J. Cole‘s The Fall-Off World Tour has gotten off to an auspicious start.
Last week during the tour’s second stop in Miami, a couple got engaged as he was performing “Life Sentence,” one of the latest cuts from his most recent album The Fall-Off, which is dedicated to love and marriage despite the song’s title. “What’s up, baby girl? What’s up, my boy? God bless y’all,” the rapper said once he caught wind of their engagement. “That’s f—ing beautiful. Y’all make some noise for them, man.”
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There was also another couple who were getting married the day after the show at Miami’s Kaseya Center and had their seats upgraded by Cole’s team and invited him and his manager Ibrahim Hamad to the wedding. “Aye @KingOfQueenz @JColeNC we just wanna say thank you for tonight’s show in Miami. our original tickets had an ‘obstructed view’ and so y’all upgraded our tickets to the front row,” the fan wrote on X. “Y’all let a bunch of fans since 2010 make a core memory. thank you. my lady and I get married tomorrow at 3pm in Miami if y’all would like to come. shoutout to Cole for showing us love during Life Sentence.”
And now, during the tour’s fourth stop at Atlanta’s State Farm Arena, someone threw their bra onstage as Cole was performing his hit record “Work Out” from his 2011 debut studio album Sideline Story. “N—a ain’t got a bra onstage in a long motherf—in’ time, boy,” he told the crowd as he was laughing in shock. “You gotta cherish that sh–.”
The American leg of Cole’s tour ends in his hometown of Fayetteville, North Carolina, at Crown Coliseum on Sept. 3. He then heads out for the European leg starting Oct. 7 at Uber Arena in Berlin and will end it at Unity Arena in Oslo, Norway, on Nov. 12, so there’s still plenty of time to catch him if you haven’t gotten the chance to already.
Make sure to bring either a bra or an engagement ring — or both.
Taylor Swift attended game 4 of the NBA Finals between the New York Knicks and San Antonio Spurs at Madison Square Garden in June, which saw the Knicks overcome a 29-point deficit for the largest comeback in Finals history. Knicks star Jalen Brunson spoke at Variety’s inaugural Sports & Entertainment Studio last week, during which he showed appreciation for having the pop supernova courtside among the celebrity guests in the crowd.
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Taylor Swift & Haim Sisters Sit Courtside at NBA Finals Game 4 — And You Have to See Their Hilarious Homemade Knicks Shirts
“It’s really cool having her there,” Brunson said, before bringing up Swift also being courtside for the Eastern Conference Finals in Cleveland. “I feel like her being in Cleveland for courtside one game, obviously, I think Travis and the Kelces are from Ohio, so I get that. And she’s been at the Knicks’ games before.”
He continued: “So, I mean, whoever comes, as long as you’re cheering us on, we appreciate it. And I think that was probably a really good game to come to as well.”
Swift cheered on the Knicks during the historic comeback in game 4 while rocking a “Stevie Knicks” T-shirt alongside HAIM’s Este and Alana Haim as well as actress Mariska Hargitay.
JB and the Knicks ended up disposing of the Spurs in five games to capture the franchise’s first championship in 53 years.
Page Six reported that Brunson and the rest of the Knicks starting five were invited to Swift and Travis Kelce’s wedding. JB didn’t confirm whether or not he was invited, but he did relay that he wasn’t at the star-studded affair.
“It’s a great question,” he said. “I found out the same way the rest of the world did. So, I don’t know if it was true or not, but I did not attend.”
Swift and Kelce tied the knot at Madison Square Garden on July 3 in front of more than 1,000 wedding guests, while Adam Sandler served as the ceremony’s officiant.
Hey, sexy ladies! PSY‘s smash hit “Gangnam Style” is now the first K-pop video to reach a major YouTube milestone.
As of Monday (July 20) — almost exactly 14 years after it was posted on the platform — the humorous, dance-heavy visual has amassed more than 6 billion views. No other music video in the genre has reached those numbers to date, underscoring PSY’s legacy of setting the stage for modern K-pop to cross over into the global mainstream in recent years with acts such as BTS, BLACKPINK and more.
