El artista venezolano Noreh entra en una nueva etapa con ‘Voy hacer que vuelvas’, un lanzamiento que no funciona únicamente como sencillo, sino como declaración de principios. Más que un giro estético, la canción marca un punto de inflexión en su forma de entender la música: menos atada a fórmulas, más conectada con el impulso creativo y la honestidad personal.
Lejos de la urgencia por seguir tendencias, el artista apuesta por una construcción sonora que privilegia la interpretación en vivo. Trompetas, saxofón y trombón no aparecen como elementos decorativos, sino como la columna vertebral del tema, dándole una textura que remite a lo orgánico sin abandonar del todo su vínculo con lo contemporáneo. En ese cruce, trabajado junto al productor IVDA, se instala una búsqueda clara: reconciliar la energía de banda con códigos actuales, incluyendo el uso de inteligencia artificial en el desarrollo visual y conceptual del proyecto.
Pero el movimiento va más allá del sonido. ‘Voy hacer que vuelvas’ también funciona como un ejercicio de introspección. Noreh deja atrás cierta solemnidad que marcó etapas anteriores para mostrar una versión más cercana, más humana, en la que el proceso personal y el artístico se entrelazan. Hay una intención evidente de desmontar la idea de personaje para acercarse a algo más esencial: la música como extensión directa de quien es hoy.
Esa misma línea se traduce en el componente visual del lanzamiento. El videoclip se construye sobre la idea del reencuentro, utilizando el teatro como metáfora de exposición y verdad. Entre luces y sombras, el artista transita un recorrido emocional que no se limita a ilustrar la canción, sino que amplía su significado. La presencia simbólica de su padre introduce una capa adicional de lectura: memoria, identidad y continuidad como parte de un mismo relato.
El cambio también es visible en su imagen. El abandono del cabello rubio, asociado a sus primeros éxitos, da paso a una estética más sobria, alineada con este nuevo momento. No se trata de una reinvención radical, sino de un despojo consciente: menos construcción, más claridad. En escena y en concepto, Noreh se presenta como parte de un todo, “uno más de la banda”, priorizando la conexión colectiva sobre el protagonismo individual.
Con ‘Voy hacer que vuelvas’, Noreh lo que propone es abrir un espacio propio, donde lo orgánico y lo digital, lo íntimo y lo performativo, conviven sin fricción.
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“Estamos volviendo a casa, uniendo nuestras raíces con el futuro del rap global para demostrar que nuestra cultura y nuestra resiliencia son eternas”. Con esta declaración, Cypress Hill anuncia Dios bendiga, su nuevo álbum programado para el 24 de julio de 2026 a través de HYBE Latin America. El proyecto marcará un hito en su carrera: será su primer disco completamente en español y su primer trabajo de larga duración en más de cuatro años, abriendo una nueva etapa en una trayectoria que supera las tres décadas.
“Dios Bendiga es más que una simple colección de canciones; es una oración por la cultura” explica B-Real. “Este álbum funciona como un recordatorio definitivo de que nuestra herencia no es una tendencia, sino un legado divino y un futuro global. Es nuestro regreso a casa: una conexión directa, en español, con las raíces y con la gente que nos mantiene con los pies en la tierra”, concluye el líder del grupo.
Esa idea de “regreso a casa” también atraviesa la forma en que se gestó el disco. El álbum tomó forma en apenas dos semanas, durante sesiones realizadas en noviembre pasado bajo la dirección musical del percusionista Eric Bobo, colaborador histórico de la banda. En ese espacio, Sen Dog y B-Real exploraron una conexión más directa con el español, marcando un giro claro frente a trabajos anteriores.
En lo sonoro, el proyecto mantiene la base clásica del grupo —con raíces en la Costa Oeste—, pero introduce nuevos matices, impulsados en parte por el trabajo de DJ Lord, cuyo scratching aporta una capa más cruda y orgánica a las canciones.
El disco también abre espacio para nuevas voces. Entre los colaboradores aparecen nombres como Alemán y Trueno, dos figuras clave del rap latino actual, junto a artistas emergentes como Coyote y Poe Leos. Más que una suma de invitados, el álbum plantea un cruce generacional en el que la influencia de Cypress Hill dialoga con una nueva escena que ha crecido bajo su legado.
