Apenas cuatro horas después de que los Rolling Stones anunciaran su nuevo LP, Foreign Tongues, y presentaran el primer sencillo, “In the Stars”, Conan O’Brien subió al escenario del Weylin en Williamsburg, Brooklyn, y se dirigió a un público abarrotado que incluía a Leonardo DiCaprio, Christie Brinkley, Andrew Watt, Odessa A’zion y prácticamente a todos los periodistas musicales de la ciudad de Nueva York.
“Déjenme ponerlos en contexto”, dijo. “En 1962, un grupo de jóvenes se juntó en Londres. Tocaban en pequeños clubes, pero soñaban con algo más grande. Luego tocaron en clubes un poco más grandes, con la esperanza de alcanzar la fama algún día. Lamentablemente, ese día nunca llegó. Nunca lo lograron del todo. Creo que este álbum va a cambiar las cosas. Creo que este álbum es el definitivo. Después de años de esfuerzo y anonimato, abriendo conciertos para bandas como Oingo Boingo, Bananarama y Frankie Goes to Hollywood, este es su momento”.
Momentos después, Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood salieron para una sesión de preguntas y respuestas con O’Brien, llena de risas, pocas revelaciones importantes y fallos de audio constantes. Pero cualquier evento con los Stones sigue siendo una ocasión monumental. Aquí hay ocho cosas que aprendimos.
Su nuevo video de “In the Stars” presenta a Odessa A’zion y a un Mick Jagger rejuvenecido
Al final del evento, cuando muchos periodistas e invitados ya se habían marchado, proyectaron el video del nuevo sencillo de los Stones, “In The Stars”. En él se ve a un Jagger rejuvenecido radicalmente, con un aspecto similar al de los años 60, cantando la canción en un club con otros músicos, ninguno de los cuales parecía ser de los Rolling Stones. La actriz A’zion, conocida por su papel en I Love LA/Marty Supreme, aparece junto a él en el video y presenció el estreno con entusiasmo, sentada junto a Andrew Watt cerca del escenario.
Charlie Watts participa en el álbum
En los últimos años de su vida, Charlie Watts grabó varias canciones nuevas con los Stones que quedaron inéditas. Dos de ellas, «Mess It Up» y «Live by the Sword», aparecieron en Hackney Diamonds. Y una tercera, titulada «Hit Me in the Head», se recuperó para Foreign Tongues. «La grabamos en Los Ángeles con Charlie», dijo Jagger. «Es un temazo de punk rock muy rápido. Es una canción rapidísima». Steve Jordan toca en el resto de las canciones. «Charlie lo recomendó», dijo Richards. «Charlie le pasó el testigo».
Cuatro de las 14 canciones son anteriores a las sesiones, incluyendo una con Paul McCartney
«Hit Me in the Head» no es la única canción anterior a las sesiones de Foreign Tongues. El álbum incluye otras tres de hace poco tiempo, incluyendo una con Paul McCartney. “Sería muy gracioso si le hicieras una audición”, bromeó O’Brien. “Creo que sería divertidísimo”. Richards dijo que casualmente estaba trabajando en el estudio de al lado mientras grababan el último disco. “Quería venir a tocar con la banda”, dijo Richards. “Quería cumplir ese sueño”.
Curiosamente, Robert Smith también participa en el álbum
Muchos fans de los Stones se quedaron atónitos cuando el comunicado de prensa de Foreign Tongues reveló que Robert Smith, de The Cure, tocaba en el disco a pesar de no tener ninguna relación previa con la banda. En la rueda de prensa, Jagger explicó cómo sucedió: «Un día llegué a Londres para grabar mi voz y allí estaba este tipo, de espaldas a mí, con una bata larga», contó Jagger. «Cuando se dio la vuelta, la bata estaba llena de pintalabios. Le dije: “Nunca te había visto, pero eres Robert Smith, de The Cure”. Me respondió: “¡Sí!”. Le dije: “Ya que estás aquí, mejor hacemos algo”. Y cantó los coros». O’Brien bromeó diciendo que quizás no era Smith. «Después descubrimos que estaba allí para arreglar el aire acondicionado», añadió.
El álbum se grabó en Londres en tan solo cuatro semanas
Al igual que con Hackney Diamonds de 2023, los Stones y Andrew Watt grabaron el álbum en solo un mes. «Solíamos pasar meses y meses en el estudio sin salir nunca», dijo Jagger, «que es otra forma de hacerlo». Grabaron la mayor parte de Hackney Diamonds en Estados Unidos, pero este se grabó en Londres. Le dijeron a O’Brien que querían capturar «el ambiente londinense». «Lo llamamos el Chiswick frondoso», dijo Jagger, refiriéndose a un elegante barrio del oeste de Londres. «No estábamos en pleno centro del East End ni nada parecido».
El estudio era muy pequeño
“Ya habíamos trabajado en este estudio antes”, dijo Jagger, refiriéndose a los estudios Metropolis. “Antes era una antigua central eléctrica. Pero nunca habíamos grabado en esta sala. Es bastante pequeña. Tenía el tamaño justo, pero no era enorme. No hacía falta desviar la mirada para ver a todos. Se veía perfectamente lo que hacía cada uno. Se veía lo que pensaban. Esa sala nos vino de maravilla. El sonido era realmente bueno”.
Keith Richards no es un maestro del micrófono
Durante todo el evento de prensa, solo se pudo entender aproximadamente el 65% de lo que decía Richards. Esto se debía en parte a su acento, su risa constante y el terrible eco de un antiguo edificio bancario, que ahora alberga grandes eventos, pero sobre todo a que alejaba el micrófono de su boca mientras hablaba. En un momento dado, O’Brien se frustró tanto que le puso su propio micrófono delante de la boca a Richards. “La próxima vez te conseguiremos un micrófono mejor”, dijo O’Brien, “o podemos pegártelo a la cara con pegamento”.