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Directed by Cho Soo-Hyun, the video finds the South Korean superstar causing chaos wherever he goes with his signature “Gangnam Style” choreography. A number of now-iconic scenes emerged from the project, including PSY busting a move by himself in a horse stable or singing to the camera while lying between a dancing man’s legs.
Reaching No. 2 on the Billboard Hot 100 in 2012, “Gangnam Style” has long been known as a game-changer. The year it was posted, its music video became the first upload to ever reach a billion views on YouTube, meaning it was the original member of the Billion Views Club that’s now inhabited by Justin Bieber’s “Baby,” Taylor Swift’s “Blank Space,” Ed Sheeran’s “Shape of You” and more pop smashes.
Several other K-pop visuals have also entered the club in the years since PSY kicked it off, including BTS’ “Dynamite” and “Butter” as well as BLACKPINK’s “Pink Venom” and “How You Like That.”
It’s been a few years since PSY dropped an album, releasing PSY 9th in 2022.
Add your view to 6 billion others by checking out the “Gangnam Style” video above.
Sony has initiated a new lawsuit against Udio, doubling down on its aggressive copyright campaign against the AI music company months after the other majors buried the hatchet.
The lawsuit, filed on Monday (July 20) and obtained by Billboard, expands the scope of Sony’s existing legal claims against Udio. The major music company initially teamed up with Universal Music Group (UMG) and Warner Music Group (WMG) in 2024 to sue both Udio and rival AI music company Suno, alleging both companies had committed copyright infringement at an “almost unimaginable scale” by training their models on unlicensed recordings.
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UMG and WMG both exited the Udio litigation in the fall after reaching licensing deals that will require the tech company to build a new model out of pre-cleared training data and keep all AI-generated music inside a “walled garden” on the platform. WMG later settled with Suno as well. UMG and Sony are both continuing to sue Suno, but Sony is the sole remaining holdout of the three majors to still be pursuing Udio in court.
Sony is showing no signs of giving up that fight against Udio. Monday’s new lawsuit increases the number of sound recordings at issue in the case from 333 to more than 30,000, which in turn balloons Udio’s potential damages exposure from $50 million to a whopping $4.5 billion.
According to Sony, the smaller subset of songs in the original lawsuit was merely a “minuscule, illustrative fraction of the recordings Udio had actually copied.” Sony says it wasn’t until it began the legal discovery process and got access to Udio’s training data that it learned just how many Sony-owned recordings had been allegedly ripped from YouTube and fed into the AI model.
Procedurally speaking, Sony had no choice but to bring a new lawsuit if it wanted to increase the amount of music in the case. Sony previously tried to add these new recordings to the original lawsuit, but Udio argued that expanding the dataset two years into the process would amount to “indefinitely derailing the litigation.”
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A federal judge agreed with Udio last month and refused to let Sony amend the first lawsuit, writing that doing so “would substantially prejudice defendants and unduly delay the resolution of this action.” He acknowledged, however, that a second lawsuit was a possibility: “I recognize that plaintiffs have the right to seek to stop infringement of, and recover damages for, all copyrighted works. But there is no requirement that it be done in this lawsuit,” wrote Judge Alvin K. Hellerstein.
Udio has maintained that its training process was fair use, a tenet of copyright law that allows unlicensed works to be used for transformative purposes. Whether AI training does indeed qualify as fair use is an untested legal question currently at the center of dozens of pending copyright lawsuits around the country.
Sony addresses the fair use debate directly in Monday’s new lawsuit, specifically the “market harm” factor, in which a judge must consider whether alleged infringement has harmed an existing licensing market. Sony says the fact that Udio has inked training licenses with UMG and WMG, as well as with Kobalt, Merlin, Believe and the National Music Publishers’ Association (NMPA), shows that such a market does indeed exist.
“A company that pays to license the very inputs at issue cannot credibly maintain that no market exists for those inputs, or that any such market is too speculative to be cognizable,” writes Sony in the new complaint.
