Lionel Messi se está preparando para vestir la camiseta de Argentina en la Copa Mundial de la FIFA 2026, pero la leyenda del fútbol también espera ganar en grande con su última colaboración con la marca de accesorios Stanley.

La estrella del fútbol anunció la semana pasada en Instagram el lanzamiento de la colección Messi x Stanley 1913 Gold Collection, con una foto en la que se lo ve parado detrás de la serie de botellas de agua y vasos térmicos como si estuviera posando junto a su colección de trofeos. “Hecha para brillar bajo las luces más intensas”, escribió en el epígrafe de la publicación.

Stanley denomina oficialmente a esta nueva tonalidad dorada como la línea “Messi Legacy” (El legado de Messi) y es fácil entender por qué: a sus 38 años, el astro es uno de los nombres más importantes del mundo del deporte, con ocho Balones de Oro en su haber y la consagratoria victoria en el Mundial de Argentina en 2022 (sin mencionar a sus amigos famosos de apellido Beckham, Brady y Kardashian).

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El 1 de junio de 2026 se cumplen cien años del nacimiento de Marilyn Monroe, la mujer que trascendió el estrellato para convertirse en mito. Pocas figuras en la historia del cine han alcanzado una dimensión tan universal. Su imagen sigue siendo reconocible en cualquier rincón del planeta, pero reducirla a la rubia del vestido blanco vaporoso sería ignorar la complejidad de una artista que luchó toda su vida por ser tomada en serio.

Nacida como Norma Jeane Mortenson en Los Ángeles, su infancia estuvo marcada por los orfanatos, las familias de acogida y una profunda sensación de abandono que terminaría definiendo buena parte de su personalidad. Aquella niña insegura se transformó en la estrella más importante de la posguerra, capaz de revolucionar los cánones de sensualidad de Hollywood y de conectar con el público como ninguna actriz lo había hecho desde Greta Garbo.

Antes de alcanzar el estrellato absoluto, Monroe dejó huellas imborrables en cuatro apariciones fundamentales. En Love Happy (1949), junto a los Hermanos Marx, demostró que bastaban unos segundos en pantalla para capturar la atención del público. En The Asphalt Jungle (1950), de John Huston, empezó a revelar una presencia cinematográfica imposible de ignorar. Ese mismo año, en All About Eve (1950), de Joseph L. Mankiewicz, compartió escena con Bette Davis y confirmó que poseía un magnetismo propio que trascendía cualquier papel secundario. Aquellas breves intervenciones anunciaban la llegada de una estrella destinada a cambiar para siempre la historia de Hollywood.

Marilyn Monroe sigue siendo mucho más que una estrella de cine. Fue un símbolo cultural, una revolucionaria involuntaria y una artista que, pese a las limitaciones de su tiempo, consiguió transformar sus fragilidades en una forma única de presencia cinematográfica. Hollywood ha producido cientos de estrellas. Marilyn solo hubo una.

A cien años de su nacimiento, estas son las diez películas que mejor resumen su talento, su evolución artística y la extraordinaria fuerza de una figura que sigue fascinando a generaciones enteras.

10. The Prince and the Showgirl (1957)

– Dir. Laurence Olivier

La única película producida por la propia actriz a través de su compañía Marilyn Monroe Productions representa uno de los momentos más importantes de su independencia artística. Compartiendo pantalla con Laurence Olivier, la actriz interpreta a una corista estadounidense que conquista a un aristócrata europeo. Más allá de las tensiones legendarias entre ambos durante el rodaje, la película demuestra la determinación de Monroe por escapar de los papeles de rubia ingenua que los estudios le imponían. Su actuación posee una delicadeza y una inteligencia emocional que durante años fueron injustamente subestimadas.

9. Niagara (1953)

– Dir. Henry Hathaway

La película que convirtió a Marilyn en una estrella internacional. Hathaway comprendió mejor que nadie el potencial visual de la actriz y construyó un thriller donde su sensualidad se convierte en un arma narrativa. Monroe interpreta a una mujer atrapada en un matrimonio destructivo que planea asesinar a su esposo. Por primera vez no era la chica simpática o la vecina encantadora, sino una auténtica femme fatale. El filme marcó el nacimiento definitivo del mito Marilyn y confirmó que podía sostener una producción importante prácticamente por sí sola.

