Se acabaron las lágrimas: el nuevo álbum de Olivia Rodrigo, You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love, ya es oficial. El disco llegará el próximo 12 de junio a través de Geffen Records.
Rodrigo hizo el anuncio el 2 de abril, luego de varios meses de expectativa. En realidad, todo puede rastrearse desde agosto de 2025, cuando concluyó la gira mundial de Guts. “I’m sooooo excited for all that’s y3t to come!!!! [¡Estoy emocionada por todo lo que está por llegar!]”, escribió entonces en un correo dirigido a sus fans, conocidos como Livies. Y sabíamos que no se trataba de un error tipográfico: “y3t” era una clara pista hacia “OR3”.
Durante el cierre del año, la cantante siguió dejando señales sobre el proyecto que sucederá a Guts de 2023. En octubre, insinuó constantemente esta nueva etapa en distintas entrevistas, donde aseguró que 2026 sería un “año ocupado” para ella y confirmó que ya estaba trabajando en el álbum. También comentó que estaba disfrutando explorar “nuevas canciones y nuevos sonidos”, mientras que una de sus publicaciones en Instagram la mostraba dentro del estudio de grabación.
Mientras esperamos You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love, reunimos todo lo que sabemos hasta ahora para que tú no tengas que hacerlo.
Rompe con su tradición de títulos de cuatro letras
A Olivia Rodrigo le encantan los títulos de cuatro letras, algo que dejó claro con Sour y Guts. Por eso, muchos fans estaban convencidos de que el nuevo disco llevaría un nombre como Luck, Love o incluso Golf, especialmente después de una publicación en Instagram de enero de 2026 en la que aparecía una misteriosa fotografía de un carrito de golf con las palabras “the album” escritas sobre él. Pero si algo ha demostrado Rodrigo, es que disfruta mantener a todos en suspenso. Nadie vio venir You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love, y, sinceramente, nos encanta.
En una entrevista con Zane Lowe, la cantante habló sobre este cambio de rumbo. “Supe desde muy temprano que quería romper un poco con ese molde. Ya soy mayor ahora. Este es un álbum que hice a los 22 años. Los otros los hice cuando era adolescente, así que se sintió como una progresión natural cambiar las cosas”, explicó.
La era púrpura terminó
Para Sour y Guts, Olivia Rodrigo construyó toda una identidad visual alrededor del color púrpura. Pero con You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love, la paleta cambia oficialmente al rosa. Y sí, podría escribirse un libro entero sobre las teorías cromáticas de Rodrigo.
Los fans no tardaron en notar que, en agosto de 2025, durante el último concierto del Guts World Tour —en el Osheaga Festival de Montreal— la cantante apareció usando una camiseta roja con un brillante número “3” al frente. Poco después, también cambió el color de su página web y del icónico logo de mariposa al mismo tono. Pero en marzo de 2026, el sitio volvió a transformarse: esta vez adoptó un rosa pastel vibrante acompañado de una tipografía curva que simplemente decía “Love”. Ese mismo diseño comenzó a aparecer pintado en muros de distintas ciudades, en un tono entre rosa y lavanda. Y cuando Rodrigo asistió a la fiesta de los Oscar de Vanity Fair en 2026, lo hizo con un vestido rosa de Saint Laurent. La era púrpura quedó oficialmente atrás.
Como Nick Drake, Liv también ama la Pink Moon
En marzo de 2026, Rodrigo actualizó su línea telefónica con un mensaje automatizado dedicado al último día de la temporada Piscis, su signo zodiacal. “Si estás escuchando esto en el último día de la temporada Piscis, el 20 de marzo, entonces este mensaje era para ti”, decía la grabación. “Toma lo que resuene contigo y deja atrás lo que no. Esperar tu destino puede sentirse como ver secarse la pintura, pero tu paciencia será recompensada pronto. Tal vez creas tener todas las respuestas, pero el universo todavía tiene más por revelar. El mensaje está escrito en la pared, aunque la primera señal quizá no muestre el panorama completo”.
La cantante cerró el mensaje con otra pista, esta vez haciendo referencia a la “pink moon”, la luna rosa que ocurriría el 2 de abril. “Confía en tu intuición. Espera claridad verdadera y renovación justo después de la luna rosa. Hasta entonces, sigue las estrellas, a tus guías y a tu corazón, sabiendo que lo mejor todavía está por venir”.
Rodrigo pudo haber mencionado la luna rosa simplemente porque es conocida por su fascinación con la astrología. O quizá porque conoce muy bien la historia de la música y es admiradora de Nick Drake. El cantautor británico lanzó Pink Moon, su tercer y último álbum, en 1972, apenas dos años antes de morir en el anonimato. Décadas después, su obra encontró una audiencia de culto, especialmente entre generaciones más jóvenes, gracias a canciones íntimas y delicadas que encajan perfectamente con la sensibilidad artística de Rodrigo. “La luna rosa está en camino”, cantaba Drake. Esperemos que tuviera razón.
