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Para quienes trabajan detrás de una película, el reconocimiento rara vez llega solo. Cada premio suele ser el resultado de años de desarrollo creativo, negociaciones, búsqueda de apoyos y una compleja red de decisiones que hacen posible que una historia llegue a la pantalla. Sin embargo, para un grupo de productores españoles, una de las ceremonias más prestigiosas de la industria continúa ignorando una pieza fundamental de ese proceso.
La Plataforma Audiovisual de Productores Independientes en España (PAP) envió una carta a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood para expresar su rechazo a las reglas aprobadas para la 99.ª edición de los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional.
Según las organizaciones firmantes —entre ellas la Asociación Estatal de Cine (AECINE), la Federación Española de Asociaciones de Productoras de Animación y Efectos Visuales (DIBOOS), Productoras Independientes Audiovisuales Federadas/Mesa Territorial de Productores Audiovisuales (MAPA/PIAF), la Federación de Productoras Audiovisuales (PROA) y la Asociación de Productoras Españolas de Audiovisual Internacional (PROFILM)— la normativa mantiene un modelo que consideran desigual, ya que la estatuilla se entrega únicamente al director de la obra, quien recibe el reconocimiento “en nombre del equipo creativo”, mientras que la figura del productor queda excluida tanto del galardón como de la inscripción oficial que acompaña al premio.
“La nueva redacción no corrige la histórica ausencia de reconocimiento formal al productor en esta categoría, sino que la consolida y profundiza”, señalan las asociaciones en el documento remitido a la Academia.
La crítica apunta a una diferencia de criterio que consideran difícil de justificar. Mientras el Oscar a Mejor Película se concede oficialmente a los productores de la obra, en la categoría de Mejor Película Internacional el reconocimiento visible recae exclusivamente en el director, pese a que las responsabilidades de producción son esencialmente las mismas.
Para las organizaciones españolas, el productor desempeña un papel central desde las primeras etapas de una película. Entre sus funciones se encuentran la selección de proyectos, la estructuración financiera, la gestión de derechos, la coordinación legal y la supervisión de la viabilidad económica y artística de la obra.
Las asociaciones también recuerdan que, en la mayoría de los sistemas audiovisuales del mundo, los productores suelen ser titulares o responsables directos de los derechos de explotación de las películas, además de asumir buena parte de los riesgos financieros asociados a su desarrollo y distribución.
“Sin la figura del productor, ninguna película sería posible”
Desde su perspectiva, excluirlos del reconocimiento oficial de uno de los premios más importantes de la industria proyecta una visión incompleta de cómo se construye realmente una película.
La petición es concreta: que la Academia revise de forma inmediata la normativa de la categoría para reconocer formalmente a los productores como destinatarios del Oscar a Mejor Película Internacional y que sus nombres aparezcan en la placa de la estatuilla, replicando el modelo que ya existe en la categoría principal.
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Parece ser que la IA está creando un lazo estrecho con las mentes más brillantes del mundo cinematográfico. Martin Scorsese reveló que se ha unido a la empresa de inteligencia artificial Black Forest Labs como socio y asesor. Se trata de un laboratorio de investigación de vanguardia en IA aplicada a la inteligencia visual.
El objetivo principal del cineasta ha sido el proceso creativo y de creación de los guiones gráficos con FLUX, un pionero de la IA que está incluido en el modelo de trabajo de Black Forest Labs. Para iniciar la conversación sobre su incursión en la inteligencia artificial con respecto al séptimo arte, Scorsese abrió un debate: “Siempre ha existido este problema: ¿cómo le comunicas a tu elenco y equipo lo que ves en tu cabeza? Hay cosas que tienes que ver y sentir”.
“Durante 70 años, he creado mis propios guiones gráficos”, dijo. “Siempre ha existido el problema de cómo comunicar lo que uno visualiza a los actores y al equipo técnico. Hay cosas que uno tiene que ver y sentir. Ahora, con esta herramienta, puedo compartir mis ideas de forma más clara y eficiente con mi equipo creativo: el diseñador de producción, el diseñador artístico y el director de fotografía. Hace poco lo probé en una escena, y la posibilidad de visualizar y compartir el guión gráfico de inmediato fue muy liberadora creativamente. Durante la preproducción, el tiempo es dinero, y esto nos permitió avanzar más rápido sin sacrificar la calidad ni la técnica”.