Como adelanto del álbum, el grupo presentó el sencillo ‘Campeones’, en el que participa el miembro original Mellow Man Ace, acompañado de un video oficial. La canción fue producida por DJ Flict, productor multiplatino y nominado al Grammy, quien además está a cargo de la dirección sonora del proyecto.
Más que un simple lanzamiento, el tema funciona como una declaración de intenciones: la agrupación reafirma su lugar dentro del rap, apoyándose en un estilo que combina su tradicional juego entre inglés y español con referencias directas a sus raíces. El resultado es una pieza que conecta su historia con el presente, sin perder el pulso que los convirtió en una referencia global.
“Desde el primer día de grabación de este álbum, sucedió algo especial. Hacer un disco completamente en español y simplemente confiar en nuestros instintos fue un desafío para nosotros, pero nos demostramos que podemos estar a la altura de cualquier situación. También queríamos retribuir y cumplir nuestra promesa con nuestros fans latinos. Volver a conectarnos con nuestras raíces siempre fue algo que quisimos hacer. Ahora era el momento adecuado”, explica Bobo.
Más de tres décadas después de su irrupción, Cypress Hill sigue ocupando un lugar central en la historia del rap. Con nominaciones al Grammy, giras globales y una influencia que atraviesa generaciones, su música ha logrado moverse entre escenas, idiomas y territorios sin perder identidad.
Ese presente también se siente en los escenarios. En los últimos meses, el grupo encabezó algunos de los festivales más importantes de América Latina, con presentaciones en citas masivas como Vive Latino, Lollapalooza Brasil y Tecate Pa’l Norte, donde volvieron a encontrarse con audiencias que han crecido con su música.
En ese cruce entre pasado y presente, Dios bendiga no aparece solo como un nuevo lanzamiento, sino como una reafirmación de identidad. “Esto es por nuestra gente, por nuestra historia, y para que el mundo sea testigo de nuestro poder como comunidad”.
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No es un misterio que uno de los negocios más rentables de la industria musical son las giras globales: decenas de conciertos uno tras otro en distintas ciudades del mundo, millones de asistentes y, por supuesto, millones de dólares en tickets, merchandising y demás. Sin embargo, a medida que la industria —y los propios artistas— han tomado mayor conciencia sobre la importancia de su salud física y mental, el negocio del touring, aunque sigue vigente, empieza a verse cada vez más insostenible no desde lo económico, sino desde lo humano. Basta pensarlo: presentaciones día sí, día también; vuelos extensos; periodos de descanso insuficientes, durante uno o incluso dos años. Es simplemente inviable para cualquiera que no sea una máquina inmune al cansancio y a las emociones. Es en ese contexto que otro formato de presentaciones en vivo empieza a cobrar más fuerza: las residencias.
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Aunque para muchos las residencias pueden parecer un formato nuevo, en realidad se trata de una práctica con varias décadas de historia dentro del medio. En términos simples, una residencia consiste en una serie de conciertos que un artista realiza en un mismo recinto —generalmente teatros, casinos o salas de mediana capacidad— durante un periodo extendido, a diferencia de una gira tradicional en la que el espectáculo se traslada de ciudad en ciudad. Su origen se remonta a mediados del siglo XX, cuando lugares como Las Vegas empezaron a consolidarse como centros de entretenimiento permanente, con artistas que se instalaban durante semanas o meses en un mismo escenario. Sin embargo, el formato moderno comenzó a tomar forma a finales de los años 2000, especialmente tras el anuncio de This Is It de Michael Jackson, una serie de cincuenta conciertos en The O2 Arena que, pese a no concretarse, evidenció el potencial económico y logístico del modelo.
A partir de ahí, figuras como Celine Dion, Elton John y Cher afianzaron el formato en escenarios como The Colosseum at Caesars Palace, con decenas —e incluso cientos— de funciones consecutivas y cifras millonarias en ingresos. En los últimos años, además, las residencias han dejado de ser vistas como un formato reservado para artistas en etapas finales de su carrera. Casos como el de Adele o Bruno Mars muestran cómo este modelo también puede ser adoptado por figuras contemporáneas en pleno auge, reforzando la idea de que quedarse en un solo lugar no es un retroceso, sino otra forma —quizás más sostenible— de mantener la música en vivo.
