Tras semanas de especulación en torno a una supuesta tensión creativa, Taylor Swift ha decidido poner fin a los rumores sobre su relación con Jack Antonoff. La conversación surgió a raíz del proceso creativo de The Life Of A Showgirl (2025), su más reciente álbum, en el que la cantante optó por trabajar con otros productores, dejando fuera a uno de sus colaboradores más frecuentes.
La ausencia de Antonoff, figura clave en discos como 1989 y The Tortured Poets Department (2024), alimentó versiones sobre un posible distanciamiento. Sin embargo, Swift fue directa al abordar el tema en una entrevista reciente con The New York Times el pasado 28 de abril. ‘Jack Antonoff es un colaborador mío y uno de mis mejores amigos’, afirmó, descartando cualquier conflicto personal o profesional.
Más allá de desmentir la supuesta ruptura, Taylor Swift ofreció detalles sobre su dinámica creativa. Entre ellos, destacó un recurso que desarrolló junto a Jack Antonoff a lo largo de los años y que se ha convertido en una de sus firmas compositivas, al que llaman ‘rant bridge’.
‘Es básicamente una especie de flujo de conciencia, un desbordamiento continuo de emoción, pensamientos intrusivos mezclados con metáforas, conversación y hasta gritos. La idea es que ese momento concentre la intensidad máxima de lo que la canción intenta construir y funcione como un crescendo’, explicó la cantante.
Ese mismo día, el propio Antonoff también se pronunció durante su participación en The Howard Stern Show. Lejos de reforzar la narrativa de conflicto, el productor adoptó una postura abierta frente a la evolución artística de Swift. Señaló que no considera necesario repetir colaboradores de forma constante y describió su relación profesional como algo excepcional dentro de la industria.
‘No es normal trabajar con las mismas personas una y otra vez’, explicó. Desde su perspectiva como músico y compositor, entiende la necesidad de explorar nuevos procesos y sumar distintas voces creativas. ‘Solo siento gratitud por el trabajo que ya hicimos’, añadió, dejando claro que la colaboración pasada no pierde valor por los cambios presentes.
El contexto reciente de Swift también apunta a una etapa de control y expansión en su carrera. En paralelo, la cantante ha tomado medidas para proteger su obra e identidad en un entorno cada vez más influenciado por la inteligencia artificial, registrando elementos clave como su voz e imagen.
En ese sentido, el movimiento hacia nuevos productores no parece responder a una ruptura, sino a una lógica de evolución.
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Tito Double P regresa con su primer sencillo en solitario de 2026, ‘Pase y pase’.
La canción explora un deseo tóxico y contradictorio, nacido de una concepción errónea del amor. En ella, Tito se enfrenta a impulsos nocturnos y a sentimientos no resueltos que lo siguen empujando de vuelta hacia esa persona, incluso cuando sabe que no debería. ‘Pase y pase’ se sostiene en una vulnerabilidad cruda y en el estilo distintivo del cantante mexicano, donde la tensión, el arrepentimiento y un apego ansioso se niegan a desaparecer.
A lo largo del tema, Tito Double P nos lleva por una historia donde una conexión tóxica es imposible de romper, aún cuando las partes implicadas saben el daño que se hacen. La obsesión, dependencia emocional y euforia se van a otro nivel, pero no es más que la idealización que se hizo sobre la relación. No todo es color de rosa, al contrario, el placer fugaz construye un retrato de una pseudo relación marcada por un círculo vicioso y dañino.
El video oficial de ‘Pase y pase’ captura a la perfección el mensaje principal de la obra: una energía relajada pero intensa, convirtiendo el caos personal en música universal. En una speakeasy casi a oscuras, Tito Double P recita desde un sillón de cuero mientras sombras rojas dibujan a una mujer que parece un recuerdo constante. Se intercalan siluetas de bailarines y flashbacks de una relación intensa, marcada por deseo, conflicto e infidelidad. Al final, dos guardias lo expulsan del lugar, simbolizando el colapso de un ciclo del que no logra salir.
