Han pasado 10 largos meses desde que King Gizzard & the Lizard Wizard publicó su último álbum de estudio, Phantom Island. El disco contó con un sonido más orquestal y fue hecho en colaboración con el músico y compositor Chad Kelly, pero ahora la agrupación australiana acaba de revelar que su próximo LP está listo y ofreció una pequeña pista de su sonido.
El grupo compartió un video en su perfil de Instagram en donde únicamente se ve una consola llena de cables y se escucha una pista de techno. La publicación también contiene una fotografía de Stu Mackenzie, Joey Walker y Michael “Cavs” Cavanagh abrazándose entre sí, mientras que su descripción va justo al grano: “El álbum está listo”.
La actualización llega después de que la banda encabezada por Mackenzie anunciara el retiro de su música de Spotify en julio pasado. “Hola, amigos. Un aviso para quienes no lo sabían: el CEO de Spotify, Daniel Ek, invierte millones en tecnología militar de drones con inteligencia artificial”, escribió el grupo en ese entonces. “Acabamos de retirar nuestra música de la plataforma. ¿Podemos presionar a estos tech bros malignos para que hagan las cosas mejor? Únanse a nosotros en otra plataforma”.
Ek es el cofundador de Prima Materia, una compañía que ha invertido más de 700 millones de dólares en Helsing, una empresa alemana que desarrolla drones e Inteligencia Artificial para ser utilizados en operaciones militares. “No me considero realmente un activista y no me siento cómodo dando discursos. Pero esto me parece una decisión fiel a nosotros mismos, hacer lo que creemos que es correcto para nuestra música, tener nuestra música en lugares en los que nos sentimos bien”, declaró Mackenzie semanas después. King Gizzard & the Lizard Wizard se ha enfocado en promover su música a través de Bandcamp, logrando que sus discos sean de los más vendidos en la plataforma.
Por el momento se desconocen más detalles acerca del álbum número 28 de la agrupación, pero teniendo en cuenta el ritmo de publicación que maneja entre disco y disco, podría llegar más pronto que tarde.
The post El álbum 28 de King Gizzard & the Lizard Wizard tendrá sonidos techno appeared first on Rolling Stone en Español.
En la música contemporánea, pocas decisiones resultan tan contundentes como elegir desaparecer de la mayor vitrina posible. En una época en la que el streaming determina buena parte de la visibilidad con su algoritmo, donde condiciona la circulación de las canciones y moldea la relación entre artistas y audiencias, retirar un catálogo ya no puede leerse como un gesto menor ni como una simple anomalía dentro de la industria.
Durante años, estar en las plataformas fue casi una necesidad natural de existencia para cualquier proyecto musical. No se trataba solo de distribución, sino de tener presencia cultural. Eso significa estar dentro de esa posibilidad de descubrimiento y de permanecer en la conversación global. Por eso, cuando un artista decide salirse de ese circuito también rompe a propósito con un sistema que da por hecho que todo debe estar siempre disponible.
Ahí es donde ese acto adquiere una dimensión política. Retirar la música implica cuestionar las reglas de un ecosistema en el que unas pocas plataformas concentran poder, datos, audiencia y dinero. También supone recordar que una canción no circula en el vacío, sino dentro de estructuras económicas, tecnológicas e ideológicas concretas. En ese contexto, desaparecer voluntariamente puede ser, más que una retirada, una forma de protesta.
Las tensiones entre artistas y plataformas estuvieron ancladas, sobre todo, en lo económico. Regalías percibidas como insuficientes, modelos de reparto opacos y una creciente sensación de desequilibrio marcaron la conversación inicial alrededor del streaming hace un par de años. Sin embargo, esa discusión ha empezado a desplazarse hacia un terreno más amplio, donde las decisiones ya no se explican únicamente por cifras, sino por principios. Salirse de una plataforma dejó de ser una reacción frente a un mal negocio para convertirse en una toma de postura frente al sistema que lo sostiene.
El caso del CEO de Spotify, Daniel Ek, funcionó como punto de inflexión. En 2025, una nueva ola de músicos independientes decidieron retirar su obra tras hacerse visibles sus vínculos con la industria de tecnología militar, particularmente a través de inversiones en inteligencia artificial aplicada a defensa. La conversación cambió de eje: ya no se trataba solo de cuánto paga el streaming, sino de qué financia, qué legitima y qué tipo de mundo contribuye a construir.
