre mi y esta ciudad”. 

La canción termina entre trompetas y una tímida armónica, con Ferrer diciendo, casi a modo de monólogo: “Escucha a tu propia voz / Salva tu amor / ¿Qué pasa contigo? / Antes que se vaya / Si todo va bien / ¿Qué pasa contigo? / Mírate a ti mismo / Enfréntalo / ¿Qué pasa contigo? / Mi hermano”, un cierre íntimo que funciona como un último llamado de atención, donde insiste en la necesidad de escuchar la propia voz, reconocerse a uno mismo y enfrentar lo que se esconde detrás del ruido, repitiendo esa pregunta “¿qué pasa contigo?” no como reproche, sino como una intervención para despertar antes de que sea demasiado tarde.

‘Starshine’ y ‘Slow Country’ funcionan como un descenso progresivo hacia el lado más introspectivo y melancólico del álbum. En ‘Starshine’, la voz de 2-D aparece casi susurrada, envuelta en una atmósfera densa y nocturna, con una base minimalista que refuerza esa sensación de aislamiento y desgaste emocional. Es una canción que parece flotar, como si estuviera suspendida en el tiempo, transmitiendo una especie de vacío que contrasta con los momentos más rítmicos del disco. Por su parte, ‘Slow Country’ profundiza aún más en esa idea, con un tempo arrastrado y una instrumentación que mezcla guitarras etéreas con elementos electrónicos sutiles, construyendo un paisaje sonoro casi desértico. Ambas canciones se sienten como un respiro, pero también como una resaca emocional después del caos, mostrando una faceta mucho más vulnerable del proyecto.

Ese clima encuentra su ruptura definitiva en ‘M1 A1’, el cierre del disco, y probablemente uno de sus momentos más experimentales. La canción comienza con un sample repetitivo y casi inquietante donde encontramos de fondo un “Hello. is anyone there?” (Hola, ¿hay alguien por aquí?), mientras el ritmo va creciendo en intensidad hasta estallar en una explosión de guitarras distorsionadas y energía desbordada. Aquí, Gorillaz se aleja del hip hop y de las texturas más electrónicas para abrazar un sonido mucho más crudo y cercano al rock alternativo, casi caótico. Es un final agresivo, desordenado y deliberadamente incómodo, que rompe con cualquier sensación de cierre convencional. Más que ofrecer una conclusión clara, este tema deja al oyente en un estado de tensión, como si el universo de la banda siguiera expandiéndose más allá del LP, reafirmando esa identidad impredecible y mutante que define toda la propuesta.

Tras este debut, Gorillaz despegó inmediatamente y se consolidó como una de las bandas del momento, alcanzando su mejor momento años después con álbumes como Demon Days, Plastic Beach o, más recientemente, The Mountain, completando un universo narrativo que se movió entre guerras, sectas, pero también entre el sentido de la vida, la fama o el duelo.

Sin embargo, todo eso nace aquí. En un álbum debut que, más allá de sus singles o su estética, funciona como una declaración de principios: un collage sonoro que mezcla hip hop, rock, electrónica y dub sin pedir permiso, y que encuentra coherencia precisamente en su caos. Gorillaz no busca respuestas claras, sino que refleja un mundo fragmentado, acelerado y, muchas veces, contradictorio.

A 25 años de su lanzamiento, el disco sigue sintiéndose fresco porque nunca intentó encajar del todo. Y quizá ahí está su mayor logro: haber entendido, antes que muchos, que el futuro de la música no estaba en elegir un camino, sino en atreverse a cruzarlos todos.

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De Charly García y Pedro Aznar a Susana Giménez y Ricardo Darín, deLuca Prodan y Vivi Tellas a Guillermo Vilas y Rocambole, todos ellos (y muchos más) formaban parte del público habitué de Palladium. La icónica discoteca fue sede de la presentación de Oktubre, el segundo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en 1986. Y por su escenario (y su pista de baile) también pasaron Soda Stereo, Virus, Los Violadores y Los Abuelos de la Nada. La fauna nocturna del mítico boliche de la calle Reconquista incluía a Pappo, Lalo Mir, Claudio Paul Caniggia, Marta Minujín e, incluso, el diseñador francés Jean Paul Gaultier. Ah, Fito Páez filmó allí gran parte del mediometraje Ciudad de pobres corazones, dirigido por Fernando Spiner. Si algo no le falta a la disco fundada por Juan Lepes (padre de la chef Narda Lepes, quien de niña solía circular por allí entre los artistas y el público) y Manuel Novick, es mística. 