Sony also notes in Monday’s lawsuit that it is not outright against the emerging tech, writing “there is room for AI and human creators to forge a sustainable, complementary relationship” as long as that relationship is based on the “well-established mechanism of free-market licensing that ensures proper respect for copyright owners.” Sony has AI partnerships in place with Spotify and Klay.
Udio did not immediately return a request for comment on Monday. A Sony rep declined to comment beyond the court filings.
At the halfway point of 2026, albums from the K-pop scene have rewritten history for new chart records while also delivering projects to expand the scope of Korea’s music scene.
Since the start of the year, it feels like there has not been a month without a major blockbuster release or highly anticipated comebacks where artists stepped up to high stakes put upon them. While BTS‘ ARIRANG spent multiple weeks at No. 1 atop the Billboard 200 (and set several new sales records while at it), the larger context behind the group’s full-length return showed the importance of an artist creatively pushing themselves and not falling back to what worked in past victories. Artists who scored breakout years in 2025, including NMIXX, Yves, WOODZ, idntt, XLOV and XngHan&Xoul, all ensured their next releases would not disappoint as fresh rookies like LNGSHOT and HEART OF WOMAN didn’t hold back with bold projects to earn themselves a place in the K-pop conversation.
Perhaps more than ever in past years’ lists, K-pop showed the different ways it’s expanding, with independent acts like AKMU, can’t be blue, Yves and Balming Tiger as well as K-pop mainstays all making their marks in major ways without sacrificing any artistic integrity. Some acts blending their style into the larger K-pop world (can’t be blue collaborated with XngHan and Stray Kids member HAN this year as PLAVE enlisted singer SOLE for their first release with a feature), looking outward to expand a message (Yves enlisted Lolo Zouaï and Lexie Liu as collaborators her EP) or doing it fully on their own (AKMU, Balming Tiger and Billlie all crafted ambitious, full-length projects without any guest features).
Spanning girl groups and boy bands to rock acts and soloists, these are the albums from the larger K-pop industry that have resonated and stayed with our staff the most in 2026 so far.
Future returns with another major week on Billboard’s charts (dated July 25), thanks to his album The Real Me.
Released July 10 via Sahluna/Freebandz/Epic Records, the set debuts atop the Billboard 200 with 131,000 equivalent album units earned in the United States through July 16, according to Luminate. Future earns his 12th No. 1, lifting him past Eminem, Bruce Springsteen, Barbra Streisand and Ye for the fifth-most in the chart’s history. The Beatles lead with 19, followed by Drake, Taylor Swift (15 each) and Jay-Z (14).
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On the Billboard Hot 100, 17 tracks from The Real Me’s 22-song setlist appear, led by “California Girls” at No. 23. Here’s a breakdown (with all debuts unless otherwise noted):
Rank, Title:
No. 23, “California Girls”
No. 28, “Fukk a Interview”
No. 29, “Konnichiwa”
No. 33, “One Two”
No. 37, “Tank Top Pluto”
No. 38, “Snow In Skyami”
No. 46, “Radio” (re-entry; new high)
No. 48, “Weight Up”
No. 52, “Trench Coat”
No. 54, “No Misery”
No. 58, “Build a Bitch”
No. 64, “Money Over Everything”
No. 76, “Off the Hinge”
No. 83, “2018”
No. 93, “If I Could”
No. 97, “Kick”
No. 98, “Eye to Eye”
Future also ranks at No. 61 as a featured artist on Drake’s “Ran to Atlanta,” also featuring Molly Santana. The track debuted and peaked at No. 2 on the May 30-dated chart, when Drake placed a single-week record 42 songs on the Hot 100 simultaneously.
With 16 debuts this week, Future ups his career total to 245 Hot 100 entries, the third-most in the chart’s history, after only Drake (402) and Swift (277). Of those, 83 have reached the top 40, 16 have hit the top 10 and three have hit No. 1: “Way 2 Sexy,” by Drake featuring Future and Young Thug; “Wait for U,” featuring Drake and Tems; and “Like That,” with Metro Boomin and Kendrick Lamar.
