A inicios de 1936, Federico García Lorca comenzó a escribir uno de sus últimos trabajos, el cual bautizó La bola negra e iba abordar, de una forma más directa y a modo de drama costumbrista, la homosexualidad. El escritor nunca pudo terminarla pues fue asesinado en agosto de ese mismo año, y de aquella obra teatral inconclusa únicamente quedaron cuatro hojas y el testimonio de Cipriano Rivas Cherif, a quien Lorca le confío parte de la trama. A 90 años de la muerte del también dramaturgo, Los Javis –Javier Ambrossi y Javier Calvo– han llevado esta historia en formato de largometraje a Cannes, donde han recibido una de las ovaciones más largas de la historia del festival.

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“Hace 90 años Federico García Lorca fue asesinado por el fascismo porque era gay. A todos aquellos que piensan que vamos a retroceder en la lucha por los derechos LGTBIQ+ conseguidos, malas noticias, porque estamos aquí esta noche con este casting y equipo increíble”, declaró Ambrossi al finalizar la ronda de aplausos. Por su parte, Calvo destacó que se trata de una película queer, hecha por dos directores “maricones” y con tres protagonistas homosexuales.

“Hay una frase de Federico que dice, ‘Hay que recordar hacia mañana’. Por eso contamos esta historia porque queremos hablar de aquellos que no tuvieron una voz, que no pudieron amar, que no pudieron existir, que no pudieron vivir, que tuvieron que callar y a los que asesinaron para que no vuelva a pasar en el futuro”, agregó.

De acuerdo con la sinopsis oficial, la cinta dirigida por Los Javis “explora el significado de ser gay en diferentes épocas a través de tres vidas enlazadas, uniendo sexualidad, deseo, dolor y herencia”. Es así como La bola negra está ambientada en 1932, 1935 y 2017, y relata las historias de tres hombres homosexuales interpretados, respectivamente, por Milo Quifes, Guitarricadelafuente y Carlos González. Otros actores como Penélope Cruz, Glenn Close, Lola Dueñas y Miguel Bernardeau también hacen parte del reparto.

Su proyección en Cannes 2026 se realizó el jueves 21 de mayo y al finalizar recibió una ovación de 20 minutos, posicionándose como una de las películas más aclamadas después de El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro –que en 2006 fue aplaudida durante 22 minutos– y situándose junto a Fahrenheit 9/11 de Michael Moore. Tras su debut en el festival, la producción liberó el primer adelanto y reveló que llegará a los cines en octubre.

La bola negra es una de las tres películas españolas que compiten este año por la Palma de Oro, que se entregará el sábado 23 de mayo en la ceremonia de clausura del evento. Pedro Almodóvar compite por séptima ocasión, esta vez con Amarga Navidad, mientras que Rodrigo Sorogoyen lo hace con su filme protagonizado por Javier Bardem, El ser querido.

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Cuando The Boys apareció en las plataformas de streaming en 2019, el género de superhéroes dominaba completamente la cultura popular. Marvel acababa de alcanzar su punto más alto con Avengers: Endgame, DC seguía intentando consolidar su irregular universo cinematográfico y Hollywood parecía convencido de que el héroe clásico todavía podía sostenerse sin cuestionamientos. En medio de ese escenario llegó una serie que no solo buscó burlarse de los superhéroes, sino desmontar todo lo que representan dentro de la cultura contemporánea. O como diría Billy Butcher: Se cagó en ellos.

Basada en los cómics creados por Garth Ennis y Darick Robertson, The Boys tomó la estructura tradicional del relato superheroico para convertirla en una crítica brutal hacia el espectáculo mediático, el poder corporativo y la idolatría colectiva. En lugar de héroes altruistas, la serie presentó celebridades administradas por una empresa multimillonaria llamada Vought International, capaz de transformar salvadores en productos de mercadeo, candidatos políticos y armas de control social.

La premisa funcionó desde el primer episodio porque entendió algo esencial y es que el problema nunca fueron solamente los poderes, sino quién administraba la imagen de quienes los poseían.

La historia comenzó con Hughie Campbell, interpretado por Jack Quaid, un joven común cuya vida quedó destruida cuando el velocista A-Train (Jessie T. Usher) atravesó accidentalmente a su novia en plena calle. Esa secuencia inicial definió inmediatamente el tono de la serie: grotesco, violento, absurdo y satírico al mismo tiempo. Hughie terminó siendo reclutado por Billy Butcher, un mercenario interpretado por Karl Urban, quien dedicó su vida a destruir superhéroes después de que Homelander, el héroe más poderoso del planeta, arruinara la suya años atrás.