Más allá de su viabilidad económica y logística, las residencias han empezado a leerse también desde otro lugar: el del bienestar de los artistas. Frente a un modelo de giras que exige movimiento constante, cambios de horario y una exigencia física que se extiende durante meses, el hecho de permanecer en un solo lugar introduce condiciones distintas. No se trata necesariamente de eliminar el desgaste, pero sí de reducirlo al traer consigo menos traslados, rutinas más estables y una mayor posibilidad de recuperación entre presentaciones.
No es solo una percepción. Según el artículo Mental health issues among international touring professionals in the music industry, el touring es mental y físicamente agotador. De hecho, investigaciones citadas en ese mismo análisis señalan que cerca de la mitad de los profesionales en gira presentan depresión clínica, mientras que muchos otros lidian con ansiedad o pensamientos suicidas. La experiencia, lejos de ser lineal, se mueve entre extremos, pasando de los picos de euforia del aplauso y el reconocimiento a los momentos de soledad e inestabilidad fuera del escenario, en una dinámica que termina por desgastar tanto el cuerpo como la mente. A esto se suma un entorno donde el consumo de sustancias aparece como mecanismo de escape, así como un aislamiento estructural que persiste incluso en medio de multitudes, donde la distancia y el movimiento constante terminan por erosionar los vínculos personales.
A este panorama se añade otro elemento clave: la presión constante de tener que rendir. Como señalan distintos análisis sobre la vida en gira, detrás de cada concierto hay una exigencia permanente por sostener un alto nivel de energía, adaptarse a entornos cambiantes y responder tanto a las expectativas del público como a la propia autoexigencia. La falta de rutinas, el aislamiento prolongado y la dificultad para acceder a redes de apoyo terminan configurando un escenario donde el agotamiento no es una excepción, sino una constante. Incluso para artistas consolidados, este ritmo de vida puede derivar en episodios de ansiedad, insomnio o burnout, evidenciando que el problema no está en casos individuales, sino en la lógica misma del modelo.
Es justamente frente a este escenario que las residencias empiezan a cobrar otro sentido. Si el problema está en el movimiento constante, la falta de descanso y la inestabilidad, este formato invierte esa lógica, reduciendo los desplazamientos, estableciendo rutinas y abriendo la posibilidad de tener una vida más estable fuera del escenario. Dormir en el mismo lugar, eliminar los viajes continuos y tener mayor control sobre los tiempos no solo impacta en lo logístico, sino también en lo emocional. Sin romper del todo con la exigencia del espectáculo en vivo, las residencias introducen algo que el modelo de gira rara vez permite: continuidad, pausa y cierto margen de recuperación.
El caso de Harry Styles resulta revelador para entender este cambio. Después de casi dos años de gira con su más que exitoso Love On Tour, un recorrido masivo que lo llevó por decenas de ciudades y consolidó su alcance global, el cantante británico decidió detenerse. En entrevistas posteriores ha sido claro al respecto: necesitaba parar, reconectar con su vida personal y prestarle atención a otras áreas de su vida. Lejos de ser una pausa menor, la decisión evidencia un cambio de enfoque en torno a cómo sostener una carrera en vivo sin replicar de manera indefinida un modelo que, como ya se ha visto, puede resultar desgastante.
Su regreso, sin embargo, no regresa a la lógica del touring tradicional. Con el anuncio de su gira Together, Together, Styles planteó una serie de conciertos estructurados en torno a residencias en distintas ciudades, con múltiples fechas en un mismo recinto en lugar de un desplazamiento constante. El formato —que incluye largas estancias en grandes ciudades y decenas de shows concentrados en pocos lugares— no solo responde a la demanda de su público, sino que también propone otra forma de pensar el espectáculo. En lugar de moverse sin pausa, es el artista quien se queda, invirtiendo un modelo que durante años pareció incuestionable dentro de la industria.
Aunque no se trata de un caso aislado —cada vez más artistas exploran formatos similares—, lo de Styles funciona como síntoma de un cambio más amplio. Las residencias ya no aparecen únicamente como una alternativa logística o económica, sino como parte de una conversación más profunda sobre los límites del modelo tradicional y la necesidad de repensar cómo se sostiene la música en vivo en el tiempo.