Ni rastro de una gira
Desde Steel Wheels en 1989, un nuevo álbum de los Stones significaba una gran gira mundial por estadios. Pero cancelaron una gira europea prevista para 2025 y otra inicialmente programada para este verano. Han pasado casi dos años desde su último concierto, y no hay indicios de que vayan a hacerlo pronto. El tema de los conciertos no surgió durante el programa de O’Brien. Jagger, Richards y Ronnie Wood estarán en el programa de Fallon en noches diferentes esta semana para promocionar el álbum. No parece que vayan a tocar ni una sola canción en directo durante esta gira promocional.
Es posible que sus días de conciertos hayan quedado atrás y que ahora sean una banda de estudio. También es posible que tengan una serie de fechas próximamente que aún no han anunciado. Oye, Fallon, si estás leyendo esto, pregúntales al menos a uno de ellos sobre una gira. Muchos fans están deseando saber si la mejor banda en directo de la historia se ha retirado discretamente de los escenarios.
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El misterio empieza a tomar forma: Primavera Sound Buenos Aires confirmó cuándo dará a conocer su esperada grilla 2026. Lo hizo, fiel a su ADN, con un guiño en redes sociales.
“Anunciar el anuncio del lineup es muy Primavera. Guarda la fecha. Anuncio line up: 11/05”. Con esa leyenda, el festival encendió la expectativa. Así, el próximo lunes 11 de mayo se conocerán los nombres que encabezarán la nueva edición, que ya tiene fechas confirmadas: 28 y 29 de noviembre.
Aunque su historia local es reciente, Primavera Sound Buenos Aires ya dejó dos ediciones. La primera, en 2022, fue ambiciosa y expansiva: no solo incluyó el fin de semana principal, sino también shows en distintos puntos de la ciudad. Entre sus headliners estuvieron nombres como Arctic Monkeys, Björk, Lorde, Travis Scott, Jack White y Pixies.
Un año más tarde, en 2023, el evento regresó en formato más concentrado, con The Cure, Blur, Beck y Pet Shop Boys como artistas principales.
Aún sin nombres oficiales, las especulaciones ya empezaron a circular, alimentadas tanto por giras internacionales como por patrones históricos del propio festival. En redes sociales se habla de The Cure, The Strokes, Gorillaz, My Bloody Valentine, Massive Attack, The xx, Lorde, Lana del Rey y más. La verdad llegará el próximo lunes.
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Si hay algo para lo que las personas no estamos preparadas, es para la fama. Hoy, la distancia entre el anonimato y la exposición masiva puede medirse en horas. Basta con subir un video antes de dormir para que, al despertar, la vida haya cambiado por completo.
Pensemos, por ejemplo, en el caso de Macario Martínez. Días antes de que ‘Sueña lindo corazón’ comenzara a circular masivamente, Macario trabajaba en el sistema de limpieza de Ciudad de México. Poco después, su canción acumulaba cientos de miles de reproducciones y comenzaba a escucharse en distintos puntos de la capital. En cuestión de semanas, el video detonó su visibilidad superando el millón de vistas, mientras que sus oyentes mensuales en plataformas de streaming pasaron de unos pocos miles a rondar los dos millones.
Y con razón. Ahí se ubica el punto ciego del éxito abrupto: la ausencia de transición. No hay un proceso gradual de adaptación ni una curva que permita asimilar el cambio; el reconocimiento llega antes de que exista el tiempo para comprenderlo. De un momento a otro, la mirada pública se concentra sobre el artista y su proyecto, sin mediaciones ni pausas. La exposición es, en la mayoría de los casos, inmediata y total.
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En la industria musical es habitual escuchar historias de artistas que, aparentemente, se convierten en “estrellas de la noche a la mañana”: casos asociados a la llamada “fama instantánea” o, en su formulación anglosajona, al fenómeno del “overnight success”.
La narrativa resulta especialmente atractiva por su contundencia: tienes talento, te esfuerzas, te visualizas y, finalmente, llega tu fama. Sin embargo, la realidad suele ser menos lineal y, muchas veces, menos viral. Alcanzar ese nivel de visibilidad puede tomar años —incluso décadas— y, para la mayoría de los proyectos, simplemente no ocurre. En ese contexto, surge una pregunta inevitable: ¿por qué asistimos hoy a una proliferación de casos asociados al llamado “overnight success”?
El nuevo modelo de la industria fabrica estrellas
Durante décadas, la industria musical operó bajo una lógica progresiva: tocar en bares, firmar con una disquera, sonar en radio y, con el tiempo, construir una carrera. Hoy, ese modelo se ha transformado. Con la irrupción de plataformas sociales como TikTok, la música no solo se distribuye, sino que también se somete a dinámicas algorítmicas que incorporan la viralidad como un factor decisivo, capaz de impulsar —o no— canciones, artistas y estéticas en cuestión de horas. Es decir, aunque estas plataformas no sustituyen al streaming, sí lo potencian y, en muchos casos, orientan su consumo.
Estudios recientes indican que estas plataformas se han consolidado como motores centrales en la reconfiguración del descubrimiento musical al amplificar contenidos e incidir de forma directa en la demanda y el consumo de canciones dentro de servicios de streaming como Spotify, al mismo tiempo que reducen el peso que históricamente tuvieron la radio, la crítica especializada e incluso los propios sistemas de recomendación de estas plataformas.