Urban convirtió a Butcher en uno de los personajes más importantes de toda la serie. Su interpretación mezcló brutalidad, ironía y desgaste emocional sin transformar nunca al personaje en un simple antihéroe carismático. Butcher funcionó porque constantemente parecía estar al borde de destruirse a sí mismo junto con todo lo que lo rodeaba.

Pero incluso con personajes tan fuertes, The Boys siempre tuvo un dueño absoluto en la figura de Antony Starr. La interpretación de Homelander probablemente terminó siendo una de las actuaciones más importantes que entregó el género superheroico, tanto en televisión como en el cine. Starr construyó un personaje aterrador precisamente porque evitó interpretarlo como un villano tradicional. Homelander podía actuar como un líder carismático frente a las cámaras y segundos después transformarse en alguien completamente inestable. La serie entendió que el verdadero terror no estaba solamente en sus poderes, sino en su necesidad enfermiza de aprobación, control y adoración pública.

Mientras avanzaron las temporadas, se volvió evidente que Homelander no representaba solo una versión corrupta de Superman. Representaba la construcción mediática de figuras intocables capaces de manipular masas incluso cuando su violencia ocurría frente a todos. Ese elemento fue clave para que The Boys creciera mucho más allá de la simple parodia superheroica.

Lo interesante es que la serie nunca intentó esconder sus referencias. The Boys siempre fue frontal, agresiva y exagerada. Su crítica política funcionó precisamente porque entendió el espectáculo como parte del problema. Vought convirtió tragedias en campañas publicitarias, vendió inclusión como estrategia de mercado y utilizó a los superhéroes como herramientas electorales mientras producía películas, series y mercancía alrededor de ellos.

En ese sentido, la serie tuvo mucho en común con Watchmen, la obra maestra de Alan Moore y Dave Gibbons, más de lo que parecía inicialmente. Ambas destruyeron la idea del héroe moralmente perfecto y mostraron cómo el poder absoluto inevitablemente termina deformando cualquier estructura ética. La diferencia estuvo en el enfoque. Mientras Watchmen utilizó una mirada más filosófica y pesimista, The Boys apostó por la sátira salvaje y el exceso visual.

Con Kick-Ass también compartió la intención de aterrizar el género superheroico dentro de un contexto más realista y violento. Sin embargo, donde la obra de Mark Millar todavía conservaba cierta fascinación juvenil por convertirse en héroe, The Boys prácticamente eliminó cualquier romanticismo asociado a esa idea.

Ahora bien, la comparación con Invincible resulta todavía más interesante. Ambas producciones mostraron violencia extrema y relaciones familiares destruidas por el poder. Pero mientras Invincible todavía cree en la posibilidad de reconstruir el heroísmo clásico, The Boys pareció convencida de que cualquier sistema basado en figuras idolatradas terminaría inevitablemente corrompido.

Esa visión fue justamente lo que permitió que la serie evolucionara junto con el contexto político real. A medida que el mundo se volvió más polarizado, la sátira de The Boys dejó de parecer exagerada. La manipulación mediática, el fanatismo político y la radicalización colectiva que mostraba la serie comenzaron a sentirse peligrosamente cercanos a la realidad.

Aun así, uno de los mayores aciertos del programa fue entender que detrás de toda la violencia debía existir humanidad. Erin Moriarty convirtió a Starlight en uno de los personajes más sólidos de la serie. Lo que inicialmente parecía la típica heroína ingenua terminó transformándose en una figura atrapada entre sus principios y la maquinaria corporativa de Vought. Su evolución funcionó porque nunca abandonó completamente la vulnerabilidad.

Mother’s Milk, interpretado por Laz Alonso, probablemente fue uno de los personajes más importantes de The Boys precisamente porque funcionó como el último vínculo estable con la humanidad dentro de un mundo completamente podrido. Mientras Butcher se dejaba consumir por la obsesión y Hughie atravesaba constantes crisis morales, M.M. representó la necesidad de mantener límites éticos incluso cuando todo parecía justificar la violencia.

Karen Fukuhara también entregó probablemente la interpretación más emocional del programa con Kimiko. Incluso en silencio, el personaje transmitió trauma, rabia y afecto con una naturalidad impresionante. Su relación con Frenchie, interpretado por Tomer Capone, terminó convirtiéndose en uno de los vínculos más importantes de la serie.

