La confirmación de un show propio de Gorillaz en Córdoba volvió a encender los rumores alrededor del line-up de Primavera Sound Buenos Aires 2026. La banda encabezada por Damon Albarn se presentará el próximo 26 de noviembre en el Playón M. A. Kempes, apenas días antes de la nueva edición del festival porteño, que se realizará el 28 y 29 de noviembre y revelará su grilla oficial este lunes 11 de mayo.
El anuncio del debut cordobés del grupo apareció en medio de la creciente expectativa por Primavera Sound Buenos Aires, que el miércoles confirmó la fecha de revelación de su line-up con un teaser publicado en redes sociales: “Anunciar el anuncio del lineup es muy Primavera. Guarda la fecha. Anuncio line up: 11/05”.
Aunque todavía no hay confirmación oficial por parte del festival, la aparición de una fecha argentina de Gorillaz en el mismo tramo de su gira latinoamericana funciona como una fuerte pista sobre su posible participación como uno de los headliners de la edición 2026.
La edición 2026 de Primavera Sound Buenos Aires marcará el regreso local del festival tras dos años de ausencia. El evento ya confirmó sus fechas para fines de noviembre y promete continuar el legado de sus históricas ediciones argentinas: la primera, en 2022, con nombres como Arctic Monkeys, Björk, Lorde y Travis Scott; y la segunda, en 2023, encabezada por The Cure, Blur, Beck y Pet Shop Boys.
Además, Gorillaz aparece entre los artistas destacados de la edición 2026 del Primavera Sound de Barcelona, otro elemento que alimenta las especulaciones sobre su desembarco en Buenos Aires. En redes sociales se habla también de The Cure, The Strokes, My Bloody Valentine, Massive Attack, The xx, Lorde, Lana del Rey y más. La verdad llegará el próximo lunes.
El show en Córdoba formará parte de la gira presentación de The Mountain, el más reciente álbum de Gorillaz, editado este año, que incluye colaboraciones con los argentinos Trueno y Bizarrap.
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Los Rolling Stones anticipan su nuevo álbum, Foreign Tongues, con un sencillo inédito, ‘In the Stars’. Esta canción, junto con la blusera ‘Rough and Twisted’ —que promocionaron mediante una campaña de base presentándose bajo el nombre de “Cockroaches”—, encabeza las 14 pistas del LP. El disco, previsto para el 10 de julio, sucede a Hackney Diamonds (2023), que alcanzó el número tres en Estados Unidos y le valió a la banda un premio Grammy Awards.
El sencillo principal, ‘In the Stars’, se presenta inicialmente como una pieza de pop-rock en la línea de los Stones de principios de los años ochenta. Sin embargo, el estribillo introduce una melodía singular, cuando Mick Jagger canta “It’s in the stars, it’s our destiny”, mientras unos coros en “oooh” lo envuelven, acompañados por un discreto piano que revela una faceta renovada del grupo, antes de regresar a un riff de Keith Richards inmediatamente reconocible. “Do you wanna dance ’til the roof caves in?”, canta Jagger. “Yeah, and the guitars cream and the choir still sings.”
Por su parte, ‘Rough and Twisted’ es un enérgico rock de raíz blusera, marcado por el golpe rítmico de los pies, cargado de guitarra slide, piano boogie-woogie y saxofón, que evoca las grabaciones de The Rolling Stones de principios de los años setenta. “Why don’t you drive me down that rough and twisted road?”, brama Mick Jagger al inicio, mientras la banda se instala en su característico y cadencioso swagger. El propio Jagger también se encarga de la armónica, con su inconfundible timbre nasal, en la canción.
La banda grabó el álbum en Metropolis Studios, en el oeste de Londres. El productor Andrew Watt, quien estuvo al frente de Hackney Diamonds, también lidera Foreign Tongues. Además de Mick Jagger, Keith Richards y el guitarrista Ron Wood, el disco marca el regreso del bajista Darryl Jones (quien no estuvo disponible para Diamonds), así como la participación del tecladista Matt Clifford y el baterista Steve Jordan.
