Por primera vez en su trayectoria, Mike Miller dirige su enfoque creativo a un artista global latino, Carín León.
Mike Miller es un fotógrafo reconocido por su trabajo en la estética urbana, el hip hop y la cultura pop de los años 90 y 2000. A través de su lente, ha capturado retratos crudos, auténticos y definitorios de artistas como Eminem, Tupac Shakur, Snoop Dogg, Dr. Dre, Ice Cube, entre otros. Su obra refleja la esencia del street style y ha dado lugar a imágenes icónicas que perduran en la historia de la cultura urbana, trascendiendo generaciones y contextos.
Como un guiño de evolución y ambición, Miller se encamina a un nuevo género digno de retratar: el regional mexicano. Para contar una nueva historia, el fotógrafo se une al músico, cantante y multiinstrumentista Carín León, una de las voces más destacadas de la música mexicana contemporánea. Esta alianza no solo presenta una colaboración visual, sino también un punto de inflexión en la narrativa del género que presenta uno de los auges más emblemáticos en la historia de la música.
“El simple hecho de tener la oportunidad de trabajar con un artista como Carín es una bendición. Carín y yo hicimos click desde un inicio, es todo un profesional. Agradezco mucho la confianza que me dio con mis propuestas. Espero tener más oportunidades de trabajar con Carín y su equipo”, compartió Mike Miller en exclusiva a ROLLING STONE en Español.
La nueva era visual de Carín León se presenta como la unión de dos mundos que inusualmente se unen, pero cuando lo hacen, se crean universos creativos originales, voraces y únicos. Mike Miller no solo tomó fotografías de la nueva etapa artística de Carín, sino que nos hace testigos de la evolución a la que hace que el cantante mexicano se someta a través de un cambio necesario y meticulosamente pensado.
Las imágenes, capturadas en Hermosillo, Sonora, nos muestran una identidad más fuerte, elevada y con una proyección internacional que se alinean a la perfección con la visión que aporta Carín León al regional mexicano: poder. Estas fueron capturadas en tres rodajes diferentes: ‘La buena’, ‘Ruca’ y ‘En la misma cama’.
“Fue una experiencia increíble trabajar con un talento tan grande como la leyenda del lente Mike Miller. Su visión y sensibilidad se reflejan en cada uno de sus trabajos, y su habilidad para capturar no solo cada momento, sino también la esencia de la cultura y los paisajes de Hermosillo, le da un toque especial a MUDA”, dijo Carín.
El cantante también aseguró que el trabajo de Miller logró plasmar, a través de imágenes, la calidez y autenticidad de la gente de su lugar de origen, así como la belleza singular de los paisajes que los rodean, lo que lo hace aún más especial. La conexión que surgió con este proyecto fue innata y natural: “Me siento verdaderamente agradecido de haber estado frente a su cámara; cada instante se convirtió en algo único y mágico. Sin duda, su estilo y profesionalismo dejaron una huella profunda en esta colaboración”.
Mira aquí algunas de las fotografías de Carín León por Mike Miller:
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Gilby Clarke toca un montón pero graba poco. “Tengo cuatro temas nuevos, pero la verdad que es difícil sacar un disco ahora”, dice, y su currículum le da la razón: lo último que publicó fue The Gospel Truth en 2021, y antes de eso Swag en… ¡2001! A años luz quedó Pawnshop Guitars (1994), el debut con alta rotación en MTV y un par de hits (el cover de “Dead Flowers”, la original “Cure Me… Or Kill Me…”) en el que demostró que, para él, había vida por fuera de Guns N’ Roses. O sea: técnicamente todavía le faltaba un año para recibir el telegrama de Axl, pero la banda a la que llegó en 1991 para reemplazar a Izzy Stradlin estaba stand by por decisión de su errático líder, y Gilby aprovechó el tiempo grabando como solista y participando de Slash’s Snakepit, el primer proyecto de su compañero por fuera de los Guns.