Thanks to his six new top 40 hits this week, Future also increases his career sum to 83 such songs. He passes Elvis Presley and Ye for the fourth-most in Hot 100 history and trails only Drake (241), Swift (178) and Lil Wayne (91).
Notably, Future has charted at least one song on the Hot 100 in 16 consecutive calendar years — every year since his debut in 2011, when he arrived as a featured act on YC’s “Racks,” which peaked at No. 42.
Future also returns to No. 1 on the Billboard Artist 100 chart for a sixth total week on top, and for the first time since May 2022.
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When searching for new home audio gear, it may be tough to find the best speakers that have amazing sound quality that’s housed inside of a sleek, stylish and minimalist home decor design. However, we found one of the best speakers for your home.
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Se nota ya desde la portada de su nuevo álbum, Yendo rápido a ningún lugar. Bestia Bebé es ese grupo de amigos con los que te juntás el fin de semana a comer un asado, el que se esfuerza para llegar a diez y después de los 30 todavía armar un fútbol 5 un jueves a las doce de la noche y con el que sale juntada obligada de cábala para ver a la selección en el Mundial.
Bestia Bebé es ese grupo con el que vas creciendo a la par, que te dice que “siempre dicen que crecer es una trampa y yo crecí amigo y no cambió nada. Estuvo bien, todo bien, todo bien, todo bien” (“El atrevido”) y el que se pregunta “¿cómo llegamos tan rápido acá? Me parecía tan lejos. Planes perfectos que ni imaginé, hoy ya quedaron muy viejos. Pero acá estamos amigo mío, yendo rápido a ningún lugar” (“Planes perfecto”).
Por supuesto, en sus canciones hablan de ellos mismos, una banda de rock independiente que desde hace quince años y a base de riffs, melodías simples y estribillos pegadizos armó un cancionero urgente, con identidad y personalidad. Pero esa identificación amiguera para cualquier oyente desprevenido es instantánea.
En su sexto álbum los chicos están bien. Un poco más experimentados, pero siguen siendo los mismos, buscándole la vuelta a la canción rock, con buenas ideas y con la cabeza puesta en ese vivo que los trajo hasta acá. Las canciones de Yendo rápido… son pequeñas bombas que parecen sencillas de armar, pero si uno supera el encanto de su simpleza pop, se encuentra con que están construídas minuciosamente, con detalles sonoros y contrapuntos certeros.
El álbum arranca con el acusticazo de “Hay algo que siempre te quise decir”, como una suerte de intro con espíritu fogonero, que estalla sobre el final a pura distorsión en un clásico giro Suarezco para darle paso a “El atrevido”, el tema del “estuvo bien, todo bien, todo bien, todo bien”, que dialoga cara a cara con el “Más o menos bien” de sus amigos de Él Mató a un Policía Motorizado.
El tercer track es uno de esos temas que se convierten en el centro de los discos, “Planes perfectos”, sónico y ambiental, hipnótico y bailable, como un viaje desde los años 80 a la actualidad en apenas tres minutos.
“Si querés tirar, tirame. No le tengo miedo a nada. Si querés tirar, tirame. Tengo un chaleco antibalas” (“Chaleco antibalas”, es otro de esos estribillos perfectos que Tom Quintans escribe en mood perdedor enamorado.
La épica de “El tiempo es lo peor” se intercala con el ruidoso homenaje a Gustavo Costas (hasta hace poco más de un mes director técnico y leyenda de Racing de Avellaneda), porque aquí la reflexión madura no impide el sentimiento eternamente juguetón. Al fin de cuentas, Quintans, Chicho Guisolfi, Polaco Ocorso y Marcos Canosa no dejan de ser esos amigos que siguen yendo rápido a ningún lugar, porque crecieron, sí, pero no cambió nada.
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Las historias sobre el descubrimiento de la identidad suelen apoyarse en el conflicto permanente, la tragedia o el trauma. El fin de las primeras veces decide recorrer un camino distinto. La película acompaña a Eduardo (Alejandro Quintana), un joven que abandona su pueblo para llegar a Guadalajara, donde el deseo, la amistad y el amor aparecen como experiencias tan confusas como transformadoras. Más que construir un gran drama, Rafael Espejo apuesta por observar cómo la vida sucede frente a la cámara, permitiendo que los silencios, los pequeños gestos y el paso del tiempo revelen aquello que los personajes nunca expresan con palabras.
