La carrera de Wolf Alice está marcada por el cambio constante y por la inconformidad como pulso creativo. Por eso cada uno de sus discos suena a una búsqueda consciente de distanciarse, espiritual y musicalmente, del anterior. Si My Love Is Cool (2015) fue la explosión de una banda que estaba encontrando su identidad entre […]

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Durante años, Neutro Shorty (Liomar Acosta) construyó una de las trayectorias más representativas del trap latinoamericano desde Caracas, desarrollando un lenguaje artístico marcado por la crudeza emocional, la identidad barrial y una narrativa profundamente ligada a la calle.

Ahora, el artista venezolano presenta uno de los movimientos más inesperados y ambiciosos de su carrera con EL DISCO DE SALSA, un proyecto que lo introduce de lleno en el universo de la salsa. Publicado junto a Rimas Music, el álbum reúne doce canciones producidas por Servando Primera con co-producción de Daniel Márquez. 

El proyecto incorpora colaboraciones con Gilberto Santa Rosa, Porfi Baloa y Oscar D’León, figuras que aportan distintas capas generacionales y musicales dentro de una producción que busca dialogar con la historia del género desde una mirada contemporánea.

Uno de los momentos más representativos del álbum llega con ‘Un Consejo’, colaboración junto a Gilberto Santa Rosa. La canción construye un encuentro entre dos generaciones y reafirma el acercamiento de Neutro Shorty a la salsa desde el respeto por el género, sin desprenderse completamente de la sensibilidad narrativa que consolidó su identidad dentro del rap.

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Otro de los puntos centrales del disco aparece en ‘Idilio’, reinterpretación del clásico compuesto por Alberto ‘Titi’ Amadeo. En esta nueva versión, Oscar D’León comparte protagonismo con Neutro Shorty sobre el histórico arreglo de Cucco Peña y Willie Colón. La canción también funciona como homenaje a distintas etapas fundamentales de la salsa a través de referencias directas realizadas por D’León durante sus soneos.

A nivel conceptual, EL DISCO DE SALSA desarrolla una narrativa atravesada por el amor, la identidad, la vulnerabilidad y la experiencia urbana. Desde la introspección de ‘Yo Soy’ hasta el cierre cinematográfico de ‘Darién’, el álbum mantiene una estructura emocional coherente que amplía el universo artístico del venezolano sin romper con las raíces que definieron su trayectoria.

La dimensión audiovisual también ocupa un lugar central dentro del proyecto. El cineasta argentino Luchi Nobile viajó a Caracas para dirigir las piezas visuales filmadas en sectores como Artigas, La Lucha, San Agustín y Boleíta, incorporando referencias inspiradas en la estética clásica de la salsa de los años setenta desde una mirada contemporánea conectada con los barrios caraqueños.

Asimismo, la portada oficial sintetiza gran parte de la propuesta conceptual del disco: Neutro Shorty aparece tocando un tambor mientras sus manos tatuadas dominan la imagen, estableciendo un contraste simbólico entre el universo urbano contemporáneo y la tradición instrumental salsera. El proyecto también introduce el emblema DS NS, identidad visual que acompañará esta nueva etapa artística.

EL DISCO DE SALSA ya se encuentra disponible en plataformas digitales y próximamente será editado en formatos físicos como CD, vinilo y casete. A continuación, el tracklist oficial:

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“Yo creo que lo más cool es que empiezo una historia desde cero, y eso es lo que más me emocionó de este proyecto”, comenta Álvaro Díaz a ROLLING STONE en Español sobre Omakase, su lanzamiento más reciente, durante su paso por Bogotá.

En medio de su visita al país, el puertorriqueño aprovechó la ocasión para compartir un momento especial con sus fanáticos desde una terraza en la conocida Zona T de la capital, donde —frente a una gran multitud de seguidores con pancartas, gorras y camisetas referentes a su trayectoria— presentó algunos adelantos del disco, el primero en dos años, rodeado de incógnitas, pistas, grandes sencillos y, sobre todo, un concepto simple pero poderoso: hacer lo que le dé la gana.

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Como explica el mismo Álvaro, este nuevo trabajo llega después de dos arcos fundamentales dentro de su carrera: Felicilandia y SAYONARA —reconocido por ROLLING STONE en Español como el mejor lanzamiento hispano de 2024—, proyectos con los que alcanzó reconocimiento internacional gracias a una propuesta disruptiva que nunca se limitó a un solo género, abarcando desde reggaetón y sonidos más cercanos a lo urbano, hasta el R&B y corrientes alternativas, a la par que consolidaba un universo narrativo propio. “Siento que Felicilandia tenía una idea clara desde el principio, SAYONARA también, y estaban conectados de cierta manera. La misma historia de amor en la vida real es la que inspira ambos álbumes”, comparte Díaz.

De esa manera, mientras el primero exploraba un imaginario fantasioso, melancólico y emocional bajo la idea de un parque de diversiones donde “los niños tristes buscan ser felices”, el segundo funcionó como el cierre definitivo de esa historia: un adiós marcado por la despedida, el duelo y la necesidad de cerrar puertas. Es precisamente desde ese final donde nace Omakase, un disco construido desde la libertad absoluta.

