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Más de medio siglo después de una de las presentaciones más emblemáticas de su carrera, Los Beatles y Apple Corps Ltd han anunciado el reconocimiento oficial del Día Mundial de Los Beatles, una celebración internacional que se llevará a cabo cada 25 de junio y que este año contará con actividades presenciales y digitales en distintas partes del mundo.
La fecha elegida no es casual. El 25 de junio de 1967, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr ingresaron al Estudio Uno de Abbey Road Studios para interpretar en vivo ‘All You Need Is Love’ como parte de Our World, la primera transmisión global vía satélite. El programa alcanzó una audiencia estimada de 400 millones de personas alrededor del planeta y consolidó la canción como uno de los mensajes más universales asociados al cuarteto de Liverpool.
Aunque el Día Mundial de Los Beatles existe desde 2009 gracias a una iniciativa impulsada por la fotógrafa Faith Cohen, hasta ahora había permanecido como una celebración organizada principalmente por seguidores. A lo largo de los años, la fecha ha dado pie a conciertos tributo en Tokio, reuniones de admiradores en Liverpool, exposiciones temáticas en Nueva York y encuentros musicales en ciudades como Buenos Aires.
En una carta dirigida a Faith Cohen, el director ejecutivo de Apple Corps, Tom Greene, destacó la relevancia actual del mensaje de la canción.
“Más que nunca, el mensaje de The Beatles y de ‘All You Need Is Love’ habla de algo vital para la comunidad, la conexión y el poder de reunir a las personas”, escribió. “Eso es lo que hace tan especial al Día Global de Los Beatles No pide nada más que detenerse, escuchar y compartir un poco de alegría”.
El anuncio llega en un momento de renovado interés por el legado de The Beatles. Entre los proyectos más esperados figura la ambiciosa tetralogía cinematográfica dirigida por Sam Mendes, prevista para estrenarse simultáneamente en abril de 2028. Cada película narrará la historia de la banda desde la perspectiva de uno de sus integrantes y contará con Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.
Además, el histórico edificio de 3 Savile Row, estrechamente vinculado a la historia del grupo y famoso por albergar el legendario concierto en la azotea de 1969, abrirá sus puertas al público por primera vez el próximo año. El espacio ofrecerá acceso a archivos inéditos de Apple Corps, exposiciones temporales y una recreación del estudio donde fue grabado Let It Be.Mientras tanto, Paul McCartney continúa ampliando la historia del grupo desde el presente. El músico lanzó recientemente The Boys of Dungeon Lane, su primer álbum de estudio desde McCartney III (2020), un trabajo que incluye una colaboración junto a Ringo Starr y que reafirma que, casi seis décadas después de conquistar al mundo, la influencia de The Beatles sigue encontrando nuevas formas de conectar generaciones.
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“A medida que uno se pone más jovato, se va poniendo más impaciente, porque el momento de entregar el sachet está cada vez más cerca”. En diciembre de 2007 Carlos Solari estaba por editar su segundo álbum solista, Porco Rex, bajo el nombre Indio y Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado y confesaba que “este disco está dedicado a un par de amigos que ya entregaron el paquete y uno entra a ver que, bueno… De aquí en más, lo que me espera, de movida no quiero saberlo. Porque si encima se trata de un cortometraje, no es que sea una gran producción, si me van a contar el final, ya estoy cagado. Prefiero que me vaya sorprendiendo el tiempo que hay. Es más, no sé cuánto tiempo más vaya a estar produciendo cosas, independientemente de que siga trabajando por mi cuenta, aquí en mi estudio… Momentáneamente lo que tengo es un disco que todavía no salió y del cual ya estoy hablando”.
El Indio Solari no hablaba mucho públicamente. Prendía el loro, como él decía, apenas cuando necesitaba promocionar algo, un disco o un show generalmente. Pero desde sus primeras entrevistas en la década del 80, dejó en claro que “la promoción” era una excusa y que lo sustancial de sus extensas charlas (podían ser noches y trasnoches de más de cuatro horas) estaba en su visión psiconauta acerca de los temas que más le interesaba reflexionar: la cultura rock, la psicodelia, el amor y la muerte.
Como en la obra de cualquier poeta o artista popular, precisamente la muerte ha sido un tema transitado una y otra vez por Solari, pero en las últimas décadas, especialmente luego de anunciar públicamente su enfermedad, la idea de partir de este plano lo llevó no solo a escribir sobre ello en sus canciones (desde aquel “Todavía no usé mi milagro de hoy. ¡Qué corta es la vida, mi amor!… Algún día, pronto, una de mis vidas va a intentar matarme y lo va a lograr. ¿Cómo será andar solito allá en la muerte?”, de “Y mientras tanto el sol se muere” de 2007, al “empiezo por el final, terminaré en el principio… Solo me falta saber, la fecha y el lugar, y allí iré cantando” de “Encuentro con un ángel amateur”, de 2021), sino a reflexionar filosóficamente acerca del tema en buena parte de las entrevistas que ofreció.