En cuanto a los superhéroes corruptos, Chace Crawford sorprendió enormemente con The Deep. Lo que comenzó como una caricatura ridícula de Aquaman terminó convirtiéndose en una sátira bastante cruel sobre celebridades desesperadas por seguir siendo relevantes. Crawford entendió perfectamente el absurdo del personaje y lo explotó constantemente sin perder el tono dramático cuando la serie lo necesitó.

Jessie T. Usher también consiguió que A-Train evolucionara muchísimo con el paso de las temporadas. Su arco dejó de ser únicamente el de un personaje arrogante para transformarse en alguien constantemente enfrentado a las consecuencias físicas, sociales y raciales de sus decisiones.

Colby Minifie también terminó convirtiéndose en una de las grandes sorpresas de The Boys gracias a Ashley Barrett, probablemente el personaje que mejor representó la descomposición moral dentro de Vought. Lo que comenzó como una ejecutiva neurótica y oportunista evolucionó lentamente hacia una figura consumida por el miedo, la presión corporativa y la necesidad desesperada de sobrevivir dentro de un sistema completamente tóxico. Minifie entendió perfectamente el tono histérico y satírico del personaje, pero también logró darle una dimensión trágica bastante inesperada. Ashley terminó funcionando como el retrato de alguien destruido psicológicamente por el mismo monstruo empresarial que ayudó a sostener.

Algo similar ocurrió con Susan Heyward y Sister Sage en la quinta temporada. Introducir al personaje más inteligente del planeta pudo haber resultado ridículo incluso para los estándares de The Boys, pero Heyward consiguió convertirla en una presencia inquietante y calculadora. Sage funcionó como el complemento perfecto para Homelander porque, a diferencia de otros personajes, entendía exactamente cómo manipular el caos político y social alrededor de él. Más que fuerza física, el personaje representó el peligro de la inteligencia utilizada sin ninguna brújula moral, especialmente dentro de una sociedad ya completamente dominada por la desinformación, el fanatismo y el miedo.

Firecracker apareció como una caricatura venenosa del populismo mediático estadounidense, una influencer ultraconservadora, conspiranoica y hambrienta de atención que convierte cada transmisión en un sermón armado. El personaje, interpretado por Valorie Curry, funciona como uno de los retratos más feroces que ha hecho la serie sobre la maquinaria del odio contemporáneo y la forma en que el espectáculo político termina pareciéndose a un reality show con armas y banderas. Eric Kripke reconoció que el personaje nació inspirado en figuras reales de la extrema derecha mediática estadounidense. 

Hay que mencionar también la decepción que significó Queen Maeve, interpretada por Dominique McElligott, cuyo cierre funcionó más como una desaparición silenciosa que como una verdadera conclusión narrativa debido a su retiro de la actuación. Después de convertirse en uno de los pocos personajes capaces de desafiar realmente a Homelander, la serie optó por apartarla del conflicto principal y dejar su futuro abierto. Haberla reemplazado por otra actriz hubiera sido una mejor opción. 

La primera temporada todavía conservó cierta estructura de sátira exagerada. Sin embargo, desde la segunda temporada la serie endureció muchísimo más su mirada política. El ascenso de la superheroína nazi Stormfront (Aya Cash), el fanatismo digital, la manipulación de discursos nacionalistas y el comportamiento de las masas acercaron la ficción a fenómenos sociales completamente reconocibles.

La tercera temporada probablemente representó el punto donde The Boys alcanzó su mayor nivel de descontrol creativo. La serie entendió que ya no bastaba con burlarse del género superheroico y decidió empujar absolutamente todo al límite. El mejor ejemplo fue la secuencia de Termite (Brett Geddes) en el primer episodio, una escena grotesca y absurda que resumió perfectamente la identidad de la serie basada en humor negro, gore y sátira llevados hasta niveles ridículos.

Pero detrás del shock visual, la temporada también hizo algo importante con sus personajes. Hughie comenzó a obsesionarse con la idea del poder y Butcher terminó cruzando líneas morales cada vez más peligrosas. Esa decisión fue clave porque permitió mostrar cómo incluso quienes odiaban a los superhéroes podían terminar seducidos por aquello que intentaban destruir.

Además, la inclusión de Soldier Boy, interpretado por Jensen Ackles, aportó una nueva capa al universo de la serie. El personaje funcionó como una representación tóxica del patriotismo estadounidense y del héroe militar construido artificialmente por la cultura popular. Ackles, con su Anti-capitán América, logró equilibrar brutalidad, inmoralidad, humor y decadencia emocional de una manera bastante efectiva.