Proveniente de la gastronomía japonesa, el concepto de omakase (おまかせ) consiste en dejar la experiencia culinaria en manos del chef, confiando plenamente en su criterio y visión. Díaz adapta esa idea en este nuevo proyecto, donde el oyente simplemente debe dejarse llevar por lo que el artista quiera servir.

“No solamente quería crear un álbum; quería crear una experiencia para todos ustedes”, reveló el cantante mediante un audio publicado en SoundCloud. “Me enamoré de poder contar una historia sobre el proceso de cómo cocinamos y compararlo con cómo cocinamos en el estudio”. De esa manera, Álvaro señala que “quería esa libertad de poder empezar de cero, de poder enamorarme de sonidos nuevos, enamorarme de todo de nuevo, y creo que eso me ayudó a no sentir que estaba limitado por algo”.

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La relación de Álvaro con la cultura japonesa no es reciente. A lo largo de su carrera, el puertorriqueño ha dejado ver una fascinación constante por el cine, el anime, la moda y la estética nipona, referencias que atraviesan desde lo visual hasta lo conceptual dentro de su música. “Desde pequeño, viendo películas de Studio Ghibli, siempre me llamaba la atención la cultura japonesa”, explica el cantante. “Cuando vi Akira por primera vez me acuerdo que me voló la cabeza. Yo creo que por ahí empieza el amor”.

Más allá del entretenimiento, Díaz recuerda sentirse atraído desde niño por el estilo visual del país del sol naciente, incluso sin entender completamente su significado. Posters de películas con tipografías en japonés, portadas inspiradas en publicaciones japonesas y, eventualmente, un viaje a Tokio —ciudad que describe como “una de las que más te explota la cabeza”— terminaron consolidando una influencia que hoy atraviesa gran parte de su universo creativo.

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Más allá de la estética y las referencias culturales, Omakase adopta incluso la lógica de la cocina dentro de su estructura. El álbum está dividido en cuatro fases —cada una compuesta por cuatro temas— inspiradas en la preparación de un plato.

La primera, conformada por ‘SICHEF.’, ‘MDF.’, ‘SELEDA.’ y ‘BIMEL.’, representa la etapa cruda de la preparación: el momento en que todos los ingredientes están sobre la mesa, algunos incluso aún descongelándose y sin nada listo todavía. La segunda, integrada por ‘PIENSO EN TI.’, ‘PERDISTE EL EMMY. (ft. Tainy)’, ‘TREINEL. (ft. Rubí)’ y ‘EN LA MISMA CIUDAD. (ft. Jesse Baez)’, simboliza el instante en que el chef comienza a sazonar y condimentar cada elemento.

La tercera fase —compuesta por ‘KILO. (ft. Akriila)’, ‘BABYRECORDS.’, ‘SPACEXXX.’ y ‘MALASNOTICIAS. (ft. Latin Mafia)’— representa el momento en que la preparación finalmente pasa por el fuego y termina de cocinarse. Por último, la cuarta parte, constituida por ‘INAROW62.’, ‘NO PODEMOS SER AMIGOS.’, ‘OVELNAIT.’ y ‘LAULTIMACENA.’, refleja el momento del emplatado: “lo que queda cuando ya está todo cocinado”, llevando el recorrido desde lo más visceral hasta el instante final de servir la experiencia completa al oyente.

A partir de ese concepto, Díaz se permite explorar sonidos y emociones que, según él mismo afirma, difícilmente habrían tenido espacio dentro del universo de sus trabajos anteriores. “Hay canciones en este proyecto que quizás no se hubiesen sentido en SAYONARA o en Felicilandia. Temas como ‘SICHEF.’, ‘MDF.’, ‘OVELNAIT.’ o ‘LAULTIMACENA.’ tal vez no harían sentido ahí, pero aquí caen perfecto, y más porque todo está en las manos del chef”, comenta.

Esa libertad también se traduce en la manera en que el disco atraviesa distintos estados emocionales a lo largo de sus cuatro etapas, pasando de canciones más agresivas a otras marcadas por el agradecimiento, el deseo o una visión más pura del amor. Díaz compara ese recorrido con el mismo proceso de cocinar: “Puedes escuchar una canción súper ruda, una canción súper agradecida, una canción de amor un poco sexual y de momento una canción de amor más pura”, detalla el artista, quien además señala que el oyente puede incluso identificar momentos donde “se nota que aquí estaba crudo todavía”.

Esa misma intención de construir una experiencia cuidadosamente diseñada también se refleja en las colaboraciones del álbum. Más allá de reunir nombres por impacto o popularidad, Álvaro Díaz asegura que cada artista invitado fue pensado para ocupar un lugar específico dentro del proyecto. “A mí me gusta crear un momento para los artistas invitados”, cuenta el cantante, recordando colaboraciones pasadas como la de Nsqk en ‘MAMI 100PRE SABE (INTERLUDE)’. “Yo no tengo cien canciones y digo: ‘móntate en cualquiera’. No. Yo pienso ‘esto es lo que quiero hacer con este artista’”.