Según Black Forest Labs, su trabajo se centra en expandir los límites de la inteligencia visual: modelos capaces de razonar tanto en el mundo físico como en el digital. Esta plataforma puede convertirse en una infraestructura común para profesionales de múltiples disciplinas, incluyendo escritores, arquitectos, diseñadores e ingenieros, facilitando el desarrollo de soluciones que van desde la animación hasta la robótica. Su alianza con Martin Scorsese se centra en la pasión que tiene por el cine, que se deriva al interés natural por el mismo. “Quiere usar FLUX para dar vida a sus ideas, manteniendo siempre presentes el gusto, los valores y el criterio humanos. Ahora, como asesor, nos ayuda a dar forma a la inteligencia visual”, aseguró la empresa.
La decisión del cineasta también se escuda en la evolución del cine, asegurando que “es un medio joven, con apenas 125 años”. “Me interesa la intersección entre la tecnología y la narrativa, y cómo esto puede expandir los límites de la creatividad para crear experiencias más profundas y enriquecedoras para el público”, dijo.
En declaraciones al New York Times, Robin Rombach, uno de los fundadores de Black Forest Labs y actual director de la compañía alemana establecida en Friburgo en 2024, señaló que trabajar junto a Scorsese constituye una demostración significativa del potencial y progreso de esta tecnología. De acuerdo con un representante del cineasta, el contacto entre ambas partes surgió a través de BroadLight Capital, fondo de inversión respaldado por Rick Yorn —agente de Scorsese— y también accionista de la empresa. El periódico añadió que Michael Ovitz, figura clave en la creación de CAA y otro de los inversores vinculados a Black Forest Labs, desempeñó un papel relevante en la materialización del acuerdo.
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La muerte de Marjane Satrapi a los 56 años marca el final de una de las trayectorias artísticas más singulares e influyentes de las últimas décadas. Novelista gráfica, directora de cine, ilustradora y activista, Satrapi logró algo que pocos creadores consiguen: Transformar una historia profundamente personal en una obra capaz de conectar con lectores y espectadores de todo el mundo.
Nacida en Rasht, Irán, en 1969 y criada en Teherán durante uno de los períodos más convulsos de la historia contemporánea iraní, Satrapi vivió en primera persona la Revolución Islámica de 1979, la represión política posterior y las profundas transformaciones sociales que redefinieron el país. Aquellas experiencias marcarían para siempre su obra. Durante su adolescencia fue enviada por sus padres a Viena para protegerla del creciente radicalismo del régimen, una experiencia de exilio, desarraigo y búsqueda de identidad que años después se convertiría en el corazón de su trabajo más importante.
Este trabajo fue Persépolis. Publicada originalmente entre 2000 y 2003, la novela gráfica revolucionó la percepción que gran parte de Occidente tenía sobre Irán. A través de un estilo visual aparentemente sencillo, construido en blanco y negro, Satrapi narró su infancia y juventud durante la revolución y la guerra entre Irán e Irak con una honestidad poco común. Pero Persépolis era mucho más que una autobiografía. Era una reflexión sobre la libertad, la identidad cultural, la religión, la política y el costo humano de los extremismos.
Lo extraordinario de la obra fue su capacidad para humanizar una realidad que durante años había sido reducida a titulares políticos y conflictos internacionales. Satrapi mostró que detrás de los discursos ideológicos existían familias, jóvenes, sueños, contradicciones y vidas cotidianas. Lo hizo además con humor, ironía y una sensibilidad que evitaba tanto el victimismo como la propaganda.
El éxito de Persépolis convirtió a Satrapi en una figura internacional y contribuyó a legitimar el cómic como una herramienta capaz de abordar temas históricos y políticos con la misma profundidad que la literatura o el cine. Aunque ella siempre rechazó la necesidad de utilizar términos como “novela gráfica” para otorgar prestigio al medio, defendiendo con firmeza la palabra “cómic”, su trabajo ayudó a cambiar para siempre la manera en que la industria cultural observaba este formato.
La adaptación cinematográfica de Persépolis, codirigida junto a Vincent Paronnaud, confirmó su enorme talento narrativo. Estrenada en el Festival de Cannes de 2007, la película se convirtió rápidamente en una de las obras animadas más importantes del siglo XXI. Lejos de suavizar el contenido del libro, la cinta conservó toda la fuerza política y emocional de la obra original, logrando además una extraordinaria traducción visual de su estilo gráfico. La película obtuvo el Premio del Jurado en Cannes, fue nominada al Óscar como Mejor Película Animada y consolidó a Satrapi como una creadora capaz de moverse con naturalidad entre distintos medios artísticos.
