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En ocasiones, las uniones inesperadas son las que tienen los resultados más maravillosos. Este es el caso de la nueva colaboración entre Carlos Ares y Barry B, ‘Postdata’, una canción en la que se aborda el conflicto emocional —casi irracional— que produce el saber que una relación no ha sido buena, pero que aun así el lazo que creó el amor se niegue a quebrarse.
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Sobre una base que combina el estilo alternativo de los músicos y le imprime guitarras grunge, ambos van intercambiando versos en los que reflejan el dolor de las heridas que ocasionó alguien egoísta. Sin embargo, por alguna razón, el cariño sigue intacto. “En la autopsia de mi vida/solo fuiste otra mentira/mi peor casualidad”, canta Barry. “Juntos somos la prueba/de que el amor a todo le puede/hasta que no puede más”, proclama Ares. Sus voces se juntan para una declaración final: “Postdata: aun así te quiero”.
El single ha llegado acompañado de un vídeo musical dirigido por Jean Lafleur, quien en el pasado ya había colaborado con Barry en el visual de ‘Silverado’. Allí, el arandino y el gallego se encuentran en un lugar surreal y distópico en el que existe una tensa calma que se ve interrumpida cuando todo empieza a caer.
‘Postdata’ es el primer tema que Carlos Ares comparte como artista principal en casi un año pues, si bien hace unas semanas se juntó con Baiuca en ‘Noitada’, el cantautor ha pasado los últimos meses enfocado en la gira promocional de su álbum de 2025, La boca del lobo. “Yo pienso que tu cabeza y tu manera de pensar están un poco limitadas, dentro de que es ilimitada la creatividad, pero creo que puedes caer en repetirte, en utilizar los mismos recursos y de repente, si viene alguien con ideas frescas, te va a aportar siempre cosas”, le dijo a ROLLING STONE en Español por aquel entonces sobre las colaboraciones.
Por su parte, en 2025 Barry B publicó su EP INFANCIA MAL CALIBRADA, un trabajo en el que hace las paces con sus vivencias del pasado para poder cerrar capítulos turbulentos y enfocarse en el presente. De acuerdo con el músico, algunos cortes del disco supusieron un reto que decidió afrontar en lugar de dejarlo de lado. A lo largo de lo que va de 2026, también ha publicado dos singles, ‘Silverado’ y ‘No pega igual (Stuck on Replay)’.
‘Postdata’ ya está disponible en todas las plataformas.
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Nsqk inició oficialmente una nueva etapa con ‘Hombre de bien’, el primer adelanto de su próximo material y la primera pista concreta de lo que viene después de ATP.
“Solía ser hombre de bien, ¿qué me pasó?”, se pregunta en la canción. El tema comienza en un punto alto y épico, poco a poco crece hacia una instrumentación mucho más intensa y termina en un momento suave e íntimo.
La expectativa alrededor de su siguiente disco lleva meses creciendo. Hace un tiempo, el mexicano contó que tenía listo un álbum de 20 canciones, aunque recientemente reveló que decidió eliminar tres del tracklist incluso después de considerar terminado el material.
La decisión aparece en un tráiler publicado como parte de esta nueva era, en el que Nsqk habla sobre su relación con el ego, la ambición y el nivel de exigencia con el que está trabajando. “Llegamos y ya, güey, ya acabamos el disco, pero sabes que estas tres canciones no la dan”, explica. Aunque asegura que estaban “excelentes” e “impecables”, la conclusión fue sencilla: “Adiós”.
Ese nivel de exigencia parece definir buena parte de lo que viene. En el mismo video, Nsqk asegura que su objetivo no pasa únicamente por las canciones, sino por construir todo lo que las rodea al mismo nivel, desde las fotografías y los videos hasta la portada, la página web y el rollout.
“Nsqk es el mejor artista de México, pero eso no es verdad si su equipo no es el mejor de México”, dice en el tráiler. Más adelante resume la idea detrás de esa seguridad en algo menos abstracto: “No es el talento. Es el hambre. Es la pasión, es el trabajo, es la consistencia, es la visión, es la disciplina”.