Desde ese momento, dijimos, grabó con moderación pero tocó acá, allá y en todas partes: con Slash, con Lemmy, con Heart, con MC5, cubriendo una emergencia para Alice Cooper hace poco, con una banda de reality que se llamó Rock Star Supernova y no duró nada. En ese interín, vino a la Argentina tantas veces que -dice- ya no las puede contar, y este año no será excepción: el 22 de este mes toca en Rosario, el 23 en Mar del Plata y las dos noches siguientes en el Roxy Live porteño. Recuerdos, consejos, impresiones y esa canción que -con toda su experiencia- todavía no logra domar.
Visitaste Argentina muchas veces, pero la primera fue especial, por el momento que atravesaba Guns N’ Roses y todo lo que rodeó esa visita. ¡Hasta el presidente les dijo “forajidos”!. ¿Cómo viviste ese viaje?
Mirá, hay muchas cosas que no recuerdo de hace 30 años, pero nunca voy a olvidar eso. Además de ser mi primera vez en Argentina, también fue la primera vez de los chicos. Y ellos habían hecho muchas cosas antes que yo no había hecho. Pero fue algo que… no sé, no creo que mucha gente tenga la oportunidad de experimentar algo así. Había mucho amor en el aire. Había mucha pasión en el aire. Como dije, nunca lo voy a olvidar. También la primera vez que fui con mi banda solista, cuando abrimos para Aerosmith [Vélez, 1994]. Eso fue genial. Cientos de chicos afuera del hotel. Sabían las letras de las canciones. Espero no ser ese tipo de persona que se olvida de algo así. Fue una experiencia realmente única.
¿Cómo es interactuar en el estudio o en el escenario con un guitarrista que hace todo bien como Slash? ¿Fue difícil encontrar tu lugar cuando entraste a la banda o fue al revés? ¿Cómo construyeron esa química musical que tienen?
Bueno, hay que dar el crédito a quien corresponde. Fui elegido porque Izzy y yo venimos un poco del mismo lugar. Tenemos las mismas influencias. No somos iguales, pero tenemos muchas similitudes. Así que fui elegido para cumplir un rol. Y ese rol, por suerte, creció. Slash fue muy firme en decir: “Mirá, hay partes importantes de las canciones que tenés que tocar, pero quiero que lo hagas tuyo. Quiero que lo toques como lo tocarías vos”. Y fue realmente importante que lo dijera. Muestra el tipo de músico que es y la confianza que deposita en los nuevos como yo y Matt [Sorum, reemplazante de Steven Adler]. Nos dejó ser nosotros mismos, no estábamos en una jaula teniendo que tocar como Izzy, vernos como Izzy. Él no era así. Era: “Hacelo tuyo”. Así empezó, pero se transformó en una buena relación musical. Tocábamos bien juntos. Los dos somos similares en el sentido de que somos guitarristas de rock and roll, pero él hace cosas que yo no puedo hacer y yo hago cosas que él no puede hacer. Por eso funciona tan bien como dupla de guitarras.
Está claro que Guns N’ Roses fue una etapa increíble en tu carrera, pero el final no estuvo bueno. ¿La despedida empaña de alguna manera tus recuerdos de esa época?
Lo bueno del paso del tiempo es que me olvido de lo malo. Pero mirá: cuando entré a la banda, cuando me llamaron, yo sabía a lo que me estaba metiendo. Sabía que podía durar una semana, seis semanas, un mes, un año. Sabía que era una relación volátil. Y no solo conmigo, con todos. No sabíamos qué iba a pasar. Yo lo sabía y estaba bien con eso. Y, para ser honesto, me fui antes de que se pusiera feo de verdad. Nunca fue realmente feo para mí. La gente cree que lo fue, pero no. Todos nos teníamos respeto. Simplemente Axl quería llevar la banda en otra dirección, y yo, Slash, Duff, no éramos parte de eso.
Muchos de los crecidos en los 90 descubrimos “Dead Flowers” gracias a vos, para después enterarnos de que era una canción de los Rolling Stones. ¿Qué representa ese tema para vos?
