En un mundo de tendencias que cambian día a día, donde en internet somos unos y en la realidad somos otros, donde la necesidad por pertenecer a un grupo está más presente que nunca, encontrar autenticidad puede ser complicado. Sin embargo, bandas como Strawberry Pom demuestran que aún es posible encontrar música sincera y con intención.
Originarios de Monterrey, Nuevo León, el conjunto conformado por Carlos José “CJ”, Álvaro “Varo” Escalante, Genaro Schiaffino, Sergio “Checo” Treviño y Andrés Cortés comenzó su camino antes de la pandemia como una simple banda de amigos, aunque parecían saber que el proyecto no solo se quedaría en las salas de sus casas. “Era un trabajo muy serio a pesar de que no teníamos ni redes sociales abiertas, ni videos grabados, ni nada”, comentó Varo, bajista del grupo, a ROLLING STONE en Español.
En un inicio, el nombre del proyecto no sería Strawberry Pom. “Se llamaba Subcultures”, mencionó CJ, vocalista y líder de la agrupación. “Y luego pasó de Subcultures a Chilled Strawberry Pom”, complementó Andrés, el baterista. El cambio llegó en 2022, mismo año en el que estrenaron sus primeras canciones, las cuales tenían un sonido influenciado por el rock alternativo, shoegaze y un poco de psicodelia. Específicamente, el nombre se recortó a solamente Strawberry Pom después de que abrieron un concierto de Enanitos Verdes. De acuerdo a CJ, “Está cabrón decir, ‘Somos Chilled Strawberry Pom’”.
A pesar de ser mexicanos, el proyecto ha tomado el inglés como su idioma principal. Si bien algunas de sus letras presentan fragmentos en español, han decidido escribir en el idioma de sus principales influencias, donde destacan nombres como Björk, Steely Dan y Radiohead. “El inglés es un lenguaje muy padre. Puedes escribir cosas muy chingonas y nos sentimos muy relacionados con ese idioma”, externó el vocalista de la agrupación. “Es la música que crecimos escuchando y con la que nos relacionamos”, complementó Andrés.
Aunque la banda también cuenta con influencias latinas, que van desde artistas consolidados como Dante Spinetta y Charly García hasta propuestas aún en crecimiento como Margaritas Podridas. “No es que no nos guste la música en español o que no la escuchemos. Nada más que, a la hora de escribir, sale en inglés”, mencionó el bajista. “No creemos que expresar vaya necesariamente enlazado a un idioma, sino que sale de cómo las personas lo transmitan y esta es nuestra manera”, continuó Checo, guitarrista principal.
Dentro de sus influencias latinas, destaca Plastilina Mosh, banda oriunda de Monterrey y pieza clave en el movimiento conocido como Avanzada Regia. Su admiración al grupo los llevó a diseñar una canción específica para colaborar con Jonaz, guitarrista y vocalista del proyecto. El tema lleva por nombre ‘Vámonos De Aquí’ y es de los pocos de Strawberry Pom en los que se escuchan letras en español. “Fue un sueño para nosotros, la verdad. Plastilina Mosh ha sido una de las influencias latinas más grandes para la banda”, mencionó CJ. “Llegó al estudio, escuchó la letra y dijo, ‘Bueno, pónganme el puente’ y empezó a improvisar. En menos de media hora quedó”, complementó Genaro, tecladista del grupo.
Jonaz participa en un tema que se caracteriza por un ritmo funk, lo que refleja la evolución sónica de la banda. ‘Vámonos De Aquí’ forma parte de su EP Juvenoia, el cual está conformado por cuatro canciones que serán parte de su álbum debut, que llegará en mayo. A pesar de venir de las mismas cinco personas, los temas son muy distintos entre sí presentando sonidos sumamente variados, desde el bedroom pop hasta el post-rock.