Bandas como King Gizzard & the Lizard Wizard, Deerhoof y Xiu Xiu abandonaron la plataforma y con su discurso dejaron claro que la música no puede ser cómplice directa de sistemas que financian guerra, vigilancia o explotación tecnológica. A ellos se sumaron nombres como Massive Attack, Sylvan Esso, WU LYF o Kadhja Bonet, ampliando la conversación a través de distintas escenas y geografías. En ese contexto, el streaming deja de ser un simple canal de distribución para convertirse en un territorio de disputa ideológica, donde cada decisión de permanencia o salida carga un peso simbólico.
Latinoamérica también ha empezado a tensionar esa relación entre artistas y plataformas desde sus propias coordenadas. El caso de Café Tacvba, que planteó retirar su catálogo como forma de presión frente a las condiciones de Spotify, dialoga con iniciativas de boicot en otras escenas, como las del País Vasco, y con decisiones individuales como la de La Muchacha o Edson Velandia en Colombia. Lo que antes parecía un gesto aislado comienza a perfilarse como una inquietud compartida: no solo en la forma en la que se distribuye la música, sino qué implica, en términos éticos y políticos, estar disponible dentro de estas plataformas.
Nunca había sido tan fácil acceder a la música: millones de canciones disponibles en segundos, catálogos infinitos al alcance, y sobre todo audiencias globales conectadas en tiempo real.
Pero, al mismo tiempo, nunca había sido tan complejo para los artistas ejercer control sobre el contexto en el que su obra circula. El streaming no solo distribuye música, sino que con ayuda del algoritmo la ordena, la prioriza, la recomienda y, en muchos casos, la condiciona. Los algoritmos deciden qué se escucha, las playlists determinan el alcance y las métricas terminan influyendo incluso en decisiones creativas.
En ese escenario, salirse del sistema implica una renuncia que va más allá de lo simbólico. No estar en plataformas significa perder visibilidad inmediata, desconectarse de audiencias que hoy consumen música casi exclusivamente a través del streaming y desaparecer dentro de esos números que funcionan como moneda dentro de la industria. Reproducciones, posicionamiento en playlists, presencia en rankings: todo eso construye una narrativa de relevancia que, para bien o para mal, sigue definiendo carreras.
Sin embargo, quedarse tampoco es una decisión neutral. Permanecer dentro del ecosistema implica aceptar reglas que muchas veces no se negocian: modelos de pago cuestionados, dinámicas algorítmicas que priorizan ciertos contenidos sobre otros y estructuras corporativas que exceden el ámbito musical. Para algunos artistas, esa permanencia empieza a sentirse como una forma de complicidad involuntaria con lógicas que entran en conflicto con sus propias convicciones éticas, políticas o culturales.
En ese punto aparece un dilema difícil de resolver. No hay una salida limpia ni una postura libre de costo. Abandonar el sistema puede significar aislamiento; permanecer en él, una tensión constante. Es precisamente en esa fricción donde empieza a tomar forma una nueva manera de posicionarse frente a la industria.
Se trata de una forma de protesta menos estridente, pero no por eso menos contundente. No pasa necesariamente por la canción de denuncia ni por el discurso en el escenario, sino por un gesto más radical: la retirada. Un acto que no busca amplificar un mensaje desde dentro del sistema, sino interrumpirlo desde afuera.
La música que ya no está, el catálogo que desaparece, la discografía que deja de formar parte de la conversación cotidiana abre, paradójicamente, otras rutas. Algunos artistas optan por vender su obra de forma directa, recuperando control sobre precios y relación con su audiencia; otros migran a plataformas como Bandcamp, donde el modelo favorece ingresos más justos. También hay quienes trasladan el centro de su economía al escenario, intensificando giras y experiencias en vivo, o construyen comunidades propias a través de membresías, ediciones físicas limitadas y canales exclusivos. Salirse del sistema es reconfigurar cómo, dónde y para quién existe la música.