Como músico, cada vez que estás en una situación de zapada, cuando vas a un club y querés tocar, esa siempre fue mi canción de referencia. Principalmente porque soy guitarrista y soy malísimo recordando letras, y esa es una de las canciones cuya letra siempre recuerdo. Así que fue algo natural. Es una de esas canciones de las que me gustaría haber sido el autor. Es genial, tiene esa mezcla perfecta entre country y rock. Era rock outlaw antes de que existiera el outlaw country.
Grabaste “Dead Flowers”, a veces tocás “It’s Only Rock and Roll”, hiciste “Wild Horses” con Slash… todo apunta a que tenés debilidad por los Stones de los 70.
Sí, absolutamente. De hecho, casi todos los covers que hacemos son de esa época. Y, de nuevo, principalmente porque son las letras que recuerdo. Es así de simple. Si recuerdo la letra, hacemos esa canción. Pero también hacemos Joe Cocker a veces. Hago mucho de los Beatles, “She’s So Heavy”. No la hacemos en algunos lugares porque mucha gente no la conoce. Recuerdo que en mi primera gira solista hacíamos Cheap Trick, tocábamos “Surrender” y otras canciones, y me sorprendía que mucha gente no conociera “Surrender”. Con T. Rex también, tocamos mucho y mucha gente no conocía esas canciones. Así que aprendí algo de eso.
Algo que me gusta preguntarles a los grandes guitarristas es si hay una canción de otro artista que sea como tu némesis. Una que te encanta tocar pero no te sale o te resulta muy difícil.
Bueno, te lo voy a decir: soy malísimo tocando “Highway Star” de Deep Purple. Ese solo… o sea, lo toqué bien un par de veces, generalmente en algún club chico improvisando, y salió perfecto. Pero es un solo tan icónico que todo el mundo lo puede cantar. Entonces, si no lo tocás bien, se nota.
¿En qué debería enfocarse un buen guitarrista rítmico de rock? ¿Cuál debería ser su arma principal?
Creo que lo más importante para un guitarrista rítmico en una banda con dos guitarras es no hacer lo mismo que el otro. Si uno es el guitarrista dominante, encontrá tu ritmo en relación a eso. Los Beatles y los Stones eran geniales haciendo que cada instrumento fuera importante en la canción. Hoy en día, hay una parte y todos la duplican o triplican. A mí me gusta cuando una guitarra hace algo y la otra hace otra cosa. No hay una respuesta única, pero diría eso: tener esa interacción con el otro guitarrista, tocar en función del otro, sumarle a la canción. Hay grandes ejemplos de eso, como los Stones, Aerosmith o Guns N’ Roses.
Hablemos de algunas de tus colaboraciones. Por ejemplo, el año pasado tuviste que tocar con la banda de Alice Cooper con muy poco aviso. ¿Cómo fue esa experiencia?
¡Tuve que aprenderme todo en dos días! Casi 30 canciones. Mi amigo Chuck Garric, el bajista de la banda de Alice, me llamó un viernes y me dijo que algo había pasado y que Nita [Strauss, la guitarrista “oficial” de la banda] no estaba disponible, y Orianthi [la primera candidata a reemplazarla] tampoco. Me preguntó si podía hacerlo. Le dije que sí. Me pasó la lista y tuve dos días para aprenderla. El lunes volé con la banda, ensayé el martes y toqué el miércoles. Había unas seis canciones que ya conocía, solo tenía que aprender sus versiones. Con tres guitarristas era un poco complicado encontrar tu lugar. Pero lo más difícil era mantenerse en el lugar correcto por todo lo que pasa en el escenario. Si ves videos, vas a ver a Tommy Henriksen [el otro guitarrista del grupo] moviéndome para que no me corten la cabeza, o a Ryan [Roxie, el tercer guitarrista] empujándome. Pero fue muy divertido. Alice Cooper es lo mejor. La banda es alucinante. Todos me ayudaron mucho. Incluso Nita me mandó pistas de guitarra para estudiar. Me gustan esos desafíos. Guns N’ Roses me dio una semana para aprender 50 canciones. Estos me dieron dos días para casi 30. Es divertido. No todos pueden hacerlo, y me gusta ser uno de los que sí.