“No es una decisión, es algo que naturalmente pasa. No sé por qué siempre se nos ha repetido, ‘¿Ustedes de qué género son? Ya definan un género’, y creo que estamos en un punto donde decimos, ‘Cada canción es un mundo diferente; cada canción se merece su expresión’, y si mezclan géneros, y si uno es shoegaze y si otro es jazz, así es como naturalmente salieron”, comentó CJ.
Sin embargo, el proyecto no se siente desordenado o disperso. Tiene una identidad bien marcada y una esencia que proviene de los cinco músicos detrás de cada tema, quienes aportan desde su trinchera y su instrumento. “En el proceso de grabación y de composición estamos todos. Si se tiene que grabar una guitarra, vamos a ir los cinco. La grabo yo solamente, pero contribuimos todos”, externó Checo.
Esta identidad y este estilo, han hecho que ROLLING STONE en Español considere a Strawberry Pom como una de las bandas pertenecientes a la nueva Avanzada Regia. Hoy en día en Monterrey existe todo un movimiento —comandado por artistas como Nsqk, Humbe o The Warning— en el que si bien el rock ya no domina, sigue estando presente.
“Nos identificamos con la forma de trabajar. Nos sentimos identificados con la vibra más que con otra cosa, porque no todos son bandas de rock alternativo”, mencionó Varo. “Creo que todos estamos en la misma batalla. Somos muy diferentes, pero todos somos de Monterrey. Todos sabemos cómo es crecer aquí. Y cada quien tiene su manera. Puede ser pop, rap, rock, lo que tú quieras, pero todos estamos cruzando ese camino y siempre hay algo con que relacionarse”, complementó CJ.
Gran parte de la visibilidad que ha recibido el proyecto, que ya suma más de 89.000 oyentes mensuales en plataformas digitales, se debe a su manejo de redes sociales, lo cual debe ser prioridad para cualquier artista hoy en día. “Desde el 2022 hemos estado haciendo contenido porque siempre hemos entendido que es algo muy importante”, dijo el vocalista de un grupo que tiene muy claro que el objetivo no es crecer en redes sociales, sino que la gente vaya a escuchar su música. “Queremos que la gente se quede y que escuche las canciones porque es lo más complicado. Muchas veces dan un like o comentan, pero no terminan escuchando la canción. Y, hasta el momento, lo hemos logrado”, añadió Genaro.
Aunque no todo se debe a las redes sociales, Strawberry Pom tiene detrás una narrativa que conecta con las generaciones más jóvenes. De hecho, Juvenoia gira alrededor de la fobia que las generaciones más grandes pueden tener frente a las más pequeñas. “No es un mensaje que repetimos mucho, pero el sonido de ese mensaje está muy plasmado en toda nuestra música”, mencionó CJ. “Esto es lo que somos ahorita, aunque una generación le tenga miedo a esto, o aunque otra se queje de esto. Tenemos nuestros problemas, nuestras cosas criticables, pero esto es lo que somos”.
El 20 de marzo, llegó a plataformas digitales Forever in the Sun, el nuevo EP de Strawberry Pom en donde presentaron cuatro canciones nuevas, incluyendo un cover de ‘Nasty Sex’ de La Revolución de Emiliano Zapata. “Pudimos habernos ido por alguna otra canción, pero desde el principio dijimos, ‘Podemos expresar algo muy chido con esta base que nos dejaron’”, compartió Varo. “Creo que puede ser un hit, genuinamente”, complementó Andrés. En general, el proyecto presenta una cara nueva del proyecto, reforzando la idea de que su música no sigue a un género específico, sino que fluye entre los sonidos, estilos e influencias que sus miembros consideren oportunas y sinceras.