8. There’s No Business Like Show Business (1954)

 – Dir. Walter Lang

Esta superproducción musical permite apreciar una de las facetas menos valoradas de Monroe: su talento como cantante y bailarina. Rodeada por figuras como Ethel Merman y Donald O’Connor, Marilyn aporta una energía moderna y una presencia escénica que termina robándose buena parte de la atención. Es una película que muestra cómo su carisma trascendía cualquier limitación narrativa.

7. Bus Stop (1956)

 – Dir. Joshua Logan

Con esta película, la crítica finalmente reconoció algo que Monroe llevaba años intentando demostrar: era una actriz de verdad. Su interpretación de Cherie, una cantante de bar vulnerable y llena de contradicciones se aleja completamente de la caricatura sexy que Hollywood había construido para ella. Influenciada por su formación en el Actor’s Studio, Monroe ofrece aquí una actuación compleja, dolorosa y profundamente humana. Muchos consideran que fue el momento en que dejó de ser simplemente una estrella para convertirse en una intérprete respetada.

6. How to Marry a Millionaire (1953)

 – Dir. Jean Negulesco

Junto a Lauren Bacall y Betty Grable, Monroe compone una de las comedias más encantadoras de los años cincuenta. Interpretando a Pola Debevoise, una modelo extremadamente miope que se niega a usar gafas por vanidad, la actriz demuestra una capacidad extraordinaria para la comedia física. Lo fascinante es cómo consigue convertir un personaje potencialmente superficial en alguien entrañable, mezclando inocencia, torpeza y una enorme dosis de humanidad.

5. Gentlemen Prefer Blondes (1953)

 – Dir. Howard Hawks

Si existe una película que consolidó la imagen pública de Marilyn Monroe, es esta. Su interpretación de Lorelei Lee y, especialmente, el número musical “Diamonds Are a Girl’s Best Friend“, se han convertido en iconos absolutos de la cultura popular. Sin embargo, bajo la superficie glamorosa existe una actuación cómica de enorme sofisticación. Monroe entendía perfectamente el personaje y jugaba con la percepción que el público tenía de ella, construyendo una sátira brillante sobre la ambición, el deseo y las apariencias.

4. River of No Return (1954)

 – Dir. Otto Preminger

El único western protagonizado por Marilyn es también una de sus interpretaciones más maduras. Frente a Robert Mitchum, la actriz encarna a una cantante de saloon que debe sobrevivir en un entorno hostil mientras intenta encontrar su lugar en el mundo. Preminger y Monroe mantuvieron una relación complicada durante el rodaje, pero esa tensión parece alimentar la intensidad emocional de la película. Su personaje posee una vulnerabilidad y una fortaleza que anticipan sus trabajos más dramáticos.

3. The Seven Year Itch (1955)

 – Dir. Billy Wilder

La imagen más famosa de Marilyn Monroe pertenece a esta película: El vestido blanco elevándose sobre una rejilla del metro. Sin embargo, reducir la película a ese instante sería una injusticia. Billy Wilder comprendió que el verdadero talento de Monroe estaba en su capacidad para combinar sensualidad, inocencia y humor. Su vecina anónima es al mismo tiempo una fantasía masculina y una persona completamente ajena a las proyecciones que los hombres hacen sobre ella. La película convirtió a Marilyn en leyenda.

2. The Misfits (1961)

 – Dir. John Huston

Su última película terminada (dejó inconclusa a Something’s Got to Give) es también su trabajo más desgarrador. Escrita por Arthur Miller y protagonizada junto a Clark Gable (su último filme también) y Montgomery Clift, parece un retrato anticipado de la tragedia que rodeaba a todos sus participantes. Monroe ofrece aquí la actuación más vulnerable de su carrera. Ya no hay artificios ni personajes construidos alrededor de su atractivo físico. Solo queda una mujer rota, buscando amor y comprensión en un mundo incapaz de ofrecérselos. Es la película que demuestra definitivamente cuánto talento dramático poseía.