El álbum también incluye una aparición del fallecido baterista de los Stones, Charlie Watts, registrada durante una de sus últimas sesiones antes de su muerte en 2021. Entre los artistas invitados figuran Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith —de The Cure— y Chad Smith, de Red Hot Chili Peppers.
“Me encanta hacer estas sesiones de grabación en Londres, en Metropolis Studios”, afirmó Mick Jagger en un comunicado. “Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 grandes temas y avanzamos tan rápido como pudimos. Me gusta esa sala porque no es demasiado grande, así se puede sentir la pasión de todos en el ambiente.”
“El álbum Foreign Tongues mantiene una continuidad con Hackney Diamonds, y fue estupendo volver a trabajar en Londres y estar rodeados de ese ambiente londinense”, añadió Keith Richards. “Fue un mes de trabajo concentrado e intenso. Para mí, todo se reduce al disfrute. Soy afortunado de poder hacer esto, y ojalá dure mucho tiempo.”
“El ambiente en la sala era sumamente creativo, y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso”, señaló Ron Wood. “Muy a menudo lo clavábamos a la primera toma. Espero que a todo el mundo le encante”.
La portada del álbum presenta ilustraciones con fragmentos de los rostros de Keith Richards, Ron Wood y Mick Jagger apilados, creadas por Nathaniel Mary Quinn. El disco estará disponible en CD, CD de lujo, casete y diversas ediciones en vinilo, además de en formato digital. El sencillo ‘In the Stars’ también se lanzará en CD y vinilo.
La banda publicó previamente ‘Rough and Twisted’ como un promocional en vinilo de 12 pulgadas sin etiqueta, acreditado a “Cockroaches”, un seudónimo que ya habían utilizado al presentarse en 1977, en la época en que grabaron Love You Live y el recientemente editado El Mocambo 1977.
Los Rolling Stones no tienen actualmente fechas de gira programadas, pero Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood. tienen previsto aparecer en Brooklyn el martes para presentar Foreign Tongues.
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Apenas cuatro horas después de que los Rolling Stones anunciaran su nuevo LP, Foreign Tongues, y presentaran el primer sencillo, “In the Stars”, Conan O’Brien subió al escenario del Weylin en Williamsburg, Brooklyn, y se dirigió a un público abarrotado que incluía a Leonardo DiCaprio, Christie Brinkley, Andrew Watt, Odessa A’zion y prácticamente a todos los periodistas musicales de la ciudad de Nueva York.
“Déjenme ponerlos en contexto”, dijo. “En 1962, un grupo de jóvenes se juntó en Londres. Tocaban en pequeños clubes, pero soñaban con algo más grande. Luego tocaron en clubes un poco más grandes, con la esperanza de alcanzar la fama algún día. Lamentablemente, ese día nunca llegó. Nunca lo lograron del todo. Creo que este álbum va a cambiar las cosas. Creo que este álbum es el definitivo. Después de años de esfuerzo y anonimato, abriendo conciertos para bandas como Oingo Boingo, Bananarama y Frankie Goes to Hollywood, este es su momento”.
Momentos después, Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood salieron para una sesión de preguntas y respuestas con O’Brien, llena de risas, pocas revelaciones importantes y fallos de audio constantes. Pero cualquier evento con los Stones sigue siendo una ocasión monumental. Aquí hay ocho cosas que aprendimos.
Su nuevo video de “In the Stars” presenta a Odessa A’zion y a un Mick Jagger rejuvenecido
Al final del evento, cuando muchos periodistas e invitados ya se habían marchado, proyectaron el video del nuevo sencillo de los Stones, “In The Stars”. En él se ve a un Jagger rejuvenecido radicalmente, con un aspecto similar al de los años 60, cantando la canción en un club con otros músicos, ninguno de los cuales parecía ser de los Rolling Stones. La actriz A’zion, conocida por su papel en I Love LA/Marty Supreme, aparece junto a él en el video y presenció el estreno con entusiasmo, sentada junto a Andrew Watt cerca del escenario.