Lo que está en juego no es solo la relación entre artistas y plataformas, sino el lugar que ocupa la música dentro de una economía digital que redefine, a gran velocidad, sus propios límites éticos.
Desaparecer también es una forma de protestar. Retirar tu música deja de ser una pérdida estratégica para convertirse en una toma de posición, una que cuestiona no solo las condiciones de distribución, sino el sentido mismo de participar en ellas. Y aunque se trate de un acto silencioso, su impacto es difícil de ignorar dentro de un modelo que se construye sobre la idea de acceso permanente, así que cualquier ausencia se vuelve una fisura. Una grieta que, más que debilitar el sistema, expone sus más profundas problemáticas.
The post La nueva protesta: cuando retirar tu música también es un acto político appeared first on Rolling Stone en Español.
La escena del reggaetón contemporáneo tiene una estrella que brilla con una luz predominante: Ryan Castro. El impacto del cantante colombiano va mucho más allá de la música: cruza fronteras, conecta culturas y comunidades, siendo un puente y referente generacional. Consolidando su papel dentro del panorama global, vivió un momento crucial en su trayectoria el pasado sábado al realizar un concierto en su país natal con un histórico sold out en el Estadio Atanasio Girardot.
Con una asistencia total de 77.000 personas y un escenario de alto impacto, Ryan Castro ofreció un espectáculo cultural de cinco horas ininterrumpidas. De ese total, 47.000 asistentes colmaron el estadio, mientras que otros 30.000 se congregaron en la Feria de Ganado para disfrutar de una transmisión en vivo gratuita, realizada en alianza con Telemedellín, el Metro de Medellín y la Secretaría de Juventud de Medellín. Sin lugar a dudas, fue una experiencia urbana que dio un resultado histórico, pues ningún artista colombiano había logrado estas cifras.
Grandes figuras de la escena del reggaetón acompañaron a Ryan Castro en el escenario: 17 invitados especiales que convirtieron la velada en una experiencia inolvidable para todos los asistentes. Entre ellos destacó Sean Paul, quien interpretó junto a Castro ‘Ba Ba Bad Remix’ en vivo por primera vez. Este junte representa un guiño a uno de los sonidos más característicos del artista, ya que, además de dominar el dancehall, lo incorpora con naturalidad en distintos proyectos que han sobresalido dentro del catálogo musical del “Cantante del Ghetto”.
Sobre el escenario también desfilaron figuras como Feid, Maluma, Mora y Zion, junto a talentos como Andy Rivera, Sech, Kapo y Jorge Celedón, quien aportó el toque vallenato. También se sumaron leyendas y proyectos como Afrosound, Baby Rasta & Gringo, además de SOG, Kybba, Aria Vega, Rayo & Toby, Maisak, Hamilton y Dongo. La presencia de todos estos invitados convirtió el show en una celebración única, cargada de energía, colaboraciones memorables y una conexión especial con el público.
No podría faltar en el recital una de las duplas más queridas de la escena actualmente: Balvin y Castro, quienes se unieron para interpretar temas de su próximo álbum conjunto Omerta, posicionando el concierto como uno de los eventos más relevantes de la música latina a nivel mundial en lo que va del año. El recital llega justo antes del lanzamiento del material programado para el 7 de mayo, que estará conformado por 10 canciones y con colaboraciones de Eladio Carrión, SOG y DJ Snake.
El encuentro entre estas dos estrellas nmarca un momento sin precedentes. J Balvin, uno de los pioneros del reggaetón, llevó el género a la escena internacional y puso el foco en nuestro idioma; y, en un gesto de compañerismo, amistad y complicidad, acompañó a Castro en uno de los días más importantes de su carrera, celebrando su ascenso hacia una de las cimas que él mismo lideró durante años. No es la primera vez que Balvin le extiende la mano a un compañero, pero esta ocasión es diferente: se trata de un hermano.
La producción del espectáculo marcó un hito rotundo: presentó la tarima más ambiciosa y meticulosamente pensada para el Estadio Atanasio Girardot, elevando el estándar del entretenimiento en vivo en Colombia. Este despliegue refleja la evolución creativa y artística de Ryan Castro, cuya ambición y crecimiento lo consolidan entre las figuras más destacadas de la industria musical.