Después de ATP, su próximo disco se ha convertido en uno de los materiales mexicanos más esperados. En los últimos años, Nsqk ha llevado su proyecto a una dimensión mucho mayor, con giras y shows cada vez más ambiciosos y una audiencia que ha crecido junto a él. En el tráiler, él mismo pone como ejemplo los 45,000 boletos vendidos en dos noches como una prueba tangible de ese crecimiento.
Ahora, ‘Hombre de bien’ funciona como la primera entrada a ese siguiente capítulo. La canción llega además acompañada de un gran video musical, reforzando esa intención de tratar cada parte del lanzamiento con el mismo nivel de cuidado que la música.
“Cada show que hemos hecho, cada gira que hemos hecho, a dónde la hemos llevado, ha sido el mejor”, dice Nsqk. “Y en el estudio grabando, tomando fotos, grabando un video es: ‘Ah, quedó bien’. No, güey. Quedó impecable, quedó perfecto”.
Con ‘Hombre de bien’, esa búsqueda empieza a tomar forma. Después de meses de pistas, moscas y expectativa, la nueva era de Nsqk finalmente comenzó.
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“Lo que me embola de los documentales, en general, es que les falta malicia”, dice Fito Páez. Eso es lo primero que escuchamos apenas comienza Fito Páez: el mundo cabe en una canción, el flamante documental dirigido por Matías Gueilburt, que ya está disponible en Netflix. Se justifica Fito: “El personaje retratado siempre es visto como una especie de adalid de la bondad y las buenas costumbres. Y eso me embola terriblemente”.
A modo de pedido, o de manifiesto, le dice Páez al director, con quien tiene una amistad de larga data, desde el cuarto de baño: “Necesito que pasen cosas más reales, que se vean cosas que no sean caretas, ¿entendés?”. Y mientras se escucha el ruido del chorrito, recalca, con una mano apoyada en la pared y una mirada cómplice a la cámara, el pedido inicial: “Malicia, ¿entendés?”.
Lo que sigue es un derrotero lleno de flashbacks, con la grabación de Novela, la ambiciosa ópera rock que Fito había empezado a escribir en 1988 inspirada en Quadrophenia (1973), el clásico de The Who. No se retrata el proceso creativo, sino la grabación en los míticos estudios londinenses Abbey Road. En el mismo espacio en el que Los Beatles grabaron algunas de sus obras maestras, allí está Fito concretando su viejo proyecto. Y entre viajes en Uber y escenas de alcoba, el relato se entrelaza con los recuerdos de infancia y las historias por detrás de las canciones. Por ejemplo, el conmovedor relato sobre “Parte del aire” (del indispensable La la la, 1986, en una gloriosa yunta con Luis Alberto Spinetta), en el que imagina el reencuentro de sus padres en el más allá.
El registro más íntimo y crudo es el que muestra la internación de Fito en una clínica madrileña después del accidente doméstico que sufrió luego del festejo por el décimo aniversario con su pareja, la actriz Eugenia Kolodziej. (Alerta spoiler: durante el rodaje del documental, anuncian su ruptura). Las escenas de dolor son desgarradoras, y Fito confiesa allí que, con once costillas fracturadas, había llegado al final de sus días.
La mirada de Gueilburt, a pesar de la amistad que comparten desde hace un cuarto de siglo, no es piadosa. Es un retrato completo, que incluye virtudes y defectos, obsesiones y temores, de un genio con mal genio. Se puede observar, en las pruebas antes del regreso a los escenarios luego del accidente, y antes del inicio de la gira 4030, el grado de rigor que maneja Páez en los ensayos. La rigurosidad y los tonos, nada amables, con los que se dirige a los músicos de su banda. En algunos casos, amigos cercanos.
También se develan sus espacios privados. Podemos observar la tapa de bookazine que le dedicamos en Rolling Stone enmarcada en formato XL. Y el muñequito de Charly García saltando desde el noveno piso, colgado de una lámpara de techo, entre muchos otros detalles a descubrir.
Como si fuera una gran sesión de terapia, Fito se muestra caprichoso y consentido. Padre demandante con su hija Margarita, le reprocha con humor sus abandonos (pos) adolescentes vía WhatsApp (versión real sin exagerar de esos sketches que suele subir Sebastián Wainraich a su cuenta de Instagram). La complicidad con su hijo Martín, compañero y compinche, que lo cuida y, también, lo bardea. Y el dolor profundo por la pérdida precoz de su madre y de su padre, sumado al asesinato de sus tías —marcas indelebles en su personalidad y sus costumbres—, componen algunos de los mundos que caben en mucho más que una canción. Es un retrato de la absoluta humanidad de uno de los artistas más talentosos y ambiciosos que ha dado este pedazo de tierra que llamamos Argentina.