La presentación de ‘Pase y pase’ es el inicio de una nueva era para Tito. Se trata de una declaración de intenciones que comienza a despejar su visión artística para seguir pavimentando su camino en la escena mexicana contemporánea. “Siento que esta etapa empieza a construir una narrativa de crecimiento constante, de movimiento y de confianza en el proceso. ‘Pase y pase’ es como el primer paso de algo más grande, pero no es algo aislado. Todo lo que estoy trabajando ahora tiene conexión entre sí, aunque cada pieza tenga su propia identidad. Lo que sigue va a ir revelando poco a poco hacia dónde va todo esto”, revela a ROLLING STONE en Español.
La evolución del cantante mexicano es innegable. Su destreza lírica, su presencia escénica y la solidez de su proyecto apuntan con firmeza hacia una cima artística definida y ambiciosa. A pesar de la proyección que ya posee, Tito continúa ampliando su alcance y consolidando un lugar cada vez más destacado dentro de la industria musical. “Ha cambiado bastante mi forma de trabajar. Hoy soy más detallista con la escritura y la producción, y me tomo más tiempo en elegir los sonidos y la dirección de cada tema. Sigo confiando en la intuición, pero ahora con una visión más clara de hacia dónde quiero llevar mi música. Y lo que viene trae una energía distinta… vienen cosas interesantes”, asegura.
En noviembre del 2025, Tito Double P fue portada de ROLLING STONE en Español para la edición de Musicians on Musicians junto a Santa Fe Klan, experiencia que asegura dejó un impacto creativo muy alto para su trayectoria. “Después de Musicians on Musicians sentí que se abrió una etapa muy clara para mí creativamente. Estoy en un momento donde todo es más intencional, más honesto con lo que quiero decir y cómo lo quiero decir. Con ‘Pase y pase’ quería dejar claro que sigo evolucionando, pero sin perder mi esencia”, revela.
Por ahora, con la alta exposición que vive Tito Double P, la presión se ha convertido en un pilar cotidiano en su vida, que le ha permitido tener los pies sobre la tierra. “La presión siempre está ahí, pero trato de no dejar que me cambie la brújula. Aprendí a separar lo que la gente espera de mí de lo que realmente quiero expresar. Al final, si uno intenta complacer todo, pierde lo más importante: la verdad del proyecto. Yo prefiero ser fiel a lo que estoy viviendo y dejar que la música hable por sí sola”, dice.
Por ahora, ya puedes escuchar ‘Pase y pase’ en todas las plataformas de streaming musical.
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A unos meses del lanzamiento de Who Is The Sky (2025), el más reciente álbum del exlíder de Talking Heads, David Byrne ya comienza a reimaginar su propio material. Su nuevo sencillo, ‘¿Cuál es la razón?’, retoma la canción ‘What Is The Reason For It?’, el quinto track de ese disco de 2025, y la reconstruye desde otra geografía sonora, esta vez con una inclinación más cercana a la cumbia.
Con producción de Camilo Lara, del Instituto Mexicano del Sonido, y la colaboración de la cantautora mexicana y ganadora del Grammy, Natalia Lafourcade, quien toma el lugar de la vocalista original, Hayley Williams de Paramore, esta versión resalta por su cambio de idioma y por un enfoque sonoro que acentúa un carácter más latino y tropical.
Pero la historia entre David Byrne y Natalia Lafourcade no es nueva. Ambos ya habían compartido escenario en 2024 durante la interpretación de ‘Muerte’, una pieza que previamente se presentó en el Carnegie Hall. Aquel encuentro dejó ver una afinidad que ahora encuentra una nueva forma.
David Byrne ha mostrado en distintas ocasiones su interés por la Ciudad de México, y esta canción se nutre de esa experiencia. El músico se basó en sus vivencias en la capital para construir una letra que indaga en el amor y sus misterios, resultando en una composición que gira en torno a sus contradicciones y, al mismo tiempo, funciona como reflejo de una ciudad que mezcla estímulos, ritmos y emociones en constante movimiento.