En este contexto, el desarrollo de una audiencia deja de ser necesariamente gradual y pasa a depender de una lógica distinta, donde el algoritmo puede amplificar o ignorar un contenido en cuestión de horas.
Capitalizar la viralidad
El ecosistema digital ha dado lugar a distintas formas de éxito acelerado. Ahí está el caso de Macario, pero también el de Latin Mafia, un trío que comenzó compartiendo contenido en redes y hoy acumula millones de reproducciones y presencia en escenarios internacionales como Coachella. En paralelo, artistas como Leo Rizzi han construido una identidad estética y emocional desde internet, donde la exposición impulsa, pero también demanda consistencia y profundidad.
Detrás de estos procesos hay años de trabajo, formación y búsqueda artística que suelen quedar fuera del relato inmediato. Al mismo tiempo, resulta innegable que ese desarrollo encuentra un punto de inflexión en la lógica digital que amplifica su alcance, aunque también introduce nuevas exigencias que forman parte de la misma dinámica.
El éxito repentino suele traer consigo una carga emocional inmediata, una exposición pública para la que no siempre existe preparación y una presión constante por sostener ese impulso inicial. En ese escenario, el segundo sencillo deja de ser una continuación natural y adquiere un peso determinante dentro de la trayectoria.
Cuando esa tensión desbalancea el proceso, emerge una figura conocida, aunque no siempre bien comprendida: la del ‘one hit wonder’. A lo largo de las décadas, muchos artistas han logrado instalarse en la conversación pública a partir de una sola canción, mientras el resto de su obra queda opacada por ese momento. Sin embargo, detrás de esa categoría hay trayectorias más complejas: proyectos sólidos que buscan sostenerse y evolucionar incluso cuando la atención mediática comienza a disiparse.
Ejemplos sobran y atraviesan generaciones. Desde Blue (Da Ba Dee) de Eiffel 65 hasta Somebody That I Used to Know de Gotye, canciones que dominaron su momento y definieron (al menos públicamente) la percepción de quienes las crearon. A partir de 2020, con la consolidación de plataformas como TikTok durante los confinamientos por COVID-19, esa dinámica encontró un nuevo punto de inflexión.
En este nuevo ecosistema, la viralidad conlleva así también una nueva exposición emocional masiva en la que la ansiedad, la presión y la sensación de pérdida de control forman parte del propio proceso. La producción constante de contenido puede abrir oportunidades, aunque también implica un desgaste sostenido.
También está en juego la identidad. El artista que alcanza visibilidad a partir de la viralidad puede quedar absorbido por la narrativa que lo posicionó, hasta el punto de confundirse con ella. Casos recientes como Chappell Roan o Lola Young lo evidencian. A pesar de años de desarrollo previo, el punto de viralidad reconfiguró de golpe su exposición y las posicionó en una narrativa muy definida. Tomar distancia, ya sea de redes o de los escenarios, respondió a la necesidad de recuperar control sobre su propio relato y volver a separar identidad personal de proyección pública.
En ese contexto, distinguir entre la persona y su proyección pública deja de ser un matiz y se vuelve una tarea urgente. No solo para preservar la salud mental y la autonomía del artista, sino también para evitar que la industria y la audiencia reduzcan trayectorias complejas a un momento viral.
A partir de ahí aparece otra dimensión clave: la del acompañamiento profesional. Management, asesoría legal y apoyo psicológico forman parte de una estructura que permite sostener el proceso. Sin ese respaldo, un crecimiento acelerado puede resultar tan inestable como inesperado.
La industria musical siempre ha sido exigente, pero pocas veces había operado con esta velocidad. Hoy, una canción puede transformar una trayectoria en cuestión de horas. Lo que permanece, e incluso se intensifica, es la dificultad de sostener esa transformación.
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Hay que ser sinceros: todos sabíamos que Sabrina Carpenter y Madonna iban a tener una canción juntas. Ya la habían presentado durante el espectáculo de Carpenter en Coachella, donde tuvo a la reina del pop —que además celebraba 20 años de carrera— como artista invitada. La única pregunta que quedaba para los fans y el público general era cuándo vería la luz de forma oficial esta esperada colaboración. El tema, que lleva por nombre ‘Bring Your Love’, llegó el 30 de abril, marcando así uno de los juntes más poderosos del pop contemporáneo y el primer vistazo del próximo álbum de Madonna.
En medio de sonidos disco y dance que evocan directamente al ambiente de los clubs de fiestas a principios de los 2000, Madonna abre diciendo “Ask yourself this / What are you doing it for? / Is it for you? Is it for them? / I got something I wanna talk about” (Pregúntate esto / ¿Para qué lo estás haciendo? / ¿Es para ti? ¿Es para ellos? / Tengo algo de lo que quiero hablar), mientras la pista, que comenzó contenida, va creciendo poco a poco hasta que explota con el primer verso, donde la artista suelta “Don’t comment on my ideas / I don’t want your judgment or your expectations” (No opines sobre mis ideas / No quiero tu juicio ni tus expectativas), mientras Sabrina contesta “Don’t wind me up like a toy / Your vision of me is a killer of joy” (No juegues conmigo como si fuera un juguete / Tu visión de mí mata la alegría).
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El single —que funciona también como el primer adelanto del próximo álbum de Madonna, Confessions II, que a su vez es la continuación directa de Confessions on a Dance Floor, su icónico proyecto de 2005— se plantea como una declaración sobre la autenticidad y el amor incondicional. En su letra, la repetición del estribillo funciona como un llamado a traer un amor genuino y sin reservas mientras se desarrolla una tensión constante entre la identidad propia y las expectativas externas.