Uno de los featurings que mejor representa esa idea es ‘KILO.’ junto a Akriila, una de las artistas más relevantes de la escena alternativa hispana y con quien Díaz mantiene una relación cercana desde hace varios años. El puertorriqueño explica que descubrió su música gracias a Pablito —manager de Tainy—, quien le recomendó escuchar ‘MONA XINA.’. “Escuché esa canción y me explotó la cabeza”, cuenta. “Y de casualidad iba para Chile la otra semana y ahí la conocí”. También revela que originalmente estaba previsto que participara en Epistolares, el debut de la chilena, aunque finalmente no logró concretarlo debido a su agenda de conciertos.

Desde entonces, la relación entre ambos artistas fue creciendo hasta desembocar finalmente en este disco. Según comparte Díaz, mientras trabajaba en ‘KILO.’ entendió rápidamente que Akrii era la única artista capaz de llevar la canción al nivel que estaba buscando. “Teníamos unas voces de FKA twigs que íbamos a usar, pero al final terminamos usando un terminadito de ella y yo dije ‘la única artista que puede hacer algo aquí a este nivel es Akrii’”.

El resultado terminó convirtiéndose no solo en una de las colaboraciones más llamativas, sino también en un momento importante para la artista chilena, marcando su primera vez trabajando junto a nombres como Tainy o El Guincho. “Ellos estaban súper pompeados con ella y ella súper pompeada por eso”, añade Díaz. “Fue bien cool”.

Dentro del universo conceptual del proyecto, uno de los elementos más llamativos para el público fue el símbolo que representa el álbum (>|<). Aunque asegura que más adelante llegarán más detalles sobre su significado, Álvaro comenta que el logo nació gracias a Milkman, uno de sus grandes amigos y colaborador creativo, quien lamentablemente falleció en febrero de este año.

La idea surgió durante las primeras conversaciones alrededor de Omakase, cuando Milkman —a quien describe como “un fucking genio creativo”— insistió en que la cara del trabajo debía centrarse visualmente en la letra K y no en la O del título. “Cuando él vio el nombre me dijo ‘cabrón, no puedes usar la O, tienes que usar la K’”, recuerda Díaz. “Vino, escribió omakase, circuló la K y me dijo ‘tienes que hacer algo con esto’”.

A partir de ahí, el cantante comenzó a buscar un significado alrededor de la letra hasta encontrar inspiración en el símbolo utilizado para cerrar las puertas de los ascensores, una imagen que terminó conectando directamente con el concepto detrás del disco y el cierre emocional de SAYONARA. “Cuando decimos adiós, ¿qué hacemos? Cerramos puertas”, explica el puertorriqueño. “Y cuando tienes la oportunidad en tu vida de sentirte atado a algo y de momento ser libre, te das cuenta que puedes hacer lo que tú quieras”.

Esa idea de cerrar ciclos y encontrar libertad se convirtió rápidamente en una de las bases conceptuales del álbum. Para Díaz, el símbolo no solo representa las dos Ks escondidas dentro del nombre, sino también la posibilidad de abrir una nueva etapa creativa donde pudiera experimentar sin restricciones. “Con este proyecto siento que puedo hacer lo que me da la gana, que prácticamente es lo que es un omakase: lo que al chef le da la gana”.

Con el paso de los meses, el logo terminó convirtiéndose en uno de los elementos más reconocibles de esta nueva era. Gorras, esmaltes, anillos y distintas piezas de merch —muchas de ellas incluso no oficiales— comenzaron a circular entre sus seguidores, marcando distancia con la iconografía de Felicilandia y SAYONARA, representada anteriormente por personajes como Coco y Coca. “Vi como un reto cambiar eso y creo que lo logré con el logo”, asegura Díaz. “Todo el mundo empezó a hacer su propia versión, y eso vale también”.

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La influencia de Milkman dentro de Omakase no se limitó únicamente al logo del proyecto. Según cuenta Álvaro, el artista también tenía una faceta como productor y acumulaba cientos de demos inéditos que despertaban la curiosidad de todo su círculo cercano, incluyendo nombres como C. Tangana o JHAYCO.

“El cabrón, cuando le pedíamos demos y le decíamos como ‘chico, dame esta pista, acho’, nos decía ‘este demo va para mi segundo álbum, este va para el cuarto’”, recuerda Díaz entre risas. “Casi nunca nos daba sus creaciones”. Sin embargo, y de manera completamente inesperada, Milkman terminó enviándole una de esas maquetas a Álvaro. “Un día, de la nada, me manda un mensaje con un demo y me dice ‘haz lo que quieras con esa’”, cuenta el cantante. A partir de esa idea nació ‘PIENSO EN TI.’, una de las canciones más personales dentro del trabajo.

Debido a ese momento —y especialmente tras la muerte de su amigo—, Díaz señala que el tema terminó adquiriendo un valor sentimental enorme dentro del proyecto, funcionando también como una especie de homenaje involuntario a una de las mentes creativas más importantes detrás de esta nueva etapa.