El director nos habló sobre la representación de la comunidad LGBTQ+, la importancia de la felicidad como forma de resistencia, la construcción visual de la intimidad y el derecho que todos tenemos a equivocarnos mientras descubrimos quiénes somos.
El fin de las primeras veces evita muchos de los clichés habituales tanto del coming of age como del cine queer, especialmente aquellos relacionados con la tragedia y el trauma. ¿Por qué decidiste contar el despertar emocional y sexual de Eduardo desde un lugar mucho más cotidiano y silencioso?
Sin duda era algo que tenía muy presente. No quería hacer una historia desde la victimización porque no considero que seamos víctimas. Claro que todavía hay mucho por hacer y seguimos siendo una población vulnerable en muchos sentidos, pero también ha habido avances muy importantes.
Hoy vivimos un momento extraño, donde parece haber ciertos retrocesos y debemos resistir para no perder derechos que ya habíamos conquistado. Pero esa resistencia, para mí, nace desde el gozo. Desde ser visibles y felizmente visibles. Creo que no hay mayor revolución que ser felices. Frente a quienes odian a la comunidad LGBTQ+, nuestra respuesta puede ser precisamente esa: vivir en libertad, con alegría, y convertirnos en un ejemplo para quienes vienen detrás.
Eduardo llega de un pequeño pueblo a Guadalajara, una ciudad que también parece convertirse en un personaje. ¿Qué querías mostrar sobre la experiencia de ser joven, foráneo y queer dentro de un espacio que al mismo tiempo ofrece libertad y miedo?
Creo que Guadalajara es como cualquier otra ciudad: tiene burbujas de protección y también espacios hostiles. Al final, esas burbujas no las construye la ciudad sino las personas que la habitan.
Cuando te rodeas de personas queer encuentras lugares donde puedes sentirte más seguro. Eso no significa que seamos perfectos; somos tan diversos y complejos como cualquier otra comunidad. Pero existe una posibilidad de cuidado mutuo que termina siendo muy importante.
Yo llevo más de veinte años viviendo en Guadalajara y ya forma parte de mí. Muchas cosas que aparecen en la película son completamente cotidianas para mí, pero quienes no conocen la ciudad las perciben como algo muy característico. Más que intentar construir un retrato específico de Guadalajara, creo que terminé filmando la ciudad que llevo conmigo.
La película transmite una enorme sensación de intimidad. ¿Cómo trabajaste visualmente esa cercanía con el protagonista?
Creo que la clave está en el tiempo. Para que exista verdadera intimidad es necesario permitir que el tiempo transcurra. Ese fue uno de los grandes riesgos de la película. Vivimos en una época donde los espectadores tienen cada vez menos paciencia, pero yo necesitaba que las escenas respiraran.
Las secuencias de intimidad, por ejemplo, ocurren casi en tiempo real porque lo importante no son únicamente las acciones, sino todo lo que sucede emocionalmente detrás de ellas: el miedo, la anticipación, el descubrimiento, incluso el conflicto interno que vive Eduardo mientras desafía la educación con la que creció.
También fue muy importante mantener la cámara extremadamente cerca del protagonista. La película está construida prácticamente desde su rostro. Quería que el espectador sintiera que habitaba su punto de vista y descubriera el mundo junto a él.
Y, por supuesto, hubo mucho espacio para la improvisación. Existía un guion muy trabajado, pero también queríamos que las escenas conservaran una sensación auténtica. No es lo mismo pedirle a un actor que se ría porque así lo dice el libreto, que provocar genuinamente esa risa en el momento. Mi trabajo consistía en crear un ambiente donde los actores pudieran sentirse protegidos para jugar, equivocarse y descubrir cosas nuevas frente a la cámara.
Además de periodista soy psicólogo y hubo algo que me llamó mucho la atención. Los personajes parecen estar improvisando la vida más que interpretando una estructura dramática tradicional. ¿Qué tan importante era eso para ti?