En ese diálogo, que también involucra a Carpenter, la canción defiende la idea de mantenerse fiel a uno mismo frente al juicio ajeno, reafirmando la independencia artística y emocional que ha marcado la trayectoria de Madonna. Al mismo tiempo, el tema sugiere que ese posicionamiento no es individual sino compartido, construyendo una especie de complicidad entre ambas artistas, donde el amor —entendido como motor, refugio y decisión— se presenta como una fuerza resistente, capaz de sostener incluso las decisiones más difíciles.
Volviendo con Confessions II, su lanzamiento está previsto para el 3 de julio de 2026, y además de la participación de Sabrina, ya circulan rumores sobre posibles colaboraciones con otras titanes del pop como Dua Lipa y Kylie Minogue, lo que refuerza la idea de un proyecto pensado para dominar nuevamente las pistas de baile. El trabajo también marca su primer LP en siete años y su reencuentro con Stuart Price, responsable del sonido de Confessions on a Dance Floor, un guiño directo a una de las etapas más celebradas de su carrera y una señal de que Madonna vuelve a ese territorio con plena intención de reclamar su lugar en el pop contemporáneo.
Lejos de ser un simple ejercicio de nostalgia o un cruce generacional oportuno, ‘Bring Your Love’ funciona como una declaración de intenciones. Madonna no solo revisita uno de los momentos más celebrados de su carrera, sino que lo actualiza al dialogar con una nueva generación representada por Sabrina Carpenter, construyendo un puente entre pasado y presente del pop. En ese encuentro, la canción deja claro que su capacidad de reinvención sigue intacta y que, incluso en un panorama musical cada vez más saturado, Madonna continúa encontrando formas de marcar la conversación y reclamar su lugar en el centro de la cultura pop.
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Casi ningún aspecto de la vida moderna escapa ya a la inteligencia artificial. Desde la elaboración de reportes o resúmenes sobre grandes volúmenes de información hasta su uso como terapeuta o asistente emocional, estas tecnologías se han integrado con rapidez en la vida cotidiana y laboral de millones de personas, y el campo del arte no es la excepción, especialmente el de la música.
En ese contexto, la plataforma francesa Deezer reveló recientemente que cerca del 44% de las canciones que se suben diariamente a su catálogo son generadas por IA, una cifra que confirma un cambio estructural en la forma en que hoy se produce música. El dato no solo da cuenta de un crecimiento acelerado de estas tecnologías, sino que abre una discusión más profunda sobre el sentido mismo de la creación musical en un entorno donde producir canciones puede ser un proceso automatizado, rápido y prácticamente ilimitado.
El volumen es tan alto como revelador. Deezer recibe decenas de miles de canciones generadas por inteligencia artificial cada día, una avalancha que en términos cuantitativos ya compite directamente con la producción humana. Sin embargo, ese crecimiento no se traduce en escucha real: a pesar de representar casi la mitad de las nuevas subidas, este tipo de contenido apenas concentra entre el 1% y el 3% de las reproducciones dentro de la plataforma. La paradoja es evidente: nunca se ha producido tanta música, pero una porción considerable de ella prácticamente no tiene oyentes. Más que una expansión del ecosistema musical, lo que parece emerger es una sobreproducción sin demanda equivalente.
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A esto se suma un elemento que complejiza aún más el panorama: la dificultad para distinguir entre lo humano y lo artificial. Según datos compartidos por la propia compañía, el 97 % de los oyentes no logra identificar si una canción fue creada por una persona o por un sistema de inteligencia artificial en pruebas a ciegas. Este desdibujamiento de fronteras no solo habla del avance tecnológico, sino también de un cambio en la percepción cultural de la música, donde la autoría pierde centralidad frente al resultado final.
No obstante, el principal problema que ha identificado la plataforma no es estrictamente estético ni cultural, sino económico. Deezer ha detectado que una parte significativa de las reproducciones de música generada por IA proviene de actividad fraudulenta, es decir, de bots diseñados para inflar artificialmente los números de escucha. En este esquema, la música deja de ser un producto pensado para ser escuchado y pasa a convertirse en una herramienta para explotar los sistemas de monetización del streaming. Lo que está en juego no es solo la autenticidad, sino la sostenibilidad misma del modelo económico sobre el que se sostiene la industria.
Frente a este escenario, la compañía ha optado por una de las respuestas más contundentes dentro del sector. Ha desarrollado herramientas propias capaces de detectar contenido generado por IA y patrones de consumo sospechosos, y ha comenzado a aplicar medidas que limitan de manera directa la circulación de estas canciones. Entre ellas, la exclusión de este tipo de contenido de playlists algorítmicas y editoriales, así como la desmonetización de reproducciones consideradas fraudulentas. Con ello, Deezer busca no solo proteger a los artistas humanos, sino también preservar la integridad de su sistema de recomendación y de reparto de ingresos.
De esa manera, el caso refleja una tensión más amplia dentro de la industria musical contemporánea. Por un lado, la inteligencia artificial promete democratizar la creación y reducir las barreras de entrada, permitiendo que más personas —o sistemas— produzcan música. Por otro, facilita una producción masiva desvinculada de contextos culturales, tradiciones o intenciones expresivas, en la que las canciones pueden generarse en serie sin un público real al que interpelar. En ese sentido, más que una simple innovación tecnológica, la irrupción de la IA plantea una transformación profunda en la lógica de la música como práctica cultural.
Así, lo que está en juego no es únicamente la cantidad de canciones disponibles en una plataforma, sino la definición misma de qué significa hacer música en la era digital. Si casi la mitad del nuevo catálogo puede generarse sin intervención humana, la discusión deja de ser técnica y se vuelve inevitablemente cultural: si la música seguirá siendo una forma de expresión vinculada a experiencias humanas o si, por el contrario, tenderá a convertirse en un flujo inagotable de contenido diseñado, ante todo, para alimentar algoritmos.