Charlie Watts participa en el álbum
En los últimos años de su vida, Charlie Watts grabó varias canciones nuevas con los Stones que quedaron inéditas. Dos de ellas, «Mess It Up» y «Live by the Sword», aparecieron en Hackney Diamonds. Y una tercera, titulada «Hit Me in the Head», se recuperó para Foreign Tongues. «La grabamos en Los Ángeles con Charlie», dijo Jagger. «Es un temazo de punk rock muy rápido. Es una canción rapidísima». Steve Jordan toca en el resto de las canciones. «Charlie lo recomendó», dijo Richards. «Charlie le pasó el testigo».
Cuatro de las 14 canciones son anteriores a las sesiones, incluyendo una con Paul McCartney
«Hit Me in the Head» no es la única canción anterior a las sesiones de Foreign Tongues. El álbum incluye otras tres de hace poco tiempo, incluyendo una con Paul McCartney. “Sería muy gracioso si le hicieras una audición”, bromeó O’Brien. “Creo que sería divertidísimo”. Richards dijo que casualmente estaba trabajando en el estudio de al lado mientras grababan el último disco. “Quería venir a tocar con la banda”, dijo Richards. “Quería cumplir ese sueño”.
Curiosamente, Robert Smith también participa en el álbum
Muchos fans de los Stones se quedaron atónitos cuando el comunicado de prensa de Foreign Tongues reveló que Robert Smith, de The Cure, tocaba en el disco a pesar de no tener ninguna relación previa con la banda. En la rueda de prensa, Jagger explicó cómo sucedió: «Un día llegué a Londres para grabar mi voz y allí estaba este tipo, de espaldas a mí, con una bata larga», contó Jagger. «Cuando se dio la vuelta, la bata estaba llena de pintalabios. Le dije: “Nunca te había visto, pero eres Robert Smith, de The Cure”. Me respondió: “¡Sí!”. Le dije: “Ya que estás aquí, mejor hacemos algo”. Y cantó los coros». O’Brien bromeó diciendo que quizás no era Smith. «Después descubrimos que estaba allí para arreglar el aire acondicionado», añadió.
El álbum se grabó en Londres en tan solo cuatro semanas
Al igual que con Hackney Diamonds de 2023, los Stones y Andrew Watt grabaron el álbum en solo un mes. «Solíamos pasar meses y meses en el estudio sin salir nunca», dijo Jagger, «que es otra forma de hacerlo». Grabaron la mayor parte de Hackney Diamonds en Estados Unidos, pero este se grabó en Londres. Le dijeron a O’Brien que querían capturar «el ambiente londinense». «Lo llamamos el Chiswick frondoso», dijo Jagger, refiriéndose a un elegante barrio del oeste de Londres. «No estábamos en pleno centro del East End ni nada parecido».
El estudio era muy pequeño
“Ya habíamos trabajado en este estudio antes”, dijo Jagger, refiriéndose a los estudios Metropolis. “Antes era una antigua central eléctrica. Pero nunca habíamos grabado en esta sala. Es bastante pequeña. Tenía el tamaño justo, pero no era enorme. No hacía falta desviar la mirada para ver a todos. Se veía perfectamente lo que hacía cada uno. Se veía lo que pensaban. Esa sala nos vino de maravilla. El sonido era realmente bueno”.
Keith Richards no es un maestro del micrófono
Durante todo el evento de prensa, solo se pudo entender aproximadamente el 65% de lo que decía Richards. Esto se debía en parte a su acento, su risa constante y el terrible eco de un antiguo edificio bancario, que ahora alberga grandes eventos, pero sobre todo a que alejaba el micrófono de su boca mientras hablaba. En un momento dado, O’Brien se frustró tanto que le puso su propio micrófono delante de la boca a Richards. “La próxima vez te conseguiremos un micrófono mejor”, dijo O’Brien, “o podemos pegártelo a la cara con pegamento”.
Ni rastro de una gira
Desde Steel Wheels en 1989, un nuevo álbum de los Stones significaba una gran gira mundial por estadios. Pero cancelaron una gira europea prevista para 2025 y otra inicialmente programada para este verano. Han pasado casi dos años desde su último concierto, y no hay indicios de que vayan a hacerlo pronto. El tema de los conciertos no surgió durante el programa de O’Brien. Jagger, Richards y Ronnie Wood estarán en el programa de Fallon en noches diferentes esta semana para promocionar el álbum. No parece que vayan a tocar ni una sola canción en directo durante esta gira promocional.