Dice que el álbum incluye “canciones tristes de amor”
En una entrevista con British Vogue realizada en marzo de 2026, Olivia Rodrigo reveló que el nuevo álbum incluirá “canciones tristes de amor” y dejó entrever que el material estará atravesado por una fuerte sensación de anhelo y vulnerabilidad emocional. “Me di cuenta de que todas mis canciones románticas favoritas eran hermosas porque tenían un matiz de miedo o de deseo imposible”, explicó.
Rodrigo siempre ha destacado precisamente por esa sensibilidad en su propia música. Basta pensar en canciones como ‘Happier’, de Sour, o ‘Pretty Isn’t Pretty’, de Guts, donde el amor, la inseguridad y la melancolía conviven en el mismo espacio emocional. Y considerando el título You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love, todo apunta a que OR3 profundizará aún más en esa línea confesional.
‘Drop Dead’ es el primer vistazo a esa faceta
El 17 de abril, Rodrigo lanzó ‘Drop Dead’, el sencillo principal del álbum, ofreciendo la primera muestra sonora de You Seem Pretty Sad For a Girl So in Love. La canción está cargada de sintetizadores inspirados en el pop de los años ochenta e incluso incluye referencias líricas a ‘Just Like Heaven’, de The Cure, mientras la compositora nacida bajo el signo Piscis intenta encapsular el vértigo emocional de un nuevo enamoramiento.
“Luces como un ángel en las paredes de Versalles/Es lo más viva que he estado/Pero bésame y puede que desfallezca”, canta con una mezcla de euforia y desesperación.
Junto al tema, Rodrigo también estrenó un video musical filmado en el Palacio de Versalles, donde aparece recorriendo los pasillos y jardines del emblema francés.
Vuelve a trabajar con el productor Dan Nigro
El mes pasado, Dan Nigro publicó en Instagram una fotografía junto a Rodrigo sentados en un sofá, acompañada del mensaje, “Terminando discos”. La cantante respondió en tono de broma: “El estrés se puede sentir en esta foto ja, ja”, confirmando indirectamente que ambos trabajaron juntos en el nuevo álbum.
Nigro, quien también ha colaborado con Chappell Roan, fue una pieza clave detrás de Sour y Guts, así que su regreso para OR3 parecía inevitable.
“Dan es simplemente un genio”, dijo Rodrigo en conversación con Zane Lowe al hablar sobre su relación creativa con el productor. “Me conoce muy bien y entiende mi forma de escribir canciones y mis inclinaciones artísticas. Puedo llevarle una canción y él tiene esta habilidad innata para decir: ‘Esta canción funciona por esto. Vamos a potenciar esa parte’”, añadió.
Se entrega por completo al modo sad-girl en ‘Begged’
Mientras asumía el doble papel de conductora e invitada musical en Saturday Night Live el pasado 2 de mayo, Olivia Rodrigo estrenó la devastadora balada ‘Begged’.
En la canción, Rodrigo suplica por reafirmación emocional y canta desde un lugar de vulnerabilidad absoluta: “Dicen que es una virtud no dejar ir un buen amor/Así que lo dejo pasar y perdono, acepto lo que me das/Pero nada es suficiente cuando sé que para obtenerlo, he tenido que rogar”.
Por lo general, la compositora suele reservar un golpe emocional o un giro dramático para el puente final de sus canciones. Sin embargo, ‘Begged’ destaca precisamente por su sencillez estructural: apenas dos versos seguidos por un coro, sin explosiones ni catarsis grandilocuentes. Esa contención la vuelve todavía más dolorosa.
Rodrigo interpretó el tema junto a Weyes Blood —el proyecto de la cantante y compositora Natalie Mering— después de presentar también su sencillo ‘Drop Dead’.
Sigue profundizando en la melancolía con ‘The Cure’
A solo un mes del lanzamiento del álbum, Rodrigo compartió otro adelanto del proyecto, ‘The Cure’, una canción cargada de ansiedad emocional y guitarras acústicas que evocan el sonido de Foo Fighters y The Smashing Pumpkins.
En el tema, la cantante se pregunta por qué el amor no logra salvarla de sus propias inseguridades. Junto al sencillo, también estrenó un video musical en el que interpreta a una enfermera que literalmente comienza a deshacerse tras una ruptura amorosa.
“Esa canción es la tesis central del álbum”, explicó Rodrigo durante una conversación con el podcast Popcast de The New York Times.
La lista de sus penas
A finales de mayo, apenas unas semanas antes del lanzamiento del álbum, Rodrigo reveló el tracklist, dividido en siete canciones de un lado y seis del otro. Llamó especialmente la atención que la primera mitad —el Lado A— lleve por título ‘Girl So in Love’, mientras que el reverso se presenta como ‘You Seem Pretty Sad’. La publicación en Instagram donde compartió los títulos también incluía una contraparte de la portada frontal: si en la carátula aparece balanceándose en un columpio bajo la luz del día, en la imagen del tracklist se le ve de pie, sosteniendo el columpio en medio de la noche.
