“Quiero compartir una noticia muy importante. Después de muchísimo tiempo, sentí el fuerte deseo y la necesidad de dar un paso que durante años intenté dar de otras maneras, sin lograrlo. Hoy, después de 16 años, junto a Gonzalo Villagra decidimos volver a tocar nuestra música. Lo hacemos con profundo respeto por la historia compartida, por todo lo vivido, y por lo que esta música significa para nosotros”, así comienza el texto que posteó el baterista Walter Broide esta mañana y que sorprendió a más de un rockero argentino con el anuncio del regreso a los escenarios de Natas, pero sin el consentimiento de su fundador, Sergio Ch. En su lugar estará Nico Bereciartúa, el guitarrista argentino que toca con los Black Crowes en sus giras, hijo del legendario Vitico (Riff) y a quien el mismísimo Jimmy Page elogió públicamente luego de verlo tocar en un show del grupo norteamericano.
El posteo, que sirvió de comunicado oficial, continúa: “También lo hacemos aceptando una realidad: Los Natas, aquella formación, dinámica humana, etapa musical, ya no existe como existió alguna vez, y aceptar esto no es negar el pasado; es ser justos, agradecer y honrarlo con la verdad, con el respeto que corresponde y un único foco real para nosotros, qué es lo que nos hace bien, y queremos compartir: nuestra música”. Pocas horas después, la banda anunció su primer concierto para el 13 de noviembre, en el Art C Media.
(@recitarg)“Con Sergio estuve dos años y medio tratando de rearmar nuestra relación y no lo logramos”, respondió Broide cuando Rolling Stone le preguntó por la ausencia de su excompañero de banda en este nuevo proyecto. “Sergio es irreemplazable. No es nuestra intención borrar el pasado si no todo lo contrario y se lo honra tocando nuestra música con toda la fuerza y toda la onda”.
Por su parte, Sergio Ch le aseguró a Rolling Stone no saber nada al respecto y hoy hizo un posteo en sus redes con una foto suya de espaldas y el tema “Traición en el arrocero”, del álbum Toba Trance (2004) de Natas. En noviembre de 2024, en charla con RS, Sergio Chotsourián había descartado, al menos por el momento, una reunión con sus excompañeros: “Con Walter (Broide) y Gonzalo (Villagra) hicimos una reunión hace unos años en el casamiento de nuestro sonidista y operador Patricio Claypole. Como regalo de casamiento tocamos diez temas y estuvo buenísimo, como si el tiempo no hubiera pasado. El tal vez está siempre presente, el me encantaría está, el podría ser también, pero solo por hoy no está en mi lista de prioridades y es algo que yo prefiero dejarlo como quedó, en su mejor momento, de mucha adrenalina, mucho amor, mucha destrucción y mucho peligro también. Todo ese coctel era hermoso, atrapante y a la vez me podría haber llevado a la tumba. Todos los días me acerco al altar de Los Natas, le paso el plumerito, le prendo una vela, un sahumerio, lo honro, le agradezco y por ahora me gusta tenerlo así”.
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El exguitarrista de Turnstile, Brady Ebert, se enfrenta ahora a cadena perpetua después de que los cargos por atropellar intencionadamente con su coche al padre del cantante de la banda, Brendan Yates, fueran elevados a intento de asesinato en primer grado.
Ebert fue acusado inicialmente de intento de asesinato en segundo grado y agresión en primer grado, ambos delitos graves, tras el incidente del 29 de marzo en el que, según la banda, Ebert “atropelló con su vehículo al padre de Brendan [William Yates, de 79 años], causándole graves lesiones físicas”.
Sin embargo, un gran jurado del condado de Montgomery acusó formalmente a Ebert el jueves, elevando el cargo de intento de asesinato en segundo grado a primer grado, que, de ser declarado culpable, conlleva cadena perpetua; el cargo de segundo grado tenía una pena máxima de 30 años. Según informa el Baltimore Banner, Ebert también enfrenta cargos de intento de asesinato en segundo grado, agresión en primer grado y dos cargos de agresión en segundo grado.
