El regreso a los escenarios de El Último de la Fila, además de quedar grabado en la memoria de los fanáticos de la agrupación, será inmortalizado en un álbum en vivo que recopilará los mejores momentos del reencuentro entre Manolo García y Quimi Portet. El disco recibirá el nombre de Directo 2026 y estará disponible en distintos formatos a partir del 20 de noviembre.
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La reunión ha sido uno de los más grandes acontecimientos de la música del país en los últimos años, pues alrededor de 400,000 personas pudieron presenciar la vuelta a los escenarios de los íconos españoles del pop rock tras casi 30 años de ausencia. Fueron 12 fechas en total —absolutamente agotadas— en las que García y Portet ofrecieron un set nostálgico al lado de algunos de los músicos que los acompañaron en giras pasadas: Josep Lluís Pérez, Antonio Fidel, Juan Carlos García, Ángel Celada y Pedro Javier González. Irene Miller, Eva Reina y Sara García también hicieron parte de los shows.
El grupo catalán anunció que tiene preparada una sorpresa para sus fanáticos más fieles que adquieran el álbum en preventa. Todas las personas que compren Directo 2026 recibirán un mini documental exclusivo con imágenes de las pruebas de sonido del tour, permitiéndoles tener una mirada más cercana al proceso que hubo antes de encender los reflectores.
Directo 2026 llegará tres años después de Desbarajuste piramidal, el álbum en el que Portet y García repasaron 24 de las canciones más importantes de la discografía de El Último de la Fila para darles una visión distinta. De acuerdo con los músicos, aquel trabajo fue la semilla de su gira de reencuentro.
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Jonathan Meléndez, teclista y compositor de Camilo Séptimo, falleció este martes 1 de septiembre tras ser víctima de homicidio en su lugar de residencia. En el hogar también fueron halladas sin vida su esposa embarazada, su hija de tres años, su trabajadora doméstica y su animal de compañía. El único sobreviviente fue un menor de seis años.
La Fiscalía General de Justicia del Estado de México informó este miércoles de la captura de los dos presuntos responsables del homicidio múltiple que se cometió en el municipio de Atizapán de Zaragoza, en el área metropolitana de Ciudad de México. Los dos hombres fueron identificados como Gerardo “N” y Diego Sebastián “N”, de acuerdo con las autoridades, este último era un “socio” del músico y ahora es el principal sospechoso de haber cometido los asesinatos.
Según el reporte inicial, el crimen se perpetró aproximadamente entre las 5:30 p.m. y las 7:40 p.m. Tras ingresar al inmueble, la policía municipal halló a cuatro personas sin vida: un hombre de 38 años, una mujer de 35 años en estado de gestación, una niña de tres años y una mujer de 21 años. Las víctimas fueron encontradas maniatadas y con impactos de bala en el cráneo a excepción de la trabajadora doméstica, quien fue herida con arma de fuego en la espalda. El perro de la familia también tenía sus patas amarradas. El único sobreviviente fue un niño de seis años que no presentaba signos de violencia.
Las primeras hipótesis apuntan a un intento de robo, sin embargo, la falta de signos de forcejeos en la entrada de la vivienda indicaría que los presuntos victimarios ingresaron aprovechándose de la confianza de las víctimas.
Noticia en desarrollo…
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Desde su invención en el siglo XV, el tarot ha sido mucho más que un juego de naipes. La última reinvención de su particular baraja es obra de Guido Barna, director de arte e ilustrador digital, que rediseñó los 22 arcanos mayores con algunas de las figuras más emblemáticas del rock y la música popular argentina. “La idea surge medio de casualidad”, le confiesa a Rolling Stone. “Yo venía haciendo algunas cosas con el tarot, pero antes me dedicaba más que nada a la ilustración tipo cómic retro. Había estado trabajando en una serie de tarot en esa tesitura. Un cliente, con el que ya había hecho un par de cosas, me pidió un dibujo de Pity Álvarez y me comentó que le gustaba lo que yo venía haciendo con el tarot”.