En su historia de portada para ROLLING STONE en Español, Ryan Castro admitió que la evolución que ha tenido en la tarima es gracias a las lecciones que aprendió de las calles, los buses y barrios de Medellín. “Hasta el sol de hoy, esos fueron mis escenarios más importantes, me ayudaron a crecer en varios aspectos. Vocalmente me exigía mucho por el sonido del tráfico, de la gente hablando… Además, debía tener un buen show para llamar la atención de la gente, porque las personas que están ahí, en realidad no quieren ver a nadie cantar, es gente que va a su trabajo, están cansados. Esas experiencias me dieron mucha madurez”.
La próxima presentación de Ryan Castro será el 31 de octubre en Bogotá. El Estadio Nemesio Camacho, El Campín, presenciará el celebrado ‘AwooWeen’ del cantante colombiano, donde la fiesta, el perreo y la música urbana se apoderarán de la ciudad. Se trata del inicio de una nueva tradición, que se concibe con el concepto anual del Halloween. Cada edición buscará elevar la experiencia a otro nivel, consolidando el evento como una cita fija en el calendario cultural del país, propio de Ryan Castro.
Ahora, su luz brilla radiantemente y se ha consolidado como una figura imparable para la escena urbana contemporánea.
The post Ryan Castro conquista una cima artística con un <i>show</i> que reunió a 77 mil espectadores appeared first on Rolling Stone en Español.
“¿Y cómo no me van a dejar entrar una cámara?”, le dice Rocambole, a Oscar Jalil, benemérito colaborador de Rolling Stone y pilar periodístico de El camino de Rocambole, el documental sobre el artista plástico que se transformó en una celebridad a partir de la gráfica de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, dirigido por Marcia Paradiso y Matías González. Están viendo fragmentos de Olor a tigre, el mediometraje sobre los Redondos que el Mono Cohen junto a Alejandra Ceriani y que muestra imágenes del backstage de un concierto del grupo en el Polideportivo de La Plata, y esa pregunta retórica funciona como toda respuesta a lo que le (se) preguntaba Jalil: siendo el grupo tan celoso de su intimidad, habiendo construido un mito tan grande a partir de cierto misterio, que alguien filme eso que resguardaban (y resguardaron por tanto tiempo) parecía insólito. Rocambole, con una sonrisa y en una frase, deja dicho todo.
El film revisita el universo simbólico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota a través de la mirada del protagonista, el artista detrás de una iconografía que marcó a generaciones, y tiene verdaderas revelaciones, como la historia por detrás de una de las imagenes más icónicas del rock argentino: el esclavo que forma parte del arte de tapa de Oktubre (1986).
Sin perder el pulso ricotero, el film va más allá, porque limitar a Rocambole a los Redondos sería de un reduccionismo absurdo. “Entre sus grandes epopeyas siempre me gustó la dimensión faraónica de las 30 Horas de Rock en el club Atenas, un Woodstock platense fechado en 1970 y bajo techo que la historia oficial casi ni recuerda, una vez más lo impensado tomaba forma sin perder la esencia independiente, el espíritu comunitario y una tremenda impronta fundacional”, dice Oscar Jalil. “En esa misma línea y casi al mismo tiempo que transcurrían las 30 horas de rock, un jovencísimo e irreverente Mono Cohen conducía un ciclo radial titulado ‘Cultura Rock’, mucho antes que el Indio Solari viralizara el término. En Radio Universidad el joven calvo difundía rock en castellano y leía a los beatniks. De esas medallas, Cohen atesora una colección invaluable, todas son ciertas y las pude comprobar con un entusiasmo detectivesco”.
El film hizo público un placer privado. “Sentarme a charlar con Cohen es una práctica habitual, esta vez con cámaras para llevar adelante un ‘documental de observación’, según palabras de los directores del film. Contra viento y todas las mareas de vaciamiento cultural del gobierno de Milei, los realizadores finalmente pudieron concluir un trabajo de años. Las mil vidas de Rocambole juegan como excusa para conocer al artista que es mucho más que el tipo que se sentó en la mesa chica de Los Redondos mientras duró el tiempo de Patricio Rey”, concluye.
El camino de Rocambole se estrena el sábado 25 de abril a las 20 en el Cine Gaumont, Av. Rivadavia 1635. Hay otra función el martes 28 de abril, también a las 20.