Sin embargo, reducir su legado únicamente a Persépolis sería injusto. A lo largo de su carrera continuó explorando nuevas formas de narración. Obras como Pollo con ciruelas (también convertida en una película protagonizada por Golshifteh Farahani), demostraron su capacidad para mezclar realismo, fantasía y melancolía, mientras que películas como The Voices, una fascinante obra de horror protagonizada por Ryan Reynolds, sorprendieron por su tono irreverente y oscuro. Más adelante dirigiría Radioactive, la biografía de Marie Curie protagonizada por Rosamund Pike, donde volvió a mostrar su interés por figuras que desafían las estructuras de poder y las expectativas sociales.
Lo que unía toda su filmografía y bibliografía era una profunda curiosidad por la condición humana. Satrapi nunca se limitó a hablar sobre Irán. Habló sobre la soledad, la memoria, el amor, la pérdida, la identidad y la necesidad de preservar la individualidad frente a cualquier forma de opresión.
Su compromiso político tampoco se limitó a sus obras. Durante años se convirtió en una de las voces más visibles de la diáspora iraní y utilizó su prestigio internacional para denunciar la represión ejercida por el régimen de Teherán. Fue una firme defensora de los derechos de las mujeres y respaldó públicamente el movimiento “Mujer, Vida, Libertad”, surgido tras la muerte de Mahsa Amini en 2022. Para Satrapi, la lucha por la libertad no era un concepto abstracto, sino una experiencia personal que había acompañado toda su vida.
Esa coherencia ética quedó reflejada incluso en sus últimos años. En 2025 rechazó la Legión de Honor, la máxima distinción otorgada por el Estado francés, argumentando su desacuerdo con determinadas políticas relacionadas con Irán. Fue una decisión que resumía perfectamente su personalidad: una creadora dispuesta a mantener sus principios incluso cuando ello implicaba rechazar reconocimientos prestigiosos.
La noticia de su muerte en París, apenas un año después del fallecimiento de su esposo, el cineasta, actor y productor sueco Matthias Ripa, ha provocado una profunda conmoción en el mundo cultural. Más allá de premios, reconocimientos y éxitos comerciales, Satrapi deja un legado que trasciende disciplinas y fronteras.
Pocas artistas lograron tender puentes tan sólidos entre Oriente y Occidente y supieron convertir experiencias personales en relatos universales con semejante honestidad. Y pocas utilizaron el arte con tanta inteligencia para combatir la ignorancia, los prejuicios y el autoritarismo.
Marjane Satrapi dedicó su vida a contar historias. Historias sobre quienes eran silenciados, marginados o mal interpretados, que ayudaron a millones de personas a comprender mejor una realidad compleja y que demostraron que el arte puede ser una herramienta tan poderosa como cualquier discurso político.
La familia de Satrapi informó que la autora “murió de tristeza”. Su voz se ha apagado, pero las páginas de Persépolis, las imágenes de sus películas y las ideas que defendió seguirán hablando por ella durante mucho tiempo.
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El amor es tan complicado como humano. Algunos dicen que no escogemos de quién nos enamoramos, otros simplemente que cuando el amor te encuentra no puedes escapar, y es eso mismo lo que lo hace tan maravilloso. De igual forma, no hay una sola forma de ver y de vivir este complejo sentimiento, algo que históricamente los cantantes y artistas han aprovechado para explorar cada una de sus variantes: desde el amor más puro y honesto hasta el despecho, pasando por la pasión desenfrenada y terminando en el desamor.
Bajo esta idea de ver el amor desde diferentes ángulos es que Kakalo, cantautor mexicano originario de Hermosillo, presenta De Parte Mía, su más reciente álbum y el primero con canciones completamente inéditas compuestas y, en su mayoría, también producidas por él.
A lo largo del proyecto, el artista construye una narrativa en la que cada canción representa una perspectiva distinta del amor y las relaciones, todo mientras mezcla elementos del regional mexicano con balada, pop e incluso algunos tintes de flamenco. El resultado es un disco profundamente personal con el que Kakalo busca consolidar su identidad artística y emocional dentro de la música popular.