Así se puso a buscar referencias y encontró una imagen bastante conocida en Pinterest de David Bowie como la estrella. “Ahí pensé: ‘Acá hay algo’. Me puse a investigar si había un tarot de Argentina y no encontré nada. Entonces decidí probar: le hice un boceto a lápiz y se lo mandé. Me dijo que estaba buenísimo, pero que no era lo que buscaba. Como a mí me gustó y le vi potencial, lo subí a mi cuenta de Instagram y le fue súper bien para lo que era mi perfil en ese entonces. Ahí me animé a seguir”.
El origen de esta historia está en Instagram, y sus repercusiones se miden en likes. “Hace un año, cuando subí la carta del Pity, me seguían dos mil personas. Al tiempo, cuando publiqué la de Ricardo Iorio, que para mí es la figura más importante del rock nacional, explotó. Se hizo viral, me estallaba el teléfono, pasé de dos mil a más de diez mil seguidores. Esa fue la señal de que tenía que seguir adelante”, explica el artista y melómano de 39 años, que en la adolescencia coqueteó con la idea de ser músico.
Entre los Arcanos Mayores que Guido adaptó para su baraja figuran Charly García (“El Loco”), Skay Beilinson (“La Templanza”), Vicentico (“La Fuerza”), La Renga (“La Muerte”), Pappo (“El Carro”), Luis Alberto Spinetta (“El Sumo Pontífice”), Gustavo Cerati (“El Sol”), Luca Prodan (“El Colgado”), María Gabriela Epumer (“La Emperatriz”) y Ricky Espinoza (“El Diablo”), entre otros.
Pero en esa iconografía se destaca una figura que formó parte del movimiento rockero de manera más bien tangencial: Mercedes Sosa es “La Sacerdotisa”. Dice Guido: “La sacerdotisa, en el tarot, representa a quien no pertenece del todo al mundo pero es quien mejor lo entiende. Un seguidor me hizo esa observación después de que yo ya había hecho a Mercedes Sosa. Si bien ella no es rock, en los libros es la más rockera de la historia: tocó con todos, y su estilo de vida era súper rockero y rebelde. Me parecía que estaba buenísimo hacerle un lugar en este conjunto”.
Sus obras están disponibles en su tienda en formato de stickers, láminas, serigrafías y remeras, y próximamente proyecta ofrecerlas también en buzos y otras prendas de indumentaria. También está disponible en los locales de Canillita de Barrancas de Belgrano y la Facultad de Derecho.
El vínculo de Guido con el tarot no nació a través de los naipes tradicionales, sino del videojuego The Binding of Isaac (2011). “Entre los ítems que podés agarrar hay cartitas de tarot y cada una te da un efecto vinculado a la carta; por ejemplo, agarrás los enamorados y te dan corazoncitos para curarte. Con el jueguito empezó el vínculo con las figuras y la iconografía, empecé a investigar más y a comprar libros. Cada tanto agarro las cartas y juego un poco; no se me da tan bien interpretarlas a nivel adivinatorio, pero sí sé interpretar los arquetipos y bajarlos a la personalidad de los músicos”.
Guido ya tenía diseñados los 22 arcanos mayores y se estaba embarcando en otros proyectos —como el de figuras del rock internacional— cuando se viralizó aquella emblemática foto del Indio Solari en el jardín de su casa en Parque Leloir. Un seguidor le sugirió que hiciera la carta de “El Ermitaño”. Explica Barna: “Me da cosa atribuirme la idea porque no siento que la haya craneado, ni tampoco había sacado yo la foto. Cuando subí la publicación le di el crédito a todas las personas correspondientes, porque de eso se trata también: de crear una comunidad copada donde la gente esté atenta y te pase buena data”.
El estilo de Guido es ecléctico, y buena parte de su obra anterior estaba relacionada con los cómics de los años 60 y 70, especialmente con el estilo de Marvel. “Dibujar de manera recreativa es algo que hago desde toda la vida, aunque hubo años en los que no le metí tanto. Soy director de arte publicitario; trabajé unos diez años en publicidad, me fui a México y al volver entendí que no me sentía cómodo con esa industria, así que empecé a trabajar freelance en diseño gráfico y, de a poquito, a explotar más lo artístico. Empecé a dibujar más constantemente y a practicar porque tenía la intención de ser tatuador. Practiqué bastante sobre piel sintética y alguna piel prestada, pero no me sentía totalmente cómodo con ese medio. No descarto volver en algún momento, pero el arte digital se apega mejor a mis habilidades”.