Otro gran momento de tu carrera fue compartir escenario con Lemmy. ¿Cómo fue eso?
Lemmy es auténtico. Todo lo que ves de él en entrevistas o shows es igual fuera del escenario. No tolera a los falsos. Si sos falso o lo adulás demasiado, se va. Es importante ser auténtico con él. Trabajé con él varias veces, tocando y grabando. Tiene una lista muy corta de gente que respeta, y me alegra estar en esa lista.
Como representante destacado del rock clásico de guitarras, ¿creés que el género ya es pura nostalgia o sigue vivo?
Es interesante. En Estados Unidos, por ejemplo, hay bandas como Rival Sons que la están rompiendo. Dirty Honey empezó no hace tanto, pero veremos. The Struts también. Hay bandas que mezclan el sonido clásico con cosas nuevas. Incluso Yungblud en cierta medida. Creo que el género sigue vivo. Tal vez no esté en el centro como antes, pero sigue ahí.
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Después de cuatro décadas de convertir la rabia, la inconformidad y las heridas sociales en himnos de resistencia, La Pestilencia abre el último capítulo de su historia con ‘Es Mi Calma’, el primer sencillo de Buen Provecho, el álbum con el que la agrupación se despide definitivamente de una de las trayectorias más importantes del punk latinoamericano.
El tema aparece como una de las composiciones más íntimas y sensibles de esta etapa final. Sin abandonar la crudeza que ha definido a la banda desde sus inicios, ‘Es Mi Calma’ desplaza la mirada hacia una forma distinta de confrontación: la que ocurre por dentro. La canción habla de ansiedad, miedo, soledad emocional y del desgaste de intentar sostenerse en medio de una época marcada por la incertidumbre, la hiperconexión y la presión de aparentar estabilidad.
A través de imágenes que remiten al espejo, al miedo como refugio y a esa sensación de esperar una ayuda que nunca llega, La Pestilencia convierte la vulnerabilidad en una forma de catarsis colectiva. Ya no se trata únicamente de señalar el caos exterior, sino de reconocer las fracturas internas que también atraviesan a una generación acostumbrada a sobrevivir en silencio.
Musicalmente, el sencillo mantiene la intensidad de la agrupación, pero abre espacio para una sensibilidad más frontal. En ‘Es Mi Calma’, la angustia no aparece como derrota, sino como punto de partida para hablar de salud mental, de cicatrices y de la posibilidad de encontrar algún tipo de alivio a través de la música. Es un grito emocional que no pierde fuerza por mostrarse vulnerable; al contrario, encuentra allí una nueva forma de resistencia.
“Nuestra gratitud eterna es para esa legión que nos regaló los recuerdos más potentes que un artista puede llevarse a la tumba. Siempre vimos la plaza llena; un mar de puños en alto que nos recordó, show tras show, que nunca estuvimos solos en este ruido. Gracias por ser el motor de 40 años de carrera”, expresa Dilson Díaz.
Con ‘Es Mi Calma’, La Pestilencia no solo anticipa el cierre de su discografía, también propone una despedida emocional que mira de frente el miedo, abraza las cicatrices y recuerda que incluso en medio de la oscuridad todavía puede existir un lugar para respirar.
El lanzamiento llega mientras La Pestilencia se prepara para su despedida de los escenarios. Bajo el nombre de El Último Pogo, la banda ofrecerá su concierto final el próximo 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo Medplus de Bogotá, una noche que reunirá cuatro décadas de memoria, ruido, inconformidad y comunión punk.
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Con mensajes incisivos, música vibrante y una actitud coherente con su discurso, Patti Smith se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la cultura contemporánea. Su espíritu rebelde y la fusión de poesía y rock han dejado una huella profunda a lo largo de las últimas cinco décadas. Ahora, esa trayectoria excepcional ha sido reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026.