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El movimiento parece ser el motor natural de La Renga, una banda que se desplaza de gira como un familión. Gustavo “Chizzo” Nápoli, los hermanos Gabriel (“Tete”) y Jorge (“Tanque”) Iglesias, y Manuel Varela aterrizaron el viernes 22, a las 18:30, en el aeropuerto de Copenhague, junto a un equipo de treinta personas. Sin perder un minuto, pasaron por el hotel y salieron a cenar a un lugar que tuviera espacio para todos y desafiara el horario danés, donde muchas cocinas cierran temprano.
El primer deseo fue claro: moverse a pie, hasta alquilar motos. “En Copenhague no conseguimos, nos dijeron que tenemos que ir hasta Roskilde”, comentó Martín López, histórico productor audiovisual del grupo, mientras señalaba las luces del Parque Tivoli y el vértigo de los juegos más altos.
Un ave más al vuelo es la gira con la que La Renga volvió este año a las rutas europeas: comenzó en Barcelona, siguió por Berlín, hizo escala en Copenhague, Tenerife y cerrará el 31 de mayo en el mismo punto de partida: el Poble Espanyol barcelonés.
La capital danesa, tercera parada del recorrido, los recibió con una tarde de viento fresco y un sol de primavera, que por esta época extiende el día más de lo habitual. El clima ideal para caminarla, o mejor aún, pedalearla, y captar el ritmo pausado de la ciudad nórdica.
La noche del sábado tuvo su previa, que reunió a fanáticos residentes en Dinamarca y otros tantos que viajaron detrás de la gira. La cita fue en el Jazz Club de la Ciudad Libre de Christiania (enclave de larga historia contracultural en esta ciudad), con músicos argentinos que tocaron covers de rock nacional. Entre el público estaban, entre tantos, Santiago y Santia, de La Plata, con el Tano, de Isidro Casanova (“barrio Atalaya” aclaró), para compartir su locura por la banda.
“Para nosotros, se arma la fecha, ensamblamos y vamos”, decía Santiago, mientras contaba que con el Tano se conocieron recién en Berlín. “Te vas haciendo amigos viajeros, argentinos radicados en el lugar. La Renga es esto: viajar, conocer gente, las previas” agregó el Tano.
El caso de Santiago representa una de las tantas historias en ruta. “En octubre del año pasado yo me quedo sin laburo después de 33 años, pude cobrar una plata y le digo a ella: ‘¿Qué hacemos?, ¡Vamos a esta locura!’. Otro puede decir: “Che, la guardo’. Pero no, yo voy a vivirla”. Atrás de él apareció el Tete, como premio a esta aventura. “Él es uno más, le encanta compartir, siempre viene a estas juntadas, en más de una entrevista contó que es el más fan de la banda, que si no tocara estaría en el público” apuntaba el Tano.
El viaje de Santiago tuvo recompensa en experiencias. “Hoy a la tarde, en la Estación Central, veníamos caminando y nos cruzamos con el Chizzo. Nos preguntó de dónde veníamos, nos sacamos la foto. Y después cruzamos a Manu”, comentó Santiago, y Santia aportaba: “Estar con ellos, compartiendo anécdotas en la calle, es una locura. Ya fuimos a verlos a Brasil, a Uruguay, y ahora es la primera vez que cruzamos el océano”.
Hasta el sábado, nunca se habían visto en Christiania tantos trapos y banderas argentinas. Comodoro Rivadavia, San Luis, Chaco, Olavarría, González Catán, junto a La Matanza tapizaron las calles y paredes del barrio ante la mirada de daneses que giraban a ver la entrada del Jazz Club. Mientras tanto, Tete no solo apareció por la Ciudad Libre, también subió al escenario a tocar unos temas. Y a la mañana siguiente, durante la prueba de sonido antes del recital, compartió sus impresiones con Rolling Stone.
¿Qué sensaciones les genera estar en Copenhague?
La primera es de incertidumbre. Ya conocer esto es un flash para nosotros. Tocar acá es algo que jamás en la vida, ni cuando empezamos, imaginamos.
¿Cómo entró Copenhague en el mapa de ruta?
No sé. Cuando lo propusieron, respondimos: “¿Copenhague?, ¿estás seguro?”. Nos dijeron que parecía que podía ir bien, entonces dijimos: “bueno, vamos”. Si a nosotros lo que nos encanta es tocar y si es en un lugar nuevo, doblemente. Lo vivimos con una sensación de alegría total.
Escuché que estaban buscando motos para salir por la ciudad y no consiguieron alquilar más que bicicletas. Si en Nápoles anduvieron en Vespa, ¿acá se animaron a la bici?
¡Sí! La idea original era, como siempre cuando vamos a un lugar, hacer un recorrido en moto, porque nuestra visión pasa por la altura de la moto, pero no las conseguimos. Entonces surgió esto de las bicicletas y dijimos: “vamos”, porque acá la velocidad de la ciudad se nota con la bici, es una cosa increíble.
Y al final les dio casi la misma perspectiva…
Nos dio perspectiva y una realidad local, porque todos andan en bici. Aparte hay unos modelos bárbaros: yo hacía como diez años que no subía a una y encima alquilamos las eléctricas. Toda una sensación nueva.