El lanzamiento también llega en un momento particular para David Byrne. Tras su reciente paso por Coachella, el músico ha mantenido una actividad constante, explorando nuevas versiones de su material y llevándolo a contextos escénicos cada vez más elaborados.
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En los primeros años de los ochenta, el mundo vio a Iron Maiden embarcarse en una búsqueda prometeica del fuego, impulsados a un nivel casi espiritual para entregar ‘Run to the Hills’ y ‘The Trooper’ a la humanidad. Sin embargo, tras unos pocos años, la agrupación ya estaba agotada por las giras constantes y comenzaban a surgir algunas tensiones internas. Un nuevo documental muestra hasta qué punto llegó la situación, con el cantante Bruce Dickinson suplicando al mánager Rod Smallwood que redujera las fechas del tour, afirmando que “no puedes restringir una voz”. Finalmente, Dickinson y el guitarrista Adrian Smith abandonaron la banda por estas razones durante sus años dorados. (Ambos regresaron en 1999 con una perspectiva renovada y nunca han vuelto a dejar la banda).
En el filme Burning Ambition, que se estrena en cines el 7 de mayo, Dickinson compara el desgaste de las giras con “cinco años en una jaula dorada”. En una escena, cerca de su salida en 1993, reflexiona: “¿Realmente vale la pena toda esta locura?”. Hoy, su respuesta no es retórica: “La locura vale la pena”, comenta el líder del grupo, de 67 años, a ROLLING STONE entre risas durante una entrevista por Zoom desde su casa en Londres. “Cuando te vas, aterrizas en la fría luz del día y piensas: ‘¿Sabes qué? Esto es bastante genial. El mundo necesita a Iron Maiden’”.
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En otra escena, Adrian Smith, de 69 años, quien dejó la banda en 1990, recuerda en voz en off que, más allá de los conciertos, “todo lo demás era horrible” a finales de los ochenta. Renunció alegando un bloqueo creativo y, tras formar una familia y participar en proyectos de corta duración como ASAP junto a Zak Starkey, empezó a ver las cosas de otra manera. “Pude entender de qué se trataba realmente Iron Maiden”, dice en una entrevista por Zoom desde un hotel en Turks and Caicos, donde se encuentra de gira con otro proyecto paralelo, Smith/Kotzen.
Los integrantes de Iron Maiden han estado reflexionando bastante sobre la historia de la banda últimamente, mientras continúan este año con las celebraciones por su 50 aniversario iniciadas el año pasado. Formado en 1975 por el barrendero convertido en bajista Steve Harris, el grupo irrumpió en el mainstream headbanger con la New Wave of British Heavy Metal gracias a Iron Maiden (1980), un álbum cuyas canciones sentaron las bases de riffs que galopan como la obertura de William Tell Overture, coros épicos y una actitud sorprendentemente esperanzadora de “morir con las botas puestas” que los diferenció de precursores del metal como Black Sabbath y Led Zeppelin.
Tras varios cambios de formación, Maiden se ha mantenido firme en su rumbo gracias a la visión inquebrantable de su líder de facto, Harris. “Steve quería hacerlo a su manera y nosotros nos alineamos con él y lo ayudamos a lograrlo”, dice Smith sobre los primeros años del grupo. Desde entonces, se han convertido en una de las bandas más grandes e influyentes del metal, trascendiendo el género con su macabra mascota Eddie, cuya imagen ha sido lucida por celebridades que van desde Miley Cyrus hasta Justin Bieber.
Ross Halfin/Trafalgar Releasing
La retrospección no es algo habitual para Iron Maiden, una banda que en décadas pasadas solía burlarse de los fans que pedían los grandes éxitos y, en cambio, optaba por tocar un álbum nuevo en su totalidad, como hicieron con A Matter of Life and Death en 2006. Incluso ahora, Bruce se encoge de hombros ante quienes critican que discos recientes de Maiden como The Book of Souls y Senjutsu se inclinen demasiado hacia lo progresivo. “Vayan a escuchar otras bandas”, dice entre risas. “Es un mundo libre, más o menos”. Pero este año están reconociendo su legado, y no tiene nada que ver con su reciente inclusión en el Rock and Roll Hall of Fame, ceremonia a la que no asistirán debido a que coincide con fechas de su gira por Australia.