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No es un secreto para nadie que, en los últimos años, el pop ha tenido un resurgimiento de la mano de grandes exponentes como Sabrina Carpenter y Olivia Rodrigo, siguiendo el camino que Taylor Swift ya había pavimentado para las nuevas generaciones.
Latinoamérica tampoco es ajena a este revival, y artistas como Emilia Mernes, Tini o Aitana son algunas de las caras más visibles del género en español. Sin embargo, México también es una cantera importante y no se queda atrás frente a Argentina y España. Kenia OS y Danna son claros ejemplos del potencial del país, que cuenta con un gran número de talentos emergentes.
Dentro de los nombres que van sobresaliendo en esa escena, una de las voces más prometedoras es la de Majo Rivas.
Nacida en Ciudad Juárez, Chihuahua, María José Rivas Arteaga, conocida artísticamente como Majo Rivas, es una cantante, compositora y creadora de contenido mexicana que ha encontrado en el pop una forma de convertir sus experiencias y emociones en canciones. Aunque su carrera musical comenzó formalmente hace apenas unos años, su relación con el arte y la escritura se remonta a su infancia.
Desde pequeña, Majo encontró en las palabras una de sus principales formas de expresión. Escribía cuentos y poesía y, mucho antes de pensar en convertir esas inquietudes en una carrera, descubrió que podía decir a través de ellas cosas que de otra manera le resultaban más difíciles de compartir. Esa conexión con la escritura terminaría convirtiéndose en uno de los pilares de su propuesta, marcada por la honestidad y la necesidad de contar desde un lugar personal.
La música, por su parte, estuvo presente desde casa. Del lado paterno, creció en medio de reuniones familiares en las que los boleros eran protagonistas. Uno de sus tíos, Enrique Cáceres, fue durante años la primera voz del trío Los Panchos, un referente que la cantante recuerda como una figura muy admirada dentro de su familia. Así, las canciones románticas y el cuidado por las letras formaron parte de su imaginario desde pequeña, incluso antes de que encontrara en las grandes divas del pop de los 2000 —como Lady Gaga y Katy Perry— el universo musical y visual con el que posteriormente comenzaría a construir su propia identidad artística.
Entre todas esas referencias, Taylor Swift ocupa un lugar especial. Majo recuerda haberla conocido cuando era muy pequeña, a través del videoclip de ‘You Belong With Me’ en Cartoon Network. Lo que más le llamaba la atención no era solamente la canción, sino la historia que contaba el video, la forma en que Swift estaba vestida y maquillada y todo el mundo construido a su alrededor. Desde entonces, comenzó a entender el pop como algo que podía ir mucho más allá de la música y convertirse también en una forma de contar historias y construir una identidad.
Aunque la música siempre había estado presente, el primer paso de Majo Rivas dentro de la industria llegó después de que las redes sociales la convirtieran en creadora de contenido. En octubre de 2021 publicó su primer video en TikTok y, apenas dos meses después, ya rozaba el millón de seguidores. Su contenido, basado principalmente en storytimes, aspectos de su vida y conversaciones sobre temas sociales, le permitió construir rápidamente una comunidad, pero detrás de ese crecimiento había un objetivo que tenía claro desde el principio: utilizar esa plataforma como punto de partida para hacer música.
La decisión de dar el salto, sin embargo, también significó dejar atrás a parte de la audiencia que había construido. Cuando comenzó a mostrar su faceta como cantante, muchos de sus seguidores dejaron de acompañarla y Rivas tuvo que enfrentarse a una sensación que hasta entonces había sido difícil de cuestionar: la necesidad de buscar validación. “Cuando haces las cosas desde la validación, a veces cuando la gente te da cierto rechazo, piensas que estás haciendo algo malo”, recuerda. Aun así, la posibilidad de que su carrera como influencer funcionara mejor nunca fue suficiente para hacerla desistir. La música, dice, era lo que realmente la hacía feliz.