1. Some Like It Hot (1959) 

– Dir. Billy Wilder

La obra maestra absoluta de Marilyn Monroe y una de las mejores comedias jamás realizadas. Interpretando a Sugar Kane, una cantante ingenua y soñadora, Monroe alcanza un equilibrio perfecto entre comicidad, melancolía y encanto. Billy Wilder aprovecha cada una de sus virtudes y la convierte en el corazón emocional de una película que sigue siendo tan moderna y divertida como el día de su estreno. Aunque el rodaje fue caótico y estuvo marcado por las dificultades personales de la actriz, el resultado es puro milagro cinematográfico. Nunca fue más divertida, más conmovedora ni más magnética. Si una sola película pudiera explicar por qué Marilyn Monroe sigue siendo inmortal, sería esta.

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Desde el primer episodio de James, queda claro que el director colombiano Simón Brand no estaba interesado en hacer un documental de fútbol convencional. Lejos de apoyarse únicamente en testimonios a cámara, repetición de goles, estadísticas o hazañas deportivas, su apuesta fue construir un retrato mucho más íntimo y humano de uno de los futbolistas más influyentes de su generación.

“Todo el mundo cree que conoce a alguien como James porque lo ha visto durante años”, explica el director, cinco veces nominado al Grammy por su trabajo en videos musicales, en conversación con ROLLING STONE en Español. “Pero en realidad no sabes quién es hasta que entiendes el peso de todo lo que carga sobre los hombros”.

Estrenada recientemente en Netflix, la docuserie de tres episodios sobre la vida de James Rodríguez llega en un momento especialmente significativo para Colombia. Con la próxima Copa del Mundo en el horizonte y el futbolista nuevamente en el centro de la conversación pública, la serie funciona casi como una oportunidad para revisitar no solo al ídolo deportivo, sino también al hombre detrás de una de las figuras más observadas, admiradas y cuestionadas del fútbol latinoamericano.

La producción no solo repasa los momentos más determinantes de su carrera, desde sus primeros años en Envigado hasta su paso por algunos de los clubes más importantes de Europa y la Selección Colombia. También se adentra en aquello que rara vez aparece en pantalla: su entorno familiar, la presión mediática que lo ha acompañado durante años, las heridas personales que marcaron su camino y la necesidad constante de demostrar su valía ante millones de personas.

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“La gente que no es fanática del fútbol me escribe diciendo que ahora lo ve distinto”, cuenta Brand. “Y eso era muy importante para mí. Más allá del jugador, queríamos contar una historia humana”.

Y con justa razón. Simón Brand lleva más de dos décadas construyendo una carrera atravesada por la música, el cine y la cultura pop latinoamericana. Ha dirigido videos musicales para artistas como Shakira, Juanes o Ricky Martin. Pero antes de forjar esa trayectoria como director, dice, fue hincha. Muy hincha. Y quizá por eso entendía desde el inicio la magnitud de la responsabilidad que implicaba retratar a una figura como James Rodríguez en Colombia.

“Él es nuestro Messi”, afirma. “La presión que tiene encima es brutal. En este país amas a un jugador un día y al siguiente lo destruyes, entonces todo el tiempo están bajo juicio”.

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Durante tres años, Brand y un equipo de alrededor de quince personas siguieron a James por distintas ciudades del mundo. Alemania, Portugal, España, Argentina, Estados Unidos y Colombia se convirtieron en escenarios de una producción que fue creciendo al mismo ritmo que la propia historia de resurgimiento del futbolista.

 El resultado es una serie que no solo documenta una carrera deportiva excepcional, sino también un proceso de reconstrucción personal. Pero, ¿cómo nació la idea de convertir la trayectoria de James Rodríguez en una docuserie?

‘Tú deberías hacer la película de mi vida’

La idea de la docuserie surgió de manera inesperada. Brand y James se conocieron años atrás, cuando el director trabajaba en un videoclip relacionado con el Mundial de Brasil 2014. Con el tiempo volvieron a coincidir y, durante uno de esos encuentros, fue el propio futbolista quien puso la idea sobre la mesa: contar su historia desde una perspectiva distinta a la que el público había visto hasta entonces.

“Me dijo: ‘Tú deberías hacer la película de mi vida’”, recuerda Brand. “Pero yo le respondí que solo tendría sentido si estaba dispuesto a abrirse de verdad. No quería hacer algo que simplemente confirmara lo que la gente ya sabía sobre él”.