¿Qué pudieron percibir durante el recorrido?
Que es una cultura muy distinta a la nuestra. Están a años luz de nosotros. Fue la sensación de un día, es para tomarlo como una primera impresión. Notamos cierto silencio, que hay una sensación de bienestar. Igual llegamos con buen tiempo, ya me avisaron que esto no es siempre así. Justo ayer hicimos un free tour y la chica nos explicaba que no es común este sol y esta temperatura, así que nos consideramos afortunados. Pero hasta ahora la impresión que nos llevamos es increíble. Y lo que te decía antes, que para nosotros tocar en Copenhague es una locura total. Jamás pensamos en la puta vida poder tocar acá. Va a ser una linda noche.
Los trapos que el sábado cubrieron Christiania, el domingo se mudaron al enrejado de Poolen, una sala de concierto cubierta, entre el mercado de comidas Reffen y una planta incineradora, Copenhill. Una zona un poco alejada del centro histórico de Copenhague.
En el puesto de empanadas, frente a la entrada, la gente pagaba con tarjeta de crédito argentina, española o alemana. La argentinidad al palo. Por allí desfilaban parejas que viajaron desde Don Torcuato, Laferrere, Solano y Mataderos hasta grupos de amigos radicados en ciudades europeas.
Sofia, por ejemplo, viajó desde Madrid y contó que La Renga representa su adolescencia en Argentina y desde que emigró a Europa, hace seis años, intentó seguirlos siempre que pudo. “Se arma esa comunidad de gente que no está muy bien de la cabeza, me incluyo, que los sigue a todos lados”, decía. “En mi caso, como migrante, me despierta mi argentinidad, es la música con la que me crié, y por volver a esa esencia es que trato de verlos cada vez que puedo”. Ya los vio en Barcelona, en Berlín y llegó hasta Copenhague: “Lo que me gusta de ellos es que pueden tocar en Huracán, en un estadio para miles de personas, o una sala para trescientas personas a miles de kilómetros de Argentina, y le ponen la misma energía”.
En este caso, Poolen tiene una capacidad para dos mil quinientas personas. Según Claudio Casais, de la productora española CHNSW, que organizó esta gira, en Copenhague se vendieron más de mil entradas y extrañamente el lugar se veía casi completo.
La música suele ser una de las mejores maneras de mostrarle a un extranjero cómo es un país y su gente. Así, lo hizo un argentino que invitó a sus amigos de Dinamarca y Portugal. Caroline, la amiga danesa, escuchó a La Renga y aunque no habla ni entiende español, quiso verlos en vivo. “No puedo creer esta sensación de comunidad alrededor de una banda de rock”, dijo en inglés, y sin perder un segundo la sonrisa de asombro, confesó: “Me gustó cuando los escuché y ahora que conocí a su público me gustan más todavía”.
A medida que la gente llegaba en bicicleta, adentro sonaban los Redonditos de Ricota. El concierto estaba anunciado a las 20. Recién a las 20.20, Chizzo subió al escenario con un casco vikingo de dos cuernos y gritó: “Buenas noches, Copenhague. ¿Quién iba a decir que íbamos a estar acá, loco?”. Y arrancó el concierto con “Tripa y corazón”, mientras los brazos del público se agitaban entre los trapos y afuera al cielo le faltaba más de una hora para atardecer.
La música tiene ese poder de acercar y disolver las distancias. Para quienes viven lejos, escuchar esas canciones que acompañaron otras etapas de sus vidas puede hacer olvidar, por un instante en dónde están. Algo así le sucedió a Milena que vive en Copenhague, ya fue a verlos a Berlín y si puede los seguirá unas paradas más en la ruta. “Hoy, me explotaba la cabeza, estaba en el trabajo pensando que a la salida me esperaba esto”, contó un poco disociada de la realidad y con la emoción de ver a la banda que sigue desde sus 12 años.
Es que ver a La Renga en Copenhague tiene algo de irreal: ese folklore tan cercano, tan conocido, sonando a 12.000 kilómetros de casa, en un escenario rodeado de indicaciones en otro idioma, cuesta imaginarlo hasta que finalmente sucede. En medio de los treinta temas que formaron el repertorio (“Buena pipa”, “Canibalismo galáctico”, “En bicicleta” y “La balada del diablo y la muerte”, Chizzo lo confesó: “Yo me encontraba por el camino con varios argentinos que viven acá y me preguntaban cuándo vendríamos”.
El concierto fue una fiesta de reencuentros y nostalgia, hasta que en el bis sonó “Panic show” y las palabras de Chizzo sonaron atravesadas por una mezcla de sorpresa y emoción, como si a él también le costara creerlo: “Quién iba a decirlo, encontrarnos tan lejos de casa con toda esta gente hermosa que nos sigue”. Así tocaron “El final es en donde partí” y, previo al último tema, se escuchó la despedida: “Una alegría enorme, un gustazo y ojalá podamos volver pronto, acá a Copenhague, que nos recibió con los brazos abiertos y un poco de argentinidad al encontrarnos con todos estos compatriotas. Fue un honor y un placer estar acá compartiendo con ustedes. Nos vamos como siempre ‘Hablando de la libertad’”. Y entre gritos y aplausos, que hicieron sentir como si un pedazo de Argentina emergiera en medio de Dinamarca, llegó la noche.