La cuarta temporada tomó un camino todavía más político. Para ese punto, The Boys prácticamente abandonó cualquier intento de sutileza y convirtió a Homelander en una figura cada vez más cercana a un líder autoritario respaldado por fanáticos incapaces de cuestionarlo. La serie comenzó a reflejar directamente la polarización contemporánea, el extremismo digital y la manipulación mediática.

Ese enfoque hizo que la sátira perdiera parte de su distancia caricaturesca. Lo que antes parecía exagerado empezó a sentirse demasiado cercano a la realidad. Homelander ya no era solamente un villano inestable; era una celebridad política capaz de transformar violencia en apoyo popular.

La temporada también profundizó el desgaste emocional de varios personajes. Butcher comenzó a enfrentar las consecuencias físicas y psicológicas de sus decisiones, mientras Starlight y Mother’s Milk intentaron sostener cierta humanidad dentro de un entorno completamente roto.

La temporada final, en cambio, funcionó más como una conclusión amarga que como un cierre épico tradicional. La serie dejó claro desde el principio que ya no existía posibilidad de regresar a un equilibrio moral. Homelander finalmente alcanzó niveles de poder político, social e inclusive religioso, que convirtieron a Estados Unidos prácticamente en un territorio controlado por el miedo.

Aunque el ritmo de la última temporada presentó algunos problemas y ciertas dinámicas comenzaron a sentirse repetidas, las actuaciones siguieron sosteniendo gran parte del impacto emocional. Antony Starr entregó en ella la versión más aterradora y patética de Homelander precisamente porque ya no necesitó esconderse detrás de una imagen pública cuidadosamente construida. Eric Kripke, uno de los creadores de la serie, explicó que nunca quiso utilizar el giro final del cómic original, donde Black Noir resultaba ser el verdadero villano detrás de Homelander, porque consideraba injusto despojar al personaje construido por Starr de toda responsabilidad después de cinco temporadas.

Karl Urban también consiguió que Butcher funcionara como una figura completamente destruida física y emocionalmente. Su obsesión terminó consumiéndolo hasta convertirlo en alguien tan peligroso como aquello que juró destruir. La serie utilizó el conflicto final entre Butcher y Hughie para cerrar el gran tema moral que había acompañado toda la historia: hasta dónde puede llegar alguien antes de convertirse exactamente en aquello que combate.

La última temporada además intentó conectar definitivamente todo el universo expandido de la franquicia, especialmente los acontecimientos de Gen V. La serie derivada consiguió construir una identidad propia utilizando el ambiente universitario para hablar sobre trauma, competencia, manipulación institucional y control político sobre las nuevas generaciones de superhéroes. Lejos de sentirse como un simple producto secundario, Gen V expandió el universo narrativo mientras desarrollaba personajes realmente interesantes, especialmente Marie Moreau (Jaz Sinclair), Emma Meyer (Lizze Broadway) y Jordan Li (London Thor y Derek Luh). Su cancelación terminó siendo una de las decisiones más desconcertantes alrededor de toda la franquicia.

Otro aspecto importante de The Boys fue su capacidad para expandir su universo sin perder identidad. La serie animada The Boys Presents: Diabolical permitió explorar distintos tonos y estilos visuales dentro del mismo mundo, funcionando como una extensión experimental mucho más libre y caótica. Algunos episodios apostaron completamente por la comedia negra; otros se acercaron más al horror o incluso al drama psicológico. Lo importante fue que la animación demostró que el universo de The Boys podía existir más allá de la serie principal sin sentirse repetitivo.

Y aunque la serie principal ya terminó, se han estado desarrollando nuevos proyectos como The Boys: México y Vought Rising, demostrando hasta qué punto esta franquicia terminó convirtiéndose en una de las propiedades más importantes de Prime Video. Sin embargo, el crecimiento del universo también evidenció uno de los problemas más notorios de la serie principal: el desgaste narrativo. Con el paso de las temporadas, The Boys comenzó a depender demasiado de su propia fórmula. 

La violencia extrema, las secuencias grotescas y la sátira política seguían funcionando, pero en algunos momentos daba la sensación de que la historia avanzaba más lento de lo necesario. Especialmente hacia su quinta temporada, la serie pareció ocasionalmente atrapada repitiendo dinámicas ya conocidas. Eso no significa que hubiera perdido su fuerza. Antony Starr continuó siendo extraordinario como Homelander hasta el final y varios conflictos mantuvieron su impacto emocional. Pero ya no existía la misma capacidad de sorpresa que tenía la serie en sus primeros años.