Hoy, Guido está sorprendido por el vuelo inesperado que tomaron sus obras: “Yo quería ser tatuador, pero lo pospuse, y de repente descubro que llegué a esa meta de manera indirecta. Hay un montón de gente que se tatúa mis obras, porque les representan tanto que deciden llevarlas en la piel para toda su existencia. Me parece el ápice de lo que uno busca como ilustrador: acompañar a la gente en el resto de su vida con una obra tuya”, celebra.
Su filosofía no es comercial: “Apunto a que mi obra pueda llegar a la mayor cantidad de gente posible a través de los productos que ofrezco. Si te gusta determinado arcano, te podés comprar una lámina por un par de pesos o una remera a un precio razonable. No quiero ser elitista con el merchandising, porque iría en contra de la filosofía del rock y de figuras como Rocambole. Trato de ser cuidadoso para no zarparme y mantenerme cerca de la realidad de la gente, que es la que lo pone a uno en el lugar donde está”.
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Hace dos años, cientos de artistas del género urbano fueron demandados por presunta infracción de copyright. Entre los nombres mencionados en la demanda figuran grandes estrellas de la industria como J Balvin, Daddy Yankee y Bad Bunny, entre otros. Ahora, un juez federal falló a favor de Bad Bunny y desestimó gran parte de las acusaciones relacionadas con las producciones musicales incluidas en esta demanda masiva por derechos de autor.
El martes 1 de septiembre, el juez André Birotte Jr. determinó que el dúo de reggae Steely & Clevie, demandante en el caso, no logró demostrar que tuviera el control definitivo sobre los derechos de autor del ritmo conocido como “boom-ch-boom-chick”, una base rítmica fundamental del dembow que está presente en prácticamente todos los temas de reggaetón.
La demanda, presentada originalmente en 2021, llevó a varios artistas a defender su trabajo. Sus abogados argumentaron que los demandantes estarían “buscando monopolizar un estilo de música popular”, de acuerdo con un informe publicado previamente por Billboard. Por su parte, los demandantes sostuvieron que cerca de 2,000 canciones habrían utilizado presuntamente el ritmo en cuestión. El origen del caso se remonta al tema ‘Fish Market’, de Cleveland “Clevie” Browne y el fallecido Wycliffe “Steely” Johnson.
“Tras una revisión adicional de los registros, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra con derechos de autor contiene la selección y el arreglo supuestamente protegibles que buscan hacer valer”, escribió el juez.
Birotte encontró una falla clave en la demanda: el supuesto ritmo protegido por los derechos de autor de Steely & Clevie no aparece de manera íntegra en ninguna de las tres canciones que el dúo posee. “Debido a que los demandantes no han identificado una sola obra con derechos de autor que contenga la selección y el arreglo supuestamente protegibles, los demandantes no pueden, como cuestión de derecho, proceder sobre la teoría actualmente planteada”, escribió el juez en su resolución.
Este fallo a favor de Bad Bunny representa un paso importante, tanto para el artista como para los demás músicos involucrados en la demanda. Sin embargo, el caso aún no ha terminado: permanecen otras producciones que presuntamente habrían sampleado de manera directa composiciones de los artistas jamaiquinos, por lo que su situación podría ser objeto de nuevos litigios.
Kenneth D. Freundlich, abogado de Bad Bunny, celebró la decisión del juez André Birotte Jr. y destacó el alcance del fallo. “No se puede registrar un ritmo como derecho de autor reconstruyéndolo a partir de tres canciones diferentes una vez que ya estás en juicio”, afirmó Freundlich. “El derecho de autor protege lo que un artista realmente creó, no un collage ensamblado durante el litigio. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.
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En los últimos meses, llegaron a las librerías una interesantísima cantidad de publicaciones que exploran desde las memorias íntimas de Julieta Venegas hasta agudas inmersiones en escenas under, vanguardias sonoras y geografías creativas. Rolling Stone propone un vistazo a esta variada cosecha editorial, que demuestra la vitalidad de la no ficción musical contemporánea y su capacidad para expandir nuestra escucha más allá de los discos.