Ubicada en la calle Reconquista entre Paraguay y Marcelo T. de Alvear, funcionaba en lo que originalmente fue una usina eléctrica de la Compañía Ítalo Argentina de Electricidad (CIAE), un edificio de ladrillo a la vista con una arquitectura industrial imponente que permitía techos altísimos, ideales para las puestas en escena de la época.

Y aunque el edificio haya sido demolido, el espíritu del lugar se mantiene, desde hace poco menos de un año, transformado en un formato de fiestas itinerantes. La próxima es este viernes 27 de marzo en Niceto Club, Niceto Vega 5510, en el barrio porteño de Palermo. Y será la celebración de los 41 años desde su inauguración. “Se está dando una mezcla muy rara, viene gente joven porque sus padres les contaron que iban a Paladium, pero también vienen padres, con sus hijos e incluso con sus nietos. Es una cosa muy loca. Cada noche es en un venue diferente, y cada noche tiene su mística”, dice Martín Páez Roth, el joven empresario que conoció las asombrosas historias de Palladium, en incontables anécdotas de labios de sus padres, Fito Páez y Cecilia Roth. 

En su versión contemporánea, las fiestas Palladium se posicionan como un espacio disruptivo. No es una fiesta retro, sino que se proponen mostrarle a un público joven una cultura para muchos de ellos desconocida. “La idea es que en vez de salir a bailar reggaetón, salgan a bailar música disco, lo cual es un cambio fuerte para la nueva generación porque es otra onda. Entonces, para mí, la mística sígue intacta, pero el público se renueva. Es muy joven, empiezan a venir desde 18 en adelante, pero es complejo porque muchos son chicos que nunca escucharon esa música. Entonces, el DJ tiene una tarea muy importante. Se trata de darle una perspectiva actual más allá de que se pase música de otra época”, asegura Páez Roth.

Y además de la música, menciona otros factores que completan la propuesta. “Siguen los performers, siguen un montón de cosas de la escenografía del Paladium original, obviamente reversionadas. Y la idea es empezar a llevarlas para el conurbano y el interior del país”.

El documental Una noche en Paladium, dirigido por Francisco Novick (hijo de José Luis Novick, uno de los fundadores), ha sido el motor fundamental detrás del resurgimiento de la mística de la discoteca y de las fiestas que buscan recrear su espíritu. 

“A raíz de la película habían armado dos fiestas,y yo les mandé una propuesta para seguir. Hace ya nueve meses que arrancamos”, repasa. Si, como dijimos, en la discoteca original convivía la fauna rockera con el jet set, entre el público actual son muchas las celebridades que van a las fiestas para rememorar el ámbito original, pero también artistas y comunicadores más jóvenes en plan exploración y disfrute. “Ha venido todo el mundo, pero tratamosde que se sientan cómodos, por eso no les sacamos fotos. La idea es que estén mezclados con el público orgánicamente. Willy Lemos, que era la estrella principal de Paladium, sigue vigente, sigue con nosotros en todas las fiestas. Eh, pero sí, celebrities vinieron desde Lali Espósito hasta quien se te ocurra”. 

Sin que sea una imposición (y sin la posibilidad de restringir el acceso de teléfonos celulares), Martín y el equipo que comanda preferiría que las fiestas funcionen como un espacio de desconexión. “La selección musical de los DJs es minuciosa, empieza el lunes siguiente a la fiesta y dura un mes. Hace poco, uno de los DJs viajó especialmente a buscar vinilos a Estados Unidos, porque toda la música que pasamos es en vinilo. Entonces, cuando ves que hay chicos que se pasan cuatro, cinco o seis horas mirando el celular o chateando, es muy fuerte. Creo que hay un problema en las nuevas generaciones con el teléfono”, argumenta.