Aun así, incluso en sus momentos más irregulares, The Boys conservó algo que muchas producciones superheroicas recientes perdieron hace tiempo: personalidad. Nunca intentó parecer segura, elegante o complaciente. Su identidad siempre estuvo construida desde el exceso, el caos y la provocación. Y aunque a veces cayó en repeticiones narrativas o exageraciones innecesarias, también consiguió convertirse en una de las obras más importantes dentro de la evolución moderna del género de superhéroes.

The Boys nunca habló realmente sobre personas con poderes. Habló sobre sociedades capaces de convertir figuras violentas, beligerantes y destructivas en símbolos de admiración masiva mientras corporaciones y gobiernos aprendían a utilizar ese fanatismo en beneficio propio.

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Hay directores que se limitan a filmar historias, pero Guy Ritchie, cuando se lo propone, filma actitud. In the Grey podría haber sido solamente otro thriller de mercenarios y operaciones clandestinas, pero en manos de Ritchie termina convertido en un espectáculo de ritmo hipnótico, camaradería masculina, violencia estilizada y glamour criminal. Desde los primeros minutos, la película se mueve con la precisión de un reloj de lujo. Montaje eléctrico, diálogos veloces, trajes impecables y personajes que parecen haber nacido para caminar lentamente mientras todo explota detrás de ellos.

La historia sigue a Rachel Wild, una especialista en recuperación de activos que recluta a dos ex soldados de operaciones especiales, Sid y Bronco, para recuperar miles de millones escondidos por un magnate criminal (Carlos Bardem). Sobre el papel suena complejo, pero la película jamás pierde energía porque Ritchie entiende algo fundamental y es que el cine de acción no vive únicamente de la trama, sino de la dinámica entre los personajes, el movimiento y el placer visual. Y ahí es donde la película se vuelve una maravilla.

Henry Cavill y Jake Gyllenhaal tienen una química extraordinaria. No interpretan héroes invencibles sino profesionales agotados, inteligentes y peligrosos que se comunican más con miradas y sarcasmo que con grandes discursos. Hay algo deliciosamente clásico en ellos, como si hubieran escapado de una película de Howard Hawks y hubieran terminado atrapados en un thriller corporativo ultraviolento. Cavill aporta una presencia física bella, brutal y contenida, mientras Gyllenhaal convierte cada línea en un pequeño momento de ironía cansada.

La gran Rosamund Pike aparece poco, pero cada escena suya tiene el veneno elegante de las grandes femmes fatales corporativas. Su Bobby Sheen no necesita levantar la voz. Basta una mirada glacial o una frase dicha con absoluta calma para dejar claro que pertenece a ese mundo financiero donde los préstamos multimillonarios y las extorsiones apenas están separados por una firma. Pike interpreta a la perfección a esos tiburones de traje caro que entienden que los bancos y los criminales muchas veces funcionan bajo la misma lógica: prestar dinero, cobrarlo y destruir a quien no pueda devolverlo. 

La película se divierte mostrando cómo los prestamistas y cobradores modernos ya no usan bates de béisbol en callejones oscuros, sino abogados (Fisher Stevens es retorcidamente genial), vacíos legales, mercenarios y transferencias internacionales. Y justamente ahí, en esa mezcla entre capitalismo financiero y cine de gánsteres, In the Grey encuentra parte de su personalidad más fascinante.

La mexicana Eiza González es toda una revelación. Su Rachel Wild domina la pantalla con una mezcla irresistible de belleza, elegancia, inteligencia, calma  y peligro. No es la típica “chica del equipo”, es el cerebro absoluto de la operación. González entiende perfectamente el tono de Ritchie y juega el papel con una seguridad magnética que termina robándose la película. Incluso algunas críticas negativas (¿en realidad vieron esta película?) coinciden en eso.

In the Grey es puro placer cinematográfico. Las locaciones en España, Arabia Saudita y las Islas Canarias convierten la película en una especie de tour criminal de lujo, mientras Ritchie encadena persecuciones, tiroteos, infiltraciones y enfrentamientos con una fluidez impresionante. Lo mejor es que jamás se siente como una sucesión vacía de explosiones. Cada secuencia tiene personalidad propia.