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The Rolling Stones están dando pistas de su nuevo álbum, Foreign Tongues, con un nuevo sencillo titulado “In the Stars”. Esa canción, junto con la blusera “Rough and Twisted” —la cual promocionaron con una campaña de bajo perfil bajo el pseudónimo de The Cockroaches— encabezan las 14 pistas del LP. El álbum, previsto para el 10 de julio, es el sucesor de Hackney Diamonds (2023), que fue un éxito número tres en Estados Unidos y le valió a la banda un Grammy.
El nuevo single, “In the Stars”, se presenta inicialmente como una canción de pop-rock al estilo de los Stones de principios de los ochenta. Sin embargo, hay una melodía única en el estribillo cuando Jagger canta: “It’s in the stars, it’s our destiny”, mientras los coros hacen “oooh” a su alrededor con un toque de piano que muestra una nueva faceta de la banda, antes de volver a un riff de Keith Richards instantáneamente reconocible. “Do you wanna dance ’til the roof caves in?” canta Jagger. “Yeah, and the guitars cream and the choir still sings”.
Por su parte, “Rough and Twisted” es un rock blusero de esos que te hacen marcar el ritmo con el pie, cargado de slide guitar, piano boogie-woogie y saxofón, evocando las grabaciones de la banda de principios de los setenta. “Why don’t you drive me down that rough and twisted road?”, brama Jagger al comienzo, mientras la banda se asienta en su característico contoneo . También toca la armónica con su inconfundible e intenso lamento.
La banda grabó el álbum en los Metropolis Studios del oeste de Londres. El productor Andrew Watt, quien estuvo al mando de Hackney Diamonds, también dirigió Foreign Tongues. Además de Jagger, Richards y el guitarrista Ron Wood, el álbum cuenta con el regreso del bajista Darryl Jones (quien no estuvo disponible para Diamonds), el tecladista Matt Clifford y el baterista Steve Jordan. El disco también incluye una aparición del fallecido baterista de los Stones, Charlie Watts, grabada durante una de sus últimas sesiones antes de morir en 2021. Los artistas invitados incluyen a Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith de The Cure y Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers.
“Me encanta hacer estas sesiones de grabación en Londres, en Metropolis”, expresó Jagger en un comunicado. “Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 pistas estupendas y fuimos lo más rápido que pudimos. Me gusta esa sala porque no es demasiado grande, así que puedes sentir la pasión de todos en el lugar”.
“El álbum Foreign Tongues tiene una continuidad respecto a Hackney Diamonds, y fue genial volver a trabajar en Londres y tener ese ambiente londinense a nuestro alrededor”, añadió Richards. “Fue un mes de fuerza concentrada. Para mí, se trata del disfrute. Soy bendecido por poder hacer esto y que dure mucho tiempo”.
“La atmósfera en la sala era muy creativa y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso”, dijo Wood. “Muy a menudo lo logramos en la primera toma. Espero que a todos les encante”.
El arte del álbum presenta ilustraciones de fragmentos de los rostros de Richards, Wood y Jagger apilados uno sobre otro, creados por Nathaniel Mary Quinn. El álbum estará disponible en CD, CD de lujo, casete y múltiples ediciones en vinilo, además de formato digital. El sencillo “In the Stars” también se lanzará en CD y vinilo.
Previamente, la banda lanzó “Rough and Twisted” como un promocional de 12 pulgadas bajo el nombre de The Cockroaches, un pseudónimo que utilizaron anteriormente al actuar en 1977, en la época en que grabaron Love You Live y el recientemente editado El Mocambo 1977.
Actualmente, los Stones no tienen fechas de gira programadas, pero Jagger, Richards y Wood tienen previsto hacer una aparición en Brooklyn este martes para el lanzamiento de Foreign Tongues.
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Por primera vez en su trayectoria, Mike Miller dirige su enfoque creativo a un artista global latino, Carín León.
Mike Miller es un fotógrafo reconocido por su trabajo en la estética urbana, el hip hop y la cultura pop de los años 90 y 2000. A través de su lente, ha capturado retratos crudos, auténticos y definitorios de artistas como Eminem, Tupac Shakur, Snoop Dogg, Dr. Dre, Ice Cube, entre otros. Su obra refleja la esencia del street style y ha dado lugar a imágenes icónicas que perduran en la historia de la cultura urbana, trascendiendo generaciones y contextos.
Como un guiño de evolución y ambición, Miller se encamina a un nuevo género digno de retratar: el regional mexicano. Para contar una nueva historia, el fotógrafo se une al músico, cantante y multiinstrumentista Carín León, una de las voces más destacadas de la música mexicana contemporánea. Esta alianza no solo presenta una colaboración visual, sino también un punto de inflexión en la narrativa del género que presenta uno de los auges más emblemáticos en la historia de la música.
“El simple hecho de tener la oportunidad de trabajar con un artista como Carín es una bendición. Carín y yo hicimos click desde un inicio, es todo un profesional. Agradezco mucho la confianza que me dio con mis propuestas. Espero tener más oportunidades de trabajar con Carín y su equipo”, compartió Mike Miller en exclusiva a ROLLING STONE en Español.
La nueva era visual de Carín León se presenta como la unión de dos mundos que inusualmente se unen, pero cuando lo hacen, se crean universos creativos originales, voraces y únicos. Mike Miller no solo tomó fotografías de la nueva etapa artística de Carín, sino que nos hace testigos de la evolución a la que hace que el cantante mexicano se someta a través de un cambio necesario y meticulosamente pensado.