Afuera, la gran mayoría encendió las luces de sus bicicletas y, a lo lejos, se oyó un adiós.
La familia renga no conoce fronteras, se mueve con una fidelidad que parece no tener geografía. Y esta vez, en Copenhague, volvió a quedar demostrado.
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La banda británica Jungle regresará a la Argentina para presentarse el 1 de abril de 2027 en el Movistar Arena, en un show que marcará la llegada en vivo de Sunshine, su próximo disco de estudio, previsto para agosto de este año.
A través de su fusión de soul, funk y electrónica, el proyecto liderado por Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland recorre el mundo hace más de una década. Se formaron en Londres en 2013. Unos 10 años más tarde incorporaron oficialmente a la cantante Lydia Kitto (Loaded Honey). Su canción más reconocida es, por lejos, “Back on 74”.
El próximo show de Jungle en Buenos Aires, su sexta visita a la capital argentina, contará además con la participación de Sports como invitados. El grupo estadounidense viene de presentar su álbum homónimo, con influencias del pop psicodélico, el indie y la música electrónica.
Cuándo salen a la venta las entradas para Jungle en Argentina
Las entradas estarán disponibles a través de Movistar Arena en las siguientes fechas:
- Preventa exclusiva para clientes de Banco Galicia: viernes 29 de mayo a las 10 hs, con 6 cuotas sin interés.
- Venta general: lunes 1 de junio a las 10 hs, con todos los medios de pago. También habrá 6 cuotas sin interés con tarjetas de crédito Galicia.
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La edición 2026 de los Premios Gardel dejó una noche marcada por el dominio de Milo J, que se quedó con el Gardel de Oro gracias a La Vida Era Más Corta y se llevó 12 estatuillas en total (13, si tenemos en cuenta que fue la cabeza junto a Mex Urtizberea de FAlklore Vol. 1 y 2, ganador de la terna Mejor Álbum Grupo de Folklore), incluyendo las categorías más importantes de la noche.
También hubo galardones para Lali, Trueno, CA7RIEL & Paco Amoroso, Miranda! y Divididos, entre otros. Lo de Milo, sin embargo, quedará en los libros: se convirtió en el artista ganador del Gardel de Oro más joven de la historia y, además, en el que más premios ganó en una sola edición.
Todos los ganadores de los Premios Gardel 2026
Álbum del año
- La Vida Era Más Corta — Milo J
Canción del año
- “Niño” — Milo J
Grabación del Año
- “Niño” — Milo J
Ingeniería de Grabación
- La Vida Era Más Corta — Milo J
Mejor Álbum Artista de Folklore
- Décimas — Maggie Cullen
Mejor Álbum Artista de Rock
- PARA QUIEN TRABAJAS Vol. I — Marilina Bertoldi
Mejor Álbum Artista de Tango
- Pratanguero: 4º Esquina Final — Ariel Prat
Mejor Álbum Artista Pop
- NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA — Lali
Mejor Álbum Artista Tropical / Cumbia
- MALPORTADA — Nathy Peluso
Mejor Álbum Banda de Sonido de Cine/Televisión/Producción Audiovisual
- The Last of Us: Season 2 (Soundtrack from the HBO Original Series) — Gustavo Santaolalla & David Fleming
Mejor Álbum Canción de Autor
- Querida Yo — Yami Safdie
Mejor Álbum Conceptual
- La Vida Era Más Corta — Milo J
Mejor Álbum de Cuarteto
- QUE SED — Luck Ra
Mejor Álbum de Hip Hop / Rap
- EUB DELUXE — Trueno
Mejor Álbum de Jazz
- Apocalipsis — Pipi Piazzolla Trio
Mejor Álbum de Música Clásica
- Compositores Argentinos — Grupo Vocal de Difusión & Mariano Moruja
Mejor Álbum de Música Global
- Latinaje — Cazzu
Mejor Álbum de Música Romántica Contemporánea
- Gracias a la Vida — Abel Pintos
Mejor Álbum de Pop Rock
- POLVO DE ESTRELLAS — Turf
Mejor Álbum de Reggae/Ska
- La Respuesta — Leonchalon
Mejor Álbum en Vivo
- Trueno – Red Bull Symphonic — Trueno
Mejor Álbum Folklore Alternativo
- 89 — Flor Paz
Mejor Álbum Grupo de Folklore
- FAlklore Vol. 1 y 2 — Esto es ¡FA! & Mex Urtizberea
Mejor Álbum Grupo de Rock
- Divididos — Divididos
Mejor Álbum Grupo Pop
- Nuevo Hotel Miranda! — Miranda!