Todo. Me da muchísima alegría que lo hayas percibido así porque justamente era lo que buscábamos. Hay muchas maneras de hacer cine, pero a mí me interesaba sentir que la vida estaba ocurriendo frente a la cámara. Eso no es sencillo. Requiere mucha disposición de quienes están actuando, mucha paciencia de quienes están detrás de la cámara y también un enorme acto de fe.
Además, era la primera película prácticamente para todo el equipo. Creo que hubo una suma de voluntades muy especial. Todos queríamos que ocurriera esa magia y, afortunadamente, ocurrió.
¿Qué películas o cineastas estuvieron presentes mientras escribías y dirigías esta historia?
Me interesa muchísimo el cine latinoamericano contemporáneo. Tenía muy presentes Joven y alocada, que me encanta; también Dólares de arena, Te prometo anarquía, Gloria y, por supuesto, el trabajo de los hermanos Dardenne, especialmente por la relación entre la cámara y los personajes. Son películas que, de distintas maneras, dialogaban con lo que yo estaba intentando construir.
La película deja la sensación de que las primeras veces rara vez son épicas; suelen ser experiencias confusas que terminan definiéndonos con el paso del tiempo. Después de terminar este proyecto, ¿qué descubriste sobre la identidad, la memoria y el pasado?
Creo que lo más importante fue comprender que necesitamos darnos permiso para equivocarnos. Ese momento en el que empezamos a convertirnos en adultos está lleno de decisiones y muchas de ellas inevitablemente serán errores. Pero hay una enorme belleza en equivocarse. La belleza del ser humano está precisamente en su imperfección.
A veces dañamos a otros o a nosotros mismos intentando descubrir quiénes somos, y eso no nos convierte automáticamente en malas personas. Es parte del aprendizaje.
En las personas queer ocurre algo muy particular. Muchas veces sentimos que ya hemos decepcionado al mundo simplemente por existir, como si cargáramos con una responsabilidad adicional de tener que ser mejores que los demás para compensar nuestra identidad. Eso me parece profundamente cruel.
No quisiera que las nuevas generaciones crecieran sintiendo que ya le fallaron a alguien. Al contrario. Ojalá puedan descubrir que tienen derecho a equivocarse, a aprender, a ser imperfectos y, sobre todo, a ser felices. Esa es, en el fondo, la película que intenté hacer.
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Bluey, el show animado que capturó la atención y los corazones de millones de familias alrededor del mundo rinde homenaje a los clanes Yolŋu (se pronuncia Yolngu) del norte de Australia. ABC involucró a miembros de la comunidad para adaptar cinco episodios a la lengua Yolŋu Matha en honor a la semana NAIDOC (sucede cada primera semana de julio; celebra la historia, la cultura y los logros de los pueblos aborígenes e isleños del Estrecho de Torres).
La serie ha sido doblada a más de 20 idiomas, incluyendo islandés, chino y lituano. Por lo tanto, cuando se acercó la celebración de la cultura e historia de los nativos australianos, era lógico que se involucraran en una iniciativa como esta. Según ABC News, Will Porter (codirector del proyecto junto con la Sylvia Nulpinditj) afirmó que el doblaje era “una ofrenda para la preservación del idioma”.
La producción se realizó en colaboración de Ludo Studio y Yolŋu Radio en las instalaciones de la estación de radio comunitaria. El elenco del doblaje incluyó a Dimathaya Burarrwanga, miembro fundador de la banda de surf rock Yolŋu King Stingray como Bandit Heeler, el papá; El respetado mayor Andrew Gurruwiwi hizo la voz del abuelo, Mort Cattle; Rosie Mununggurr interpretó a Chilli Heeler, la mamá, y, con la ayuda de los niños de la comunidad, se dio vida a los perritos titulares, Bluey y Bingo.