En conversación con ROLLING STONE en Español, el nominado al Latin Grammy habló sobre el proceso detrás del álbum, la importancia de la sensibilidad dentro de sus letras, el simbolismo de canciones como ‘Tierra Trágame’, su nominación a los Latin Grammy, y cómo espera que su música pueda “formar parte del soundtrack de vida de la gente”. Lee la platica a continuación.
Lo primero que me gustaría preguntarte es que, bueno, ya se van a cumplir dos semanas desde el lanzamiento de tu álbum De Parte Mía. ¿Cómo te has sentido con este nuevo proyecto? ¿Qué sensaciones tienes dos semanas después del estreno y cómo has vivido esa acogida por parte del público?
Pues fíjate que estoy bien contento con que mi primogénito, mi primer hijito, tenga ya dos semanas de haber nacido. La verdad estoy muy feliz por la emoción de la gente al escucharlo. Se han reportado conmigo amigos que no veía desde hace tiempo y me dicen “güey, no puedo parar de escuchar tu álbum”, y ni se diga otras personas de distintas partes de México y de Estados Unidos escribiéndome por Instagram. Entonces es algo muy padre porque siento que valió la pena. Es un disco al que le puse mucho trabajo, mucho corazón y mucha entrega y, como te digo, es esta primera presentación en la que se juntan dos vertientes que me caracterizan: el compositor y el intérprete. Este disco es como un “de esto se trata Kakalo”.
Ya que hablas de la parte de la composición de este álbum, algo que me llama mucho la atención de tu propuesta es que desde que iniciaste hasta este último proyecto se percibe una evolución tanto en tu sonido como en tus letras. ¿Cómo has ido construyendo y reforzando tu identidad y la del proyecto a lo largo de todos estos años?
Yo creo que a veces me imagino que funciona como un embudo al que se le agregan muchísimos ingredientes de muchas partes, que son todos los géneros que me han forjado, con los que he ido creciendo y que conforman mi estilo, como el regional mexicano, las baladas, la música de trío o el flamenco. Siento que todo eso lo vuelco, lo meto en una licuadora y sale el resultado, que es un sonido que me caracteriza y que me encanta.
Eso es lo que hago en mi laboratorio, en el estudio de grabación, y puedo estar horas buscando el sonido que me imagino hasta que sale. Esas son las ventajas de producir mi propia música: me puedo dar el lujo de pasar horas y horas buscando y, si no sale, al día siguiente le vuelvo a dar, entonces creo que eso también es una parte fundamental de por qué suena como suena. Básicamente, eso es lo que caracteriza mi estilo musical.
¿Hay algún artista que haya marcado tu forma de ver y entender la música?
Órale, pues Yo creo que más que un solo artista, son varios, y cada uno en distintos rubros. Por ejemplo, hay artistas que sin duda me marcaron como compositor, como pueden ser Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez o Joaquín Sabina, y como intérprete, como cantante, admiro mucho a Luis Miguel, Alejandro Sanz, Juan Diego Flórez y Cristian Castro. Por ahí se pueden ramificar mis influencias.
¿Cómo sientes que todo ese camino desemboca en un proyecto como De Parte Mía, que es tan personal y tan auténtico?
Yo intento contar una historia tanto a nivel de letra como a nivel musical. Por ejemplo, todas las canciones tienen en común instrumentos propios del regional mexicano, pero no suenan tanto al regional mexicano. Sí suenan a todas estas influencias que te digo, un poco popificadas, con cosas de balada y un poquito de flamenco también por ahí, entonces ahí dejo mi huellita de que soy del norte de México con instrumentos como el tololoche, las trompetas, el acordeón y las guitarras.
A nivel de letra también vengo imprimiendo una sensibilidad que siento que a lo mejor ahorita no está tan presente en la música mainstream, y me gustaría ser uno de los abanderados de letras con carnitas, sensibles, dentro de la música popular. También algo a lo que me encanta meterle mucho tiempo y dedicación es al concepto. Este disco siento que lo hice muy variado justo para abarcar todas las posibilidades.
Yo creo que lo que tienen en común todas estas canciones, a nivel conceptual, es que hablan del amor desde diferentes perspectivas. Hay canciones que te dan ganas de casarte, hay canciones que te dan ganas de divorciarte, hay canciones que te dan ganas de ser infiel; o sea, hay de todos colores y sabores.