El Premio Princesa de Asturias de las Artes es uno de los galardones más prestigiosos que se conceden en España. Con una entrega anual en la ciudad de Oviedo, el premio es otorgado a personas o instituciones que hayan realizado una obra destacada con impacto innegable a las artes, como la música, la literatura, el cine, la danza, la fotografía o la arquitectura. De acuerdo con diversos expertos, la carrera de Patti Smith ha ido mucho más allá del ámbito musical, consolidándola como una creadora inconformista y transversal que se expresa mediante múltiples lenguajes artísticos, entre ellos la poesía, la fotografía, la performance y la videoinstalación.
Los proyectos que ha presentado Smith trascienden lo musical, y su compromiso tiene diversos objetivos que se ven ligados a los político y social. Según los premios, la artista es considerada como un ícono del activismo y la lucha por los derechos civiles.
En la carta del jurado, se hace mención a las razones por las cuales Patti Smith obtuvo el galardón. Según los jueces, la artista fue seleccionada “por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva”.
Y agregaron: “Intérprete de estilo vigoroso, ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo. Como escritora, ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias. Con una actitud inconformista y transgresora, ejemplo para muchas artistas, ha conmovido a oyentes y lectores de todo el mundo y sigue inspirando a las nuevas generaciones”.
Patti Smith describió la llegada de este premio como “si mil palomas me hubieran dado la bienvenida y me hubiesen llenado de energía”. Se trata de un profundo sentimiento de gratitud que inundó a la cantautora y poeta estadounidense cuando se enteró sobre la noticia de la concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes. “Creo que este galardón simboliza el amor que siento por España, un país que, durante décadas y a través de distintas generaciones, me ha expresado su cariño y apoyo y donde siempre me he sentido respaldada y querida. Si tuviera que resumir lo que este Premio significa para mí, lo haría con dos palabras: Arte y Amor. Por todos los poetas y pintores que desde Lorca a Picasso me han inspirado, y por todo el afecto que he recibido, especialmente de la gente joven”, dijo.
“Espero llegar a Asturias unos días antes de la ceremonia, porque se da la circunstancia de que el próximo 20 de octubre se cumplirán exactamente 50 años de mi primer concierto en España (20 de octubre de 1976, en Badalona). Cumpliré ochenta años en diciembre, pero más que tener la sensación de estar llegando al final de mi camino, este Premio hace que me sienta rejuvenecida. Bendigo cada día como el comienzo de algo nuevo, en un mundo que necesita más que nunca de nuestra comprensión, de nuestro trabajo y de nuestro compromiso para seguir llenándolo de amor y de respeto hacia los demás”, complementó.
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“Quiero compartir una noticia muy importante. Después de muchísimo tiempo, sentí el fuerte deseo y la necesidad de dar un paso que durante años intenté dar de otras maneras, sin lograrlo. Hoy, después de 16 años, junto a Gonzalo Villagra decidimos volver a tocar nuestra música. Lo hacemos con profundo respeto por la historia compartida, por todo lo vivido, y por lo que esta música significa para nosotros”, así comienza el texto que posteó el baterista Walter Broide esta mañana y que sorprendió a más de un rockero argentino con el anuncio del regreso a los escenarios de Natas, pero sin el consentimiento de su fundador, Sergio Ch. En su lugar estará Nico Bereciartúa, el guitarrista argentino que toca con los Black Crowes en sus giras, hijo del legendario Vitico (Riff) y a quien el mismísimo Jimmy Page elogió públicamente luego de verlo tocar en un show del grupo norteamericano.
El posteo, que sirvió de comunicado oficial, continúa: “También lo hacemos aceptando una realidad: Los Natas, aquella formación, dinámica humana, etapa musical, ya no existe como existió alguna vez, y aceptar esto no es negar el pasado; es ser justos, agradecer y honrarlo con la verdad, con el respeto que corresponde y un único foco real para nosotros, qué es lo que nos hace bien, y queremos compartir: nuestra música”. Pocas horas después, la banda anunció su primer concierto para el 13 de noviembre, en el Art C Media.