Ebert deberá comparecer nuevamente ante el tribunal el 8 de mayo. Anteriormente, ha mantenido su inocencia, declarando ante un juez de distrito: «Esto es pura legítima defensa».
“Turnstile rompió relaciones con Brady Ebert en 2022 en respuesta a un patrón constante de comportamiento perjudicial que lo afectaba a él, a la banda y a la comunidad”, declaró Turnstile en un comunicado. “Tras agotar todos los recursos disponibles para brindarle ayuda y facilitar su recuperación, finalmente fue necesario establecer un límite cuando la comunicación sana se volvió imposible y comenzó a amenazar con violencia”.
La banda continuó: “En los años transcurridos desde entonces, sus diatribas infundadas han continuado en público. Nunca las abordamos. Optamos por proteger su privacidad y las circunstancias que rodearon su partida, incluso cuando no hizo nada para merecer esa protección. En los últimos meses, sus amenazas no hicieron más que intensificarse… Ya no tenemos palabras para describir a Brady”.
Poco después del incidente, la banda abrió su presentación en Coachella con un video de William Yates.
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Shakira marcó un nuevo hito en su carrera y convocó a una audiencia de millones de personas en la playa de Copacabana, Río de Janeiro, tras ofrecer un concierto gratuito cargado de éxitos este sábado.
Se estima que 2 millones de personas asistieron al espectáculo en la célebre playa brasileña, donde la cantante colombiana ofreció un repertorio de casi 30 canciones que incluyó las participaciones especiales de Anitta, Maria Bethânia y Caetano Veloso.
“Llegué aquí cuando tenía 18 años, soñando con cantar para ustedes”, dijo Shakira al público poco después de subir al escenario. “Y ahora miren esto. La vida es mágica”.
El set incluyó grandes éxitos como “Hips Don´t Lie”, “She Wolf”, “La tortura”, “Waka Waka”, “Whenever, Wherever”, Choka, Choka”, y la “BZRP Music Sessions #53”.
Shakira es la tercera artista femenina consecutiva en realizar un concierto gratuito en la playa de Copacabana, siguiendo los pasos de Madonna en 2024 y Lady Gaga en 2025; esta última mantiene el récord con una asistencia de 2.5 millones de personas.
A pesar de ser un evento gratuito, el gobierno local estima que el concierto de Shakira generó aproximadamente 150 millones de dólares en ingresos por turismo para la ciudad de Río de Janeiro.
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“Descarada, despiadada e insistente”, son algunos de los adjetivos que suelen recibir las canciones de Princess Nokia. Y es que el álter ego de Destiny Nicole Frasqueri supo construir, desde su debut discográfico, 1992 Deluxe (2017), una carrera a punta de fuerza y autenticidad, de empoderamiento y resistencia. Mientras que su sonido nunca dejó de mutar, tras colgar sus primeras canciones a internet, convirtiéndola en la reina under de la música urbana. Haciendo honor, además, a sus raíces afro nuyorricanas, al cocinar un sofrito condimentado por el boom bap, el trap, el disco soul, el trip hop y el rap old school. De lo que puede dar fe su más reciente álbum, Girls, lanzado en octubre de 2025, y que iba a servir de excusa para preparar su primer desembarco en la capital argentina, pero que se suspendió días antes de su presentación (que iba a ser mañana), debido a problemas de salud. De todas formas, la semana pasada, antes del comunicado oficial publicado el sábado, Nokia habló con Rolling Stone y hasta se mostró enutiasmada con su debut en Buenos Aires.