En cambio, se embarcarán en una gira que han bautizado Run for Your Lives, con repertorios centrados en gran medida en el material que grabaron antes de la salida de Dickinson. También han organizado su propio festival de dos días, Eddfest, en Knebworth, Inglaterra, que incluirá presentaciones de antiguos miembros que dejaron la banda, entre ellos el cantante Blaze Bayley (sustituto de Dickinson en los noventa), así como un supergrupo de Maiden, Maiden United, en el que participa el exguitarrista Dennis Stratton, quien solo tocó en el álbum debut homónimo del grupo.
Y, por supuesto, está “ambición ardiente” (Burning Ambition), llamada así por un lado B poco conocido, es una película que según Dickinson es “lo más cercano a demostrar de forma independiente” que el mundo necesita a Iron Maiden “que se puede lograr”. Para este proyecto, de forma poco habitual, la banda permitió que un externo, el cineasta Malcolm Venville —quien ha realizado documentales sobre Lincoln, FDR y Churchill—, tuviera acceso a sus archivos —y a ellos mismos— para construir un retrato sobre la agrupación y sus fans.
Utilizando animaciones de Eddie y entrevistas tipo “talking head” con fans célebres como Javier Bardem, Lars Ulrich de Metallica, Chuck D y Simon Gallup de The Cure, entre otros, el documental recorre los orígenes del grupo en el este de Londres y cómo logró forjar una base de fans leal que hoy los sigue en arenas y estadios. La participación de la banda se limitó a entrevistas fuera de cámara. Venville, de 63 años, comenta por correo electrónico que su objetivo era mostrar “no solo su historia, sino la magnitud de lo que han construido”.
“No quieres una hagiografía de Iron Maiden”, dice Dickinson. “Quieres las verrugas y todos los huesos, porque la historia de Maiden es una historia de ambición ardiente, pero también es una historia de triunfo frente a la adversidad y la tragedia, y de todas esas cosas que existen en una gran familia. Realmente no puedes hacer eso desde dentro, porque cada quien tiene su propia versión de la realidad”.
“[La película] es bastante emotiva”, dice Smith. “Hay algunas cosas delicadas ahí, momentos que tocan fibras muy sensibles”. Los pasajes que más lo impactaron están relacionados con miembros de la banda que se fueron y, a diferencia de él y Dickinson, no regresaron: el cantante Paul Di’Anno, cuya voz áspera y curtida definió los dos primeros discos de Maiden, más crudos; y el baterista Clive Burr, cuyas síncopas llenas de matices transformaron los característicos “galopeos” de la banda en riffs de batería por derecho propio, hasta su salida tras grabar el álbum clave de 1982, The Number of the Beast. Di’Anno falleció en 2024 y Burr en 2013.
Smith también se vio conmovido por imágenes de Nicko McBrain, el baterista con más tiempo en la banda, quien decidió retirarse de las giras en 2024, un año después de sufrir un derrame cerebral.
El filme también incluye material de archivo con pullas y comentarios punzantes entre varios de los músicos sobre las idas y venidas de distintos integrantes. “Es como el equipaje que llevas contigo a lo largo de la vida”, dice Smith. “Somos una familia, en realidad. Hemos tenido desacuerdos porque hay mucho en juego, pero creo que la banda tiene integridad. Hemos intentado hacer las cosas bien”.
Por su parte, Steve Harris, de 70 años, ha expresado una fuerte ambivalencia frente a la película. “Creo que realmente debieron dejar claro que es un documental sobre Iron Maiden, no hecho por Iron Maiden, porque no somos nosotros”, dijo recientemente. “No tuvimos ese control que normalmente tenemos cuando lo hacemos por nuestra cuenta. Creo que lo habríamos hecho de una manera un poco diferente, y no diré más”. “La intención nunca fue explicar Maiden a los fans”, afirma Venville. “Ellos no necesitan eso. Se trataba de devolverles algo que se sintiera verdadero”.