Las imágenes, capturadas en Hermosillo, Sonora, nos muestran una identidad más fuerte, elevada y con una proyección internacional que se alinean a la perfección con la visión que aporta Carín León al regional mexicano: poder. Estas fueron capturadas en tres rodajes diferentes: ‘La buena’, ‘Ruca’ y ‘En la misma cama’.
“Fue una experiencia increíble trabajar con un talento tan grande como la leyenda del lente Mike Miller. Su visión y sensibilidad se reflejan en cada uno de sus trabajos, y su habilidad para capturar no solo cada momento, sino también la esencia de la cultura y los paisajes de Hermosillo, le da un toque especial a MUDA”, dijo Carín.
El cantante también aseguró que el trabajo de Miller logró plasmar, a través de imágenes, la calidez y autenticidad de la gente de su lugar de origen, así como la belleza singular de los paisajes que los rodean, lo que lo hace aún más especial. La conexión que surgió con este proyecto fue innata y natural: “Me siento verdaderamente agradecido de haber estado frente a su cámara; cada instante se convirtió en algo único y mágico. Sin duda, su estilo y profesionalismo dejaron una huella profunda en esta colaboración”.
Mira aquí algunas de las fotografías de Carín León por Mike Miller:
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Gilby Clarke toca un montón pero graba poco. “Tengo cuatro temas nuevos, pero la verdad que es difícil sacar un disco ahora”, dice, y su currículum le da la razón: lo último que publicó fue The Gospel Truth en 2021, y antes de eso Swag en… ¡2001! A años luz quedó Pawnshop Guitars (1994), el debut con alta rotación en MTV y un par de hits (el cover de “Dead Flowers”, la original “Cure Me… Or Kill Me…”) en el que demostró que, para él, había vida por fuera de Guns N’ Roses. O sea: técnicamente todavía le faltaba un año para recibir el telegrama de Axl, pero la banda a la que llegó en 1991 para reemplazar a Izzy Stradlin estaba stand by por decisión de su errático líder, y Gilby aprovechó el tiempo grabando como solista y participando de Slash’s Snakepit, el primer proyecto de su compañero por fuera de los Guns.
Desde ese momento, dijimos, grabó con moderación pero tocó acá, allá y en todas partes: con Slash, con Lemmy, con Heart, con MC5, cubriendo una emergencia para Alice Cooper hace poco, con una banda de reality que se llamó Rock Star Supernova y no duró nada. En ese interín, vino a la Argentina tantas veces que -dice- ya no las puede contar, y este año no será excepción: el 22 de este mes toca en Rosario, el 23 en Mar del Plata y las dos noches siguientes en el Roxy Live porteño. Recuerdos, consejos, impresiones y esa canción que -con toda su experiencia- todavía no logra domar.
Visitaste Argentina muchas veces, pero la primera fue especial, por el momento que atravesaba Guns N’ Roses y todo lo que rodeó esa visita. ¡Hasta el presidente les dijo “forajidos”!. ¿Cómo viviste ese viaje?
Mirá, hay muchas cosas que no recuerdo de hace 30 años, pero nunca voy a olvidar eso. Además de ser mi primera vez en Argentina, también fue la primera vez de los chicos. Y ellos habían hecho muchas cosas antes que yo no había hecho. Pero fue algo que… no sé, no creo que mucha gente tenga la oportunidad de experimentar algo así. Había mucho amor en el aire. Había mucha pasión en el aire. Como dije, nunca lo voy a olvidar. También la primera vez que fui con mi banda solista, cuando abrimos para Aerosmith [Vélez, 1994]. Eso fue genial. Cientos de chicos afuera del hotel. Sabían las letras de las canciones. Espero no ser ese tipo de persona que se olvida de algo así. Fue una experiencia realmente única.
¿Cómo es interactuar en el estudio o en el escenario con un guitarrista que hace todo bien como Slash? ¿Fue difícil encontrar tu lugar cuando entraste a la banda o fue al revés? ¿Cómo construyeron esa química musical que tienen?
Bueno, hay que dar el crédito a quien corresponde. Fui elegido porque Izzy y yo venimos un poco del mismo lugar. Tenemos las mismas influencias. No somos iguales, pero tenemos muchas similitudes. Así que fui elegido para cumplir un rol. Y ese rol, por suerte, creció. Slash fue muy firme en decir: “Mirá, hay partes importantes de las canciones que tenés que tocar, pero quiero que lo hagas tuyo. Quiero que lo toques como lo tocarías vos”. Y fue realmente importante que lo dijera. Muestra el tipo de músico que es y la confianza que deposita en los nuevos como yo y Matt [Sorum, reemplazante de Steven Adler]. Nos dejó ser nosotros mismos, no estábamos en una jaula teniendo que tocar como Izzy, vernos como Izzy. Él no era así. Era: “Hacelo tuyo”. Así empezó, pero se transformó en una buena relación musical. Tocábamos bien juntos. Los dos somos similares en el sentido de que somos guitarristas de rock and roll, pero él hace cosas que yo no puedo hacer y yo hago cosas que él no puede hacer. Por eso funciona tan bien como dupla de guitarras.
Está claro que Guns N’ Roses fue una etapa increíble en tu carrera, pero el final no estuvo bueno. ¿La despedida empaña de alguna manera tus recuerdos de esa época?