The post Se estrena el documental ‘Rocambole en el camino’ appeared first on Rolling Stone en Español.
Quevedo, La Pantera, Lucho RK, Juseph – Algo va a pasar
Danny Ocean, Ryan Castro – Desahógate
Trueno – Turr4zo
Majo Aguilar – A través del vaso
Rauw Alejandro – Dando vueltas
Carín León – La buena
Melendi – Mentiras arriesgadas
Guitarricadelafuente – Calypso
Kidd Voodoo, Pablo Alborán – Dando vueltas
Fillas de Cassandra – Tertúlia
Foo Fighters – Window
C.R.O, Ovi – Galáctico
Draco Rosa – Carro de heno
Niña Pastori – Periódico de ayer
Carlos Vives, Juan Luis Guerra – Buscando el Mar
Chico Blanco, Girl Ultra – Omaigach
Cyrpress Hill, Mello Man Ace – Campeones
Los Mirlos, 311, El Dusty – Ambrer
El Arkeólogo, Gambeta – Malo Falar
Juliana – PorquE Si Te QuedAs
Oblivion’s Mighty Thrash, Mañas Ru-Fino, The Colombians – Sol de Agua
Mario Bautista – SOLEDAD
Niall Horan – Little More Time
Fuerza Regida – Todos Nos Shippean
María José Llergo – Otros besos
Fangoria – La verdad o la imaginación
Boza, Beéle – Hasta Abajo
Sofia Monroy – Últimas Palabras
Annasofia – Bulla
The post Los lanzamientos de la semana appeared first on Rolling Stone en Español.
]]>
]]>
Desde la música clásica hasta el rock, los músicos afinan sus instrumentos a una frecuencia común para poder tocar juntos en armonía. Durante al menos 80 años, esa frecuencia estándar ha sido A440 Hz, que define la nota La por encima del Do central y, por extensión, todas las demás notas a su alrededor. Pero este estándar de afinación de larga data está siendo cuestionado en diversos géneros, ya que cada vez más artistas, incluyendo a dos ganadores del Grammy, lanzan álbumes afinados a A432 Hz. Es una afinación ligeramente más baja, y para estos músicos, marca la diferencia.
El interés del guitarrista de Radiohead, Ed O’Brien, por este tema comenzó hace unos 12 años, en el Festival de Glastonbury. “Tuve una conversación inspiradora sobre la escala de solfeo, una escala antigua, y esto me llevó a descubrir los 432 Hz”, dice O’Brien, cuyo segundo álbum en solitario, Blue Morpho, se publicará el 22 de mayo. “Me encantó la idea de que la música pudiera ser más que simplemente agradable al oído o conmovedora; que la frecuencia en la que se tocaba pudiera tener un componente curativo o vibrar en armonía con las células del cuerpo y el mundo que nos rodea”.
Para O’Brien, los efectos de la afinación a 432 Hz son profundos. «Para mí, simplemente suena bien», afirma. «Tiene mayor profundidad y potencia; se siente completa. En comparación, la música a 440 Hz suena un poco estridente. Los instrumentos suenan y resuenan mejor a esta frecuencia, especialmente los instrumentos acústicos como las guitarras. Se siente más profunda».
Los artistas de la Nueva Era llevan décadas publicando discos a 432 Hz. Sus defensores creen que la música suena mejor afinada a esta frecuencia, y que los 432 Hz, junto con sus tonos y armónicos relacionados, armonizan mejor con las frecuencias naturales del cuerpo humano y de la Tierra.
La diferencia entre 432 Hz y 440 Hz es sorprendentemente pequeña: menos de un tercio de semitono. Sin embargo, estudios recientes muestran algunos efectos fascinantes de los 432 Hz en los oyentes, como una mayor apreciación de la música en comparación con los 440 Hz, una menor frecuencia cardíaca y respiratoria, y una reducción de la ansiedad. Los efectos aparentemente desproporcionados de esta afinación ligeramente más plana están impulsando el creciente movimiento a favor de los 432 Hz.