Cuando Smith vio por primera vez Burning Ambition, el material de archivo lo dejó impactado. “Hay cosas mías de cuando era muy, muy joven”, dice. “Es casi como otra vida”. El guitarrista se unió a Iron Maiden en noviembre de 1980, medio año después de que publicaran su debut homónimo. Había crecido junto al guitarrista Dave Murray, y su banda Urchin había tocado con Maiden. Aunque no eran punk (“En realidad no nos gustaban los punks en absoluto”, dijo Harris en una ocasión a ROLLING STONE), operaban como una banda punk DIY, construyendo una base de fans con un EP autoproducido y autodistribuido, The Soundhouse Tapes, además de tocar en vivo de forma constante. “La banda siempre ha funcionado un poco al margen del establishment. Es casi como una gran banda de culto”, dice Smith. “Creo que nuestros fans se identificaron con la lucha, con el hecho de que lo hicimos por las malas”.
El cantante de Iron Maiden cuando Adrian Smith se unió, Paul Di’Anno, tenía el pelo corto y una voz áspera muy particular, pero no lograba sostener el ritmo de las giras. “Paul, creo, sentía mucha presión”, dice el guitarrista. “Perdía la voz bastante seguido. Mi impresión de él cuando entré a la banda era que era alguien despreocupado. No me parecía una persona dura ni especialmente ambiciosa. Simplemente le gustaba divertirse. Así que creo que casi sintió alivio cuando dejó la banda”. Hace una pausa y añade: “Espero que Paul haya tenido algo de felicidad en su vida después de Maiden”. (La vida de Di’Anno es el tema de un documental producido de forma independiente que se estrenará este año).
Bruce Dickinson, que había sido cantante de los representantes de la New Wave of British Heavy Metal Samson, se unió en septiembre de 1981, seis meses después del lanzamiento de Killers, y su voz —una especie de “sirena antiaérea” operática pero masculina— los diferenció de inmediato de cualquier otro grupo de metal. “Es como ver Broadway”, comenta Scott Ian, de Anthrax, en Burning Ambition. Pero lo que realmente hacía encajar al extrovertido Dickinson en Iron Maiden era su impulso imparable. Una de las razones por las que el director Malcolm Venville quiso hacer el documental es que Dickinson era un frontman poco convencional, compaginando su carrera musical con otras facetas como piloto de avión, esgrimista, novelista, presentador y empresario, al mismo tiempo que cantaba “Hallowed Be Thy Name”.
“La idea de que pudiera liderar una de las bandas más grandes del mundo en giras globales incesantes, obtener la licencia como capitán de aerolínea y además sugerir mejoras al manual de formación de pilotos de British Airways dice mucho sobre su mentalidad”, explica el director. “No hace las cosas a medias. Y luego está Steve Harris, casi lo opuesto: un perfeccionista reservado y discretamente obsesivo. Esa tensión entre ambos me parecía el motor: uno expansivo, el otro meticuloso”.
Pero Dickinson cree que él y Harris no son tan distintos. La determinación que atraviesa las letras de Maiden —muchas veces inspiradas en la literatura— es un ADN compartido entre ambos. “Esa determinación refleja definitivamente a Steve, y también a mí”, dice. Como ejemplo, recuerda que cuando los médicos le diagnosticaron cáncer de garganta en 2014, su primera pregunta fue: “¿Cuándo puedo volver a cantar?”. La respuesta fue “en unos 10 meses”. “Yo dije: ‘Voy a superar eso’”, afirma sonriente. “Así somos, y seguimos siendo así”.
Hoy, la salud de Dickinson está recuperada, aunque con “todo tipo de piezas” de su cuerpo renovadas. “Tengo dos caderas de metal, un tendón de Aquiles que me reconstruyeron hace cinco años, varias contusiones, golpes y bultos”, cuenta. “Pero sigo corriendo como un loco, y la voz está en gran forma”. Y añade: “Acabo de terminar un disco solista: grabamos 16 canciones en 21 días, todo 100 % en vivo. Es como la anti-generación de la IA”.