Es posible que sus días de conciertos hayan quedado atrás y que ahora sean una banda de estudio. También es posible que tengan una serie de fechas próximamente que aún no han anunciado. Oye, Fallon, si estás leyendo esto, pregúntales al menos a uno de ellos sobre una gira. Muchos fans están deseando saber si la mejor banda en directo de la historia se ha retirado discretamente de los escenarios.
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El misterio empieza a tomar forma: Primavera Sound Buenos Aires confirmó cuándo dará a conocer su esperada grilla 2026. Lo hizo, fiel a su ADN, con un guiño en redes sociales.
“Anunciar el anuncio del lineup es muy Primavera. Guarda la fecha. Anuncio line up: 11/05”. Con esa leyenda, el festival encendió la expectativa. Así, el próximo lunes 11 de mayo se conocerán los nombres que encabezarán la nueva edición, que ya tiene fechas confirmadas: 28 y 29 de noviembre.
Aunque su historia local es reciente, Primavera Sound Buenos Aires ya dejó dos ediciones. La primera, en 2022, fue ambiciosa y expansiva: no solo incluyó el fin de semana principal, sino también shows en distintos puntos de la ciudad. Entre sus headliners estuvieron nombres como Arctic Monkeys, Björk, Lorde, Travis Scott, Jack White y Pixies.
Un año más tarde, en 2023, el evento regresó en formato más concentrado, con The Cure, Blur, Beck y Pet Shop Boys como artistas principales.
Aún sin nombres oficiales, las especulaciones ya empezaron a circular, alimentadas tanto por giras internacionales como por patrones históricos del propio festival. En redes sociales se habla de The Cure, The Strokes, Gorillaz, My Bloody Valentine, Massive Attack, The xx, Lorde, Lana del Rey y más. La verdad llegará el próximo lunes.
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Si hay algo para lo que las personas no estamos preparadas, es para la fama. Hoy, la distancia entre el anonimato y la exposición masiva puede medirse en horas. Basta con subir un video antes de dormir para que, al despertar, la vida haya cambiado por completo.
Pensemos, por ejemplo, en el caso de Macario Martínez. Días antes de que ‘Sueña lindo corazón’ comenzara a circular masivamente, Macario trabajaba en el sistema de limpieza de Ciudad de México. Poco después, su canción acumulaba cientos de miles de reproducciones y comenzaba a escucharse en distintos puntos de la capital. En cuestión de semanas, el video detonó su visibilidad superando el millón de vistas, mientras que sus oyentes mensuales en plataformas de streaming pasaron de unos pocos miles a rondar los dos millones.
Y con razón. Ahí se ubica el punto ciego del éxito abrupto: la ausencia de transición. No hay un proceso gradual de adaptación ni una curva que permita asimilar el cambio; el reconocimiento llega antes de que exista el tiempo para comprenderlo. De un momento a otro, la mirada pública se concentra sobre el artista y su proyecto, sin mediaciones ni pausas. La exposición es, en la mayoría de los casos, inmediata y total.
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En la industria musical es habitual escuchar historias de artistas que, aparentemente, se convierten en “estrellas de la noche a la mañana”: casos asociados a la llamada “fama instantánea” o, en su formulación anglosajona, al fenómeno del “overnight success”.
La narrativa resulta especialmente atractiva por su contundencia: tienes talento, te esfuerzas, te visualizas y, finalmente, llega tu fama. Sin embargo, la realidad suele ser menos lineal y, muchas veces, menos viral. Alcanzar ese nivel de visibilidad puede tomar años —incluso décadas— y, para la mayoría de los proyectos, simplemente no ocurre. En ese contexto, surge una pregunta inevitable: ¿por qué asistimos hoy a una proliferación de casos asociados al llamado “overnight success”?