También hay algo refrescante en cómo la película abraza el entretenimiento sin complejos. No pretende sermonear ni disfrazarse de “cine importante”. Es una película orgullosamente pulp, sofisticada y juguetona, heredera tanto del cine de mercenarios setentero como de los thrillers elegantes de los noventa. Hay ecos claros de Mission: Impossible, de los viejos filmes de espionaje británicos protagonizados por Michael Caine y hasta del espíritu relajado de The Man from U.N.C.L.E., otra joya injustamente subestimada de Ritchie.

Además, la película tiene sentido del humor. Seco, absurdo y elegantemente ridículo. Los personajes hablan sobre cócteles hechos con café colombiano, ropa, helados y juegos de mesa mientras preparan asesinatos o destruyen organizaciones criminales enteras. Ese contraste entre sofisticación y brutalidad es exactamente lo que hace tan especial al cine de Ritchie.

Muchos directores modernos filman acción como si estuvieran editando videojuegos. Ritchie, en cambio, sigue entendiendo la acción como coreografía, ritmo y carisma. Por eso In the Grey funciona tan bien, porque detrás de cada balazo hay personalidad, y detrás de cada línea de diálogo hay actores disfrutando enormemente el juego.

Quizás no sea una película interesada en cambiar el cine contemporáneo y tampoco hace parte del panteón de obras maestras del director como Lock, Stock & Two Smoking Barrels, Snatch, Rocknrolla, The Gentlemen o la serie Mobland. No importa. Lo suyo es recordar algo más importante y que el cine comercial todavía puede ser sexy, elegante, inteligente, al punto y condenadamente entretenido al mismo tiempo.

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¿A qué suena Bogotá? Esa es una pregunta recurrente entre melómanos y amantes de la música en Colombia, especialmente cuando otras regiones —como Medellín o la costa Caribe— parecen haber encontrado, en cierta medida, un sonido que las representa. En el caso de la capital, la respuesta es un poco más compleja. 

Bogotá es una ciudad atravesada por influencias de todo el país. En un recorrido por la Carrera Séptima o la Zona T pueden convivir el reggaetón, el dancehall, los boleros y el rock alternativo sin ningún problema. Tal vez por eso nunca ha sido fácil definir un único “sonido rolo”. Sin embargo, esa misma diversidad ha permitido que proyectos de todos los colores encuentren un lugar dentro de la escena local y conecten con el público capitalino.

Así, para los llamados “cachacos”, suelen resultar especialmente llamativas aquellas propuestas que se acercan más al imaginario de la ciudad gris y lluviosa: canciones atravesadas por letras melancólicas y reflexivas sobre el pasado, la ausencia, lo que significa crecer y, sobre todo, el amor y todos sus dilemas. Esos son justamente algunos de los temas centrales en la música de Paula Pedraza, quien, a través de su proyecto Paula Pera y el fin de los Tiempos, le ha dado un aire distinto a una escena alternativa bogotana tradicionalmente ligada al rock y, en ocasiones, al pop. Con una propuesta marcada por una estética vintage y sonidos que van del indie rock y el dream pop al synth pop, su trabajo también encuentra inspiración en la tradición musical colombiana y latinoamericana, construyendo un universo nostálgico que parece dialogar directamente con la sensibilidad de la capital colombiana.

Antes de convertirse en una de las voces más llamativas de la nueva escena alternativa, Paula Pedraza ya llevaba varios años moviéndose dentro del circuito independiente de la ciudad. La cantante hizo parte de Stallone, una banda influenciada por el indie y el dream pop, antes de dar forma a un proyecto mucho más íntimo y personal. Fue durante una temporada trabajando como cantante en cruceros, entre 2019 y 2020, cuando empezó a escribir las canciones que eventualmente darían vida a Paula Pera y el fin de los Tiempos. Composiciones nacidas como diarios emocionales atravesados por la nostalgia, el desamor y la incertidumbre de crecer. Esa sensibilidad presente desde sus primeros años llamó la atención de Esteman, quien la invitó a participar en ‘Difícil querer’, uno de los temas de su álbum Si volviera a nacer. La colaboración ayudó a posicionar el nombre de Paula dentro de la escena indie nacional incluso antes de la consolidación de su proyecto solista. 

Apenas tres años después del nacimiento del proyecto, Paula Pera y el fin de los Tiempos se convirtió en uno de los nombres más comentados del mundo underground tras ganar Rompe Colombia 2023, la iniciativa de Amazon Music enfocada en impulsar artistas emergentes del país. La victoria no solo le dio una mayor visibilidad dentro de la industria nacional, sino que también confirmó que había espacio para una propuesta alejada de las fórmulas más comerciales del momento. En medio de una escena dominada por el urbano y el pop latino, el proyecto de Paula logró destacar gracias a una identidad construida desde la melancolía, la nostalgia y la canción de autora. 