A medida que avanza la serie, James se muestra cada vez más vulnerable. Habla de sus inseguridades, de la ausencia de su padre, de las decisiones que marcaron su carrera y de heridas que, en muchos sentidos, siguen abiertas. Para Brand, ahí residía el verdadero corazón de la historia.

“Antes de entrevistarlo, antes de editar, yo quería conocerlo. Quería saber quién era él, qué le gustaba, a qué le tenía miedo, cuáles eran sus traumas y cuáles eran las motivaciones detrás de decisiones que en el país mucha gente nunca entendió”,

“Creo que, en el fondo, es la historia de alguien que sigue buscando sanar”, dice. “Un niño que tuvo muchísimo éxito, pero que todavía está intentando cerrar ciertas heridas”.

Esa intimidad también transformó la relación entre director y protagonista. Con el paso del tiempo, Brand dejó de acercarse a James desde un lugar estrictamente profesional y comenzó a hacerlo desde la sensibilidad de alguien que creció viendo fútbol y comprendiendo el peso simbólico que figuras como él tienen en América Latina. 

“Yo no le hablaba como periodista”, explica. “Le hablaba como hincha. Y creo que por eso él terminó confiando tanto”.

Visualmente, James también encuentra formas poco convencionales de reconstruir la memoria. Ante la ausencia de material de archivo para algunos momentos clave de la historia, Brand recurrió a secuencias animadas inspiradas en el manga y en Supercampeones, un guiño directo a la infancia del futbolista y al imaginario que acompañó a toda una generación de aficionados. 

“Sabíamos que necesitábamos otra manera de contar ciertos recuerdos”, explica. “Y como él era fanático de Supercampeones, sentimos que esa estética tenía sentido emocionalmente”.

La postproducción representó uno de los mayores desafíos del proyecto. Para esa etapa, Brand tomó una decisión poco habitual dentro de una producción que, en prácticamente todos sus frentes, fue colombiana. La excepción fue el editor, Santiago Parizot.

“Hasta la música es colombiana, todo es 100% colombiano, excepto el editor”, explica entre risas. La elección, sin embargo, respondió a una decisión editorial muy concreta. Consciente de la polarización que suele rodear la figura de James en Colombia, Brand buscó una mirada externa que permitiera tomar distancia del debate local. “Quería una visión un poco más neutra, que no fuera colombiana desde el punto de vista editorial”, señala.

Melómano declarado, Brand quería alejarse de los soundtracks deportivos tradicionales, generalmente cargados de épica orquestal y lugares comunes emocionales. “No quería el típico documental solemne de talking heads”, explica.

Por eso invitó a la banda colombiana Diamante Eléctrico a encargarse de la música original de la serie. Aunque el grupo nunca había compuesto para un soundtrack, la colaboración terminó convirtiéndose en una de las piezas fundamentales del proyecto.

“Podíamos haber ido por lo obvio y usar canciones que todo el mundo relaciona con el fútbol”, dice. “Pero queríamos descubrir otros sonidos y darle espacio a artistas increíbles”.

Aunque James representa una de las incursiones documentales más ambiciosas de su carrera, Brand no planea quedarse mucho tiempo lejos de la ficción. Después de más de dos décadas alternando entre videoclips, cine y televisión, el director asegura que sigue encontrando su mayor comodidad en las historias protagonizadas por actores y personajes imaginados. 

“Me encanta dirigir actores, me encanta la ficción”, admite. “Pero volvería a hacer documentales si la historia realmente vale la pena. Al final, independientemente del género, lo que quiero es mover la aguja de las personas. Conmoverlas”.

Por ahora, el realizador ya desarrolla nuevos proyectos cinematográficos. Lo único que parece mantenerse intacto es aquello que, según él, impulsa cualquier buena historia: el amor y el miedo. Dos fuerzas que también atraviesan James. Y que, a juzgar por los próximos pasos de Brand, seguirán guiando las historias que decida contar.

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Luis Enrique, nacido en Nicaragua, siempre ha sido un artista polifacético que ha recorrido universos sonoros que van desde el pop hasta la música de raíz, aunque con un corazón que siempre palpita en clave. Después de 13 años, el Príncipe de la Salsa regresa con una gran nueva producción: El alma en clave.