El nuevo modelo de la industria fabrica estrellas
Durante décadas, la industria musical operó bajo una lógica progresiva: tocar en bares, firmar con una disquera, sonar en radio y, con el tiempo, construir una carrera. Hoy, ese modelo se ha transformado. Con la irrupción de plataformas sociales como TikTok, la música no solo se distribuye, sino que también se somete a dinámicas algorítmicas que incorporan la viralidad como un factor decisivo, capaz de impulsar —o no— canciones, artistas y estéticas en cuestión de horas. Es decir, aunque estas plataformas no sustituyen al streaming, sí lo potencian y, en muchos casos, orientan su consumo.
Estudios recientes indican que estas plataformas se han consolidado como motores centrales en la reconfiguración del descubrimiento musical al amplificar contenidos e incidir de forma directa en la demanda y el consumo de canciones dentro de servicios de streaming como Spotify, al mismo tiempo que reducen el peso que históricamente tuvieron la radio, la crítica especializada e incluso los propios sistemas de recomendación de estas plataformas.
En este contexto, el desarrollo de una audiencia deja de ser necesariamente gradual y pasa a depender de una lógica distinta, donde el algoritmo puede amplificar o ignorar un contenido en cuestión de horas.
Capitalizar la viralidad
El ecosistema digital ha dado lugar a distintas formas de éxito acelerado. Ahí está el caso de Macario, pero también el de Latin Mafia, un trío que comenzó compartiendo contenido en redes y hoy acumula millones de reproducciones y presencia en escenarios internacionales como Coachella. En paralelo, artistas como Leo Rizzi han construido una identidad estética y emocional desde internet, donde la exposición impulsa, pero también demanda consistencia y profundidad.
Detrás de estos procesos hay años de trabajo, formación y búsqueda artística que suelen quedar fuera del relato inmediato. Al mismo tiempo, resulta innegable que ese desarrollo encuentra un punto de inflexión en la lógica digital que amplifica su alcance, aunque también introduce nuevas exigencias que forman parte de la misma dinámica.
El éxito repentino suele traer consigo una carga emocional inmediata, una exposición pública para la que no siempre existe preparación y una presión constante por sostener ese impulso inicial. En ese escenario, el segundo sencillo deja de ser una continuación natural y adquiere un peso determinante dentro de la trayectoria.
Cuando esa tensión desbalancea el proceso, emerge una figura conocida, aunque no siempre bien comprendida: la del ‘one hit wonder’. A lo largo de las décadas, muchos artistas han logrado instalarse en la conversación pública a partir de una sola canción, mientras el resto de su obra queda opacada por ese momento. Sin embargo, detrás de esa categoría hay trayectorias más complejas: proyectos sólidos que buscan sostenerse y evolucionar incluso cuando la atención mediática comienza a disiparse.
Ejemplos sobran y atraviesan generaciones. Desde Blue (Da Ba Dee) de Eiffel 65 hasta Somebody That I Used to Know de Gotye, canciones que dominaron su momento y definieron (al menos públicamente) la percepción de quienes las crearon. A partir de 2020, con la consolidación de plataformas como TikTok durante los confinamientos por COVID-19, esa dinámica encontró un nuevo punto de inflexión.
En este nuevo ecosistema, la viralidad conlleva así también una nueva exposición emocional masiva en la que la ansiedad, la presión y la sensación de pérdida de control forman parte del propio proceso. La producción constante de contenido puede abrir oportunidades, aunque también implica un desgaste sostenido.
También está en juego la identidad. El artista que alcanza visibilidad a partir de la viralidad puede quedar absorbido por la narrativa que lo posicionó, hasta el punto de confundirse con ella. Casos recientes como Chappell Roan o Lola Young lo evidencian. A pesar de años de desarrollo previo, el punto de viralidad reconfiguró de golpe su exposición y las posicionó en una narrativa muy definida. Tomar distancia, ya sea de redes o de los escenarios, respondió a la necesidad de recuperar control sobre su propio relato y volver a separar identidad personal de proyección pública.