“Estoy feliz y emocionada. Me refiero a que estoy realmente emocionada, más allá de las palabras y del puro verso que hay en este tipo de situaciones”, afirma esta neoyorquina de 33 años, al otro lado del zoom, desde la megalópolis estadounidense. “Actuar en Buenos Aires era una de mis grandes metas de este año, y es increíble que se haya podido dar. No me lo puedo creer todavía. Quiero conectar con la gente de allá, me gustaría conocer a toda la gente que me vendrá a ver”. Sobre la performance que ofrecerá, la artista, que fiel a sus raíces dispara en el mano a mano bocaditos de español con sabor a Caribe, adelanta: “Mi setlit repasará cada álbum que hice y cada una de mis épocas, porque el tour de Girls no sólo se enfoca en esas canciones. Será una especie de retrospectiva de mi discografía, ordenada de manera cronológica”.
Al momento de tocarlas en vivo, ¿cuál es la canción de Girls a la que ver convertida en un clásico?
Creo que todas las canciones de Girls son muy importantes. Si tuviera que describir al disco, te diría que es como capturar a la lluvia dentro de una botella. Cada vez que entré en el estudio a hacer alguna canción de ese repertorio, no duré más de dos horas. Es más: me llevó menos de una semana hacer todas las canciones del disco. Al terminar cada sesión, la sensación que me embargaba era la de que había hecho algo eléctrico y emocionante.
En comparación con tu álbum anterior, I Love You But This Is Goodbye, que explora más la música urbana, Girls pareciera estar intencionalmente inclinado hacia el sonido del rap de los años 90. ¿Ésa era la intención?
No era la intención, en Girls también le presto importancia a otros géneros. Es algo que me interesa hacer en cada una de mis producciones: abrir el abanico de estilos. Ése es el tipo de artista que soy. Hago todo tipo de música porque me gusta, y porque lo deseo así. Si mis colegas pueden, ¿por qué no lo puedo hacer yo también? Me siento muy capaz para todo. No considero a Girls un álbum enteramente de rap. Hay tres canciones para cada género. Todos cuentan una historia, e incluso a veces son historias diferentes.
A propósito de las historias, si hay un rasgo que atraviesa a tu obra ése es el de la mujer como eje de tus letras. En ese sentido, ¿qué te interesa explorar?
Sólo quiero que mi música se sienta como una forma de seguridad para las mujeres. El mundo puede ser muy inseguro para nosotras, ¿sabés? Incluso, tener conversaciones con hombres puede ser muy inseguro. Así que mis canciones son literalmente un espacio seguro para aquellas mujeres que no tienen el privilegio de ser tan libres o de ser tan empoderadas. Espero que las mujeres argentinas y de otras partes del mundo escuchen mi música y encuentren en ella inspiración para escapar de los entornos inseguros, de las personas inseguras y de los hogares inseguros. Y que eso les de perspectivas, a través de pensamientos inteligentes.
¿Cuánto influye para una artista de ascendencia latina como vos crecer rodeada del cosmopolitismo neoyorquino?
¡Dios mío! Crecer en la ciudad de Nueva York fue muy interesante. Cuando empecé a relacionarme con otras comunidades latinas, me encontraba ya en la secundaria. Eso se convirtió en un gran cambio de vida para mí, y lo digo en el mejor sentido posible. Conocí a muchas personas que me enseñaron un montón sobre la latinidad, una cultura que no logré curtir donde crecí. Si no hubiera sido así, quizá no la hubiera experimentado. Fui a una escuela latino-católica profunda, donde nuestra cultura tenía una gran presencia. La mayoría de mis compañeros y compañeras eran hijos de padres que había inmigrado a los Estados Unidos. Gracias a eso es que pude aprender a hablar español.
En canciones como “Lo siento”, “Brujas” o “Dragons” mechaste algunos versos en español. ¿Cuáles fueron tus referencias para animarte a hacerlo?
La razón por la que me animé fue que crecí escuchando a bandas de Colombia, México o Chile. Fue el mejor curso de música que he recibido, lo que me hizo tener un gran amor por la música latina. Por ejemplo, me encanta Café Tacvba, me encanta Maldita Vecindad, me encanta Molotov. No hubiera experimentado eso si mi familia y amigos mexicanos de la escuela latina no lo hubieran compartido conmigo. Empezaron a llevarme a los recitales de Julieta Vanegas, Bebé y Ximena Sriñana. Así fue como aprendí español: traduciendo esa música. Eso me llevó más tarde a descubrir a raperas que son influyentes en mi música como La Mala Rodríguez o Ariana Puello. Eso le dio mucho sentido a mi vida.