(@recitarg)“Con Sergio estuve dos años y medio tratando de rearmar nuestra relación y no lo logramos”, respondió Broide cuando Rolling Stone le preguntó por la ausencia de su excompañero de banda en este nuevo proyecto. “Sergio es irreemplazable. No es nuestra intención borrar el pasado si no todo lo contrario y se lo honra tocando nuestra música con toda la fuerza y toda la onda”.
Por su parte, Sergio Ch le aseguró a Rolling Stone no saber nada al respecto y hoy hizo un posteo en sus redes con una foto suya de espaldas y el tema “Traición en el arrocero”, del álbum Toba Trance (2004) de Natas. En noviembre de 2024, en charla con RS, Sergio Chotsourián había descartado, al menos por el momento, una reunión con sus excompañeros: “Con Walter (Broide) y Gonzalo (Villagra) hicimos una reunión hace unos años en el casamiento de nuestro sonidista y operador Patricio Claypole. Como regalo de casamiento tocamos diez temas y estuvo buenísimo, como si el tiempo no hubiera pasado. El tal vez está siempre presente, el me encantaría está, el podría ser también, pero solo por hoy no está en mi lista de prioridades y es algo que yo prefiero dejarlo como quedó, en su mejor momento, de mucha adrenalina, mucho amor, mucha destrucción y mucho peligro también. Todo ese coctel era hermoso, atrapante y a la vez me podría haber llevado a la tumba. Todos los días me acerco al altar de Los Natas, le paso el plumerito, le prendo una vela, un sahumerio, lo honro, le agradezco y por ahora me gusta tenerlo así”.
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El exguitarrista de Turnstile, Brady Ebert, se enfrenta ahora a cadena perpetua después de que los cargos por atropellar intencionadamente con su coche al padre del cantante de la banda, Brendan Yates, fueran elevados a intento de asesinato en primer grado.
Ebert fue acusado inicialmente de intento de asesinato en segundo grado y agresión en primer grado, ambos delitos graves, tras el incidente del 29 de marzo en el que, según la banda, Ebert “atropelló con su vehículo al padre de Brendan [William Yates, de 79 años], causándole graves lesiones físicas”.
Sin embargo, un gran jurado del condado de Montgomery acusó formalmente a Ebert el jueves, elevando el cargo de intento de asesinato en segundo grado a primer grado, que, de ser declarado culpable, conlleva cadena perpetua; el cargo de segundo grado tenía una pena máxima de 30 años. Según informa el Baltimore Banner, Ebert también enfrenta cargos de intento de asesinato en segundo grado, agresión en primer grado y dos cargos de agresión en segundo grado.
Ebert deberá comparecer nuevamente ante el tribunal el 8 de mayo. Anteriormente, ha mantenido su inocencia, declarando ante un juez de distrito: «Esto es pura legítima defensa».
“Turnstile rompió relaciones con Brady Ebert en 2022 en respuesta a un patrón constante de comportamiento perjudicial que lo afectaba a él, a la banda y a la comunidad”, declaró Turnstile en un comunicado. “Tras agotar todos los recursos disponibles para brindarle ayuda y facilitar su recuperación, finalmente fue necesario establecer un límite cuando la comunicación sana se volvió imposible y comenzó a amenazar con violencia”.
La banda continuó: “En los años transcurridos desde entonces, sus diatribas infundadas han continuado en público. Nunca las abordamos. Optamos por proteger su privacidad y las circunstancias que rodearon su partida, incluso cuando no hizo nada para merecer esa protección. En los últimos meses, sus amenazas no hicieron más que intensificarse… Ya no tenemos palabras para describir a Brady”.
Poco después del incidente, la banda abrió su presentación en Coachella con un video de William Yates.