Lo bueno del paso del tiempo es que me olvido de lo malo. Pero mirá: cuando entré a la banda, cuando me llamaron, yo sabía a lo que me estaba metiendo. Sabía que podía durar una semana, seis semanas, un mes, un año. Sabía que era una relación volátil. Y no solo conmigo, con todos. No sabíamos qué iba a pasar. Yo lo sabía y estaba bien con eso. Y, para ser honesto, me fui antes de que se pusiera feo de verdad. Nunca fue realmente feo para mí. La gente cree que lo fue, pero no. Todos nos teníamos respeto. Simplemente Axl quería llevar la banda en otra dirección, y yo, Slash, Duff, no éramos parte de eso.
Muchos de los crecidos en los 90 descubrimos “Dead Flowers” gracias a vos, para después enterarnos de que era una canción de los Rolling Stones. ¿Qué representa ese tema para vos?
Como músico, cada vez que estás en una situación de zapada, cuando vas a un club y querés tocar, esa siempre fue mi canción de referencia. Principalmente porque soy guitarrista y soy malísimo recordando letras, y esa es una de las canciones cuya letra siempre recuerdo. Así que fue algo natural. Es una de esas canciones de las que me gustaría haber sido el autor. Es genial, tiene esa mezcla perfecta entre country y rock. Era rock outlaw antes de que existiera el outlaw country.
Grabaste “Dead Flowers”, a veces tocás “It’s Only Rock and Roll”, hiciste “Wild Horses” con Slash… todo apunta a que tenés debilidad por los Stones de los 70.
Sí, absolutamente. De hecho, casi todos los covers que hacemos son de esa época. Y, de nuevo, principalmente porque son las letras que recuerdo. Es así de simple. Si recuerdo la letra, hacemos esa canción. Pero también hacemos Joe Cocker a veces. Hago mucho de los Beatles, “She’s So Heavy”. No la hacemos en algunos lugares porque mucha gente no la conoce. Recuerdo que en mi primera gira solista hacíamos Cheap Trick, tocábamos “Surrender” y otras canciones, y me sorprendía que mucha gente no conociera “Surrender”. Con T. Rex también, tocamos mucho y mucha gente no conocía esas canciones. Así que aprendí algo de eso.
Algo que me gusta preguntarles a los grandes guitarristas es si hay una canción de otro artista que sea como tu némesis. Una que te encanta tocar pero no te sale o te resulta muy difícil.
Bueno, te lo voy a decir: soy malísimo tocando “Highway Star” de Deep Purple. Ese solo… o sea, lo toqué bien un par de veces, generalmente en algún club chico improvisando, y salió perfecto. Pero es un solo tan icónico que todo el mundo lo puede cantar. Entonces, si no lo tocás bien, se nota.
¿En qué debería enfocarse un buen guitarrista rítmico de rock? ¿Cuál debería ser su arma principal?
Creo que lo más importante para un guitarrista rítmico en una banda con dos guitarras es no hacer lo mismo que el otro. Si uno es el guitarrista dominante, encontrá tu ritmo en relación a eso. Los Beatles y los Stones eran geniales haciendo que cada instrumento fuera importante en la canción. Hoy en día, hay una parte y todos la duplican o triplican. A mí me gusta cuando una guitarra hace algo y la otra hace otra cosa. No hay una respuesta única, pero diría eso: tener esa interacción con el otro guitarrista, tocar en función del otro, sumarle a la canción. Hay grandes ejemplos de eso, como los Stones, Aerosmith o Guns N’ Roses.
Hablemos de algunas de tus colaboraciones. Por ejemplo, el año pasado tuviste que tocar con la banda de Alice Cooper con muy poco aviso. ¿Cómo fue esa experiencia?
¡Tuve que aprenderme todo en dos días! Casi 30 canciones. Mi amigo Chuck Garric, el bajista de la banda de Alice, me llamó un viernes y me dijo que algo había pasado y que Nita [Strauss, la guitarrista “oficial” de la banda] no estaba disponible, y Orianthi [la primera candidata a reemplazarla] tampoco. Me preguntó si podía hacerlo. Le dije que sí. Me pasó la lista y tuve dos días para aprenderla. El lunes volé con la banda, ensayé el martes y toqué el miércoles. Había unas seis canciones que ya conocía, solo tenía que aprender sus versiones. Con tres guitarristas era un poco complicado encontrar tu lugar. Pero lo más difícil era mantenerse en el lugar correcto por todo lo que pasa en el escenario. Si ves videos, vas a ver a Tommy Henriksen [el otro guitarrista del grupo] moviéndome para que no me corten la cabeza, o a Ryan [Roxie, el tercer guitarrista] empujándome. Pero fue muy divertido. Alice Cooper es lo mejor. La banda es alucinante. Todos me ayudaron mucho. Incluso Nita me mandó pistas de guitarra para estudiar. Me gustan esos desafíos. Guns N’ Roses me dio una semana para aprender 50 canciones. Estos me dieron dos días para casi 30. Es divertido. No todos pueden hacerlo, y me gusta ser uno de los que sí.
Otro gran momento de tu carrera fue compartir escenario con Lemmy. ¿Cómo fue eso?
Lemmy es auténtico. Todo lo que ves de él en entrevistas o shows es igual fuera del escenario. No tolera a los falsos. Si sos falso o lo adulás demasiado, se va. Es importante ser auténtico con él. Trabajé con él varias veces, tocando y grabando. Tiene una lista muy corta de gente que respeta, y me alegra estar en esa lista.
Como representante destacado del rock clásico de guitarras, ¿creés que el género ya es pura nostalgia o sigue vivo?
Es interesante. En Estados Unidos, por ejemplo, hay bandas como Rival Sons que la están rompiendo. Dirty Honey empezó no hace tanto, pero veremos. The Struts también. Hay bandas que mezclan el sonido clásico con cosas nuevas. Incluso Yungblud en cierta medida. Creo que el género sigue vivo. Tal vez no esté en el centro como antes, pero sigue ahí.