Mejor Álbum Grupo Tropical / Cumbia
- El Desvelo — La Delio Valdez
Mejor Álbum Infantil
- Mardearena – Nanas y Arrullos — Magdalena Fleitas
Mejor Álbum Instrumental
- Solo — Pipi Piazzolla
Mejor Álbum Música Electrónica
- Peces Raros – Spotify Session — Peces Raros
Mejor Álbum Orquesta y/o Grupo de Tango y/o Instrumental
- EMPA (Escuela de Música Popular de Avellaneda) Orquesta de Tango — EMPA Orquesta de Tango
Mejor Álbum Pop Alternativo
- PAPOTA — CA7RIEL & Paco Amoroso
Mejor Álbum Rock Alternativo
- Exultante — Carca
Mejor Álbum Rock Pesado
- VIVE — Claudio Marciello
Mejor Álbum Urbano
- 166 (DELUXE) retirada — Milo J
Mejor Arte
- DOGA — Juana Molina
Diseño: Alejandro Ros
Mejor Canción de Autor
- “Luciérnagas” — Milo J & Silvio Rodríguez
Mejor Canción de Cuarteto
- “TU MISTERIOSO ALGUIEN (CUARTETO)” — Luck Ra feat. Miranda!
Mejor Canción de Folklore
- “Niño” — Milo J
Mejor Canción de Hip Hop / Rap
- “Gil” — Milo J & Trueno
Mejor Canción de Pop
- “MEJOR QUE VOS” — Lali & Miranda!
Mejor Canción de Rock
- “In the City” — Charly García & Sting
Mejor Canción de Tango
- “La Marcha de la Bronca” — Quinteto Negro La Boca con León Gieco, Miguel Cantilo, Ivonne Guzmán, Miss Bolivia, Willy Bronca y Julieta Laso
Mejor Canción en Vivo
- “LA QUE PUEDE, PUEDE – Live at NPR MUSIC’s Tiny Desk” — CA7RIEL & Paco Amoroso
Mejor Canción Pop Rock
- “#TETAS” — CA7RIEL & Paco Amoroso
Mejor Canción Tropical / Cumbia
- “Si No Es Muy Tarde – Versión Cumbia” — Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave, Un Poco de Ruido y Pinky SD
Mejor Canción Urbana
- “OLIMPO” — Milo J
Mejor Colaboración
- “In the City” — Charly García & Sting
Mejor Colaboración Urbana
- “Gil” — Milo J & Trueno
Mejor Colección de Catálogo
- Suiza 1980 (Remastering 2025) — Mercedes Sosa
Mejor Nuevo Artista
- BLAIR
Mejor Videoclip Corto
- “Bajo De La Piel” — Milo J
Dirección: Teresa Carril
Mejor Videoclip Largo
- PAPOTA — CA7RIEL & Paco Amoroso
Dirección: Martín Piroyansky
Productor del año
- Evlay
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Vía mail, David Lebón y Pedro Aznar respondieron algunas preguntas que no entraron en la extensa charla -cerca de noventa minutos- realizada en el mismo estudio elegido para la sesión de fotos. Las respuestas llegaron al cierre de la edición que tiene a dos Serú Girán en la tapa de Rolling Stone del mes de mayo. Pasado y presente de Lebón y Aznar se agitan en la antesala de la serie de shows que brindarán en el Movistar Arena con cuatro fechas agotadas y una nueva función pactada para el viernes 12 de septiembre que se suma a las presentaciones en Rosario, Córdoba y Mendoza.
Es imposible llegar directamente a los músicos, el contacto es a través de la agente de prensa de ambos, Jimena Arce maneja de un modo amable y sincero los puentes lejanos hacia David y Pedro. El primero en responder es la voz de “Seminare”. El nombre de Juanito Moro aparece en el cuestionario, el baterista participó en el concierto de Serú en el marco del Festival Quilmes Rock como traductor del ritmo contagioso de “Cuánto tiempo más llevará”.
“Juanito es familia, desde chiquito cuando dormía en el anvil de la batería de su padre. Tenemos una relación fluida, tanto en lo profesional como en lo personal. Lo amo con todo mi corazón. Veremos si nos da una sorpresa….”, dice Lebón.
“Juanito es un gran baterista, y un muchacho adorable. Recién había nacido cuando el grupo empezó en San Pablo, en junio del ‘78. El grupo y él salieron al mundo en el mismo momento. Y vivimos todos en la misma casa durante un mes, entre las voces y los juegos de Juanito bebé y los hijos de David. Eso, por supuesto, le da un valor afectivo enorme a tocar juntos. ¡Es parte de la familia desde siempre! Además, si bien él tiene su propio estilo, hay una esencia “morística” innegable en su toque. Va a estar como invitado en los shows de Buenos Aires, claro” (Aznar).
Durante el tiempo de espera de la larga sesión de fotos, los amigos jugaron al intercambio de bromas o percepciones que se activan cada vez que se juntan. Contraseñas que suman casi 50 años de complicidades, en su mayoría en un inglés fluido. Aunque hay diferencias del tiempo transcurrido, ambos vivieron en Estados Unidos en diferentes periodos de sus vidas. “Es algo que nació de una manera natural. Nos une una historia y un tiempo de estar juntos que genera este tipo de cosas”, dice Lebón y cierra su participación vía mail.