Tomando en cuenta que hoy existen tantas raperas y cantante de música urbana en la industria musical, ¿cómo logaste hacer tu propio camino?
Si te soy honesta, más que un obstáculo, eso lo siento como una brisa en el parque. Vivo en una burbuja completamente diferente, vivo en un planeta distinto al del resto de la industria y al del resto de mis compañeras. No lo sé. Siento que vivo en el planeta Nokia, y siempre estoy en el planeta Nokia. Nunca sé qué más está pasando, no le presto atención a nada más. Sólo atiendo a lo que está en frente de mí, y a este mundo muy extraño que he creado para mí misma. Creo que eso habla de mis valores, porque la mayoría de las mujeres no son afortunadas de poder tener esa libertad en un mundo tan complicado e intrínseco. Así que les pido, por favor, que confíen en sus propios mundos.
¿Alguna vez la multinacional de telecomunicaciones de la que tomaste prestado su nombre te hizo quilombo por usarlo?
No, no, en lo absoluto. Me aman.
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Tras semanas de especulación en torno a una supuesta tensión creativa, Taylor Swift ha decidido poner fin a los rumores sobre su relación con Jack Antonoff. La conversación surgió a raíz del proceso creativo de The Life Of A Showgirl (2025), su más reciente álbum, en el que la cantante optó por trabajar con otros productores, dejando fuera a uno de sus colaboradores más frecuentes.
La ausencia de Antonoff, figura clave en discos como 1989 y The Tortured Poets Department (2024), alimentó versiones sobre un posible distanciamiento. Sin embargo, Swift fue directa al abordar el tema en una entrevista reciente con The New York Times el pasado 28 de abril. ‘Jack Antonoff es un colaborador mío y uno de mis mejores amigos’, afirmó, descartando cualquier conflicto personal o profesional.
Más allá de desmentir la supuesta ruptura, Taylor Swift ofreció detalles sobre su dinámica creativa. Entre ellos, destacó un recurso que desarrolló junto a Jack Antonoff a lo largo de los años y que se ha convertido en una de sus firmas compositivas, al que llaman ‘rant bridge’.
‘Es básicamente una especie de flujo de conciencia, un desbordamiento continuo de emoción, pensamientos intrusivos mezclados con metáforas, conversación y hasta gritos. La idea es que ese momento concentre la intensidad máxima de lo que la canción intenta construir y funcione como un crescendo’, explicó la cantante.
Ese mismo día, el propio Antonoff también se pronunció durante su participación en The Howard Stern Show. Lejos de reforzar la narrativa de conflicto, el productor adoptó una postura abierta frente a la evolución artística de Swift. Señaló que no considera necesario repetir colaboradores de forma constante y describió su relación profesional como algo excepcional dentro de la industria.
‘No es normal trabajar con las mismas personas una y otra vez’, explicó. Desde su perspectiva como músico y compositor, entiende la necesidad de explorar nuevos procesos y sumar distintas voces creativas. ‘Solo siento gratitud por el trabajo que ya hicimos’, añadió, dejando claro que la colaboración pasada no pierde valor por los cambios presentes.
El contexto reciente de Swift también apunta a una etapa de control y expansión en su carrera. En paralelo, la cantante ha tomado medidas para proteger su obra e identidad en un entorno cada vez más influenciado por la inteligencia artificial, registrando elementos clave como su voz e imagen.
En ese sentido, el movimiento hacia nuevos productores no parece responder a una ruptura, sino a una lógica de evolución.
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Tito Double P regresa con su primer sencillo en solitario de 2026, ‘Pase y pase’.