El reconocimiento llegó justo antes del lanzamiento de FIN DE LOS TIEMPOS, su álbum debut, publicado en 2024. El disco terminó de consolidar ese universo sonoro que la bogotana había venido construyendo desde sus primeros sencillos —como ‘Bajo el cielo azul’ y ‘Antes de los 30’, junto a Nicolas y los Fumadores—, mostrando un cruce entre el indie rock, el dream pop, el synth pop y referencias directas a la balada latinoamericana y la llamada “música de plancha”. 

El 2024 de Paula no se limitó a un impresionante debut. Tras el lanzamiento, Paula estableció su propuesta gracias a hitos como su paso por el Festival Estéreo Picnic y sus nominaciones a los Premios Nuestra Tierra en las categorías de Mejor Artista Alternativo Rock/Indie y Mejor Canción Alternativa Rock/Indie. Ese crecimiento continuó durante los años siguientes con presentaciones en espacios como BIME Live, confirmando el ascenso de un proyecto que, en poco tiempo, pasó de los circuitos independientes bogotanos a convertirse en uno de los nombres más llamativos de la nueva música colombiana. 

Después de esos grandes logros en su carrera y tras dos años de evolución y reflexión, Paula llega este 2026 con su segundo álbum de estudio, noquieroquemequieras. “Este disco nace de las conversaciones nocturnas con mis amigas y de mis propias historias. Es, en esencia, el intento de ponerle música a todo lo que nos sucede cuando nos rompen el corazón y cuando volvemos a enamorarnos”, afirma Paula sobre esta nueva etapa, transformando las notas de voz de sus amigas en canciones de pop alternativo.

El álbum, compuesto por diez canciones, recorre el amor en todas sus formas a través de una estructura casi simétrica en la que, mientras una mitad explora la euforia del enamoramiento, la otra se sumerge en el vacío del desamor. Musicalmente, el proyecto amplía todavía más el universo sonoro construido desde el inicio, moviéndose con naturalidad entre las corrientes exploradas desde sus primeros temas y sonidos más cálidos cercanos a la bachata y la tradición latinoamericana.

El lanzamiento también llega en un momento clave para la artista bogotana. Su crecimiento ha comenzado a expandirse fuera del país, especialmente hacia México, actualmente uno de los mercados más importantes para cualquier artista. Allí, recientemente participó en un songwriting camp junto a Ximena Sariñana y El Sant (Little Jesus).

En un momento en el que gran parte de la música colombiana parece enfocada en la inmediatez y las fórmulas virales, Paula Pera y el fin de los Tiempos ha encontrado un espacio apostándole a algo mucho más íntimo: canciones que habitan la nostalgia, el desamor y la vulnerabilidad sin miedo al dramatismo. Más que intentar definir un sonido bogotano, el proyecto de Paula Pedraza parece capturar una sensibilidad muy particular de la capital. Esa mezcla entre melancolía, romanticismo y caos emocional que atraviesa a toda una generación de jóvenes creciendo en la ciudad.

Con noquieroquemequieras, Paula no solo expande el universo sonoro que comenzó a construir desde 2020, sino que también reafirma su lugar dentro de una nueva ola de artistas latinoamericanos que están reinterpretando las tradiciones románticas de la región desde el indie y el pop alternativo. 

Aunque su música siga creciendo y cruzando fronteras, en el fondo sus canciones todavía conservan la sensación de una conversación nocturna entre amigos intentando entender qué significa amar, crecer y sobrevivir a ambas cosas.

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“Sin el público uno no es nada. Suena cliché, pero es la realidad: sin fanáticos, el artista no es nada”: Sech.

Después de un sinnúmero de éxitos lanzados entre 2019 y 2021, en discos como Sueños, The Academy —junto a Dalex, Feid, Lenny Tavárez, Justin Quiles y Rich Music—, 1 of 1 y 42, Carlos Isaías Morales Williams, mejor conocido como Sech, dejó un poco de lado las luces de la gran industria y la fama para centrarse en él y en su salud, una experiencia que cambió su mentalidad en muchos aspectos y lo llenó de madurez.

Desde México, el nacido en Río Abajo, Panamá, habló con ROLLING STONE en Español sobre los cambios de mentalidad que ha vivido durante su carrera, la madurez adquirida lejos de los reflectores y su nuevo disco: Secho Gang, un homenaje a quienes siempre han estado ahí, a su lado.

