De Osho a Mark Zuckerberg, de Alejandro Jodorowsky a Buddha (sic), de Kim Kardashian a Andrew Huberman: las pantallas que se ubican a los constados del escenario lanzan frases motivacionales. Unidades condensadas de optimismo y resiliencia que se proyectan a la audiencia y que forman parte de la narrativa (una de las palabras clave de la industria en esta década) de Free Spirits, el álbum que Ca7riel y Paco Amoroso lanzaron en marzo y que le da nombre también a la gira mundial que empezó este jueves en el Movistar Arena.
Cuando (literalmente) cayó el telón, en el centro del escenario estaban Ca7riel y Paco, en plan destroyed, en dos camillas reclinables, en una ambientación que recreaba la habitación de un hospital. En verdad, se trata de uno de los cuartos del Free Spirits Wellness Center, eje central del disco (y el espectáculo). Una enfermera hace las veces de anfitriona del show, que más que un show parece planteado como una experiencia. Buena parte de la audiencia cumple con el dress code sugerido de atuendos blancos, beige, la paleta de colores que predomina en la propuesta.
Pero detrás de ellos hay unas tarimas de tres niveles, que recuerda a un coro (griego o gospel) o también a una escenografía televisiva de programas como Tribuna Caliente, que es una ubicación vip. Los que tienen el privilegio de ver el concierto desde adentro son colegas, amigos, celebridades. Un curioso aquelarre variopinto en el que convivían, todos con una especie de camisola blanca, Martín Piroyanski con Wallas , Chita (cantante y novia de Ca7riel) con Joaquín Furriel, Juliana Gattas con el baterista Jota Morelli, Esmeralda Mitre con la DJ Anita B Queen (colaboradora del grupo en el célebre Tiny Desk), Maia Reficco y Coti, entre otros. Una ubicación privilegiada para experimentar desde adentro una propuesta artística que tiene la intensidad como uno de los ejes, y que los transforma, también, en parte del show.
La voz de Sting, que colaboró en la narrativa de Free Spirits desde el primer momento, como guía de una sanación en doce pasos es otro de los hilos conductores del show, que tiene como columna vertebral las canciones del último disco. “No me sirve más”, fue el puntapié inicial de un derrotero sostenido en su increíble performance pero también en la solidez acostumbrada de una backing band que es mucho más que una backing band: Javier Burin en las teclas, Felipe Brandy ( también conocido como el “Tío La Bomba”) en el bajo, Maxi Sayes en la percusión y Edu Giardina en la batería logran una poderosa amalgama de sonido hi-fi, con una versatilidad que va del funk y el jazz al trap, el pop y los ritmos latinos. Una versatilidad que acompaña los delirios del dúo de enfants terribles que, aunque pasaron los 30, mantienen el olor a espíritu adolescente.
Las nuevas canciones (“Nada nuevo”, “Ay, Ay, Ay”) tienen una doble virtud. Por un lado, suenan a hits. Por el otro, conviven con otros hits que forman parte del repertorio del grupo como “Impostor”, “Día del Amigo”, “Dumbai”, “Baby gangsta”, “El Único” y “La que puede”, entre otros.
Hacia el final, esa especie de coro gospel disruptivo bajó de sus tarimas para sumarse a Ca7riel y Paco en la pasarela que se extendía entre parte del campo. En una rave desaforada, una selección de clásicos, como “Pirlo”, “Cono hielo”, “Culo con caca”, son la antesala para el cierre, con “Beto’s Horns”. La elección del tema final, el “Himno del Mediocre” (y ese sonido que remite a los hits setentosos de Julio Iglesias) ostenta una continuidad con “Spanish Flea”, el tema de Herb Alpert y sus Tijuana Brass con el que cerraban el espectáculo anterior. algo completamente lógico para una banda que entiende al cantito de “¡Hijos de puta!” como la más maravillosa música, como corriente de afecto entre artistas y fans.
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Tras dos años, los fans de Drake finalmente pueden celebrar: el rapero, rodeado de controversia, lanzó por fin su nuevo álbum Iceman, con apariciones de Shane Gillis y DJ Akademiks.
Al final del livestream de Iceman, Drake sacó tres discos duros, mientras un texto en pantalla revelaba: ‘Hice esto para poder hacer esto’. Otra gráfica mostró los títulos de otros dos álbumes sorpresa: Habibti y Maid Of Honour. Los tres LP fueron lanzados simultáneamente este viernes.