Norteña – Julieta Venegas
Blatt & Ríos
Lo primero que llama la atención en Norteña es esa voz familiar. Por supuesto, el lector que se interna en este libro sabe que la autora es Julieta Venegas, la cantautora. Pero, además de saberlo, puede percibirlo: la música mexicana escribe literatura con el tono que se le conoce como compositora e intérprete: sensible y sugerente, con una depurada sencillez para la profundidad.
Norteña no es una autobiografía exhaustiva. Venegas se enfoca en escenas de la infancia y la juventud que de algún modo trazaron su camino como artista. Son viñetas cotidianas y familiares, más que grandes acontecimientos; menos aventuras personales y más miradas silenciosas y a la distancia de una niña tímida y expectante.
Están el vínculo con el padre fotógrafo; Margarita, la querida profesora de piano; la primera banda con amigos, el trabajo en una disquería y el inicio de Tijuana No!, grupo al que dejaría antes de que se volviera bastante popular en México. Sin embargo, quizás lo más interesante pase por los pasajes enfocados en la locación misma de parte de estas historias: Tijuana, sus particularidades como ciudad de frontera, en las que Venegas reconoce una influencia determinante. Un lugar entre dos idiomas y dos culturas que se retroalimentan sin terminar de aceptarse. “Me fui muy chica de la frontera –escribe–, pero siento que la llevé conmigo. Sin darme cuenta siempre he cargado una línea invisible que me divide. Una cicatriz latente que no desaparece, no solo es una marca, sino un dolor”. Daniel Flores
Piedrabuena blues – Darío Pagano
Sudestada
De Viejas Locas en días de menemismo al sobreviviente de un país resignado poscrisis de 2001 sin más armas que la ironía y la experimentación de Intoxicados. Coincidiendo con el (in)esperado regreso a los escenarios de Pity Álvarez, el historiador y docente Darío Pagano recorre el surgimiento, la entronización y la caída de este rey sin corona del rock argentino (que, por cierto, firma el prólogo), como metáfora de un país. Piedrabuena blues no solo es la biografía de un artista que supo ser el abanderado de la cultura marginal, sino que se apoya en el contexto sociopolítico para desentrañar la relevancia de su poética y la complejidad de una vida siempre al límite.
Sebastián Ramos
Una familia y mi taza de té – Miss Innit
Independiente
La música pop tiene una apreciable capacidad de estimular a la audiencia a participar activamente de su universo cultural. El reflejo más habitual en el oyente es convertirse en músico. Pero a la argentina detrás del seudónimo Miss Innit el gusto por el trip-hop y una historia personal la impulsaron a un proceso creativo más original e intrincado: viajó reiteradamente a Bristol –la ciudad inglesa donde se gestó a mediados de los 90 este “género” del que, por cierto, después renegó un poco– y elaboró un proyecto editorial en torno a su comunidad musical. Una familia y mi taza de té se presenta como el primero de tres volúmenes y saluda desde el título a Cup of Tea Records, sello discográfico central, entre 1995 y 1999, para el desarrollo del “sonido Bristol”, una vibrante relectura del hip-hop, con foco en el beat y la composición en modo collage, más que en el rap.
Lejos de un relevamiento periodístico ortodoxo, el libro contiene dosis de diario de viaje, poesía, recuerdos familiares (curiosamente, fue el padre quien le regaló a Miss Innit sus primeros CD de Cup of Tea), ensayo y hasta arranques de asociación libre, más ilustraciones tipo sketch de Ale Leonelli (retratos y edificios bristolianos) y otra documentación gráfica. Es decir, un patchwork literario que no desentona con el tipo de producción basado en los samples y las citas que resultaría en el trip-hop.
Miss Innit contacta, visita y dialoga con protagonistas como Ben Dubuisson y Dave Cridge con el difuso objetivo de ensamblar un árbol familiar de la escena de Bristol. Los encuentros no se transcriben como entrevistas ni como perfiles, sino como impresiones personales con la densa levedad de un tema de Portishead. Sin embargo, Una familia…, con su particular estrategia de aproximación, no lineal y siempre forastera, logra plasmar el sentido comunitario de la música de Bristol al tiempo que ilumina gemas ocultas como Purple Penguin, Monk & Canatella y Statik Sound System. D.F.