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Después de cuatro décadas de convertir la rabia, la inconformidad y las heridas sociales en himnos de resistencia, La Pestilencia abre el último capítulo de su historia con ‘Es Mi Calma’, el primer sencillo de Buen Provecho, el álbum con el que la agrupación se despide definitivamente de una de las trayectorias más importantes del punk latinoamericano.
El tema aparece como una de las composiciones más íntimas y sensibles de esta etapa final. Sin abandonar la crudeza que ha definido a la banda desde sus inicios, ‘Es Mi Calma’ desplaza la mirada hacia una forma distinta de confrontación: la que ocurre por dentro. La canción habla de ansiedad, miedo, soledad emocional y del desgaste de intentar sostenerse en medio de una época marcada por la incertidumbre, la hiperconexión y la presión de aparentar estabilidad.
A través de imágenes que remiten al espejo, al miedo como refugio y a esa sensación de esperar una ayuda que nunca llega, La Pestilencia convierte la vulnerabilidad en una forma de catarsis colectiva. Ya no se trata únicamente de señalar el caos exterior, sino de reconocer las fracturas internas que también atraviesan a una generación acostumbrada a sobrevivir en silencio.
Musicalmente, el sencillo mantiene la intensidad de la agrupación, pero abre espacio para una sensibilidad más frontal. En ‘Es Mi Calma’, la angustia no aparece como derrota, sino como punto de partida para hablar de salud mental, de cicatrices y de la posibilidad de encontrar algún tipo de alivio a través de la música. Es un grito emocional que no pierde fuerza por mostrarse vulnerable; al contrario, encuentra allí una nueva forma de resistencia.
“Nuestra gratitud eterna es para esa legión que nos regaló los recuerdos más potentes que un artista puede llevarse a la tumba. Siempre vimos la plaza llena; un mar de puños en alto que nos recordó, show tras show, que nunca estuvimos solos en este ruido. Gracias por ser el motor de 40 años de carrera”, expresa Dilson Díaz.
Con ‘Es Mi Calma’, La Pestilencia no solo anticipa el cierre de su discografía, también propone una despedida emocional que mira de frente el miedo, abraza las cicatrices y recuerda que incluso en medio de la oscuridad todavía puede existir un lugar para respirar.
El lanzamiento llega mientras La Pestilencia se prepara para su despedida de los escenarios. Bajo el nombre de El Último Pogo, la banda ofrecerá su concierto final el próximo 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo Medplus de Bogotá, una noche que reunirá cuatro décadas de memoria, ruido, inconformidad y comunión punk.
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Con mensajes incisivos, música vibrante y una actitud coherente con su discurso, Patti Smith se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la cultura contemporánea. Su espíritu rebelde y la fusión de poesía y rock han dejado una huella profunda a lo largo de las últimas cinco décadas. Ahora, esa trayectoria excepcional ha sido reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026.
El Premio Princesa de Asturias de las Artes es uno de los galardones más prestigiosos que se conceden en España. Con una entrega anual en la ciudad de Oviedo, el premio es otorgado a personas o instituciones que hayan realizado una obra destacada con impacto innegable a las artes, como la música, la literatura, el cine, la danza, la fotografía o la arquitectura. De acuerdo con diversos expertos, la carrera de Patti Smith ha ido mucho más allá del ámbito musical, consolidándola como una creadora inconformista y transversal que se expresa mediante múltiples lenguajes artísticos, entre ellos la poesía, la fotografía, la performance y la videoinstalación.
Los proyectos que ha presentado Smith trascienden lo musical, y su compromiso tiene diversos objetivos que se ven ligados a los político y social. Según los premios, la artista es considerada como un ícono del activismo y la lucha por los derechos civiles.
En la carta del jurado, se hace mención a las razones por las cuales Patti Smith obtuvo el galardón. Según los jueces, la artista fue seleccionada “por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva”.
Y agregaron: “Intérprete de estilo vigoroso, ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo. Como escritora, ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias. Con una actitud inconformista y transgresora, ejemplo para muchas artistas, ha conmovido a oyentes y lectores de todo el mundo y sigue inspirando a las nuevas generaciones”.
Patti Smith describió la llegada de este premio como “si mil palomas me hubieran dado la bienvenida y me hubiesen llenado de energía”. Se trata de un profundo sentimiento de gratitud que inundó a la cantautora y poeta estadounidense cuando se enteró sobre la noticia de la concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes. “Creo que este galardón simboliza el amor que siento por España, un país que, durante décadas y a través de distintas generaciones, me ha expresado su cariño y apoyo y donde siempre me he sentido respaldada y querida. Si tuviera que resumir lo que este Premio significa para mí, lo haría con dos palabras: Arte y Amor. Por todos los poetas y pintores que desde Lorca a Picasso me han inspirado, y por todo el afecto que he recibido, especialmente de la gente joven”, dijo.
“Espero llegar a Asturias unos días antes de la ceremonia, porque se da la circunstancia de que el próximo 20 de octubre se cumplirán exactamente 50 años de mi primer concierto en España (20 de octubre de 1976, en Badalona). Cumpliré ochenta años en diciembre, pero más que tener la sensación de estar llegando al final de mi camino, este Premio hace que me sienta rejuvenecida. Bendigo cada día como el comienzo de algo nuevo, en un mundo que necesita más que nunca de nuestra comprensión, de nuestro trabajo y de nuestro compromiso para seguir llenándolo de amor y de respeto hacia los demás”, complementó.
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