Dickinson cree que el propósito de Maiden al presentar espectáculos en vivo es “descaradamente escapista”. “Cuando vas al cine, es una forma de escape, dependiendo del tipo de película que te guste”, explica. “Y puedes elegir qué película ver. Yo no quiero ver un documental sobre Bono rescatando niños africanos, por muy admirable que sea. Quiero ver a Jason Statham derrotar a los malos, porque eso es lo que me apetece. Y la gente elige a Iron Maiden porque está de humor para ese tipo de experiencia”.
Burning Ambition muestra cómo Iron Maiden ha hecho de esa idea de escape una misión para sus fans en todo el mundo, apoyándose en gran medida en material de su VHS Iron Maiden: Behind the Iron Curtain, que documentó una gira de 1984 por Polonia, Hungría y Yugoslavia. “Siempre hemos buscado ir a lugares nuevos, y nadie lo había hecho realmente”, dice Adrian. “Esos públicos nunca habían visto algo como nosotros. Conocían parte de nuestra música, pero casi me daban un poco de pena. Tenían una vida de grandes privaciones. Recuerdo ir al mejor hotel de Varsovia y que solo tenían una cosa en el menú”.
“Lo que hacemos es darle a la gente la oportunidad de escapar de este mundo de mierda en el que vivimos y reunirse con otros seres humanos en igualdad de condiciones, sean médicos, banqueros, plomeros, albañiles, sin importar la religión, la nacionalidad o el color”, dice Dickinson. “No excluimos a nadie”.
A mitad del documental, aparece una escena de archivo en la que Bruce se frustra con un entrevistador que malinterpreta la letra de ‘Run to the Hills’. “Es una canción contra la matanza de indígenas”, insiste el cantante. “De eso trata todo: ‘Esto fue lo que pasó, y no es como en las películas de vaqueros’”.
Luego, la pantalla corta a Javier Bardem, quien recontextualiza la canción al recitar la letra lentamente como si fuera poesía, dándole un peso especial al relato en primera persona de un personaje que cree que suplica libertad frente a la esclavitud impuesta por los colonizadores blancos.
“Es un momento impactante”, dice Dickinson.
“La forma en que leyó las palabras sonaba muy profunda”, añade Smith.
“Nunca las había escuchado leídas como un poema por un gran actor”, continúa Dickinson. “Me transmitió una sensación de melancolía y tristeza”.
Malcolm Venville señala que ese es justamente el objetivo del documental. “Hay una profundidad en su trabajo que es fácil pasar por alto”, afirma. “La historia, la literatura y la filosofía están incrustadas en la música”.
Aunque Burning Ambition cuenta la historia de Iron Maiden, momentos como la lectura de Bardem ayudan a entender por qué la banda tiene una base de fans tan fiel. “La verdadera revelación fue el público”, dice Venville. “La comunidad de fans no son solo metaleros con chaquetas de batalla; es global, organizada y profundamente conectada. Funciona casi como su propio ecosistema”.
Cuando le preguntan cómo espera que haga sentir a los fans de Iron Maiden Burning Ambition, Malcolm Venville responde de forma simple: “Reconocidos”.
Al inicio de la película, la primera voz que se escucha es la de Bruce diciéndole a una audiencia: “No importa si eres hombre, mujer, musulmán, cristiano, católico o judío, no importa: si eres fan de Maiden, eres fan de Iron Maiden”. Es una idea tan potente que Venville la utiliza dos veces en el filme.
Dickinson se sorprendió al escucharla repetida, pero respalda completamente el mensaje. “A veces tienes que decir cosas así”, comenta, mencionando las múltiples formas en que la gente ha malinterpretado lo que representa la banda: desde la falta de mujeres en sus primeros conciertos, hasta acusaciones de satanismo por The Number of the Beast, o la manera en que ondea con orgullo la Union Jack durante ‘The Trooper’. Pero, según él, sus críticos están equivocados.
“Maiden es como un gran paraguas bajo el que la gente puede refugiarse”, dice Dickinson. “Y una vez están bajo ese paraguas, no importa de dónde vienen ni quiénes son. Bajo ese paraguas, todos son fans de Iron Maiden”.