Aznar, en cambio, se tomó más tiempo para responder sobre algunos temas no tratados en la entrevista presencial.
-El regreso de Serú ‘92 dejó conciertos multitudinarios y un disco que plasmó ese momento de la banda. ¿A modo de resumen o descripción a más de 30 años cómo podés describir ese regreso?
-Jugamos una carta fuerte, en el ‘92, cuando decidimos hacer un disco nuevo que reflejara nuestro presente. Serú 92 contiene grandes canciones, que han quedado como clásicos en nuestros repertorios solistas y se han grabado en la memoria emotiva de la gente. Así que en cuanto a la música nueva, la prueba se superó con creces.
En lo que respecta al vivo, (nos) habían pasado muchas cosas en los diez años transcurridos desde la última vez que habíamos tocado, y era una gran responsabilidad volver a pararnos sobre un escenario. El hecho de que fuera en grandes estadios multiplicó ese desafío, y creo que, considerando todas las circunstancias, salimos bastante bien parados. En esta oportunidad hago la dirección artística. Con la participación y el visto bueno de David, por supuesto.
-En el show del Quilmes Rock participaron varios invitados (Trueno, Sandra Mihanovich y Dante Spinetta). ¿Cómo fue la elección y de qué modo tanto las nuevas generaciones como artistas ya clásicos pueden convivir o ser parte del repertorio de Serú en este nuevo presente?
–Creo que esa convivencia habla de la transversalidad de la música de Serú. Y para nosotros es un placer poder compartir con artistas tan brillantes y diversos. La elección se dio de una manera muy espontánea, ya que los admiramos, respetamos y queremos a los tres, y los reconocemos como usinas creativas surgidas de distintas generaciones, pero unidas a través de su aporte a la gran cultura musical que tiene nuestro país.
-¿Es posible pensar en un regreso discográfico de Serú? ¿En el caso de que fuese factible podría incluir a Charly?
–Hay una confianza muy grande entre nosotros tres. Podemos hablar a corazón abierto sobre cualquier cosa. Y si bien no hay planes concretos de grabar, si surgiera la oportunidad y estuviéramos todos de acuerdo, se podría hacer sin ningún inconveniente.
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Aunque el ascenso de Xavi se gestó a la velocidad de internet, y ‘En Privado’, llegó incluso a colarse entre las selecciones musicales de fin de año de Barack Obama en 2025, Dosis revela algo más profundo que la viralidad.
En su recién estrenado segundo álbum de estudio, el cantante originario de Phoenix expande el lenguaje de los corridos tumbados hacia territorios donde conviven la bachata, el pop latino y los matices urbanos, decidido a expandir los límites de su sonido y a definir, con mayor claridad, una identidad musical propia.
Con 19 canciones y una lista de colaboraciones que atraviesa distintos rincones de la música latina contemporánea, Dosis funciona como una declaración de crecimiento. “Tratamos de meterle un poquito de todo, para no dar lo mismo siempre y experimentar un poco de diferentes géneros”, explicó el artista.
Lejos de limitarse al molde tradicional del regional mexicano, el disco se mueve entre guitarras tumbadas, estructuras pop y ritmos tropicales sin que la transición se sienta forzada. Canciones como ‘En Privado’, junto a Manuel Turizo, se acercan a la bachata desde un lugar melancólico y sensual, mientras que ‘Find Us Again’, el primer tema completamente en inglés de Xavi, explora otra textura vocal más cercana al pop confesional estadounidense.
Aun así, el corazón del álbum permanece intacto: desamor, deseo, nostalgia y heridas emocionales convertidas en canciones. En temas como ‘Cartier’, junto a Gabito Ballesteros, o ‘Bellaka’, Xavi mantiene esa mezcla entre vulnerabilidad sentimental y estética de lujo que ha definido gran parte de su imaginario reciente.
El álbum también refleja el momento particular que vive la música mexicana contemporánea. En lugar de entender el regional como un género cerrado, Dosis lo utiliza como punto de partida para dialogar con otros sonidos globales. Así aparecen colaboraciones con Fuerza Regida en ‘SRT’, Grupo Frontera en ‘No Capea’, Carín León en ‘La Morrita’, además de participaciones de Kapo, Neton Vega y Omar Montes. Más que simples feats estratégicos, las colaboraciones funcionan como extensiones naturales de la amplitud sonora que persigue el disco.
La estética del proyecto también acompaña esa transición. La portada del disco, protagonizada por un corazón en llamas rodeado de destellos brillantes, apuesta por un romanticismo oscuro y maximalista que conecta directamente con la sensibilidad visual de una generación criada entre TikTok, heartbreak playlists y cultura digital.
El disco ya está disponible para el público en todas las plataformas como Spotify, Apple Music y YouTube.