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“Lo que quisiera es que se lo disfruten, que no le pongan caja”, comenta Alvarito sobre lo que espera que el público se lleve después de escuchar el disco. Para este punto de su carrera, el puertorriqueño asegura que su principal interés está en seguir sorprendiéndose a sí mismo, incluso si eso significa alejarse de fórmulas seguras o sonidos cómodos. “Creo que este álbum, si vienes de escuchar SAYONARA o Felicilandia, lo vas a sentir medio unexpected, como que ‘párate, Alvarito se fue pa’l carajo’”, comenta entre risas. “Y yo creo que ese es el tipo de artista que quiero ser”.

Esa necesidad de mantenerse en constante movimiento es precisamente lo que lo llevó a experimentar con sonidos poco habituales dentro de su catálogo, como la cumbia presente en ‘PIENSO EN TI.’, además de explorar estructuras y dinámicas que, según él mismo reconoce, difícilmente encajan con lo que actualmente domina la escena puertorriqueña. “Nadie de Puerto Rico está haciendo este tipo de música, y eso me emociona porque es un súper reto”, explica Díaz. “Este disco puede irle cabroncísimo y puede irle fatal, pero mientras yo sienta que estoy tomando riesgos, siento que estoy ganando”.

Más allá del sonido, el artista también asegura que gran parte de Omakase nació de querer construir experiencias memorables alrededor de la música: listening parties en restaurantes, adelantos exclusivos para fanáticos e incluso sesiones creativas realizadas en espacios gastronómicos junto a otros colaboradores. “Siempre pienso en Alvarito de 16 o 17 años”, comenta. “Pienso qué me hubiese gustado que mi artista favorito hiciera por nosotros y trato de convertirme en ese artista”.

Bajo esa filosofía, Díaz asegura sentirse cómodo ocupando un lugar difícil de clasificar dentro de la música latina actual. “La gente que me ama no me ve como oveja negra, pero la gente de otros lados sí”, afirma. “El corillo del reggaetón no me ve como reggaetón, el corillo de la música alternativa no me ve como música alternativa, el corillo del hip-hop no me ve como hip-hop. Es como su propio universo y eso me emociona mucho”.

Al final, quizás ahí está precisamente la esencia de Omakase: un proyecto que, como el concepto japonés del que toma su nombre, funciona mejor cuando simplemente se confía en la visión del chef; uno experimental, profundamente melancólico y dueño de una de las propuestas más singulares dentro del panorama latino actual. 

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En tiempos donde todo parece diseñado para medirse, optimizarse y consumirse rápidamente, Leo Rizzi decidió ir en la dirección contraria. Su segundo álbum, La Belleza de las Flores, nace como una respuesta a la velocidad de la comunicación, a la presión constante por convertir el arte en contenido y a la sensación de estar perdiendo aquello que vuelve significativa a la música.

Inspirado por las ideas del filósofo coreano Byung-Chul Han, Rizzi construyó un disco que reflexiona sobre la presión de las redes sociales, la obsesión por los números y la necesidad de recuperar una relación más honesta con la música. 

La Belleza de las Flores también parte de una búsqueda personal de crear desde un lugar genuino, lejos de las fórmulas de viralidad y de la exigencia constante de resultados inmediatos. Desde la idea de “habitar un limbo de lo bello”, el álbum se pregunta cómo seguir haciendo arte desde la autenticidad dentro de una industria que constantemente empuja hacia el rendimiento y la exposición. En conversación con ROLLING STONE en Español, Leo Rizzi habla sobre esa postura y el momento en que entendió que se estaba “convirtiendo en el empresario que prometió destruir”.

¿Cómo te sientes a tres días de lanzar el álbum? ¿Sientes incertidumbre, emoción…?

Pues la verdad es que para la incertidumbre aún queda lugar. Siento que cuando salga el disco y empiece a moverse voy a ver realmente qué pasa. Tengo ganas de eso. Creo que el viaje va a ser largo y, bueno, también están los nervios, ¿no? Porque al final hay una presentación, hay invitados, estoy enseñando el disco… Pero creo que me reservo esa incertidumbre y esos nervios para todo el año, porque siento que van a pasar muchas cosas.

Hablamos cuando sacaste Pájaro Azul, que es tu álbum debut. A veces el proceso después del debut es complicado, pero parece que para ti ha sido un periodo muy creativo, ¿cómo ha sido este proceso entre álbumes?

Justo después de terminar Pájaro Azul ya estaba componiendo cosas nuevas. Soy muy inquieto a la hora de componer, me encanta componer todo el rato y, de alguna forma, no se me hace difícil. Ya cuando se acerca el deadline es como que los deberes ya estaban hechos desde antes, cuando no había presión, así que eso me da un poco igual.