“Es una sensación diferente”, dice James Blake , quien comenzó a explorar esta afinación mientras trabajaba en su álbum más reciente, Trying Times. “No soy de los que afinan todo a esa frecuencia, pero sí noto que cuando compongo música a esa frecuencia, me resulta muy relajante”.
Como es natural, YouTube alberga una infinidad de vídeos musicales a 432 Hz que prometen reducir el estrés mientras se escuchan tonos relajantes para la meditación, Mozart ligeramente ralentizado o miles de éxitos y temas ambientales con arreglos diferentes. Entre los artistas consagrados que graban a 432 Hz se encuentra el compositor nominado al Grammy, Steven Halpern, cuyos álbumes se describen como «un diapasón para el cerebro». Además, Spotify y Apple Music ofrecen extensas listas de reproducción a 432 Hz, con una gran cantidad de artistas italianos.
Sin embargo, hasta hace poco, pocos artistas populares se habían atrevido a grabar a una afinación distinta a 440 Hz. Las afirmaciones de que leyendas como Jimi Hendrix, Prince, John Lennon y Grateful Dead interpretaron y grabaron a 432 Hz probablemente se deban a experimentos, o quizás a guitarras desafinadas.
Ziggy Marley es otro destacado seguidor de la afinación a 432 Hz. En una llamada desde su flamante estudio Rebel Lion en Los Ángeles, explica por qué grabó su nuevo álbum, Brightside, de esa manera. “Durante toda mi trayectoria musical, he estado buscando, leyendo, intentando crear música según lo que imagino que podría ser: espiritual, todas esas cosas fantásticas que creo que la música debería ser”, dice Marley. “Así que 432 Hz ha estado en mi radar desde hace tiempo. Escuché que esa frecuencia es más relativa a la frecuencia humana a la que vibramos, y todo tiene una frecuencia. Todos vibramos en frecuencias. Así que, cuando decidí usar 432 Hz, comencé a grabar mis demos. Me siento mucho más cómodo a esa frecuencia”.
Marley, quien ha ganado nueve premios Grammy, incluido el de Mejor Álbum de Reggae de 2026 por One Love – Music Inspired by the Film (Deluxe), también ha estado actuando con instrumentos afinados a 432 Hz.
“Le dije a la banda: ‘Vamos a tocar a 432 Hz, todo tiene que estar afinado a 432 Hz’. Y ellos se quedaron como: ‘¿Qué?’. Así que, de repente, todos los instrumentos del espectáculo tenían que estar afinados a 432 Hz, y la experiencia de hacer los primeros conciertos a esa frecuencia ha sido muy gratificante. Por lo que veo, sí tiene un impacto y un efecto en el público, en mí y en la banda. La conexión es más fuerte. Es una reacción diferente a esa frecuencia.”
A lo largo de la historia de la música, los estándares de afinación han evolucionado considerablemente. En el siglo XVII, los instrumentos orquestales solían afinarse en tonos más graves, y desde entonces, las afinaciones han ido aumentando progresivamente y estandarizándose cada vez más. Hoy en día, la afinación en La 440 Hz predomina en la mayoría de la música occidental.
Quienes defienden esta teoría argumentan que 432 Hz corresponde a la frecuencia electromagnética resonante natural de la cavidad Tierra-ionosfera (7,83 Hz) y sus armónicos, conocidos como “resonancias de Schumann”. A pesar de esta y otras afirmaciones matemáticas dudosas (a menudo acompañadas de lenguaje pseudocientífico e ilustraciones “armoniosas” generadas por IA), la evidencia sólida sobre los beneficios de los 432 Hz es bastante escasa.
¿Pero importa? Artistas como Ed O’Brien y Ziggy Marley pueden sentir la diferencia. Como afirma el título del álbum de 1980 de la madre de Ziggy, Rita Marley: « Quien lo siente, lo sabe».
“Le da una nueva inspiración a la música”, dice Ziggy. “Cuando lo haces a una frecuencia diferente, tu mente escucha las cosas de manera distinta, y eso crea ese tipo de energía, como la primera vez que lo hiciste”.
Independientemente de lo que muestren los estudios sobre el efecto en la frecuencia cardíaca y respiratoria, Marley tiene muy claro el poder de las frecuencias, y cree que los aspectos musicales de los 432 Hz están a punto de experimentar un nuevo renacimiento.