La seguidilla de discos llega en medio de una enorme expectativa, al tratarse del primer álbum solista de Drake tras su enfrentamiento en 2024 con Kendrick Lamar, cuyo diss track Not Like Us ganó múltiples premios Grammy y reformuló para peor la imagen pública del rapero superventas.
Tras años de especulación, el álbum ofrece a los fans una ventana a cómo vivió Drake la mediática batalla. El LP cuenta con producción de su colaborador de larga data Noah ‘40’ Shebib, además de nombres como Overkst, OK y otros más. También aparecen Future y la estrella emergente Molly Santana. Episodios anteriores del livestream de Drake ya habían adelantado canciones como What Did I Miss? y National Treasure, ambas incluidas finalmente en el álbum.
Drake no se guarda nada respecto a sus sentimientos hacia Kendrick Lamar y el devastador diss track Not Like Us, que retrató al canadiense como un ‘pedófilo certificado’. Visiblemente molesto, Drake aprovecha múltiples momentos para lanzar dardos contra la imagen pública de Kendrick con líneas como ‘Los chicos blancos te escuchan porque sienten culpa’, además de versos que parecen afirmar que 100 millones de reproducciones de Lamar desaparecieron del conteo, alimentando así sus reiteradas acusaciones de que Universal Music Group habría recurrido a bots fraudulentos para inflar la popularidad de la canción.
Otras líneas, como ‘La madre de tu hijo ni siquiera publicó el sencillo, maldita sea, ¿dónde está?’, retoman las acusaciones que Drake lanzó en su cadena de diss tracks de 2024. El rapero también parece asegurar que miembros del equipo de Kendrick Lamar intentaron hacer las paces. ‘Viste a mi hermano, estabas tratando de arreglarlo, ahora lanzas tu álbum y vuelves a tirar indirectas’, rapea Drake.
Iceman llega bajo la larga sombra del conflicto que sacudió a toda la industria y que comenzó con We Don’t Trust You de Metro Boomin y Future, además del sencillo Like That, con participación de Kendrick Lamar.
El mes pasado, Drake reveló la fecha de lanzamiento del álbum instalándola dentro de una gigantesca escultura de hielo en el centro de Toronto, la cual fue recuperada y presentada por la streamer de Twitch Kishka. En los últimos meses, el rapero ha integrado cada vez más el mundo de los streamers y creadores de contenido a su estrategia pública, realizando sus únicas apariciones posteriores al conflicto en plataformas de figuras como XQC y Adin Ross. Drake también es inversionista de Stake, empresa propietaria del popular sitio de streaming Kick, donde transmiten tanto Adin como XQC.
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The Strokes emprenderán la gira Reality Awaits sin uno de sus miembros fundadores, ya que la banda anunció que el guitarrista Nick Valensi se tomará un “descanso temporal” del recorrido de verano boreal.
El grupo apareció el jueves por la noche en The Late Show With Stephen Colbert, y la ausencia de Valensi fue notoria durante la interpretación de “Falling Out of Love”, tema perteneciente a Reality Awaits. Poco después, The Strokes explicaron la ausencia del guitarrista en redes sociales.
“Nick se tomará un descanso temporal de la gira programada, pero esperamos con entusiasmo su regreso”, escribió la banda, agregando que “nuestro viejo amigo Steve Schiltz, a quien muchos recordarán de los primeros días de Nueva York”, ocupará su lugar. Schiltz fue cantante y guitarrista de la banda neoyorquina Longwave, contemporánea de la escena Y2K.
Cuando la banda ofreció dos shows en San Francisco en abril, antes de sus presentaciones en Coachella, Schiltz estuvo en guitarra en reemplazo de Valensi; sin embargo, Valensi volvió a tocar con The Strokes durante los conciertos del grupo en Coachella.
Reality Awaits, el primer álbum de The Strokes desde The New Abnormal de 2020, llegará el 26 de junio. En Argentina, lo presentarán en su show como headliners del Primavera Sound Buenos Aires.
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Shakira, Madonna y BTS encabezarán el primer show de medio tiempo en la historia de la final de la Copa del Mundo de la FIFA en Estados Unidos.
Chris Martin, de Coldplay, quien estuvo a cargo de curar los artistas de este año, anunció la noticia en un video en redes sociales junto a Elmo y Cookie Monster con Kermit the Frog, Miss Piggy y más personajes queridos de The Muppets. El evento del 19 de julio se realizará en el MetLife Stadium, en Nueva Jersey, y recaudará fondos para el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que trabaja para brindar acceso a educación de calidad y al fútbol para niños de todo el mundo.