La canción explora un deseo tóxico y contradictorio, nacido de una concepción errónea del amor. En ella, Tito se enfrenta a impulsos nocturnos y a sentimientos no resueltos que lo siguen empujando de vuelta hacia esa persona, incluso cuando sabe que no debería. ‘Pase y pase’ se sostiene en una vulnerabilidad cruda y en el estilo distintivo del cantante mexicano, donde la tensión, el arrepentimiento y un apego ansioso se niegan a desaparecer.
A lo largo del tema, Tito Double P nos lleva por una historia donde una conexión tóxica es imposible de romper, aún cuando las partes implicadas saben el daño que se hacen. La obsesión, dependencia emocional y euforia se van a otro nivel, pero no es más que la idealización que se hizo sobre la relación. No todo es color de rosa, al contrario, el placer fugaz construye un retrato de una pseudo relación marcada por un círculo vicioso y dañino.
El video oficial de ‘Pase y pase’ captura a la perfección el mensaje principal de la obra: una energía relajada pero intensa, convirtiendo el caos personal en música universal. En una speakeasy casi a oscuras, Tito Double P recita desde un sillón de cuero mientras sombras rojas dibujan a una mujer que parece un recuerdo constante. Se intercalan siluetas de bailarines y flashbacks de una relación intensa, marcada por deseo, conflicto e infidelidad. Al final, dos guardias lo expulsan del lugar, simbolizando el colapso de un ciclo del que no logra salir.
La presentación de ‘Pase y pase’ es el inicio de una nueva era para Tito. Se trata de una declaración de intenciones que comienza a despejar su visión artística para seguir pavimentando su camino en la escena mexicana contemporánea. “Siento que esta etapa empieza a construir una narrativa de crecimiento constante, de movimiento y de confianza en el proceso. ‘Pase y pase’ es como el primer paso de algo más grande, pero no es algo aislado. Todo lo que estoy trabajando ahora tiene conexión entre sí, aunque cada pieza tenga su propia identidad. Lo que sigue va a ir revelando poco a poco hacia dónde va todo esto”, revela a ROLLING STONE en Español.
La evolución del cantante mexicano es innegable. Su destreza lírica, su presencia escénica y la solidez de su proyecto apuntan con firmeza hacia una cima artística definida y ambiciosa. A pesar de la proyección que ya posee, Tito continúa ampliando su alcance y consolidando un lugar cada vez más destacado dentro de la industria musical. “Ha cambiado bastante mi forma de trabajar. Hoy soy más detallista con la escritura y la producción, y me tomo más tiempo en elegir los sonidos y la dirección de cada tema. Sigo confiando en la intuición, pero ahora con una visión más clara de hacia dónde quiero llevar mi música. Y lo que viene trae una energía distinta… vienen cosas interesantes”, asegura.
En noviembre del 2025, Tito Double P fue portada de ROLLING STONE en Español para la edición de Musicians on Musicians junto a Santa Fe Klan, experiencia que asegura dejó un impacto creativo muy alto para su trayectoria. “Después de Musicians on Musicians sentí que se abrió una etapa muy clara para mí creativamente. Estoy en un momento donde todo es más intencional, más honesto con lo que quiero decir y cómo lo quiero decir. Con ‘Pase y pase’ quería dejar claro que sigo evolucionando, pero sin perder mi esencia”, revela.
Por ahora, con la alta exposición que vive Tito Double P, la presión se ha convertido en un pilar cotidiano en su vida, que le ha permitido tener los pies sobre la tierra. “La presión siempre está ahí, pero trato de no dejar que me cambie la brújula. Aprendí a separar lo que la gente espera de mí de lo que realmente quiero expresar. Al final, si uno intenta complacer todo, pierde lo más importante: la verdad del proyecto. Yo prefiero ser fiel a lo que estoy viviendo y dejar que la música hable por sí sola”, dice.
Por ahora, ya puedes escuchar ‘Pase y pase’ en todas las plataformas de streaming musical.
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