“Escucha, va a ser increíble”, dice.
The post 432 Hz: La frecuencia mística que los artistas están adoptando appeared first on Rolling Stone en Español.
A una década del fallecimiento de Prince, ha salido a la luz una canción inédita que abre la puerta a un proyecto nunca antes visto del artista estadounidense. No es ningún secreto que el ícono dejó un vasto repertorio sin publicar; sin embargo, sus herederos —actuales custodios del archivo conocido como The Vault— han decidido compartir este primer adelanto para conmemorar el décimo aniversario de su partida. Se trata del sencillo ‘With This Tear’.
La canción fue grabada en 1991 y concebida originalmente para ser interpretada por Céline Dion. Fascinado por su voz, el músico preparó una maqueta y se la envió a la mánager de la cantante con la intención de que aceptara la propuesta. Así, en 1992, Dion incluyó el tema en su álbum homónimo, siguiendo las indicaciones de Prince.
Lo que hoy sale a la luz es la versión inédita y original de ‘With This Tear’, que celebra y conmemora el 10° aniversario de la partida terrenal de Prince. La nueva versión contó con la mezcla y masterización de Chris James, ingeniero y productor nominado al Grammy que ya había trabajado junto a Prince en proyectos como HITnRUN Phase Two, Art Official Age y Plectrumelectrum.
La canción original nos deja ver el lado más sentimental y vulnerable del cantante, sumergiéndonos en los sonidos y esencia del pop melódico de los 90. El acompañamiento visual también es un guiño a la nostalgia, pues Prince nos habla de sus aspiraciones artísticas que se centran en la igualdad: “Cuando era más joven, siempre decía que algún día tocaría todo tipo de música, y que no sería juzgado por el color de mi piel, sino por la calidad de mi trabajo. Espero que eso continúe”.
A lo largo de ‘With This Tear’, podemos apreciar diversos momentos clave en la vida de Prince: su infancia, inicios de su trayectoria, conciertos en vivo, videos musicales y mucho más.
Aún cuando se asegura que Céline Dion fue la elegida para interpretar el tema, según Rolling Stone, ‘With This Tear’ fue pensada para Jevetta Steele, pero hubo un momento que cambió la visión de Prince. El tema siguió permaneciendo su esencia original hasta el día de hoy, que sale a la luz su versión inédita. “‘With This Tear’ fue un regalo de Prince que siempre atesoraré. He llevado esta canción conmigo durante muchísimos años. Escuchar ahora su versión, compartida por primera vez al público, es algo realmente especial”, dijo Dion sobre el lanzamiento.
‘With This Tear’ no es solo la canción póstuma de Prince. Según sus herederos, el tema marca el inicio de la presentación de un proyecto inédito del músico, programado para publicarse este año. El material busca honrar el legado del ícono de la música.
Mira aquí el video oficial de ‘With This Tear’:
The post Escucha ‘With This Tear’, la nueva canción póstuma de Prince appeared first on Rolling Stone en Español.
El martes 21 Charly García fue sometido a una intervención quirúrgica renal en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento (IADT). Según el parte médico oficial y fuentes cercanas al artista, se trató de una nefrectomía parcial programada, un procedimiento quirúrgico destinado a extirpar una lesión localizada en uno de sus riñones preservando el resto del órgano funcional.
La cirugía, que duró aproximadamente tres horas, se realizó sin complicaciones técnicas. El equipo de urología a cargo del procedimiento confirmó que el objetivo fue cumplido de manera satisfactoria. A diferencia de otras internaciones anteriores del músico, esta no fue producto de una descompensación súbita, sino de una decisión médica tras una serie de estudios de rutina realizados en el mes de marzo.
Luego de la intervención, el equipo médico dispuso el inicio de un esquema de diálisis preventiva con el fin de supervisar la recuperación de la función renal. Pese a los antecedentes clínicos del artista, fuentes cercanas al artista confirmaron que el procedimiento resultó exitoso. García se encuentra actualmente en una habitación de internación general, donde permanece bajo estricta observación para evaluar su evolución diaria.
The post Charly García se sometió a una operación de riñón programada y su evolución es buena appeared first on Rolling Stone en Español.