De igual forma algo que engloba mucho el disco es el propio título, De Parte Mía, que en un sentido un poco más literal puede entenderse como un regalo mío para toda la gente que estuvo y ha estado pendiente de la música que hago, y también para la gente que apenas me está conociendo.
Aparte, por ahí también hay un juego de palabras interno que es “depa, arte, mía”. Son tres palabras y todo eso lo llevamos al nivel visual, en los visualizers y en los videos oficiales de cada canción del disco. Si te fijas, cada una ocurre en una habitación. Haz de cuenta que viene la cámara, se mete por una ventanita y hay una escena que es una rola diferente; luego se sale, entra por otra ventanita y es otra historia completamente distinta con otra canción. Todo esto es el depa donde pasa el arte y donde la hago mía. Por ahí le dimos.
Ahora me gustaría ir a algunos aspectos del álbum que me llamaron la atención. El primero es justamente la canción con la que abre el proyecto, ‘Mía’. ¿Por qué decides iniciar todo este viaje de De Parte Mía con este tema y qué papel juega dentro de esa narrativa que me comentas?
A nivel de historia, decidimos empezar con ‘Mía’ porque es cuando todavía no conoces a esa persona. Esa canción la escribí imaginándome ese momento cuando ves a una chica, no sé, en el aeropuerto, que ni siquiera sabes cómo se llama pero te quieres casar con ella. Entonces está esa imaginación de “si te llamas Luz, si te llamas Sol, me gustaría llamarte mía”. Está ese juego.
A nivel musical también se me hizo una buena canción para abrir porque creo que engloba muy bien el concepto del disco, que es algo positivo, se podría decir. La música es alegre, la canción tiene cambios, tiene un poco de regional mexicano, pero también un ritmo como de rumba flamenca, tiene trompetitas, tiene good vibes, entonces se me hizo una muy buena carta de presentación.
Sí, justo me di cuenta de eso cuando lo estaba escuchando. Otra cosita por la que también te quería preguntar era por las colaboraciones. Este proyecto cuenta con Andrés Obregón, Leonel García y Lasso. ¿Cómo fue el proceso de selección para traer a cada uno de estos artistas al álbum y qué crees que aportó cada uno a esta narrativa?
Fíjate que fue muy orgánico. En todos los casos, excepto con Leonel García, compusimos la canción sin un objetivo fijo. Solamente nos sentamos a escribir y empezamos a fluir con la pluma. De hecho, por ahí nos conocimos. Por ejemplo, cuando escribí con Andrés Obregón era el primer día que lo conocía y fue cuando compusimos sobre la marcha. Igual con Lasso, cuando compuse ‘Y a ti qué tal te va’, ese mismo día nos conocimos y el hecho de componer juntos fue como nuestra carta de presentación.
Yo creo que cuando conectas con una persona a nivel musical, conectas a otro nivel y la amistad entra en automático. Gracias a Dios pasó eso, tuvimos muy buena química tanto musical como amistosa. Ya después, cuando hice la maqueta de la canción, me dije “pues si así fluyó es por algo, ¿no?”, y les hice la invitación de “oye, ¿qué onda? ¿Quieres montarte a la canción para mi disco, la rola que compusimos?”, y todas las respuestas fueron positivas, como de “venga, hermano, claro que sí”. Entonces, gracias a Dios, todos tuvieron el mismo sabor de boca que yo con las sesiones de composición y decidieron sumarse.
En el caso del señor, del maestro Leonel García, fue porque yo ya le había mostrado esa canción una vez que iba a grabar con Carín León, porque ellos estaban buscando una colaboración. Yo le mostré ‘Tu ladito de la cama’ y le había gustado mucho a Leonel. Pasaron ciertas cosas por ahí y siempre no grabaron esa canción, y Carin me la devolvió. Me dijo “esta rola no se puede quedar en un cajón, tienes que grabarla”, entonces ya después se la ofrecí y le dije “¿qué onda? ¿Te acuerdas de esta rola? ¿Quieres montarte conmigo?”, y él “venga, claro que sí, me encanta”. Esa fue la historia de cómo se sumó Leonel al disco.