A comienzos de este mes, Shakira lanzó “Dai Dai”, la canción oficial del Mundial 2026 junto a Burna Boy, y su segundo tema para una Copa del Mundo después de “Waka Waka (This Time for Africa)”, que interpretó durante la ceremonia de apertura del Mundial 2010 en Sudáfrica.
Mientras tanto, Madonna regresará al verano boreal al Tribeca Festival con un nuevo proyecto cinematográfico vinculado a su próximo álbum de estudio, Confessions II, que llegará el 3 de julio. La estrella pop presentó en vivo por primera vez el sencillo principal del disco, “Bring Your Love“, durante el show principal de Sabrina Carpenter en el segundo fin de semana de Coachella.
BTS también regresó a comienzos de este año con el lanzamiento en marzo de su sexto álbum de estudio, Arirang, su primer LP en casi cuatro años después de que sus siete integrantes completaran el servicio militar obligatorio en Corea del Sur. BTS llevó su gira mundial Arirang a Norteamérica en abril con la primera de tres noches agotadas en el Raymond James Stadium de Tampa, Florida [mientras tanto, los fans de BTS ya pueden conseguir la nueva edición de Rolling Stone Argentina con el grupo surcoreano en tapa, disponible en Colecciones La Nación].
La semana pasada, la FIFA anunció que Katy Perry, Future, Anitta, Lisa, Rema y Tyla encabezarán la ceremonia de apertura del primer partido del Mundial en Estados Unidos el 12 de junio en el SoFi Stadium, en Inglewood. Estados Unidos enfrentará a Paraguay en el partido inaugural del torneo.
En Canada, Alanis Morissette, Alessia Cara, Elyanna, Jessie Reyez, Michael Bublé, Nora Fatehi, Sanjoy, Vegedream y William Prince subirán al escenario para celebrar el partido inaugural contra Bosnia y Herzegovina en el BMO Field de Toronto. Y la ceremonia de apertura en Mexico incluirá a J Balvin, Tyla, Lila Downs, Los Ángeles Azules, Maná, Alejandro Fernández, Belinda y Danny Ocean antes del partido inaugural del torneo el 11 de junio entre México y Sudáfrica en el Estadio Azteca.
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“La pasamos como el orto”. Joan Manuel Pardo, guitarra y voz, lo dice sonriendo, sin drama. Santiago Luis, batería, asiente. Estamos en Villa Martelli, en el cuartel general de Camionero: una sala de ensayo donde se elucubran riffs furiosos y baterías expansivas, donde todo empieza y donde todo termina de cerrarse. “Todo empezó con este”, dice Santiago señalando a Joan Manuel, “empezando a decir en las notas: ‘Vamos a hacer un disco que va a estar buenísimo’. Yo lo miraba y decía: boludo, no tenemos nada, ¿qué estás diciendo? El año pasado, mitad del año, afirmando eso. Y yo decía: lo quiero matar”. Joan Manuel no se defiende: “Lo decía para autoconvencerme de que tenía que hacer algo”. Cuando por fin lo hicieron, salió en una ráfaga. “Tuvimos que poner todo sobre la mesa y hacerlo”. El resultado es Pruebas de contacto, el tercer disco de Camionero: eléctrico, rockero, a veces monolítico y también contemplativo. Mercurial. Tres meses de cero a cien.
Antes de Pruebas de contacto, Camionero ya había construido un ecosistema propio alrededor del ciclo Tracción a Sangre: una feria autogestiva, un fanzine show a show, y una comunidad que convoca a artistas como Barbi Recanati y Buenos Vampiros, entre otros emergentes de la escena. En la sala y en la entrevista funcionan igual: uno arranca una idea, el otro la completa. Joan Manuel habla, Santiago asiente o suma. Santiago abre un flanco, Joan Manuel lo desarrolla. “En todos los aspectos de la vida. Total”, dice Santiago. El método de trabajo refleja eso. “Hacemos toda la música acá”, dice Joan Manuel. “Acá casi que el tema está terminado, pero con una melodía que no tiene letra. Después eso lo volcamos al estudio lo más fiel posible”. La letra es siempre lo último. “Eso es al final, cuando grabás las voces. Ya tenés toda la canción armada y la letra va na na na na na na“. No hay maquetas, no hay demos prolijos.