Un sonido propio. Arte, tecnología y género en las experiencias sonoras de artistas argentinas (1960-1990) – Varios autores
Dobra Robota Editora
“la historia de las mujeres ha sido una historia de silencio”, dice Laurie Anderson en Sisters with Transistors (2020), documental de Lisa Rovner dedicado a las primeras norteamericanas y europeas que experimentaron con dispositivos electrónicos para crear nuevos sonidos. La cita es pertinente para presentar Un sonido propio. Arte, tecnología y género en las experiencias sonoras de artistas argentinas (1960-1990), bajo la coordinación y edición de Gabriela De Mola, Belén Alfaro y Alma Laprida.
Desde el título ya se puede desmontar un relato histórico para dar cuenta de algunos de los múltiples significados que arrastran los términos sonido, arte, tecnología y género. La relación entre las mujeres y la música tiene sus bemoles y no escapa a las generales de la ley: la negación, el ocultamiento y la poca información, como principio gnoseológico para justificar la ausencia de obras y voces de mujeres en la historia. Entonces, se celebra esta publicación que “da cuenta no solo de la necesidad de visibilizar y audibilizar trayectorias que por sabidas razones lo vuelven urgente, sino también de una clave vital, una energía proactiva alimentada a fuerza de perseverancia, exploración constante, asombro y deseo como vectores fundamentales para sobreponerse a las adversidades y limitaciones de época”, como apunta en el prólogo Victoria Polti.
El libro se compone de una investigación sobre trece mujeres argentinas que exploraron la electrónica, la electroacústica, las artes visuales y la poesía en un período poco documentado de nuestro país. Textos biográficos, algunos más académicos, otros más periodísticos, junto con entrevistas permiten asomarnos a compositoras que en general han tenido que trabajar desde los márgenes y cuya obra en muchos casos permanece inédita.
Así se reconstruyen trayectorias para alumbrar un rico y misterioso panorama de creaciones sonoras. “Yo vivía en un pequeño departamento en un doceavo piso. Así que hacía mis reverberaciones ahí. Sacaba el cable desde mi cuarto, chucu, chucu, chucu, hasta el corredor, ponía el grabador, me iba un poco más abajo y hacía pum, whoooooouuu, toda la reverberación de doce pisos”, cuenta sobre la producción de sus collages sonoros Beatriz Ferreyra.
El título del libro alude al ensayo Un cuarto propio (1929), de Virginia Woolf: “Basta entrar en un cuarto de una calle cualquiera para que toda esa compleja energía de la feminidad surja a nuestros ojos. ¿Cómo podía ser de otro modo? Porque las mujeres han estado sentadas ahí dentro, durante esos millones de años. Ahora las paredes están pletóricas de su fuerza creadora, que ha superado de tal modo la capacidad de los ladrillos y argamasa. Pero esta energía creadora difiere mucho del poder creador de los hombres. Y debemos admitir que fue ganada tras siglos de rigurosa disciplina, y nada existe que pueda reemplazarlo”. La autora de Orlando planteaba un futuro posible, la apropiación por parte de las mujeres de una subjetividad, un espacio y recursos para desarrollar una obra. En sintonía con la reflexión que realiza Cecilia Castro: “La música electrónica de María Teresa Luengo puede ser pensada como un lugar indefinido entre el mundo autobiográfico y la ficción. Aquí la electrónica es la materia que permite expandir lo vivido hacia el terreno de lo imaginado, el mundo del sonido acústico hacia el plano de los sonidos posibles. El mundo de las afecciones hacia el de las emociones”.
En 380 páginas y de manera cronológica se presentan también las figuras de Hilda Dianda, Nelly Moretto, Leda Valladares, Graciela Castillo, Alicia Terzian, Regina Benavente, Graciela Paraskevaídis, Elsa Justel, Margarita Paksa, Ana María Gatti y Elena Lucca. Todas artistas que conviven con los primeros laboratorios y estudios de experimentación sonora en un contexto político y sociocultural donde se suceden el Instituto Di Tella, el Mayo Francés, el Cordobazo y la dictadura militar.