Son colaboraciones que para mí son como palomitas que tenía que hacer antes de morir. Colaborar con personas a las que admiro mucho, como Leonel, con cuyas canciones aprendí a tocar guitarra, con ‘Te vi venir’ cuando estaba en la secundaria. A Andrés Obregón también lo admiro muchísimo, cómo hace su contenido y cómo escribe. Y Lasso también; ‘Ojos marrones’ es una canción que no falta en mi playlist, entonces es como un abrazo a ese Kakalo soñador que andaba por ahí escuchando a sus ídolos y que ahora está colaborando con ellos. Creo que cada uno aporta, a su manera, una cerecita a este pastel tan importante que es mi primer disco.
Ahora que hablas de la mezcla, una pregunta que me surge es si tú también tuviste algo que ver en la producción, más allá de la composición y la interpretación.
Sí, estoy muy metido en ese aspecto. Sobre todo porque creo que hice seis producciones a full, o sea, yo las produje de cero a cien, y en las demás por ahí fui coproductor o estuve rebotando ideas con quienes me ayudaron con la producción, pero sí. Tengo un estudio de grabación y justamente empecé así, produciendo para otros artistas. Eventualmente, por ejemplo, me cayó Carín a mi estudio y ahí escuchó cómo cantaba, le empecé a mandar canciones y trabajé como compositor, pero antes de eso yo era productor.
Es algo que no quiero dejar de hacer, en especial en mi proyecto, porque aparte de que soy muy control freak y quiero estar en todas las partes del proceso, es algo que me encanta y que siento que es fundamental para complementar todas las partes que tiene que tener un proyecto musical. Es muy importante que suene auténtico, que haya una propuesta ahí, y quién mejor que el mismo compositor y el mismo intérprete para poner sobre la mesa la producción. En este caso sí estuve involucrado al 100 % y yo creo que así va a ser en mis futuras producciones.
Una canción que también me llamó mucho la atención fue ‘NeurodiverTDA’. Me pareció muy llamativo el nombre y también la letra. Me pareció muy divertido, en especial, ese juego de palabras que haces justamente con el TDA. ¿Cómo nace esta canción?
Este tema, fíjate, se me ocurrió en Hermosillo, justo antes de volar a Ciudad de México. Estaba platicando con mi hermana y se me ocurrieron las primeras líneas, que eran “¿Pa’ qué quieres ser como la gente? / ¿Pa’ qué quieres ser tan aburrida? / Dices que eres neurodivergente / Y pa’ mí que eres neurodivertida”. Ahí dije “órale, puede salir una buena rola con una buena temática de aquí”, y me la llevé.
Ya cuando estaba en CDMX tuve una sesión de composición con David Aguilar, un compositor de tallas mayores. Me encanta todo lo que hace, cómo juega con el lenguaje y toda su sensibilidad. Yo creo que es uno de los grandes compositores de México.
El caso es que le planteé la idea y le dije “oye, tengo esto, ¿cómo ves?”, y le gustó mucho, se le hizo muy divertida e interesante la temática, entonces ahí la terminamos de aterrizar. Ya todo lo demás, eso que tú mencionas de “Un tecito pa’ curarte el TDA / Un té de abrazos, té de halagos, té de amor”, todo eso salió en la sesión con David y Óscar Cadena; estábamos los tres componiéndola.
Es una canción que me encanta y también por eso, porque me saqué la espinita de componer con uno de los compositores de México que más admiraba, que es David Aguilar.
Justo después de esta canción llega ‘Tierra trágame’, uno de los temas más importantes y especiales del disco, además de ser el que cierra el proyecto. ¿Por qué decides cerrar todo ese viaje con esta canción y qué significa para ti?
Yo creo que decidí cerrar el álbum con ‘Tierra trágame’ por todo lo simbólico que ha adquirido esta rola. Yo creo que es la canción más especial hasta la fecha, en primer lugar porque fue la primera canción inédita que saqué en plataformas, la primera composición mía, y también fue la canción que me llevó a representar a México en el Festival de Viña del Mar.
Fue una competencia muy ardua, pero gracias a Dios me regresé con el premio mayor, con la Gaviota de Plata para México, y todo eso gracias a esta canción, que además es una canción muy íntima, muy sincera y muy diferente en su esencia. Por eso me encanta.
Por si fuera poco, cuando estaba en Viña coincidí con Carín porque yo iba a competir y él iba a cantar como artista invitado. Entonces, a modo de apuesta, le dije “¿qué onda? Si gano la Gaviota de Plata, vienes a grabar ‘Tierra trágame’ conmigo”. Y me dijo “venga, va”. Entonces así se hizo. Regresamos a Hermosillo y grabamos tanto esta versión solista como la versión a dueto con Carín, que es uno de los cantantes que más admiro y con quien he trabajado durante los últimos tres años.