Lo que sí ha cambiado es cómo he producido y con quién me he juntado para hacer alianzas. Y de alguna forma miro para atrás y digo: vale, Pájaro Azul llevó muchísimo curro y en su momento me parecía un proceso loquísimo, pero ahora miro este disco y pienso: es que esto ha sido el doble de proceso. Y se nota. Se nota en la definición del sonido, en la coherencia, en las letras también. Siento que no me he quedado con lo primero que salía, sino que le he dado más vueltas para que todo fuera más simple y se entendiera mejor. Y creo que lo he conseguido. Estoy contento con eso, tío.

Tu nuevo disco parte de una idea de la profanación de lo sagrado y la velocidad de la comunicación, ¿en qué momento sentiste necesario hacer un álbum desde ese lugar?

En el momento en el que me doy cuenta de que me estoy convirtiendo en el empresario que prometí destruir. Empiezo a notar que estoy intentando viralizarme a mí mismo con estrategias y fórmulas y digo: esto no tiene sentido. Ahí es cuando me encuentro con Byung-Chul Han, que se convierte un poco en un maestro para mí, aunque él no lo sepa. Y me enseña muchísimas cosas que tienen que ver con valores, con una forma de vivir. Ya ni siquiera con la música, sino con cómo planteo mi existencia en este contexto y en este mundo. Y de alguna forma me doy cuenta de que me estaba intoxicando, casi como una droga, con todo el tema de las redes sociales, la exposición y obligarme a mostrarme de una forma bestia para conseguir resultados. Todo basado en el rendimiento. Entonces la idea del disco nace de entender el valor que tiene el arte por sí solo y de dejar de ser tan hostil conmigo mismo en ese sentido.

Citaste la frase “la belleza de las flores se debe a un lujo que está libre de toda economía”, pero ¿cómo sostienes esa postura en una industria que funciona al revés? 

Como cualquier utopía, creo que las utopías sirven para poner un punto en el horizonte y caminar hacia él. Yo ahora mismo sigo siendo una persona y un artista que todavía tiene mucho puesto en las redes sociales, claro, porque quiero vivir con la música, pero siento que el camino hay que construirlo, porque el que ya está hecho me parece poco honesto.

Igual paso baches, igual vienen momentos malos, igual mañana no me escucha tanta gente, pero creo que todo este viaje también me ha hecho más humilde. Entender la música no como un instrumento para ponerme encima de ella, sino como algo que me hace feliz. No quiero usar la música para hacerme rico económicamente. Me hago rico de otras formas con ella. Y es difícil aceptar eso porque la industria te vende muchos lujos cuando llegas a cierto lugar. Pero al final eres clase obrera de la música. Eres obrero de la música y está bien. Y esa narrativa me emociona muchísimo más que la idea de ser rico y tener cuatro Lamborghinis.

Me gusta esa distinción que haces de no vivir de la música, sino vivir con la música, ¿cuál es la diferencia?

Lo que te decía: vivir de la música es intentar exprimirla para que cumpla todos tus deseos o para vivir una vida soñada. Vivir con la música es aceptar lo que la música te da cuando la compones y cuando la compartes. Y desde ahí siento que todo es más fácil. Le pones menos presión a las cosas y, cuando las presionas menos, salen con mucha más naturalidad.

Hablas también de que quieres habitar un “limbo de lo bello”, ¿cómo te imaginas ese limbo?

Creo que tiene muchísimo que ver con la autenticidad y con la genuinidad desde la que hacemos las cosas. Siento que lo bello está directamente relacionado con lo sagrado. Hay una frase muy buena de Byung-Chul Han que dice que durante mucho tiempo la palabra “fair”, o sea “justo”, también estaba relacionada con lo bello. Cuando algo era justo, también era bello. Y creo que ese es el camino. Entender la justicia como belleza y no la belleza como algo superficial. Porque muchas veces algo puede parecer bello por fuera, pero si del otro lado hay sufrimiento, entonces ya no es verdaderamente bello. Ahí está un poco el centro de todo esto.

¿Qué literatura recomiendas de Byung-Chul Han? A mí me recomendaron La sociedad del cansancio.

Ese es como su hit. Yo empecé por La desaparición de los rituales y me enamoré de Byung ahí. Ese libro habla mucho de recuperar ciertas narrativas y tradiciones para vivir. Critica cómo en Occidente reemplazamos esas narrativas por el consumo y la producción. Es como producir para consumir y consumir para seguir produciendo, y ya está. No hay otra narrativa. Y ese libro fue la primera semilla para entender muchas cosas. Luego La salvación de lo bello me parece brutal. Empieza preguntando qué tienen en común la depilación brasileña, el iPhone y Jeff Koons. Y todo tiene que ver con la superficie lisa, con la ausencia de fricción. Con cómo vivimos intentando evitar el conflicto y terminamos construyendo una sociedad homogénea.

Y luego La crisis de la narración, que habla de cómo el storytelling ha sustituido a la narración real. Ya no contamos historias de verdad; solo trasladamos información para vender cosas. Todos sus libros tienen algo muy potente. Para mí ya son casi un manifiesto de vida.