En el medio de todo eso, Dylan Lerner, el tercer Camionero. Lo conocieron antes de tener banda. “Nosotros lo vimos en vivo en el Roxy y en Niceto”, cuenta Joan Manuel. “Tenía una banda que era un dúo, Soldadores. La recontra flashamos”. El problema era uno solo: cantaba en inglés. Ellos iban a hacer lo mismo, pero en castellano. Después Santiago le mandó un mensaje en frío pidiendo que masterizara el primer EP. Sin plata. “Me copé”, recuerda Dylan. Desde entonces no se fue. Para Pruebas de Contacto, las baterías se grabaron en Estudio Coco, las guitarras en Estudio Romaphonic, y las voces en Estudio Velozet, el cuartel de Dylan. Grabó aproximadamente doce amplificadores por tema, cambiando seteo y afinaciones canción por canción. “Dylan me dijo que estaba recontento con lo del mastering de afuera porque se sacó un peso encima”, dice Joan Manuel. La masterización quedó en manos de Brian Lucey, el mismo que trabajó en AM de Arctic Monkeys, El Camino de The Black Keys y otros clásicos del rock contemporáneo.
Santiago es el archivador de Camionero. Joan Manuel lo admite sin culpa: él no guarda nada. Para cada una de las diez canciones de Pruebas de Contacto hay un historial guardado en las carpetas de Santiago -demos, versiones previas, nombres que ya no existen. “Él guarda todo porque está esperando que venga alguien a preguntar”, dice Joan Manuel. Santiago sonríe: “Por fin”. Abre una carpeta. Pone play.
1 — “Mala suerte, varón”
“El tema se iba a llamar Yerba mate. El estribillo decía eso”. Joan Manuel lo dice sin vueltas. “En un momento decía ‘Yerba mate, pasión’. Había una cuestión identitaria ahí, de raíces. Y al final fue un problema y lo tiramos por la borda”. La letra demoró una semana entera y frenó el disco completo. “Yo personalmente la pasé mal con esa letra porque estaba muy bloqueado, no me salía un carajo”. Cuando llegó, llegó con dos voces contrapuestas. “Hay una voz que dice ‘mala suerte, varón’, tipo ‘jodete’. Y también se pone, si querés, político. Si lo querés llevar al boludo del presidente, le entra perfecto”. La pusieron primera porque “era la que más identificaba el sonido Camionero. Por todas sus partes parece más complejo, pero en realidad nos sale natural”.
2 — “Pruebas de contacto”
Santiago venía con una idea que anotó en el celular: ‘bajo consumo’. “Estábamos muy pasados de rosca, tocábamos demasiado”. El concepto del disco empezó ahí y para hacerlo tuvieron que pausar toda la vorágine del ciclo Tracción a Sangre. “Este tema era un tema al que no le dábamos dos mangos”, admite Joan Manuel. “Estaba todo grabado y decíamos: no sabemos cómo va a terminar”. En el estudio empezó a tomar forma. Santiago abre la carpeta y muestra la anotación original. La bautizaron con el nombre del disco porque en fotografía, las pruebas de contacto son las tiras de negativos donde ves todas las imágenes juntas antes de elegir. Un disco que también es eso: parar, mirar todo junto, y elegir.
3 — “Amuletos”
“Esta canción tuvo mil vueltas. Se llamaba ‘Paraíso calamar’, para orgullo de los hinchas de Platense, estamos en la zona”, dice Joan Manuel, riendo. “Yo estaba jugando con afinaciones diferentes. Está afinada en re menor. Era como medio Pappo bossanovesco”. El problema era que no encajaba. “Era un tema que para un disco de Camionero estaba como raro. Le dimos un montón de vueltas. Lo llevamos lento, lo llevamos rápido”. Santiago tenía dudas. “Para mí era el tema que menos garpaba. Al no tener la letra, tampoco sabés si va a funcionar”. El punto de quiebre llegó con la letra. “Cuando él le encuentra ‘solo dejó el odio’”, dice Santiago, “ya está, es eso.” El triángulo que entra en el estribillo hizo el resto. “El triángulo está buenísimo. Lo bajás y vas de vuelta arriba. Corta la letra y van de vuelta con la viola”. “Nuestros amuletos de la suerte/ correrán una carrera contra la muerte” es un coro para cantar a los gritos.