“Creo que la gente se sorprendería de quiénes son los fans de Iron Maiden”, dice Smith. “La nueva líder de Japón es fan de Maiden; toca la batería. Quizás ahora el mainstream nos está reconociendo un poco más. Hemos tenido un par de canciones en series de televisión famosas. Nunca fuimos detrás de eso, pero la gente nos está viendo bajo una luz diferente”.
Iron Maiden siempre ha restado importancia a los intentos de otros por consagrar su legado. Fueron nominados dos veces al Rock and Roll Hall of Fame antes de ser incluidos este año y, en 2018, Bruce Dickinson lanzó duras críticas contra la institución. “La verdad, creo que el Rock & Roll Hall of Fame es una completa y absoluta tontería”, dijo. “Está dirigido por un grupo de estadounidenses pomposos que no reconocerían el rock & roll ni aunque les golpeara en la cara”.
Entonces, ¿le preocupa que un documental centrado en el legado pueda parecer una especie de cierre de carrera para Iron Maiden? “Cuando dices cierre, no te refieres a lápida, ¿verdad?”, responde entre risas. Y luego remata la idea con una parodia de una canción de la banda: “In a grave new world”.
Cuando recupera la compostura, Bruce Dickinson mira el panorama general. “Cincuenta siempre va a ser un número grande, simbólico”, dice. “No estamos mostrando señales de estar llegando al final, pero lo haremos. Inevitablemente, va a pasar. Cómo y cuándo ocurra, no lo sabemos”.
Luego replantea la idea, en sentido figurado y literal. “Más que un cierre, diría que este documental es un marco”, afirma Dickinson. “Es un marco a través del cual ver el resto de nuestra carrera”.
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EL formato es el mensaje. Signo de los tiempos, el Tiny Desk se transformó en una de las marcas más icónicas de la última década. Una plataforma que funciona como meta consagratoria pero también como punto de despegue a la proyección global. Milo J, a sus 19 años, acaba de estrenar su propio Tiny Desk. Y se suma allí a la lista de artistas argentinos (Trueno, Nicki Nicole,Fito Páez, María Volonté, Sofía Rei, Cande y Paulo y, por supuesto, Ca7riel y Paco Amoroso) que participaron del segmento.
Tan importante como la estética del programa en sí mismo es la que proponen los artistas para cada presentación, y Milo apareció con una llamativa chomba con el logo de Polo pero con un diseño de aguayo, la tela tradicional de origen andino, utilizada principalmente en Bolivia, Perú, el norte de Chile, el noroeste de Argentina y Ecuador. Un ejercicio de regionalismo crítico que resignifica una tradición latinoamericana de miles de años. Pero también hay otros guiños específicos a la identidad argentina: desde la bandera que cuelga en el fondo, hasta un ejemplar del Martín Fierro y un suplemento especial de la revista Folklore, de 1967, con Mercedes Sosa en la portada. Referencias estéticas, homenajes y amuletos telúricos, además de un pequeño banderín del Club Atlético Morón, el equipo de sus amores y la institución a la que esponsorea.
Tan importante como el aspecto estético, con sus característicos trajes coloridos, es la impronta musical que aporta el coro (reducido) de Agarrate Catalina. No es la primera colaboración entre la murga uruguaya, dirigida por Yamandú Cardozo, y el talentoso artista cachorro que le echa leña al fuego de la mística musical del oeste del Gran Buenos Aires.
De hecho, la canción que abre el breve set (seis canciones en poco más de 16 minutos), es “Recordé”, incluída en La vida era más corta (2025), que ya incluía la colaboración de los coros de murga. “Venimos del sur del tiempo, de un edén en los suburbios pardos, mestizos y rubios, trepados al mismo viento, felices en el intento de acompañar sus canciones negras, blancas y marrones, con el barrio como norte, pegado en el pasaporte junto a nuestro corazones, de Morón al mundo entero, con su banda excepcional, se fabricó un carnaval de ritmo, de tierra y cuero, que nos encuentra el lucero, defendiendo en cada nota, la enorme fuerza que brota desde América Latina”, recita Yamandú. Y concluye: “¡Qué honor para Catalina cantar junto a Milo J!”.