Luis Enrique: una voz de aliento y esperanza junto a C4 Trío

Un disco grabado entre Miami, Venezuela y Puerto Rico, que cuenta con colaboraciones de De La Ghetto, Luis Fernando Borjas, Alain Pérez, Los Hispanos e Israel Houghton, nació a partir del cúmulo de canciones en las que Luis Enrique venía trabajando incluso desde la pandemia. “Las canciones fueron forjando el camino del disco, un álbum que nace desde la esencia de la salsa. El alma en clave lleva ese título porque es lo que, en realidad, mi alma quería seguir: volver a construir un disco completo alrededor de la salsa”.

Escuchar un álbum de principio a fin es, como dice el nicaragüense, un momento de comunión con la música. “Es importante darse el tiempo de escuchar la obra completa que un artista está presentando. Lo lindo de los discos es ir descubriéndolos, darse cuenta de que cada canción es un universo guiado por un mismo hilo conductor que permite que el álbum camine”, afirma el cantante.

El focus track del disco es la colaboración junto a Alain Pérez, una canción creada hace aproximadamente 20 años. “Es una historia poderosa de desamor y de reencuentro con uno mismo. Incluso desde el ritmo, la narrativa de la canción va transformándose. Duré 20 años encontrando el camino para esta canción”, cuenta el artista.

Por su parte, ‘Porque creo en ti’, junto a Israel Houghton, presenta una fusión inesperada entre el universo salsero de Luis Enrique y la fuerza sonora del R&B góspel. La colaboración con el boricua De La Ghetto, en cambio, es una explosión de energía que sigue demostrando la cercanía entre el reggaetón y la salsa. “‘Nombre y apellido’ era la canción perfecta para De La Ghetto, donde demuestra que sabe cantar salsa. Es una sorpresa muy bonita”, asegura. Y reflexiona: “En tiempos en los que la música parece cada vez más desechable, es difícil encontrarse con una verdadera canción de amor como esta que construimos con De La Ghetto. No está contada desde el despecho, sino desde la verdadera esencia del amor”.

¿Qué se necesita para cantar salsa? Analizando la cercanía de algunos géneros urbanos con la salsa —algo que durante los últimos años ha causado gran furor gracias a artistas como Bad Bunny o Rauw Alejandro—, Luis Enrique considera que comprender la esencia del género es fundamental para que un artista urbano pueda interpretarlo correctamente: “Entender la raíz y el ritmo de la salsa es vital. Yo no podría salir a hacer reggaetón; antes debería escucharlo, investigarlo y entender cómo sonaría mi voz dentro de ese género. En el caso de De La Ghetto, él viene escuchando salsa desde pequeño, le encanta Héctor Lavoe y muchos otros salseros, así que ya conocía este mundo que es la salsa”. Y ahí radica uno de los puntos fundamentales donde convergen la salsa y el reggaetón: el amor por la salsa inculcado por los padres de muchos reguetoneros.

“Hay álbumes que marcan momentos importantes dentro de mi carrera y también dentro del género. Ciclos dejó una huella profunda, y siento que este nuevo proyecto viene a ocupar ese mismo lugar. Después de Jukebox, que salió en 2013, no había vuelto a grabar un disco completo de salsa. El proyecto junto a C4 Trío también fue muy especial para mí porque me permitió explorar un lenguaje musical distinto al que normalmente hago. Por eso, después de 13 años, siento que este disco marcará un antes y un después en mi camino artístico”, contó Luis durante el lanzamiento del álbum.

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“La industria es la industria, pero antes de cumplirle a ella, es importante cumplirse a uno mismo. La música primero y después todo lo demás”.

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Durante sus 38 años de carrera, la fanaticada salsera ha seguido de cerca el recorrido del nicaragüense y, en los últimos 13 años, ha esperado con ansias su regreso a la salsa en estado puro. “Durante los últimos años me he quedado solo sacando sencillos”, confiesa. “No encontraba un concepto que pudiera sostener un disco”, complementa.