4 — “Una última oferta”
Santiago abre la carpeta. En la lista de canciones pegada en la pared de la sala, con los tempos anotados al costado, el track 4 dice una sola palabra: “SKAY”. “El principio es super Skay”, dice Joan Manuel. Skay Beilinson, el guitarrista de Patricio Rey, ese riff característico, esa guitarra que arrastra. “Pero después se va. Evoluciona”. En la mezcla el riesgo era otro. “Lo primero que hacés la llevás a los Redondos. Era un sampler tipo super ricotero. Y dije: no, salgamos un poquito de ahí”. Lo que quedó tiene capas. “Se va acomodando y queda algo medio Camionero. Y lo encontrás”.
5 — “Botón de pánico”
“Yo me imaginaba como una cosa medio New Order”, dice Santiago. “Oscuro, pero después que saltara”. En la sala la construyeron buscándola, buscándola, buscándola hasta encontrarla. “Teníamos que reproducir eso en el estudio y la verdad que quedó muy parecido a lo que hacíamos acá”. Santiago lo define con una referencia precisa: “Para mí este tema tiene, si nos tenemos que autocopiar, un poco de ‘Guerrero atípico’ (de Todo lo sólido se desvanece en el aire) y de ‘Genio del Abasto’ (de Club Camionero). Tiene toda una evolución melódica similar, una vuelta muy larga que no está cerrando nunca”. Joan Manuel lo describe así: “Arrancás muy tranqui, después te colocan una frecuencia muy alta”. El tema sube, sube y sigue subiendo. “Es el largo mántrico”, dice. “Sigue subiendo, sigue subiendo. ¿Dónde lo cortamos?” La solución fue una sola guitarra, sin duplicar. “Era la forma que él tocaba, que parecía que tenía delay pero no. Y ya no necesitaba otra cosa”.
6 — “Fiebre”
“Esta fue la primera que grabamos”, dice Joan Manuel. “Volví de Rock en Baradero con fiebre. Estaba tirado, tenía toda la presión de las letras, no tenía ni una. Y arranqué con esta”. El desbloqueo fue total: “Hice esta y empezaron a caer todas”. Santiago precisa la referencia sonora sin dudar: “Es lo más Neil Young que hicimos. Soy refana de Neil Young”. Esa viola distorsionada pero linda, esa cosa épica que se despega. Joan Manuel lo confirma: “Arranca tranqui y se pone más épica”. La pusieron sexta. Fue la primera.
7 — “Busco la paz”
“Es lo más stoner rock que hemos hecho en toda la carrera”, dice Santiago. “Somos refanas del stoner rock, lo que pasa que nos fuimos como para otros lados. Pero la canción lo llevó por ese lado”. Joan Manuel explica el estribillo: “Busco la paz no es que llegué a la paz. Es que estoy necesitando la paz. Un torrente violento sacude mi cuerpo. Es la descompresión”. Fue el único tema que llegó verdaderamente verde al estudio. “Se resolvió al final acá y lo llevamos así”.
8 — “Criaturas calientes”
“Antes se llamaba ‘Luz caliente’. Era como medio Red Hot”, recuerda Joan Manuel. El demo era funkero, demasiado. Había que sacarlo de ahí. Con el cambio de nombre cambió todo. Es una de las dos canciones que tenían listas el año pasado y decidieron esperar. “A mí me pasaba que eran demasiado elaboradas, era como: el disco va a ir por acá. Entonces le dije a Santiago: aguantemos”. El demo era larguísimo, con un final que iba subiendo con los tops. “Estaba buenísimo ese final”, dice Joan Manuel. Lo sacaron igual.
9 — “Catedrales”
En la lista pegada en la pared, con los tempos anotados al costado, esta canción tenía un solo nombre: “El Mató”. Ese sonido de Él Mató a un Policía Motorizado (guitarras que van creciendo, temperatura que sube despacio). “Al principio era más Rolling Stones, tenía una viola y se iba por otro lado”, cuenta Joan Manuel. “Hasta que le fuimos quitando cosas y quedó ese sonido”. Santiago es arquitecto. Se vino de Comodoro Rivadavia a estudiar. Tenía doce años cuando murió su madre. Hizo una letra (“pero al lado de la letra que hace él son unas cagadas”, dice) y se la dio a Joan Manuel. “Te la doy y hacé lo que quieras”. Joan Manuel recibió eso y escribió lo que escribió. “Para mí la catedral tiene algo simbólico, primero por la arquitectura, y después lo religioso, los edificios que van como al cielo. Todo el tiempo está la idea del cielo. Imaginar a alguien que está a la distancia que no podés ver, pero imaginás que te está viendo. Y sabés que no te lo vas a cruzar”. La voz de Santiago está en el estribillo (más grave, pero está). Ya le mandaron la canción a Santi (Motorizado). Les encantaría que la cante con ellos. “Antes lloraba cada vez que la escuchaba”, dice Santiago. “Ahora ya no. Pero en vivo se me va a hacer mierda”. Todavía tiene pendiente cantarla.