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Ha pasado casi un año desde la muerte de Ozzy Osbourne, pero su familia asegura que su presencia regresará, de manera digital. Los Osbourne se han asociado con Hyperreal y Proto Hologram para crear una versión impulsada por inteligencia artificial del “Príncipe de las Tinieblas”. El Ozzy digital podrá volver a hablar con sus fans y estará disponible en unidades Proto Luma en el Reino Unido y Estados Unidos en unos meses.
Sharon Osbourne y Jack Osbourne anunciaron el proyecto el miércoles durante la Licensing Expo 2026 en Las Vegas. La creación contiene “el ADN digital de Ozzy Osbourne: su voz, imagen y movimientos”, dijo Jack durante el evento, según License Global.
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“Puedes preguntarle cualquier cosa al Ozzy digital y él te responderá con su propia voz; las respuestas serán exactamente lo que Ozzy habría dicho”, afirmó Sharon. “Vamos a llevarlo por todo el mundo. La gente podrá hablar con él y él les responderá”.
“Da un poco de miedo lo realmente preciso que es”, compartió Jack. “Él existirá digitalmente como sí mismo mientras existan las computadoras. La tecnología ha avanzado muchísimo, hasta el punto en que ahora es prácticamente de arrastrar y soltar. Puedes grabar una plantilla para un comercial… literalmente escribir lo que quieres que haga el Ozzy digital en ese anuncio y simplemente integrarlo. Así de simple es ahora”.
El CEO de Hyperreal, Remington Scott, le contó a ROLLING STONE que el avatar de Ozzy fue creado con tecnología patentada que le permite operar en tiempo real. La compañía utiliza una tecnología llamada “ADN Digital” para recopilar los datos necesarios para desarrollar los avatares. “Puede presentarse en vivo, responder a las audiencias y existir dentro de entornos interactivos”, explicó Scott. “Esto no es contenido prerenderizado reproduciéndose en bucle. Es una interpretación viva, construida exclusivamente a partir de material auténtico: seleccionado, autorizado y controlado por las personas más cercanas a Ozzy”.
David Nussbaum, fundador de Proto Hologram, reafirmó las declaraciones de Scott sobre el uso exclusivo de material aprobado para crear los avatares digitales, ya que tanto su empresa como Hyperreal siguen estrictos principios éticos respecto a la inteligencia artificial. “No tomamos a la ligera la responsabilidad de trabajar con artistas de esta magnitud”, afirmó.
Hyperreal ya había creado anteriormente un avatar digital del fallecido Stan Lee, el cual presentó durante la L.A. Comic Con 2025. Los videos del Lee digital lo muestran interactuando con asistentes de la convención, exaltando las virtudes de Spider-Man como su superhéroe favorito y explicando los orígenes de Sandman.
“Sharon llegó a esto con un contexto real: ya había visto de lo que esta tecnología es capaz”, explicó Nussbaum. “Visitó la sede de Proto Hologram en Van Nuys, donde pudo ver de primera mano varios proyectos, incluido el avatar de Stan Lee creado por Hyperreal, que mantuvo conversaciones en vivo con fans de Marvel durante la LA Comic-Con. Incluso ella misma se convirtió en un holograma. Así que no llegó sin saber nada. Entendía las capacidades de la tecnología antes de comprometerse, y eso es importante para nosotros, porque la confianza informada es la única que realmente vale”.
Sharon y Jack Osbourne hablaron sobre el Ozzy digital en un panel titulado “El legado perdurable de un ícono del rock y su familia: Ozzy Osbourne y los Osbourne”. License Global reportó que madre e hijo fueron bastante sinceros sobre el enfoque práctico que han tenido al construir su marca. “Tuvimos una gran discusión por los patitos de goma [de la marca]”, contó Jack, refiriéndose al merchandising relacionado con el programa The Osbournes. “Yo decía: ‘No voy a convertirme en un pato de goma’”. Pero al final, los patitos sí salieron a la venta.
“Elvis Presley murió hace 50 años y todo el mundo sabe quién es Elvis”, dijo Sharon durante el evento. “Yo solo quiero eso para Ozzy Osbourne”.
“Es un honor que confíen en nosotros para traer de vuelta al mundo a uno de los verdaderos dioses del rock y permitirle seguir conectando con sus fans. ¡Gracias, Sharon y Jack!”, afirmó Nussbaum. “No lo haríamos si no estuviéramos seguros de que las tecnologías de nuestras compañías pueden crear una experiencia que realmente extienda la presencia, el corazón y el alma de Ozzy hacia el futuro”.
“Cada grabación, cada video y cada fotografía captura un momento”, explicó Scott. “Lo que Hyperreal y Proto están construyendo captura algo más: la presencia. La razón por la que la gente ama a Ozzy Osbourne no es solo por su música; es porque se entregó a sus fans de una manera en la que ellos realmente sentían que lo conocían. Eso es raro. Y vale la pena preservarlo. La idea es que un niño que descubra a Ozzy dentro de diez años pueda experimentar esa misma conexión; no una pieza de museo, sino a Ozzy siendo Ozzy”.
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