“A medida que uno se pone grande aparece la cosa de sumergirse en la nada. Es lo que incentiva las religiones: el miedo a la muerte, a la disolución completa. La gente prefiere tener un Dios toda la vida y resignar su libertad en nombre de un Cielo futuro. Y a mí me gusta que la vida me sorprenda. La vanidad dice que me gustaría ser recordado, pero hay una parte mía que cree que hay mucha más dignidad en el olvido”, dice casi al final de Recuerdos que mienten un poco, las memorias escritas en conversaciones con Marcelo Figueras (2019). Y cierra el libro: “A la hora de irme, me gustaría hacerlo a la manera de Leonard Cohen: levantándome en mitad de una partida de póquer sin llamar la atención, dejando las cartas sobre la mesa, sin interrumpir el juego y con la confianza de que mis compañeros no draán vuelta los naipes para adivinar qué me traía entre manos. Me gusta por lo austera, esa idea: irse callado, sabiendo que llegó tu momento de perder y sin distraer al resto de los jugadores, que merecen seguir adelante. ¡Con lo que cuesta armar un full…! Hoy más que nunca suscribo eso que decía hace más de treinta años, en uno de los recortes de prensa que encontramos en las cajas: sólo aspiro a que la muerte me encuentre vivo”.
Unos meses después de contarle a su público desde arriba del escenario en Tandil que padecía Parkinson, en abril de 2016, Solari habló con Rolling Stone y, sobre el final de la entrevista, los periodistas le preguntaron:
¿Qué creés que pasa cuando uno se muere?
Creo que cuando uno se muere devuelve el carbón, devuelve el azufre, devuelve esas cosas. Pero la personalidad, esa unidad que sos vos, no va a estar más. Y a mí lo que me importaría de la eternidad sería ser yo. Si no me prometés que la próxima vida se va a parecer un poco a ésta, me retiro. Bastante nos cuesta pensarnos a nosotros mismos, imaginate decir: “Bueno, a ver, cómo será…” ¡Puede ser de cualquier manera! Qué sé yo… Entonces me pasa eso con la vida. La tomo relativamente en serio, relativamente en broma.
Son entretenidos los libros sagrados, son muy bellos, pero tampoco podés creer que Dios se le manifiesta siempre a un viejo en una montaña. Por qué no abre las nubes y apuntando con el dedo, dice: “Existo, pórtense bien porque les voy a prender fuego el ojete en el infierno”. Y a partir de ahí yo también digo: “Señor, lo que usted diga”. Qué sé yo, no sé. Uno es más lo que ignora que lo que sabe.
En el Facebook, y en toda tu etapa solista, han aparecido otros personajes: El Fisgón Ciego, Monsieur Sandoz… ¿Esos seudónimos que usás son otra forma de expresarte?
Claro. El Indio Solari es otra cosa: te escribe por mail, no por ahí. Después se darán cuenta, con el tiempo, o mataré a esos personajes.
Pero, ¿el Indio Solari también muere?
El Indio Solari es como la muerte. El Indio Solari se va a morir cuando muramos todos [risas]. Y como yo creo en este momento, cuando yo muero, mueren todos ustedes, desgraciadamente.
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Murió Carlos Alberto Solari, el Indio Solari, a los 77 años. La noticia fue confirmada este viernes por la mañana por su entorno. Pasado el mediodía, ratificaron la información a través de una publicación en la cuenta oficial de Instagram del músico.
Según consignó La Nación, de acuerdo a lo informado por la Fiscalía General de Morón en un comunicado de prensa, Solari fue encontrado sin vida en las inmediaciones de la pileta de su casa de Parque Leloir, en el partido bonaerense de Ituzaingó. La Justicia ordenó la realización de una autopsia para determinar las causas de su fallecimiento.
“Siendo las 8.30, se tomó conocimiento de que fue hallado sin vida en su domicilio de Parque Leloir el cantante Carlos Solari, conocido popularmente como Indio Solari. Su cuerpo fue hallado en circunstancias en que estaba en cercanías de una pileta, habiendo ya intervenido la emergencia médica privada ante la llamada de su cuidadora, quien arribó al domicilio a las 8, horario en que comenzaba su actividad”, se explicó oficialmente.
Cantante, compositor y referente cultural de varias generaciones, Solari fue la voz de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda emblema del rock argentino, que constituyó uno de los fenómenos populares más singulares de América Latina. Tras la separación de Los Redondos, el Indio inició una exitosa carrera solista al frente de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, convocando multitudes en cada presentación.
En 2016 reveló públicamente que padecía párkinson, enfermedad que progresivamente lo alejó de los escenarios. Su último recital tuvo lugar en Olavarría en 2017. Desde entonces continuó activo a través de grabaciones, colaboraciones y proyectos como El Mister y los Marsupiales Extintos.