Se reporta que la experiencia, desde la preproducción hasta la muestra final de los cinco episodios en vivo (T1E9 El Arroyo, T1E26 La Playa, T2E26 A dormir, T2E27 Abuelo y T2E10 Isla Alfombra) fue mágico para todos los involucrados; significó una celebración de la niñez, la cocreación comunitaria y, sobre todo, la lengua Yolŋu Matha, término que designa a las lenguas estrechamente relacionadas que hablan los diferentes clanes del noreste de la Tierra de Arnhem, Territorio Norte, Australia
(@abckids)De acuerdo con Will Porter, “Intentamos que sonara lo más parecido posible a lo que se oye en un hogar Yolŋu actual, que es una mezcla (de idiomas)”
El legado perdido, la sangre derramada y el genocidio australiano
La catástrofe que significó la llegada de europeos a la tierra australiana deja a muchos sin palabras. La consiguiente masacre y discriminación sistemática por parte de las autoridades australianas y británicas, con el objetivo de erradicar la cultura aborigen, deja claro que detrás de las playas cristalinas, música y entretenimiento yace crímenes de lesa humanidad.
Desde su fundación como colonia penal en 1788 y la posterior creación del Commonwealth of Australia en 1901, el país siempre ha rechazado y reprimido las culturas aborígenes que habitaron la isla durante más de 50.000 años antes de la intervención europea. El conflicto entre el gobierno, los colonos y los aborígenes fue, como señalan muchos historiadores, uno de los más sangrientos, vergonzosos e inhumanos de la historia.
Sin entrar en detalles sobre otras formas en que las autoridades reprimieron, asesinaron, torturaron y criminalizaron la cultura aborigen, una de las metas más relevantes para la exterminación total fue el idioma.
Desmond Crump, profesor de lenguas indígenas de la Universidad de Queensland, afirmó que la pérdida de mayores, cabezas de las tribus, significa “perder una biblioteca por la cantidad de conocimiento que poseen. (Conservar el idioma) resulta muy difícil cuando no hay hablantes fluidos”. La lenta desaparición de los líderes comunitarios fue una parte de la estrategia colonial; sin embargo, la asimilación (una táctica implementada en primera instancia por los británicos en la conquista) hizo que las generaciones más jóvenes fueran “reformadas” por la crueldad australiana. Anny Chau, reportera de The Young Reporter, explica que “Entre 1910 y la década de 1970, niños aborígenes fueron separados de sus hogares, adoptados por familias blancas y obligados a rechazar su cultura en lo que se denominó ‘políticas de asimilación’”. Dicha técnica se repitió en colonias como Canadá, Sudáfrica y Estados Unidos.
Tras décadas de lucha y protesta, los pueblos indígenas de Australia y el gobierno han destinado presupuestos nacionales a la creación de programas para la restauración, preservación y celebración de la cultura aborigen. En corto, uno de los hitos significativos de este proceso de reunificación y resignificado de la identidad australiana ha sido la formación del Comité Nacional para la Observancia del Día de los Aborígenes (NADOC) en los años 70; en 1991 cambiaron el nombre a NAIDOC para reconocer a los isleños del Estrecho de Torres y describir toda una semana de reconocimiento, en lugar de un solo día.
Bluey ayuda a curar heridas
Ludo Studios, la productora de Bluey afirmó que “Bluey es un programa pensado para que lo disfrute todo el mundo, así que poder compartirlo en una lengua indígena durante la Semana NAIDOC es algo realmente especial.” Si bien las atrocidades cometidas contra los pueblos aborígenes representan una deuda monstruosa que todos los australianos deberán cargar para siempre, pequeños pasos como estos ayudan a sanar a un pueblo que estaba dividido y se sentía excluido de la sociedad australiana.
Me atrevo a decir que muchos de los que leen este artículo han visto y se han sentido identificados con Bluey, la serie animada sobre una familia que vive su vida enfrentando desafíos como las dificultades para hacer amigos, la pérdida, el amor y, sobre todo, compartir en comunidad. Esta serie ha enseñado al mundo que, para enmendar los errores, las acciones valen más que las palabras y ahora, gracias a los esfuerzos de los equipos detrás de este proyecto, se logró compartir la alegría con aquellos que han estado privados de ella durante generaciones.
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