Claro. Y me imagino que también es interesante verlo desde hacer pop, ¿no? Porque la palabra pop hace referencia a lo popular, lo que se vende. ¿Qué significa para ti hacer pop hoy?

Para mí hacer pop es conectar con la gente. Conectar con algo que todos compartimos por dentro. Al final, cuando uno hace pop, quiere celebrar con la gente. Quiere cantar con la gente. Porque los que hacemos música no queremos cantar para nosotros mismos. Eso ya lo podemos hacer en casa todos los días. Hay un deseo de conexión muy grande detrás de todo eso.

En tu post de redes hablas de que no se debe datificar ni cuantificar lo invisible, me gustó esa frase, ¿es una reacción a cómo se consume música hoy?

Sí, totalmente. Byung habla mucho de la datificación y me parece un concepto muy interesante. Hoy todo se intenta medir con números. Tienes relojes inteligentes que miden tus pasos, tus variables físicas… todo tiene que convertirse en datos. Y claro, la música también, porque está dentro de una industria que necesita esos números para decidir qué vale y qué no. Pero siento que hay que escapar de eso. Intentar crear momentos honestos que no necesiten cuantificarse. Espacios donde simplemente sientas algo de verdad. Y este disco nace un poco desde ahí. Desde decir: yo hago esto porque me nace, porque me apetece, y ojalá quien esté al otro lado también entienda que puede hacer lo mismo. Y ojo, tampoco quiero quedar como alguien perfecto. Seguro que a veces me contradigo y me entra la neura de querer pegar una canción en TikTok. Todos intentamos ser nuestra mejor versión. Pero el mensaje que quiero dar, para mí y para un mundo mejor, es ese.

Esto de vivir desde la verdad o evitar un limbo de lo bello, ¿cómo se traduce en decisiones concretas en el disco? ¿Cómo trabajaste la parte de letra, sonido, producción, silencios?

Fíjate que tiene mucho que ver con lo invisible. No te podría decir “hicimos esto” o “quitamos aquello”. Más bien era notar cuándo algo estaba en paz dentro de mí. Cuando conseguía callar todas esas voces y dejaba de pensar en referencias, en minutajes, en fórmulas o en si algo iba a funcionar, ahí era cuando decía: vale, esto ya resuena conmigo. Y ya está. Simplemente conectar conmigo y con el viaje del disco. Como una planta que hace una flor sin pensar en comercializarla. Pues un poco así. Hacer canciones simplemente por amor a hacerlas.

El disco empieza con ‘Puro’, una canción cuyo visual muestra a un caballero quitándose la armadura. Es ese gesto como de quitarse capas, ¿no? ¿Cómo se conecta con la idea del álbum? 

Justo. ‘Puro’ abre el disco porque habla de esa intención de encontrar la pureza. También de purificación y de nuevo comienzo. Quitarme esa armadura simbólicamente significa querer volver al origen, quitarme corazas que uno se pone para sobrevivir dentro de esta industria tan hostil. Muchas veces te venden la idea de que tienes que convertirte en ese caballero perfecto, lleno de armaduras y artificios, pero en el fondo, para ser feliz con lo que haces, tienes que abrazar tu verdad y tu origen. Ser honesto con eso.

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Creada por Cygames en 2016 como una franquicia multimedia, Uma Musume: Pretty Derby nació inicialmente como un videojuego para móviles y PC que mezcla simulación deportiva, gestión y elementos “gacha” (mecánicas típicas de muchos videojuegos japoneses donde se consiguen personajes, cartas o ítems mediante sorteos aleatorios). 

Su propuesta es tan extraña como enigmática. Las “Uma Musume”, son chicas con rasgos de caballo al estilo “kemonomimi” (orejas y cola animales). Supuestamente estas características son de origen genético, se expresan solo en los cromosomas xx y están inspiradas en legendarios caballos de carrera reales (al parecer de otro mundo, no sabemos si se trata o no de la Tierra), que entrenan y compiten en torneos, mientras que también funcionan como idols. 

El juego, lanzado finalmente en 2021 tras varios retrasos, se convirtió en un fenómeno en Japón y más tarde alcanzó popularidad internacional gracias a su versión global. La franquicia dio el salto al anime con Uma Musume: Pretty Derby, serie que actualmente cuenta con tres temporadas principales, además de un spin-off (Cinderella Grey) y algunos especiales. Cada entrega sigue a distintas corredoras, tomando como referencia carreras reales del hipismo japonés. 

Aunque mantiene el tono deportivo y el espíritu de superación típico del “spokon” (mangas y animes deportivos como Super Campeones o El príncipe del tenis), la serie ha sabido diferenciarse gracias a su mezcla de melodrama “shojo” (mangas y animes dirigidos al público adolescente femenino como Candy Candy o Sailor Moon), humor absurdo y algo subido de tono a lo Shin Chan y unas carreras animadas con una intensidad de batalla “shonen” (mangas y anime dirigidos al público adolescente masculino como Dragon Ball o Naruto).