En ese contexto, distinguir entre la persona y su proyección pública deja de ser un matiz y se vuelve una tarea urgente. No solo para preservar la salud mental y la autonomía del artista, sino también para evitar que la industria y la audiencia reduzcan trayectorias complejas a un momento viral.
A partir de ahí aparece otra dimensión clave: la del acompañamiento profesional. Management, asesoría legal y apoyo psicológico forman parte de una estructura que permite sostener el proceso. Sin ese respaldo, un crecimiento acelerado puede resultar tan inestable como inesperado.
La industria musical siempre ha sido exigente, pero pocas veces había operado con esta velocidad. Hoy, una canción puede transformar una trayectoria en cuestión de horas. Lo que permanece, e incluso se intensifica, es la dificultad de sostener esa transformación.
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Hay que ser sinceros: todos sabíamos que Sabrina Carpenter y Madonna iban a tener una canción juntas. Ya la habían presentado durante el espectáculo de Carpenter en Coachella, donde tuvo a la reina del pop —que además celebraba 20 años de carrera— como artista invitada. La única pregunta que quedaba para los fans y el público general era cuándo vería la luz de forma oficial esta esperada colaboración. El tema, que lleva por nombre ‘Bring Your Love’, llegó el 30 de abril, marcando así uno de los juntes más poderosos del pop contemporáneo y el primer vistazo del próximo álbum de Madonna.
En medio de sonidos disco y dance que evocan directamente al ambiente de los clubs de fiestas a principios de los 2000, Madonna abre diciendo “Ask yourself this / What are you doing it for? / Is it for you? Is it for them? / I got something I wanna talk about” (Pregúntate esto / ¿Para qué lo estás haciendo? / ¿Es para ti? ¿Es para ellos? / Tengo algo de lo que quiero hablar), mientras la pista, que comenzó contenida, va creciendo poco a poco hasta que explota con el primer verso, donde la artista suelta “Don’t comment on my ideas / I don’t want your judgment or your expectations” (No opines sobre mis ideas / No quiero tu juicio ni tus expectativas), mientras Sabrina contesta “Don’t wind me up like a toy / Your vision of me is a killer of joy” (No juegues conmigo como si fuera un juguete / Tu visión de mí mata la alegría).
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El single —que funciona también como el primer adelanto del próximo álbum de Madonna, Confessions II, que a su vez es la continuación directa de Confessions on a Dance Floor, su icónico proyecto de 2005— se plantea como una declaración sobre la autenticidad y el amor incondicional. En su letra, la repetición del estribillo funciona como un llamado a traer un amor genuino y sin reservas mientras se desarrolla una tensión constante entre la identidad propia y las expectativas externas.
En ese diálogo, que también involucra a Carpenter, la canción defiende la idea de mantenerse fiel a uno mismo frente al juicio ajeno, reafirmando la independencia artística y emocional que ha marcado la trayectoria de Madonna. Al mismo tiempo, el tema sugiere que ese posicionamiento no es individual sino compartido, construyendo una especie de complicidad entre ambas artistas, donde el amor —entendido como motor, refugio y decisión— se presenta como una fuerza resistente, capaz de sostener incluso las decisiones más difíciles.
Volviendo con Confessions II, su lanzamiento está previsto para el 3 de julio de 2026, y además de la participación de Sabrina, ya circulan rumores sobre posibles colaboraciones con otras titanes del pop como Dua Lipa y Kylie Minogue, lo que refuerza la idea de un proyecto pensado para dominar nuevamente las pistas de baile. El trabajo también marca su primer LP en siete años y su reencuentro con Stuart Price, responsable del sonido de Confessions on a Dance Floor, un guiño directo a una de las etapas más celebradas de su carrera y una señal de que Madonna vuelve a ese territorio con plena intención de reclamar su lugar en el pop contemporáneo.
Lejos de ser un simple ejercicio de nostalgia o un cruce generacional oportuno, ‘Bring Your Love’ funciona como una declaración de intenciones. Madonna no solo revisita uno de los momentos más celebrados de su carrera, sino que lo actualiza al dialogar con una nueva generación representada por Sabrina Carpenter, construyendo un puente entre pasado y presente del pop. En ese encuentro, la canción deja claro que su capacidad de reinvención sigue intacta y que, incluso en un panorama musical cada vez más saturado, Madonna continúa encontrando formas de marcar la conversación y reclamar su lugar en el centro de la cultura pop.