Además de Agarrate Catalina (las voces se completan con Martín Cardozo, Eder Fructos, · Carolina Gómez y Leonardo Gómez), Milo está acompañado por una banda encabezada por su director musical, Lautaro Fernández (guitarra, charango, tiple), Santiago Alvarado (piano y melódica), Martín Beckerman (percusión, luciendo una remera de Los Gardelitos), Daniel Moreno (en la guitarra), Tamara Meschller (violín, flauta traversa y vientos andinos).
El repertorio incluye “Solifican12”, “Bajo de la piel”, “Niño” y “Luciérnagas”, piezas que revisitan los ritmos folclóricos desde una mirada contemporánea.
Milo lleva el mate bajo el brazo, y carga sobre sus espaldas el peso del legado ancestral de la canción folclórica, argentina y latinoamericana. Lo lleva con altura, con una sabiduría que cualquiera diría que no se condice con su edad. Las venas abiertas de América Latina tienen un nuevo emergente, un nuevo vocero, un artista de presente continuo y proyección exponencial.
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Ariana Grande, una de las voces más importantes del pop contemporáneo, anunció el pasado 28 de abril —a través de sus redes sociales— que su octavo álbum de estudio, titulado Petal, llegará el próximo 31 de julio de 2026. Desde comienzos de abril, la artista ya había dejado entrever que estaba trabajando en nueva música mediante una serie de publicaciones en Instagram; sin embargo, la confirmación oficial de su próximo proyecto desató una ola de reacciones tanto entre sus seguidores como dentro de la industria.
El proyecto —que sucede a su más reciente álbum, Eternal Sunshine— llega tras un periodo en el que Grande centró gran parte de su energía en su faceta actoral. En los últimos años, la cantante dio un giro significativo hacia el cine al integrarse al elenco de Wicked, donde interpreta a Glinda. A esto se suma su participación en la comedia Focker in Law, ampliando su presencia en distintos registros dentro de la pantalla. Estos proyectos no solo marcaron su regreso a la actuación a gran escala, sino que también la reposicionaron en el radar de Hollywood, abriendo una nueva etapa en su carrera creativa en la que ha equilibrado su identidad como estrella pop con su desarrollo como actriz.
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Volviendo a Petal, la información que se tiene sobre este trabajo aún es limitada. Uno de los primeros aspectos que llamó la atención del público es que el disco verá la luz en medio de la gira Eternal Sunshine Tour, que comienza el 8 de junio en Oakland, California, y se extiende hasta el 1 de septiembre en Londres. En cuanto a su propuesta conceptual, Grande adelantó en un comunicado que el álbum gira en torno a la idea de “crecer a través de las grietas de algo frío, duro y difícil”, sugiriendo una narrativa de resiliencia y transformación. Según la propia artista, se trata de un proyecto “lleno de vida”, lo que apunta a un tono emocional pero también luminoso dentro de su discografía.
Además, de acuerdo con Spotify —donde el álbum ya se encuentra disponible para reserva—, Petal contará con 12 canciones. También se sabe que Grande figura como productora ejecutiva y coautora del proyecto, trabajando nuevamente junto a su colaborador habitual, el productor y compositor Ilya Salmanzadeh, con quien ha mantenido una estrecha relación creativa desde Sweetener (2018). Esta continuidad en su equipo sugiere una evolución coherente de su sonido, al tiempo que deja espacio para posibles nuevas exploraciones dentro de su universo musical.
Así, Ariana Grande no solo marca su regreso formal a la música tras su incursión en el cine, sino que también parece consolidar una etapa de madurez artística en la que convergen sus distintas facetas creativas. A la espera de nuevos adelantos —como sencillos o el listado completo de canciones—, el álbum ya se perfila como uno de los lanzamientos más esperados del año y una pieza clave para entender el siguiente capítulo en la evolución de una de las figuras más influyentes del pop actual.
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