Frente a los retos que impone constantemente la industria musical, el cantante ha optado por ignorarlos y concentrarse en el desafío más importante: la creatividad. “El día que pare de crear, ya no estaré en este mundo. Eso me ha ayudado a trabajar conmigo mismo y a descubrir qué más hay dentro de mí. En la creatividad está la fuente de todo. La industria es la industria, pero antes de cumplirle a ella, es importante cumplirse a uno mismo. La música primero y después todo lo demás”.

También ha aprendido que muchas de las presiones que ejerce la industria son innecesarias y que estar de gira los 365 días del año no es lo verdaderamente importante.

Y, como no podía faltar, hablamos de ‘Yo no sé mañana’, su mayor éxito y una de las canciones más importantes de la salsa moderna. “Cada vez que la interpreto es diferente y jamás me voy a aburrir de cantarla. Hace parte de mí”.

Pensando en el futuro y trabajando físicamente para mantenerse en forma, el nicaragüense tiene su alma puesta en la fe, mientras continúa creando música naciente desde lo más profundo de su ser. “El arte de hacer música es un regalo divino”.

“La salsa nació en las calles, la salsa es música urbana”: Sergio George

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En apenas unos años, el británico Leo Woodall se ha convertido en uno de los actores jóvenes más prometedores de su generación. Después de llamar la atención del público internacional con The White Lotus, consolidó su ascenso con proyectos como la serie Prime Target y las cintas Nuremberg y Bridget Jones: Mad About the Boy, donde confirmó que detrás de su carisma natural existe un intérprete capaz de asumir personajes mucho más complejos de lo que su imagen de galán podría sugerir.

Crítica: El afinador (Tuner)

Ahora llega Tuner, la primera película de ficción del director Daniel Roher tras ganar el Óscar por el documental Navalny. En ella, Woodall interpreta a Niki White, un afinador de pianos que vive con hiperacusia, una condición que amplifica de manera extrema los sonidos que lo rodean. Lo que comienza como una historia íntima sobre la soledad, la amistad y la música termina derivando hacia territorios inesperados donde también tienen cabida el thriller criminal y el suspenso psicológico.

A propósito del estreno de la película, conversamos con Woodall sobre el desafío de interpretar a un personaje que experimenta el sonido de forma tan intensa, el privilegio de trabajar junto a Dustin Hoffman y las sorpresas que esperan al público.

Niki experimenta el mundo a través del sonido de una manera muy intensa. ¿Cómo te preparaste para interpretar a alguien que vive con hiperacusia?

Lo primero que hice fue hablar con una persona que vive con esta condición. Daniel me puso en contacto con una persona que el director conocía y quien ha padecido hiperacusia durante casi una década. Conversamos extensamente sobre cómo es convivir con ella, cómo se sienten los ataques, cómo afecta la vida social y emocional.

Fue una ayuda invaluable para construir a Niki. También intenté prestar más atención al mundo que me rodeaba. Empecé a observar lo ruidosa que puede ser la vida cotidiana, algo que normalmente damos por sentado.

Crítica: Nuremberg

La película utiliza el sonido casi como si fuera otro personaje. ¿Cómo fue actuar en escenas donde pequeños ruidos generaban tanta tensión?

Hubo muchísimo trabajo de detalle por parte de todos los departamentos. Daniel estaba muy pendiente de ello y yo también.

Pero cuando vi la película terminada entendí realmente lo que había conseguido Johnnie Burn, el diseñador de sonido. Nunca había visto una historia contada de esa manera a través del sonido. Lo que hizo para meternos dentro de la cabeza de Niki fue excepcional.

Tienes razón cuando dices que la hiperacusia funciona casi como un personaje más dentro de la película. Gran parte del mérito pertenece a Johnny.

Crítica: Bridget Jones: Loca por ti (Bridget Jones: Mad About The Boy)

Niki es al mismo tiempo una persona vulnerable y alguien con un talento extraordinario. ¿Qué fue lo que más te atrajo del personaje?

Sentí una enorme empatía por su dolor, por su sufrimiento y por su soledad. Cuando leí el guion simplemente quise hacer la película. De hecho, lo primero que pensé fue que quería verla. Me emocionó muchísimo desde la primera lectura.

Niki era un personaje por el que sentía una especie de responsabilidad emocional. Quería protegerlo. Sentía que podía entenderlo y acompañarlo. Estoy muy agradecido por haber tenido la oportunidad de interpretarlo.