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Casi ningún aspecto de la vida moderna escapa ya a la inteligencia artificial. Desde la elaboración de reportes o resúmenes sobre grandes volúmenes de información hasta su uso como terapeuta o asistente emocional, estas tecnologías se han integrado con rapidez en la vida cotidiana y laboral de millones de personas, y el campo del arte no es la excepción, especialmente el de la música.
En ese contexto, la plataforma francesa Deezer reveló recientemente que cerca del 44% de las canciones que se suben diariamente a su catálogo son generadas por IA, una cifra que confirma un cambio estructural en la forma en que hoy se produce música. El dato no solo da cuenta de un crecimiento acelerado de estas tecnologías, sino que abre una discusión más profunda sobre el sentido mismo de la creación musical en un entorno donde producir canciones puede ser un proceso automatizado, rápido y prácticamente ilimitado.
El volumen es tan alto como revelador. Deezer recibe decenas de miles de canciones generadas por inteligencia artificial cada día, una avalancha que en términos cuantitativos ya compite directamente con la producción humana. Sin embargo, ese crecimiento no se traduce en escucha real: a pesar de representar casi la mitad de las nuevas subidas, este tipo de contenido apenas concentra entre el 1% y el 3% de las reproducciones dentro de la plataforma. La paradoja es evidente: nunca se ha producido tanta música, pero una porción considerable de ella prácticamente no tiene oyentes. Más que una expansión del ecosistema musical, lo que parece emerger es una sobreproducción sin demanda equivalente.
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A esto se suma un elemento que complejiza aún más el panorama: la dificultad para distinguir entre lo humano y lo artificial. Según datos compartidos por la propia compañía, el 97 % de los oyentes no logra identificar si una canción fue creada por una persona o por un sistema de inteligencia artificial en pruebas a ciegas. Este desdibujamiento de fronteras no solo habla del avance tecnológico, sino también de un cambio en la percepción cultural de la música, donde la autoría pierde centralidad frente al resultado final.
No obstante, el principal problema que ha identificado la plataforma no es estrictamente estético ni cultural, sino económico. Deezer ha detectado que una parte significativa de las reproducciones de música generada por IA proviene de actividad fraudulenta, es decir, de bots diseñados para inflar artificialmente los números de escucha. En este esquema, la música deja de ser un producto pensado para ser escuchado y pasa a convertirse en una herramienta para explotar los sistemas de monetización del streaming. Lo que está en juego no es solo la autenticidad, sino la sostenibilidad misma del modelo económico sobre el que se sostiene la industria.
Frente a este escenario, la compañía ha optado por una de las respuestas más contundentes dentro del sector. Ha desarrollado herramientas propias capaces de detectar contenido generado por IA y patrones de consumo sospechosos, y ha comenzado a aplicar medidas que limitan de manera directa la circulación de estas canciones. Entre ellas, la exclusión de este tipo de contenido de playlists algorítmicas y editoriales, así como la desmonetización de reproducciones consideradas fraudulentas. Con ello, Deezer busca no solo proteger a los artistas humanos, sino también preservar la integridad de su sistema de recomendación y de reparto de ingresos.
De esa manera, el caso refleja una tensión más amplia dentro de la industria musical contemporánea. Por un lado, la inteligencia artificial promete democratizar la creación y reducir las barreras de entrada, permitiendo que más personas —o sistemas— produzcan música. Por otro, facilita una producción masiva desvinculada de contextos culturales, tradiciones o intenciones expresivas, en la que las canciones pueden generarse en serie sin un público real al que interpelar. En ese sentido, más que una simple innovación tecnológica, la irrupción de la IA plantea una transformación profunda en la lógica de la música como práctica cultural.