Más allá de las fiestas, Martín (al frente de su productora MPR), se especializó en el merchandising de artistas. Comenzó hace nueve años con el de su padre, y desde entonces desarrolló su proyecto que involucra a Babasónicos, Charly García, El Kuelgue,Las Pastillas del Abuelo e, incluso, Bandana. Desde hace dos años operan principalmente en el exterior, con muchos artistas extranjeros que no puede mencionar.  “Nuestra operación más fuerte es afuera”, dice Martín. “Tenemos licencias de artistas para comercializar sus productos y estamos empezando a armar la maquinaria de merch más fuerte para operar más y en menos tiempo. Somos un equipo divino, integrado por quince personas en la oficina de Buenos Aires, después hay una pequeña oficina en Madrid y ahora estamos pensando en abrir algo también en Estados Unidos, todavía no sabemos si en Miami o en New York. La verdad es que hay muchos artistas que en la cadena logística de los shows, el merchandising lo dejan muy atrás. Es como de lo último que se dan cuenta y, en verdad, es un ingreso muy importante. Me da la sensación de que las bandas  extranjeras le dan más importancia que las bandas argentinas, y por no darle bola se pierde un negocio muy grande. Así que estamos tratando de acompañar a las bandas que no tienen merchandising en ese proceso, siempre con transparencia, trabajando con buenos productos textiles y con una cadena de socios a nivel internacional muy fuerte. Tenemos proveedores en los principales países. Si no shippeamos desde Argentina, nos encargamos desde la selección de materiales hasta hasta las muestras finales que prueban las bandas, hasta la puesta en hasta la puesta en marcha de los stands en cada país. Hoy operamos en toda Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa. Tenemos un equipo increíble que se encarga de que todas las noches que tengamos shows esté todo preparado”. 

El proceso creativo del merchandising tiene una parte artística. “Trabajamos arduamente para que sea un producto que le guste a la banda y que le guste al público, porque hay veces que al artista le encanta, pero el público no. Por eso trabajamos con los clubes de fans y con fans de las bandas, los testeamos con ellos antes de sacar los productos a la venta. Por lo general, es un trabajo en conjunto con nuestro equipo de diseño, con el equipo de diseño de la banda y con el público potencial, porque esa es, en definitiva, la mirada más importante”.

Dice, Martín, que suele comprar todo el merchandising disponible de sus artistas favoritos. “”Amo a Madonna y amo a Marilyn Manson. Soy fanático. De ella tengo todo lo que está disponible en su web. También me encantan AC/DC y Rammstein. Sí, soy muy ecléctico. Y unas cinco vece spor años, me tomo unos días para viajar afuera a ver shows con mis amigos. Además, aprovecho para chusmear los puestos de merchandising. A veces, lo estamos operando nosotros. Eso sí que es rarísimo”. 

Páez Roth enuncia que no involucra a sus padres en las decisiones laborales. En cambio, tiene en su abuelo paterno, el legendario escritor, editor y periodista Abrasha Rotenberg, próximo a cumplir 100 años, un confidente. “Me llevo muy bien con él. Lo voy a ver bastante y le cuento todo lo que estoy haciendo. Obviamente ya no está para ir a Paladium, pero tenemos una relación muy cercana y lo veo muy seguido. Es una figura muy importante para mí. Muy importante. Siempre le cuento a él las cosas antes de hacerlas, y no a mis padres. De hecho, lo de Paladium recién se los conté cuando estaba cerrado. No les comparto mucho mis cosas laborales.Desde que soy chico escucho historias de Paladium. Miles. Pero ellos recién se enteraron cuando sacamos el flyer de la primera fiesta. Los dos me llamaron y me dijeron:  ‘Che, ¿qué es esto?’ Obviamente, vinieron pero ni me avisaron que iban a venir”. 

Ya posicionado como un empresario, Martín, que pinta y dibuja desde la infancia, no deja de lado su veta artística.” “Sigo dibujando y sigo pintando, pero quedó en un tercer plano porque con todo este caudal de laburo que tenemos, no puedo tomármelo como me lo tomaba antes. Me encanta dibujar y pintar, pero también había que pagar las cuentas. Expensas, alquileres, todo eso… Y lo otro [el arte] no era una fuente de ingresos válida para sostenerme, pero lo sigo haciendo casi todos los días hasta hoy. De hecho, estoy en mi oficina ahora y tengo lápices. Sigo dibujando , pero no como antes. Me gustaría volver a darle el tiempo que necesita, pero con todo este quilombo laboral ahora no se me hace posible”.

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