En 2022 entró por primera vez a un estudio profesional y comenzó a darle forma a ese proyecto que había imaginado desde sus primeros días como creadora. El proceso desembocó en marzo de 2023 con ‘Me da igual’, su primera canción y el punto de partida oficial de su carrera. Lo que comenzó con sonidos más cercanos al pop-rock pronto encontraría un lugar más definido en el pop, una transición que Majo describe como un proceso natural de descubrimiento junto a su productor, Champi.
Ese tránsito de un sonido más rebelde —influenciado principalmente por bandas de emo-punk que su hermano le ponía cuando era más joven— hacia un pop más definido terminó de tomar forma con REAL, su primer LP.
Rivas comenzó a trabajar en el disco en marzo de 2024 y, junto con el cambio sonoro, también empezó a construir una nueva identidad visual marcada por referencias al imaginario de los 2000 y la estética Y2K. El resultado es un universo en el que conviven los brillos, los colores llamativos y la “moda maximalista” con canciones que hablan desde un lugar mucho más íntimo.
La dualidad atraviesa buena parte del álbum. En sus 13 canciones aparecen la inseguridad, la tristeza, las comparaciones y las desilusiones amorosas, pero también la aceptación, el amor propio y la decisión de abrazar aquellas partes de sí misma que durante mucho tiempo intentó esconder. En ese sentido, no es un dato menor que el proyecto naciera en medio de un proceso personal de introspección y terapia.
Mientras comenzaba a hablar más abiertamente de sus sentimientos y a aceptar sus inseguridades, Majo encontró en REAL una forma de trasladar ese proceso a la música y convertirlo también en un registro de ese momento de su vida. “Realmente me permití ser muy humana en este álbum”, explica.
Esa intención de mostrarse sin filtros también llegó a la portada del disco. Rivas pidió que no utilizaran Photoshop ni filtros sobre su imagen, incluso en un momento en el que no se sentía completamente segura con su cuerpo. Para ella, la decisión era una forma de ser congruente con el mensaje del álbum y de mostrar aquello que normalmente queda fuera de las versiones más glamorosas que se comparten en redes. Hablar de sus inseguridades, de la comparación o incluso de la envidia podía resultar incómodo, pero también le permitió encontrar a otras personas que se reconocían en esas mismas emociones.
Y esa conexión terminó trasladándose de las canciones al escenario. REAL llevó a Majo por una nueva gira por México, más extensa que la que había realizado en 2025 y con un espectáculo más ambicioso que incorporó coreografías y un setlist más largo. La experiencia también le permitió enfrentarse a una realidad distinta a la de las plataformas digitales: ver, ciudad por ciudad, a las personas que habían hecho propias sus canciones. Desde escenarios frente a unas cuantas decenas de personas hasta un Lunario que estuvo cerca de llenarse, cada presentación se convirtió para ella en una forma de medir, más allá de las cifras, el alcance real de su música.
El cierre de esta etapa llegó con ‘Fue real?’, una canción que Rivas describe como un cuestionamiento nacido de una ruptura amorosa: después de compartir tanto con una persona y verla continuar como si nada hubiera pasado, ¿qué tan real fue lo que vivieron? Pero el tema también funciona como una conclusión para todo el disco. Al repasar canciones como ‘500 palabras’, ‘Copy Paste’ o ‘Paola’, Rivas encuentra en este último lanzamiento una pregunta que resume las inquietudes de toda la era. “Tiene todo el sentido que al final de concluir algo te preguntes: ¿fue real?”, comparte.
Pero más que quedarse en el cierre, Rivas ya piensa en lo que viene. Actualmente trabaja en nueva música y en un álbum que, según adelanta, estará marcado por la autonomía y la recuperación de su propio poder. Después de un disco construido desde la introspección y la vulnerabilidad, esta nueva etapa busca explorar una versión más libre y divertida de sí misma, con un sonido todavía más pop y ritmos pensados para bailar.
Así, mientras despide REAL, Majo Rivas parece tener claro hacia dónde quiere llevar su proyecto: conservar la honestidad que ha marcado sus primeros años, pero permitirse cambiar, experimentar y disfrutar más del camino. Entre letras que convierten sus experiencias en canciones, una estética que recupera el imaginario pop de los 2000 y una identidad que todavía continúa en construcción, Rivas empieza a dejar atrás su primera era para descubrir qué puede hacer con todo lo que viene.
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