Nacido el 17 de enero de 1949 en Paraná, Entre Ríos, aunque criado en La Plata, se convirtió en una de las figuras más influyentes, enigmáticas y convocantes de la cultura nacional. Su recorrido artístico atravesó más de cinco décadas. Con los Redondos, a través de discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota, ¡Bang! ¡Bang!… Estás liquidado, La mosca y la sopa y Luzbelito escribieron capítulos fundamentales de la historia del rock argentino. Poesía callejera, crítica social, humor ácido, imágenes surrealistas y una mirada desencantada sobre el poder hicieron de la lírica del Indio una materia de estudio.
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Durante años, la música popular colombiana cargó con un prejuicio difícil de sacudirse. Mientras el reggaetón se convertía en la gran exportación latina y los corridos mexicanos dominaban el mercado regional, el despecho colombiano seguía asociado a cantinas, emisoras populares y públicos muy específicos. Sin embargo, artistas como Paola Jara y Jessi Uribe han ayudado a mover esa percepción hacia otro lugar.
Su nuevo álbum, Despecho a 2 voces, aparece justamente en medio de esa transformación. El proyecto reúne 11 canciones atravesadas por el desamor, la traición y la reconciliación, pero también funciona como una apuesta para posicionar lo que algunos ya llaman “regional colombiano” dentro de una conversación internacional que hasta hace poco parecía reservada para México.
La idea no es nueva. Desde hace varios años, el género empezó a ampliar sus fronteras gracias al crecimiento de artistas como el difunto Yeison Jiménez, Pipe Bueno, Arelys Henao o Luis Alfonso, quienes encontraron en plataformas digitales y redes sociales una posibilidad distinta a la radio tradicional. Sin embargo, el caso de Paola y Jessi tiene un componente diferencial al de sus colegas: la construcción de una narrativa conjunta que mezcla espectáculo, vida personal y una estética mucho más cercana al entretenimiento global.
En este último lanzamiento —y su primer LP en conjunto—, hay intentos claros por modernizar el sonido sin abandonar las raíces rancheras y carrileras. La producción de Simón Vauri y “El Burrito” apuesta por arreglos más limpios y contemporáneos, pensados para escenarios internacionales y para audiencias que no necesariamente crecieron escuchando música popular colombiana, algo que queda claro desde el primer momento con ‘Infidelidad’, el corazón musical del proyecto y que logra conservar el dramatismo clásico del género a pesar de estar envuelto en una producción más cercana al estándar actual del regional latino.
Esa búsqueda también se refleja en la gira europea que acompañó al disco, donde ambos artistas pasaron por ciudades como Madrid, Barcelona, París y Zaragoza, una ruta que confirma algo que la industria musical ya venía detectando. El concierto en La Cubierta de Leganés, en Madrid, con entradas agotadas y miles de asistentes, representó esa validación simbólica para un género que históricamente había tenido poca presencia fuera de América Latina.
El crecimiento del género también viene acompañado de tensiones. Aunque la música popular atraviesa uno de sus momentos comerciales más fuertes, sigue siendo un sonido profundamente polarizante en Colombia. En redes sociales conviven quienes ven el despecho como una expresión cultural genuina y quienes lo asocian con fórmulas repetitivas o narrativas excesivamente melodramáticas. Esa división incluso aparece constantemente en conversaciones digitales y foros donde el género suele despertar amores y rechazos extremos.
En parte, esa incomodidad tiene relación directa con el lugar social que históricamente ocupó esta música, que durante mucho tiempo fue considerada un género “popular” en el sentido más clasista del término, uno asociado a sectores trabajadores fuera de los círculos culturales legitimados. Lo interesante es que hoy ese mismo sonido está entrando a escenarios internacionales, premiaciones y circuitos globales de entretenimiento.
Ahí es donde Paola y Jessi resultan significativos. Más allá de la relación sentimental o del impacto mediático que generan como pareja, ambos se convirtieron en símbolos de un momento particular en el que el género busca dejar de ser visto únicamente como una música local para entrar definitivamente en la industria global del regional latino. Las nominaciones de ambos artistas a los Grammy estadounidenses en categorías tradicionalmente dominadas por músicos mexicanos también apuntan hacia ese cambio. Jessi Uribe fue uno de los primeros artistas colombianos del género en aparecer en esas categorías con De Lejitos, mientras que Paola Jara marcó un precedente como la primera mujer colombiana de música popular en lograr ese reconocimiento con Sin Rodeos. Más allá de la nominación, la señal parece clara: la industria empezó a reconocer que el regional latino ya no suena solamente desde México.
En ese contexto, Despecho a 2 voces funciona menos como un simple álbum colaborativo y más como una fotografía del momento que vive la música popular colombiana, un género que sigue hablando de dolor, despecho y amor roto, pero que ahora intenta hacerlo desde escenarios mucho más grandes.
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