Además, esa canción quedó nominada al Latin Grammy el año pasado. Me dio esa primera experiencia de ser nominado, de ir a Las Vegas, de cantar en el escenario de los Latin Grammy, de interpretar ‘Tierra trágame’ frente a toda la industria y frente a muchos artistas que admiro muchísimo, entonces es una canción que tiene muchos hitos y que va a ser muy difícil de superar a nivel simbólico. Por eso decidí cerrar el disco con ella.
Ya hablamos de todo lo gratificante que trajo este álbum, pero como todas las cosas en la vida supongo que también tuvo sus retos. ¿Cuáles fueron esos desafíos que encontraste durante todo el proceso de hacer este proyecto?
Yo creo que más que nada los tiempos y la presión, porque como bien te dije ahorita, el perfeccionismo es un arma de doble filo. Por el hecho de estar involucrado en todo el proceso y querer controlar todas las partes de mi música, de repente me toma más tiempo que si solamente llegara al estudio a grabar voces y dejara que los demás hicieran su chamba.
En este caso, como yo quiero estar ahí editando, cuadrando, afinando, moviendo y mezclando todo, pues de repente los tiempos aprietan y todo mi equipo de AIR me está presionando de “hey, ¿ya entregaste esta canción? ¿Cómo vas? Porque ya tenemos que salir con esto, acuérdate”, y aparte de eso, gracias a Dios también he tenido algunos shows en México y he tenido que hacer campamentos de composición para otros artistas. Entonces todo esto no me permitía estar en el estudio produciendo y grabando, y por lo tanto los tiempos se me iban comiendo.
Yo creo que ese fue el gran reto de este disco: sacar todo en tiempo y forma. Y gracias a Dios ahí lo hicimos.
Después de todo este trabajo y de todo este viaje sonoro que también tiene el disco, ¿qué te gustaría que el público se lleve después de escucharlo completo?
Me gustaría que se llevaran un buen sabor de boca y canciones que los puedan acompañar en esos momentos de estar lavando los trastes, de ir manejando, de hacer un viaje por carretera o de mandarle una canción a tu pareja. Por ejemplo, ‘Ya nos vi’ es una canción muy delicada que me encantaría que la gente dedicara en bodas, que la cantaran. ‘Baby Capibara’ es una canción que fácil puedes escuchar cuando vas en carretera con tu novia.
Que vivieran eso, o sea, formar parte de su soundtrack de vida. Yo creo que eso es lo más bonito para un artista: llegar a ese nivel íntimo con cada oyente. Y bueno, con que cause algún impacto positivo, ya sea alguna lagrimita por ahí de desahogo o alguna buena borrachera también, yo con eso me doy por bien servido.
Para ir cerrando tengo dos preguntas con respecto a lo que viene para ti después de este lanzamiento, y la primera es que, bueno, tendrás una presentación en el Festival Arre y quería saber cómo te sientes de cara a este show.
Sí, fíjate que ya estoy muy emocionado porque gracias a Dios esta es la segunda ocasión en la que me hacen la invitación al festival y, bueno, esta vez ya me toca compartir más música mía, porque en la primera ocasión todavía no tenía mis canciones afuera. Ahora ya me tocará compartir canciones inéditas de mi primer disco y ya estamos montando todo esto.
Yo creo que va a ser un show muy completo, muy significativo, y siento que a toda la gente que se dé cita ahí en el Arre le va a encantar.
Además de este festival, ¿qué más pueden esperar tus fans y el público general de Kakalo para el resto del 2026?
¿Para el resto del 2026? Yo creo que, bueno, sí se vienen algunas presentaciones y también vamos a estar sacando sencillos que ya no forman parte de este álbum, pero que ya tenemos ahí en el hornito. También vienen algunas colaboraciones muy interesantes que probablemente salgan antes de que acabe el año.
Espero también estar nominado a los Latin Grammy. Voy a hacer changuitos para que este año sí se haga. Fíjate que me quedé con la espinita, bien agradecido por la nominación del año pasado, pero con mucha gasolina para sacar este disco y ver si este año sí me llevo el galardón. Eso, presentaciones y mucha música. También quiero ponerme más las pilas en TikTok, entonces ahí para que estén pendientes en las plataformas y en las redes sociales.
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