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Shakira marcó un nuevo hito en su carrera y convocó a una audiencia de millones de personas en la playa de Copacabana, Río de Janeiro, tras ofrecer un concierto gratuito cargado de éxitos este sábado.
Se estima que 2 millones de personas asistieron al espectáculo en la célebre playa brasileña, donde la cantante colombiana ofreció un repertorio de casi 30 canciones que incluyó las participaciones especiales de Anitta, Maria Bethânia y Caetano Veloso.
“Llegué aquí cuando tenía 18 años, soñando con cantar para ustedes”, dijo Shakira al público poco después de subir al escenario. “Y ahora miren esto. La vida es mágica”.
El set incluyó grandes éxitos como “Hips Don´t Lie”, “She Wolf”, “La tortura”, “Waka Waka”, “Whenever, Wherever”, Choka, Choka”, y la “BZRP Music Sessions #53”.
Shakira es la tercera artista femenina consecutiva en realizar un concierto gratuito en la playa de Copacabana, siguiendo los pasos de Madonna en 2024 y Lady Gaga en 2025; esta última mantiene el récord con una asistencia de 2.5 millones de personas.
A pesar de ser un evento gratuito, el gobierno local estima que el concierto de Shakira generó aproximadamente 150 millones de dólares en ingresos por turismo para la ciudad de Río de Janeiro.
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“Descarada, despiadada e insistente”, son algunos de los adjetivos que suelen recibir las canciones de Princess Nokia. Y es que el álter ego de Destiny Nicole Frasqueri supo construir, desde su debut discográfico, 1992 Deluxe (2017), una carrera a punta de fuerza y autenticidad, de empoderamiento y resistencia. Mientras que su sonido nunca dejó de mutar, tras colgar sus primeras canciones a internet, convirtiéndola en la reina under de la música urbana. Haciendo honor, además, a sus raíces afro nuyorricanas, al cocinar un sofrito condimentado por el boom bap, el trap, el disco soul, el trip hop y el rap old school. De lo que puede dar fe su más reciente álbum, Girls, lanzado en octubre de 2025, y que iba a servir de excusa para preparar su primer desembarco en la capital argentina, pero que se suspendió días antes de su presentación (que iba a ser mañana), debido a problemas de salud. De todas formas, la semana pasada, antes del comunicado oficial publicado el sábado, Nokia habló con Rolling Stone y hasta se mostró enutiasmada con su debut en Buenos Aires.
“Estoy feliz y emocionada. Me refiero a que estoy realmente emocionada, más allá de las palabras y del puro verso que hay en este tipo de situaciones”, afirma esta neoyorquina de 33 años, al otro lado del zoom, desde la megalópolis estadounidense. “Actuar en Buenos Aires era una de mis grandes metas de este año, y es increíble que se haya podido dar. No me lo puedo creer todavía. Quiero conectar con la gente de allá, me gustaría conocer a toda la gente que me vendrá a ver”. Sobre la performance que ofrecerá, la artista, que fiel a sus raíces dispara en el mano a mano bocaditos de español con sabor a Caribe, adelanta: “Mi setlit repasará cada álbum que hice y cada una de mis épocas, porque el tour de Girls no sólo se enfoca en esas canciones. Será una especie de retrospectiva de mi discografía, ordenada de manera cronológica”.
Al momento de tocarlas en vivo, ¿cuál es la canción de Girls a la que ver convertida en un clásico?
Creo que todas las canciones de Girls son muy importantes. Si tuviera que describir al disco, te diría que es como capturar a la lluvia dentro de una botella. Cada vez que entré en el estudio a hacer alguna canción de ese repertorio, no duré más de dos horas. Es más: me llevó menos de una semana hacer todas las canciones del disco. Al terminar cada sesión, la sensación que me embargaba era la de que había hecho algo eléctrico y emocionante.
En comparación con tu álbum anterior, I Love You But This Is Goodbye, que explora más la música urbana, Girls pareciera estar intencionalmente inclinado hacia el sonido del rap de los años 90. ¿Ésa era la intención?