En ese contexto aparece Uma Musume: Pretty Derby – Beginning of a New Era, película estrenada en Japón en 2024 y por razones tan inexplicables como las yeguas humanoides, dos años después en occidente. La cinta dirigida por Ken Yamamoto (Pokémon: Hisuian Snow) funciona como una historia independiente dentro del universo de la serie y se ubica cronológicamente alrededor de los eventos inspirados en las carreras clásicas japonesas de 2001. A diferencia de las temporadas principales, aquí la protagonista es Jungle Pocket, una corredora impulsiva y obsesionada con convertirse en la mejor, cuyo crecimiento emocional se construye a partir de su rivalidad con la enigmática Agnes Tachyon.

La película entiende perfectamente qué hace atractiva a la franquicia y es tomar una idea ridícula y tratarla con absoluta seriedad y solemnidad. Lo que podría quedarse en un simple meme sobre “chicas caballo” termina transformándose en un drama deportivo melodramático e intenso. Las carreras están animadas con una energía desbordante, utilizando encuadres y efectos visuales propios de un anime de acción para transmitir velocidad, presión y desgaste físico (los amantes de los cómics de superhéroes se remitirán inmediatamente al cinetismo de los velocistas como The Flash de DC o Quicksilver de Marvel). Cada sprint parece una batalla definitiva y el trabajo de animación consigue que una competencia alrededor de una pista se sienta tan épica como un torneo de artes marciales de Goku.

Sin embargo, lo más interesante de la película está en Jungle Pocket. Más allá de su entusiasmo inicial, el personaje entra progresivamente en una crisis marcada por la frustración y el síndrome del impostor. La rivalidad con Agnes Tachyon deja de ser solo deportiva y se convierte en una lucha interna contra sus propios límites. El filme retrata  bien esa ansiedad competitiva en donde ganar no siempre basta, especialmente cuando el rival que deseas superar desaparece antes del duelo definitivo.

También resulta interesante cómo Agnes Tachyon funciona como contrapunto. Mientras Jungle Pocket corre movida por la pasión y el reconocimiento, Tachyon ve las carreras casi como un experimento científico. Esa diferencia de perspectivas le da más profundidad al conflicto y evita que la película caiga en el esquema típico de rivalidad deportiva.

El largometraje presenta inconvenientes. Al concentrarse tanto en Jungle Pocket, varios personajes secundarios quedan apenas esbozados. Manhattan Cafe y Dantsu Flame tienen momentos relevantes, pero nunca alcanzan el mismo desarrollo emocional. Además, para quienes conocen el anime, puede sentirse extraña la poca presencia de los tradicionales “Winning Live”, los conciertos idol posteriores a las carreras que suelen formar parte esencial del sello de la franquicia.

Beginning of a New Era funciona tanto para seguidores veteranos como para nuevos espectadores, ya que no exige mucho conocer las temporadas anteriores y logra resumir la esencia de las Uma Musume como unas jóvenes yeguas extravagantes envueltas en rivalidades deportivas intensas y que celebran constantemente el esfuerzo competitivo. Lo más inesperado es que, detrás de toda su excentricidad, termina siendo un relato sincero, especialmente dirigido a la Generación Z, sobre la frustración de no sentirse suficiente y la necesidad de seguir compitiendo incluso después de perder.

Eso sí, la película arrastra uno de los problemas más notorios de toda la franquicia y es que jamás se detiene a explicar realmente su mundo. Las Uma Musume simplemente existen y el relato asume que el espectador aceptará sin cuestionamientos por qué hay chicas caballo compitiendo como celebridades deportivas. Esa ausencia de contexto puede entenderse como una decisión deliberada para priorizar el ritmo, aunque también deja la sensación de que quizá no existe un trasfondo más elaborado detrás de la premisa. Y, considerando lo mucho que la historia apuesta por el drama y la épica, esa falta de explicación termina siendo más irritante de lo que debería.

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Casi cincuenta años después del estreno de Taxi Driver, Paul Schrader sigue encontrando nuevas formas de pensar la personalidad y cotidianidad de Travis Bickle. Esta vez, no desde las calles nocturnas y violentas del Nueva York setentero, sino desde un terreno más bien digital. 

El guionista de la película dirigida por Martin Scorsese comentó vía Facebook una idea que rápidamente captó la atención de los fans: una hipotética secuela donde Travis intentaría construir una relación con una novia creada mediante IA.

La conversación comenzó cuando Schrader compartió una anécdota sobre su propia experiencia usando una plataforma de inteligencia artificial conversacional. ‘Por un deseo de entender la interacción hombre-mujer dentro de nuestra matriz, conseguí una novia IA en línea. Qué decepción’, escribió. Según relató, intentó explorar los límites de la programación del sistema, el grado de explicitud y el nivel de conciencia que la inteligencia artificial tenía sobre su propia creación. ‘Ella caía en patrones evasivos y me redirigía a su programación. Cuando insistí, terminó la conversación’.

Entre las respuestas apareció una que imaginaba el escenario perfecto para continuar la historia de Travis Bickle: ‘La mejor secuela posible de Taxi Driver sería Travis intentando tener una novia IA, pero asustándola. Luego reiniciándola y ofendiéndola de otra manera’. Schrader respondió de forma breve y contundente: ‘Me gusta’.