En un momento en el que la industria empieza a reconocer que el éxito no puede medirse únicamente en cifras, sino también en la capacidad de sostener carreras a largo plazo, las residencias se posicionan como algo más que una tendencia. No reemplazan por completo al modelo de gira, pero sí lo cuestionan. En esa tensión se juega quizás una de las transformaciones más silenciosas, pero necesarias, de la música en vivo.
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Siete años después de su última visita, Ed Sheeran anunció su regreso a Buenos Aires con un show el próximo 29 de noviembre en el Estadio Tomás Adolfo Ducó, como parte de su nueva gira internacional, el “Loop Tour”.
La fecha tendrá además un atractivo extra: el estadounidense FINNEAS fue confirmado como artista invitado.
El tour llega impulsado por Play, su más reciente trabajo editado en 2025, donde el británico explora nuevas direcciones sonoras. El disco incorpora influencias de tradiciones musicales de India y Persia, combinadas con el folk irlandés que marcó sus comienzos, en un cruce que busca un lenguaje pop global sin perder su identidad como compositor de baladas.
En vivo, el “Loop Tour” promete un formato renovado: nuevo diseño de escenario, un repertorio actualizado que mezcla el material reciente con sus hits, y una puesta pensada para ampliar la experiencia del público. Tras su lanzamiento, Play alcanzó el puesto número uno en múltiples mercados internacionales, incluyendo Reino Unido, Alemania y Australia, consolidando una nueva etapa en la carrera de Sheeran.
Ed Sheeran en Argentina: cuándo salen las entradas a la venta
Las entradas para el show de Ed Sheeran en Buenos Aires estarán disponibles a través de Livepass, con una preventa exclusiva para clientes BBVA desde el 4 de mayo a las 12, que incluirá la posibilidad de pagar en seis cuotas sin interés. La venta general comenzará el 5 de mayo, también al mediodía, con el mismo beneficio para clientes de la entidad.
LOOP TOUR – SUDAMÉRICA
9/5 | Estadio Quisqueya | Santo Domingo | República Dominicana
13/5 | Coliseo de Puerto Rico | San Juan | Puerto Rico
16/5 | Vive Claro | Bogotá | Colombia
20/5 | Estadio Nacional | Lima | Perú
23/5 | Estadio Atahualpa | Quito | Ecuador
27/5 | Estadio Cementos Progreso | Ciudad de Guatemala | Guatemala
30/5 | Estadio Nacional | San José | Costa Rica
21/11 | Estadio Bicentenario | Santiago | Chile
26/11 | Estadio Nueva Olla | Asunción | Paraguay
29/11 | Estadio Huracán | Buenos Aires | Argentina
5/12 | Parque Allianz | San Pablo | Brasil
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Dave Mustaine volvió a sus días de garage con Metallica el domingo, cuando él y su banda Megadeth —que este jueves 30 de abril, y si sumamos el acústico en el Hotel Four Seasons, dará su 38.º show en Argentina— interpretaron dos temas que Mustaine ayudó a escribir y grabar durante su breve paso por su antigua banda.
En un show en Bogotá, Colombia, la noche del domingo (26 de abril), Megadeth tocó “The Mechanix” —una canción del célebre demo de Metallica No Life ’Til Leather, que Mustaine había escrito en una banda anterior— y “Ride the Lightning”, el tema que da título al segundo álbum de Metallica. Si bien “Ride the Lightning” fue completada y lanzada después de que terminara la corta etapa de Mustaine en Metallica, igualmente recibió crédito como coautor por los riffs de la canción. La presentación en Bogotá marcó la primera vez que Megadeth interpretó “Ride the Lightning” en vivo.
Videos filmados por fans muestran a la banda ejecutando una versión reverente de “Ride the Lightning”, con Mustaine cantando la letra e intercambiando partes del solo de Kirk Hammett con el guitarrista de Megadeth, Teemu Mäntysaari. Cabe destacar que los fans colombianos estaban tan entusiasmados de escuchar el tema que corearon el riff de guitarra inicial.
Megadeth grabó una versión de la canción para su decimoséptimo álbum homónimo —y, en apariencia, el último—, que fue número uno cuando salió en enero. Aunque Mustaine ha tenido una relación conflictiva, intermitente, con sus excompañeros de Metallica, la grabación surgió desde un lugar de genuina calidez. “Quería rendirle tributo a la banda”, le dijo Mustaine a Rolling Stone en octubre. “Y ahora que me estoy preparando para colgar la guitarra, quería asegurarme de que no quedara nada sin decir”.