No era la intención, en Girls también le presto importancia a otros géneros. Es algo que me interesa hacer en cada una de mis producciones: abrir el abanico de estilos. Ése es el tipo de artista que soy. Hago todo tipo de música porque me gusta, y porque lo deseo así. Si mis colegas pueden, ¿por qué no lo puedo hacer yo también? Me siento muy capaz para todo. No considero a Girls un álbum enteramente de rap. Hay tres canciones para cada género. Todos cuentan una historia, e incluso a veces son historias diferentes.
A propósito de las historias, si hay un rasgo que atraviesa a tu obra ése es el de la mujer como eje de tus letras. En ese sentido, ¿qué te interesa explorar?
Sólo quiero que mi música se sienta como una forma de seguridad para las mujeres. El mundo puede ser muy inseguro para nosotras, ¿sabés? Incluso, tener conversaciones con hombres puede ser muy inseguro. Así que mis canciones son literalmente un espacio seguro para aquellas mujeres que no tienen el privilegio de ser tan libres o de ser tan empoderadas. Espero que las mujeres argentinas y de otras partes del mundo escuchen mi música y encuentren en ella inspiración para escapar de los entornos inseguros, de las personas inseguras y de los hogares inseguros. Y que eso les de perspectivas, a través de pensamientos inteligentes.
¿Cuánto influye para una artista de ascendencia latina como vos crecer rodeada del cosmopolitismo neoyorquino?
¡Dios mío! Crecer en la ciudad de Nueva York fue muy interesante. Cuando empecé a relacionarme con otras comunidades latinas, me encontraba ya en la secundaria. Eso se convirtió en un gran cambio de vida para mí, y lo digo en el mejor sentido posible. Conocí a muchas personas que me enseñaron un montón sobre la latinidad, una cultura que no logré curtir donde crecí. Si no hubiera sido así, quizá no la hubiera experimentado. Fui a una escuela latino-católica profunda, donde nuestra cultura tenía una gran presencia. La mayoría de mis compañeros y compañeras eran hijos de padres que había inmigrado a los Estados Unidos. Gracias a eso es que pude aprender a hablar español.
En canciones como “Lo siento”, “Brujas” o “Dragons” mechaste algunos versos en español. ¿Cuáles fueron tus referencias para animarte a hacerlo?
La razón por la que me animé fue que crecí escuchando a bandas de Colombia, México o Chile. Fue el mejor curso de música que he recibido, lo que me hizo tener un gran amor por la música latina. Por ejemplo, me encanta Café Tacvba, me encanta Maldita Vecindad, me encanta Molotov. No hubiera experimentado eso si mi familia y amigos mexicanos de la escuela latina no lo hubieran compartido conmigo. Empezaron a llevarme a los recitales de Julieta Vanegas, Bebé y Ximena Sriñana. Así fue como aprendí español: traduciendo esa música. Eso me llevó más tarde a descubrir a raperas que son influyentes en mi música como La Mala Rodríguez o Ariana Puello. Eso le dio mucho sentido a mi vida.
Tomando en cuenta que hoy existen tantas raperas y cantante de música urbana en la industria musical, ¿cómo logaste hacer tu propio camino?
Si te soy honesta, más que un obstáculo, eso lo siento como una brisa en el parque. Vivo en una burbuja completamente diferente, vivo en un planeta distinto al del resto de la industria y al del resto de mis compañeras. No lo sé. Siento que vivo en el planeta Nokia, y siempre estoy en el planeta Nokia. Nunca sé qué más está pasando, no le presto atención a nada más. Sólo atiendo a lo que está en frente de mí, y a este mundo muy extraño que he creado para mí misma. Creo que eso habla de mis valores, porque la mayoría de las mujeres no son afortunadas de poder tener esa libertad en un mundo tan complicado e intrínseco. Así que les pido, por favor, que confíen en sus propios mundos.
¿Alguna vez la multinacional de telecomunicaciones de la que tomaste prestado su nombre te hizo quilombo por usarlo?
No, no, en lo absoluto. Me aman.
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