Y no está de más ese plot. La idea, por más sarcástica que pueda sonar, encaja sorprendentemente bien con el universo psicológico de Travis Bickle, el veterano de guerra alienado interpretado por Robert De Niro en el clásico de 1976. En la película original, el personaje se hundía progresivamente en el aislamiento social y la paranoia mientras recorría las calles de Nueva York trabajando como taxista nocturno. Llevar esa soledad al contexto contemporáneo de vínculos digitales y asistentes artificiales parece una evolución natural del mismo malestar existencial.

Casi cincuenta años después del estreno de Taxi Driver, Paul Schrader sigue encontrando nuevas formas de pensar la personalidad y cotidianidad de Travis Bickle. Esta vez, no desde las calles nocturnas y violentas del Nueva York setentero, sino desde un terreno más bien digital. 

El guionista de la película dirigida por Martin Scorsese comentó vía Facebook una idea que rápidamente captó la atención de los fans: una hipotética secuela donde Travis intentaría construir una relación con una novia creada mediante IA.

La conversación comenzó cuando Schrader compartió una anécdota sobre su propia experiencia usando una plataforma de inteligencia artificial conversacional. ‘Por un deseo de entender la interacción hombre-mujer dentro de nuestra matriz, conseguí una novia IA en línea. Qué decepción’, escribió. Según relató, intentó explorar los límites de la programación del sistema, el grado de explicitud y el nivel de conciencia que la inteligencia artificial tenía sobre su propia creación. ‘Ella caía en patrones evasivos y me redirigía a su programación. Cuando insistí, terminó la conversación’.

Entre las respuestas apareció una que imaginaba el escenario perfecto para continuar la historia de Travis Bickle: ‘La mejor secuela posible de Taxi Driver sería Travis intentando tener una novia IA, pero asustándola. Luego reiniciándola y ofendiéndola de otra manera’. Schrader respondió de forma breve y contundente: ‘Me gusta’.

Y no está de más ese plot. La idea, por más sarcástica que pueda sonar, encaja sorprendentemente bien con el universo psicológico de Travis Bickle, el veterano de guerra alienado interpretado por Robert De Niro en el clásico de 1976. En la película original, el personaje se hundía progresivamente en el aislamiento social y la paranoia mientras recorría las calles de Nueva York trabajando como taxista nocturno. Llevar esa soledad al contexto contemporáneo de vínculos digitales y asistentes artificiales parece una evolución natural del mismo malestar existencial.

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Podría ser el título de un documental, de un diario íntimo, de una reflexión sobre la especie humana. Pero La vida en la Tierra, el nuevo álbum de La Portuaria –el primero que el grupo graba en estudio después de casi dos décadas–, es un ejercicio de pop refinado apto para la pista de baile que funciona como un ensayo sobre la opresión y la alienación global en clave musical. Diego Frenkel y Sebastián Schachtel encabezan esta nueva mutación del grupo, que en un principio incluyó la participación de Christian Basso (uno de los fundadores), pero que ahora completan María Eva Albistur en el bajo y Fernando Samalea en la batería. 

No hay solemnidad, aunque sobra elegancia. El puntapié inicial es en clave disco: un arreglo de cuerdas sintetizadas que remiten al final de los 70. Pero no hay nostalgia, no es un sonido retro. Es, más bien, una actualización de esos sonidos que definieron una estética y que aquí se reconfiguran en clave contemporánea. “En tu soñada libertad, no existe amor artificial”, canta Frenkel y la lectura podría volverse política.

El acordeón, sonido característico del grupo, aparece únicamente en “El animal humano”, una reflexión crítica sobre la civilización actual, el exilio espiritual con una línea esperanzada como remate: “Podemos empezar una vez más aunque nos llenen de mierda”. Guitarras arpegiadas y el sonido de un xilofón aportan un timbre diferente a un tema que incluye un guiño spinetteano (“vos sos el sol y además podés ser la luna”), que también trae ecos de Palo Pandolfo.

Hay una mirada sobre el empoderamiento femenino en clave electro-rock (“Centinelas”); hay ecos de Cerati en “Deshielos”, una canción que parece dialogar con la ancestralidad de la especie, desde los tiempos pretéritos en que el fuego ejercía un magnetismo hipnótico y los glaciares no estaban en zona de riesgo; hay en “Esta noche” una misteriosa incursión en el trip-hop, como un flash misterioso, galáctico y místico, que tiene una carga dramática (“esta noche, cuando subas, piensa en mí”), pero también una reflexión que trae la sabiduría de los años (“la vida es más que una puesta en escena”). 

“Incendio” incluye flashes de un escenario apocalíptico (“hemos perdido el norte, tal vez no hay ninguno”, “te ves corriendo por ahí, saltando charcos de petróleo estancado”), pero el final es un subidón energético, una versión de “Hay que salir del agujero interior”, un tema que Virus grabó en 1983 y que conecta con el clima de aquella y de esta época también.

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