10 — “Mi esqueleto”
“Esperaré hasta que venda mi esqueleto/ Un hueso a la vez: costillas, promesas/ Pido perdón por no estar presente. “Siempre cerramos los discos con un tema lento. Es nuestra marca y la gente ya lo sabe y lo espera”, dice Santiago. “Él no quería cerrar con esto, pero yo le digo: tiene que ser nuestra marca”. Joan Manuel cedió. Reflexiona sobre el disco y sobre esta canción que lo cierra: “Es la apuesta fuerte nuestra. Nuestra parte ya la hicimos: componer, grabar y dar todo lo que podemos dar. La respuesta nunca la sabés”.
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Foo Fighters presentó una nueva sesión para el formato Tiny Desk, en la que adaptó su sonido de estadio a un espacio mucho más reducido sin modificar su esencia festiva. Antes de la grabación, el grupo trabajó durante semanas en los arreglos del set e incluso replicó las dimensiones del escritorio de NPR en un espacio de ensayo para preparar la presentación. “Si nos pones instrumentos en las manos y hay gente enfrente, es divertido tocar”, comentó Dave Grohl durante la sesión.
El repertorio abrió con ‘Spit Shine’, uno de los temas incluidos en Your Favorite Toy, el nuevo álbum de la banda lanzado el pasado 24 de abril. Después interpretaron ‘Learn to Fly’, canción originalmente publicada en There Is Nothing Left to Lose de 1999.
La sesión también incluyó ‘Child Actor’, otro tema de Your Favorite Toy con un enfoque más contenido en comparación con el resto del set. Para cerrar, Foo Fighters recurrió a dos de las canciones más reconocidas de The Colour and the Shape de 1997, ‘My Hero’ y ‘Everlong’.
La alineación de la presentación estuvo conformada por Dave Grohl en voz y guitarra, Pat Smear en guitarra, Chris Shiflett en guitarra y coros, Nate Mendel en bajo y coros, Rami Jaffee en teclados e Ilan Rubin en batería y coros.
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Los Red Hot Chili Peppers vendieron su catálogo de música grabada a Warner Music Group en un acuerdo valuado en más de 300 millones de dólares.
Cinco años después de que la banda vendiera sus derechos de publicación en un acuerdo de 150 millones de dólares, el catálogo grabado de los Peppers —que abarca 13 álbumes de estudio, de los cuales los últimos nueve fueron lanzados a través de Warner— más que duplicó aquella cifra en una operación concretada el viernes, según reportaron The Hollywood Reporter y Billboard.
La compra del catálogo de los Chili Peppers formó parte de un acuerdo más amplio entre WMG y Bain Capital, una empresa conjunta que hasta ahora ha adquirido alrededor de 650 millones de dólares en derechos musicales y de publicación. El acuerdo con RHCP representa aproximadamente la mitad de esa cifra, mientras que el destino del gasto restante aún no ha sido revelado, de acuerdo con Billboard.
En mayo de 2021, Red Hot Chili Peppers vendieron sus derechos de publicación a Hipgnosis Songs Fund por cerca de 150 millones de dólares. Según The Hollywood Reporter, esos derechos podrían volver a cambiar de manos, ya que Hipgnosis —ahora conocida como Recognition Music Group — se encuentra en proceso de ser adquirida por Sony Music Group como parte de un acuerdo multimillonario.
El catálogo de música grabada de los Red Hot Chili Peppers, que genera alrededor de 26 millones de dólares anuales y pertenecía directamente a la banda, había estado en el mercado desde el año pasado con un precio estimado de 350 millones de dólares, reportó previamente Billboard. Warner Music Group era un comprador lógico, ya que el sello ha sido hogar de la banda desde Blood Sugar Sex Magik de 1991. Los primeros cuatro LPs del grupo fueron publicados a través de EMI.Red Hot Chili Peppers lanzaron por última vez Unlimited Love y su sucesor inmediato, Return of the Dream Canteen, en 2022. Hasta el momento, ni la banda ni Warner Music Group han comentado públicamente sobre la adquisición
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