Un libro imprescindible, puntapié para futuras investigaciones alrededor de las mujeres que se posicionaron en una vanguardia que vinculaba el arte, la tradición, la ciencia, lo ancestral, la tecnología, la experimentación y la transdiciplinareidad para armar un universo estético que rompiera con las barreras de lo estrictamente musical y así trazar puentes con la poesía, el videoarte, la pintura, las instalaciones, el paisaje sonoro y lo performático. Es decir, la búsqueda de una libertad estética con voz propia.
Esteban Bitesnik
Sodamanía. Soda Stereo y el fenómeno que cambió al rock latino – Allan Kelly Márquez
Gourmet Musical
(@casassaylorenzo)Allan Kelly Márquez nació en Montevideo en 1987, año clave para el despegue de Soda Stereo a nivel regional. Y ese fenómeno, que marcaría la historia del trío pero también de todo el pop-rock argentino de los 80 (con Miguel Mateos, G.I.T. o Enanitos Verdes, a la cabeza) es precisamente el eje del nuevo libro de Márquez, quien desde 2009 administra EnRemolinos, un portal consagrado a Soda y sus integrantes.
Sodamanía, la última incorporación a la ya surtida bibliografía sobre Cerati-Bosio-Alberti, analiza aquella explosión de alcance continental, espejada en aquella Beatlemanía, y repasa cada concierto a través de testimonios de los propios músicos y su staff, junto con productores, periodistas y otros involucrados y testigos de primera fila. Coleccionista e investigador minucioso (que colaboró con su archivo en libros anteriores sobre los músicos), Márquez consigue un relato coral para pintar un momento ya contado anteriormente, aunque quizás nunca con semejante grado de detalle.
Extraña clase de personas – Elio Martínez
arte sin aduanas
en algún lugar entre los libros de rock dedicados a retratar escenas y la colección 33 1/3, que se enfoca en analizar a fondo un disco en cada volumen, Extraña clase de personas hace un poco las dos cosas poniendo el foco en un objeto de estudio que nadie más hubiera imaginado alguna vez merecedor de un libro propio: el CD compilado Alimañas, que, en 1994, reflejó de manera póstuma el mayormente fugaz paso por este mundo de una serie de bandas porteñas cultoras del garage, el beat, el mod, el glam y la psicodelia.
Con algo de las clásicas e influyentes antologías garageras Nuggets, Alimañas incluía temas de Amor Indio, Los Minimals, Revólver, El Lado Salvaje, Los Telépatas, Malrecetado, La Celebración y Vudú, grupos muy disímiles que, si algo tenían en común, era una búsqueda bastante solitaria en el panorama del rock argentino entre fines de los 80 y principios de los 90. Se los podría definir por la negativa: no eran darks, no eran pop, no eran sónicos; y si hacían rock, claramente se trataba de un rock muy diferente al rock nacional “clásico”. Aunque, a la vez, circulaban por algunos de los espacios donde lo hacían por entonces otras subtribus del under, como el Parakultural, primero, y La Luna, después.
Lo curioso de este libro es que da cuenta de una escena… que nunca fue. Como el mismo autor, Elio Martínez (firma de La Cosa Salvaje, gran fanzine que también ameritaría el rescate de una buena antología), se apresura en aclarar: “Ninguno de los participantes de este libro admitiría la existencia de algo parecido a una escena o movimiento en 1988, llamado Beat, Noche Beat o como se lo quiera nombrar, y no les falta razón, pero lo vamos a llamar de esa manera, Noche Beat, para saber de qué estamos hablando”.
Hecha la aclaración, Extraña clase de personas reconstruye al detalle (y esto no es solo una forma de decir: las idas y vueltas de estas formaciones se cuentan de manera exhaustiva) la historia, con testimonios en primera persona, de los músicos del compilado.Son historias en las que no hay hits, tours triunfales ni premios de la industria, pero sí mucha música, mucha noche y aún más rasgos de lo que alguna vez fue la épica pobre y apasionada de escuchar y tocar rock en Buenos Aires. D.F.
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