Así, lo que está en juego no es únicamente la cantidad de canciones disponibles en una plataforma, sino la definición misma de qué significa hacer música en la era digital. Si casi la mitad del nuevo catálogo puede generarse sin intervención humana, la discusión deja de ser técnica y se vuelve inevitablemente cultural: si la música seguirá siendo una forma de expresión vinculada a experiencias humanas o si, por el contrario, tenderá a convertirse en un flujo inagotable de contenido diseñado, ante todo, para alimentar algoritmos.
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The Rolling Stones están dando pistas de su nuevo álbum, Foreign Tongues, con un nuevo sencillo titulado “In the Stars”. Esa canción, junto con la blusera “Rough and Twisted” —la cual promocionaron con una campaña de bajo perfil bajo el pseudónimo de The Cockroaches— encabezan las 14 pistas del LP. El álbum, previsto para el 10 de julio, es el sucesor de Hackney Diamonds (2023), que fue un éxito número tres en Estados Unidos y le valió a la banda un Grammy.
El nuevo single, “In the Stars”, se presenta inicialmente como una canción de pop-rock al estilo de los Stones de principios de los ochenta. Sin embargo, hay una melodía única en el estribillo cuando Jagger canta: “It’s in the stars, it’s our destiny”, mientras los coros hacen “oooh” a su alrededor con un toque de piano que muestra una nueva faceta de la banda, antes de volver a un riff de Keith Richards instantáneamente reconocible. “Do you wanna dance ’til the roof caves in?” canta Jagger. “Yeah, and the guitars cream and the choir still sings”.
Por su parte, “Rough and Twisted” es un rock blusero de esos que te hacen marcar el ritmo con el pie, cargado de slide guitar, piano boogie-woogie y saxofón, evocando las grabaciones de la banda de principios de los setenta. “Why don’t you drive me down that rough and twisted road?”, brama Jagger al comienzo, mientras la banda se asienta en su característico contoneo . También toca la armónica con su inconfundible e intenso lamento.
La banda grabó el álbum en los Metropolis Studios del oeste de Londres. El productor Andrew Watt, quien estuvo al mando de Hackney Diamonds, también dirigió Foreign Tongues. Además de Jagger, Richards y el guitarrista Ron Wood, el álbum cuenta con el regreso del bajista Darryl Jones (quien no estuvo disponible para Diamonds), el tecladista Matt Clifford y el baterista Steve Jordan. El disco también incluye una aparición del fallecido baterista de los Stones, Charlie Watts, grabada durante una de sus últimas sesiones antes de morir en 2021. Los artistas invitados incluyen a Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith de The Cure y Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers.
“Me encanta hacer estas sesiones de grabación en Londres, en Metropolis”, expresó Jagger en un comunicado. “Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 pistas estupendas y fuimos lo más rápido que pudimos. Me gusta esa sala porque no es demasiado grande, así que puedes sentir la pasión de todos en el lugar”.
“El álbum Foreign Tongues tiene una continuidad respecto a Hackney Diamonds, y fue genial volver a trabajar en Londres y tener ese ambiente londinense a nuestro alrededor”, añadió Richards. “Fue un mes de fuerza concentrada. Para mí, se trata del disfrute. Soy bendecido por poder hacer esto y que dure mucho tiempo”.
“La atmósfera en la sala era muy creativa y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso”, dijo Wood. “Muy a menudo lo logramos en la primera toma. Espero que a todos les encante”.
El arte del álbum presenta ilustraciones de fragmentos de los rostros de Richards, Wood y Jagger apilados uno sobre otro, creados por Nathaniel Mary Quinn. El álbum estará disponible en CD, CD de lujo, casete y múltiples ediciones en vinilo, además de formato digital. El sencillo “In the Stars” también se lanzará en CD y vinilo.
Previamente, la banda lanzó “Rough and Twisted” como un promocional de 12 pulgadas bajo el nombre de The Cockroaches, un pseudónimo que utilizaron anteriormente al actuar en 1977, en la época en que grabaron Love You Live y el recientemente editado El Mocambo 1977.
Actualmente, los Stones no tienen fechas de gira programadas, pero Jagger, Richards y Wood tienen previsto hacer una aparición en Brooklyn este martes para el lanzamiento de Foreign Tongues.
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