Compartes algunas de las escenas más importantes de la película con Dustin Hoffman. ¿Cómo fue trabajar con una leyenda del cine?

Fue una experiencia increíble y bastante surrealista. Poder actuar junto a él y observar de cerca cómo construye sus interpretaciones fue fascinante. Dustin está dispuesto a probar cualquier cosa. No tiene inhibiciones. Explora constantemente distintas posibilidades y le ofrece muchísimo material al director y al montajista.

Además, está completamente presente en cada escena. Eso hace que uno se sienta totalmente inmerso dentro del mundo de la película. Trabajar con él fue un privilegio enorme.

Tuner mezcla crimen, suspenso psicológico y música de una manera muy particular. ¿Qué crees que sorprenderá más al público?

Creo que cada espectador se sorprenderá por motivos distintos. La película combina varios géneros y muchas personas pensarán que están viendo una determinada clase de historia para luego descubrir que en realidad es otra cosa.

Espero que también les sorprenda la forma en que está narrada. El guion te lleva de un punto A a un punto B a través de muchos acontecimientos y situaciones muy satisfactorias como espectador. Para mí es una película hecha para quienes aman el cine. Tiene sorpresas, emoción y personajes con los que realmente quieres pasar tiempo.

(Antes de despedirse, Woodall agradece los elogios hacia Tuner y sonríe cuando mencionamos su trabajo en Bridget Jones. Es un gesto sencillo, pero refleja una de las cualidades que también posee el actor: Una cercanía natural que invita a acompañarlo en el viaje).

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Mick Jagger aseguró que ‘no puede esperar’ para volver a llevar a The Rolling Stones a los escenarios. Durante una entrevista con BBC Radio 2 junto a Ronnie Wood, el cantante confirmó que la legendaria banda de rock sí tiene planes de salir de gira nuevamente en el futuro.

‘Me encantaría salir de gira’, dijo Jagger. ‘No puedo esperar’. Sin embargo, también moderó las expectativas: ‘No creo que vaya a suceder este año. Pero espero que ocurra tan pronto como sea posible’.

Las declaraciones de Jagger llegan después de que la banda aparentemente descartara los planes para una gira de estadios por Reino Unido y Europa prevista para 2026. En enero del año pasado, surgieron reportes que señalaban que el grupo había recibido varias ofertas para presentarse durante el verano, pero decidió rechazarlas debido a complicaciones logísticas relacionadas con los recintos, los desplazamientos y otros compromisos previamente adquiridos.

La gira más reciente de The Rolling Stones tuvo lugar en 2024 para promocionar Hackney Diamonds, el álbum que lanzaron en 2023. El recorrido incluyó 20 conciertos en Norteamérica y se convirtió en una producción de gran escala, con ensayos de más de 60 canciones de su catálogo tras el lanzamiento del disco en Londres y un concierto sorpresa en Nueva York.

La banda se prepara para lanzar un nuevo álbum, Foreign Tongues, el próximo 10 de julio. El disco fue grabado en los estudios Metropolis de West London junto al productor Andrew Watt, quien también estuvo al frente de Hackney Diamonds.

Además de Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, el álbum marca el regreso del bajista Darryl Jones, el tecladista Matt Clifford y el baterista Steve Jordan. El proyecto también incluye una participación póstuma de Charlie Watts, histórico baterista de la banda, registrada durante una de sus últimas sesiones de grabación antes de su fallecimiento en 2021.Entre los artistas invitados figuran Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith y Chad Smith.

Durante la entrevista con BBC Radio 2, Jagger explicó que la colaboración con Smith surgió de manera fortuita, tras coincidir con él en un evento de la industria musical.

‘Estaba de espaldas, con una especie de túnica larga, y cuando se dio la vuelta estaba cubierto de lápiz labial’, contó Jagger. ‘Le dije: “Tú eres Robert Smith de The Cure”. Él respondió: “Sí, nunca nos habíamos conocido”. Entonces le dije: “Ya que estás aquí, más vale que hagas algo”. A veces así es como nacen las colaboraciones’.

‘Nunca habíamos tocado con él antes. Yo había cantado con él, pero nunca habíamos interpretado música juntos. Fue muy emocionante. Aprende muy rápido’.

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