En 2017, reflexionó sobre sus contribuciones a ambos temas en la entrevista Mi vida en 15 canciones de Rolling Stone. Explicó cómo escribió “The Mechanix” “mucho antes de estar en Metallica”, así como también cómo la transformaron en “The Four Horsemen” para su LP debut de 1983, Kill ’Em All; Megadeth volvió a grabar la canción en su forma original para su debut de 1985, Killing Is My Business… and Business Is Good!.
También contó cómo reconoció de inmediato sus aportes en “Ride the Lightning”. “Hay ciertos riffs que escuchás y simplemente sabés quién es el autor”, dijo. “Y no hablo solo de cuando escribo yo. Hay partes de ‘Ride the Lightning’, de ‘Leper Messiah’ y del primer disco, todo eso, en las que podés notar pequeños detalles que son similares a la forma de tocar la guitarra en Megadeth, porque sabés que hay un límite en lo que se puede hacer con un instrumento. Creo que hicieron un gran trabajo con eso”.
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En otro momento, registrar una frase como “Hey, it’s Taylor” habría parecido un simple gesto de branding dentro de la maquinaria legal de una superestrella. Hoy, sin embargo, con la irrupción de la IA (capaz de clonar timbres, gestos y presencias), Taylor Swift se ve obligada a replantear las reglas.
Y con justa razón. La imagen de la artista de Pensilvania, de 36 años, ha sido utilizada sin autorización en contenidos generados por IA, que van desde imitaciones hasta material pornográfico y deepfakes que se han difundido masivamente en internet. Incluso alcanzaron el terreno político. El fenómeno incluso se coló en el terreno político cuando, en la antesala de la Elección presidencial de Estados Unidos de 2024, Donald Trump compartió imágenes creadas con IA que sugerían falsamente que Taylor Swift le había dado su respaldo.
El viernes 24 de abril, su empresa TAS Rights Management presentó tres solicitudes de marca ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos, detectadas por el abogado especializado en propiedad intelectual Josh Gerben, de Gerben IP.
Dos de estas marcas buscan proteger fragmentos de su voz, específicamente dos frases con las que ella misma se presentaba en Spotify y Amazon Music al anunciar su último disco, The Life of a Showgirl, lanzado el pasado octubre, “Hey, it’s Taylor Swift” y “Hey, it’s Taylor”.
En la imagen se la ve de pie frente a un micrófono, con un body de lentejuelas en tonos azul y rosa, botas plateadas y una guitarra rosa en la mano. Se trata, además, de una de las postales utilizadas en la promoción del documental de Taylor Swift en Disney+.
“Intentar registrar la voz hablada de una celebridad es un uso nuevo del registro de marcas que aún no ha sido puesto a prueba en los tribunales”, señaló el abogado de propiedad intelectual Josh Gerben en una publicación de blog.
“Históricamente, los cantantes se han apoyado en la ley de derechos de autor para proteger su música grabada”, añadió Josh Gerben. “Pero las tecnologías de IA ahora permiten generar contenido completamente nuevo que imita la voz de un artista sin copiar una grabación existente, creando un vacío que las marcas podrían ayudar a cubrir.”
“Al registrar frases específicas asociadas a su voz, Taylor Swift podría no solo impugnar reproducciones idénticas, sino también imitaciones ‘confusamente similares’, un criterio clave en el derecho de marcas.”
Sin embargo, no es la primera personalidad que toma medidas frente a la IA. Anteriormente, Matthew McConaughey ya había avanzado por ese camino al registrar expresiones y materiales asociados a su figura, incluido el inolvidable “Alright, alright, alright!” que arrastra desde Dazed and Confused, convirtiendo lo que antes era una frase icónica en un activo legal.
Taylor Swift ha construido su carrera alrededor del control, desde sus grabaciones hasta su narrativa pública. Posee más de 50 marcas registradas vinculadas a su nombre, títulos de álbumes y letras clave de sus canciones. Pero nada como esto había ocurrido antes. Quizá, porque en la era de la IA, proteger lo que haces ya no es suficiente. También hay que proteger lo que eres, o al menos lo que otros pueden llegar a fabricar a partir de eso.
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