“La historia de la música urbana le debe mucho a Panamá, desde el reggae en español y El General. Nosotros mezclamos mucho con el dancehall y nuestra esencia es muy jamaiquina, entonces, a la hora de hacer reggaetón sonamos de manera única. Eso hace especial al reggaetón de Panamá”, empieza diciendo sobre eso tan especial que tiene el país del Canal y por qué el reggaetón panameño tiene un estilo que lo diferencia del resto.

Después de Esa noche terminó de día, el último disco lanzado en 2025, Sech regresa con Secho Gang: “Este disco es un llamado a todos mis fanáticos que me han apoyado durante mi carrera. Me perdí un tiempo por cuestiones que se salían de mis manos, pero hubo un público que siguió firme siempre conmigo. Después de dos años, pude volver a sacar música y nadie podía asegurar que me escucharían, pero la gente me siguió apoyando. Entonces, este disco es oficializar esa familia inmensa que tengo”. Y complementa: “Es un disco pa’ que la gente baile y la pase bien donde sea que se encuentre. Las canciones son del público y por eso estoy haciendo tantos meet & greet, para de verdad conectar”.

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 “Cuando llegue a mi momento más alto, me voy a retirar”.

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Jay Wheeler, Kris R., Lucho RK, Ryan Castro y Kybba fueron los invitados a participar en esta nueva producción, en la que, aunque no hubo mucho tiempo para grabar, Sech rescata la disposición de sus compañeros para sumarse al disco y el apoyo que recibió. “Cada colaboración fue especial por el apoyo y la disposición de cada uno de los artistas”.

Para un artista, muchas veces salir del radar de “los más pegados” o de los más escuchados suele ser una experiencia desastrosa a nivel artístico y personal, pero para Sech fue el momento justo para madurar. “Fue un momento en que me puse pa’ mí y pa’ mi salud. Bajar de peso y fortalecerme tanto física como mentalmente. Fue un break para estar con mi familia, fue un momento donde maduré y aprendí mucho”.

¿Cuál fue el mayor cambio entre ese Sech de antes y el de después del break? “Madurez en la presión con la que hacía las cosas. Antes solo me enfocaba en pegar las canciones, sin pensar si de verdad me encantaban. Ahora estoy haciendo cosas que en verdad me gustan y me apasionan, sin tanta presión”.

Y es que temas como ‘Priti’, junto a Danny Ocean, o ‘Novio No’, junto a Ryan Castro, demuestran a un Sech que sigue vigente, pero sin la gran presión de la industria.

Como él mismo lo explica —y como lo ha demostrado a lo largo de su carrera—, las versiones acústicas de sus canciones han jugado un papel fundamental en su obra. “Me encanta lo acústico, sobre todo por la conexión que se genera con el público. Yo lo veo en los comentarios de los videos. Son un regalo de mi parte”.

Como muchos artistas alrededor del mundo, grabar y compartir junto al canadiense Justin Bieber es uno de los mayores sueños del panameño, quien se entusiasma al mencionar que otros sueños, como grabar al lado de Daddy Yankee, Bad Bunny o Reik, ya los cumplió. Además, se refirió a nuevas generaciones que lo tienen “loco”: “Me fascina lo de Milo J y lo de Elena Rose. Tengo sus discos quemados de tanto escucharlos”.

“El futuro de la música urbana es infinito. Cada cierto tiempo nos vamos ligando a ciertas variaciones, pero es como un círculo: la tendencia del ayer vuelve a ser la del mañana. Urbano con tropical, después ligado al pop, damos vuelta con el trap y luego volvemos al reggaetón de la mata. Es algo cíclico”, reflexiona el artista sobre el futuro de los sonidos urbanos, un terreno en el que se siente cómodo desde cualquier ángulo.

Volviendo a temas de la gran industria musical, Sech siente que el mayor reto de estar en la cima es alejarse de su familia y de sus seres queridos. “El tiempo no vuelve. Los padres siguen creciendo”, dice con nostalgia.

Y al hablar del tiempo, en unos 20 años en el futuro se percibe como un ser humano tranquilo, aunque sin saber si seguirá envuelto en el universo de la música. “Cuando llegue a mi momento más alto, me voy a retirar. Yo amo la música, pero siempre he tenido en mente que cuando llegue a mi punto más alto, me voy a retirar, y sin regresos inesperados. Me retiro del todo”.

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