Con su álbum debut en puerta, Strawberry Pom es una banda a la que no hay que dejar de ver. Ya han compartido escenario con artistas como The Black Keys y White Lies, así como participado en grandes festivales. Si bien han sido buenas oportunidades, los cinco integrantes de la agrupación tienen claro que su techo es mucho más amplio y harán todo lo posible por alcanzar ese cielo al que hoy voltean a ver con entusiasmo. “Confiamos muchísimo en las canciones y sabemos que no nada más los fans que ya tenemos les va a gustar mucho, confiamos en toda la gente a la que puede llegarle y que puede gustarle; que puede conocernos a través de estas nuevas rolas”, mencionó Checo para finalizar la conversación.
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Tras meses de espera, especulaciones y un sinfín de polémicas, Ye ha lanzado su duodécimo álbum de estudio: Bully. La presentación del material llega después de que el reconocido rapero estadounidense realizara una disculpa pública en el Wall Street Journal por sus comentarios y acciones controversiales.
Antes de ser lanzado en plataformas de streaming musical, West presentó el disco en YouTube con un cortometraje en blanco y negro protagonizago por su hijo Saint, quien se muestra defendiéndose en un ring de boxeo, siguiéndo la temática del material. Poco después, la transmisión fue retirada de la plataforma para llegar a Spotify, Apple Music, entre otras.
Bully es uno de los materiales que contiene más samples en el catálogo musical de Ye. El disco está conformado por fragmentos de éxitos como ‘You Can’t Hurry Love’ de The Supremes. Por su parte, West también recurre en ‘White Lines’ a un fragmento de la interpretación que Stevie Wonder hizo de ‘Close To You’, tema originalmente popularizado por The Carpenters, contando además con la colaboración de Andre Troutman. Asimismo, el proyecto incorpora otros samples destacados: ‘To You With Love’ de The Moments en ‘Preacher Man’, ‘Get Involved’ de Jonah Thompson en ‘Sisters and Brothers’ y la pieza de 1966 ‘Don’t Have To Shop Around’ de The Mad Lads, utilizada en ‘Beauty and the Beast’. Este disco también cuenta con la participación de Travis Scott, Peso Pluma, Andre Troutman, Don Toliver y CeeLo Green.
Hace meses, Ye declaró que la IA había sido una herramienta durante el proceso de creación de Bully. Sin embargo, aunque hizo hincapié en que no era un sustituto, se retractó de sus declaraciones y cambió por completo su mensaje y aseguró que no había utilizado esta herramienta tecnológica para la realización de su nuevo material discográfico.
Un comunicado de prensa afirma que el material, lejos de plantearse como una disculpa o un camino hacia la redención, se presenta como una obra que rehúye cualquier intento de justificarse. En Bully, Ye prioriza el relato por encima de la defensa personal, utilizando la música como vehículo narrativo. En ese marco, el álbum traza una especie de instantánea emocional del artista, donde se entrelazan la fe, el ego, los recuerdos, el arrepentimiento y las secuelas de sus propias decisiones.
Claro que el lanzamiento de Bully no podía estar libre de controversia. El material estaba previsto para ser lanzado en enero, justo cuando West realizó una disculpa pública en el Wall Street Journal por años de comentarios y acciones controversiales. Titulada “A aquellos a quienes he lastimado”, la extensa disculpa de una página expone un punto de reflexión del rapero sobre su lucha contra el trastorno de bipolaridad. Sin embargo, en aquel momento, el cantante negó que las palabras que ofrecía al público estuvieran relacionadas con revivir su éxito comercial.
“Esto se debe a que estos sentimientos de remordimiento pesaban mucho en mi corazón y me agobiaban”, dijo West en una entrevista con Vanity Fair. “Les debo una disculpa enorme una vez más por todo lo que dije que hirió a las comunidades judía y negra en particular. Todo fue demasiado lejos. Miro las consecuencias de aquel incidente y me doy cuenta de que esa no soy yo. Como figura pública, mucha gente me sigue y escucha cada una de mis palabras. Es importante que comprendan de qué lado de la historia quiero estar. Y ese es el lado del amor y la positividad”.
Y añadió: “Dije e hice cosas de las que me arrepiento profundamente. A algunas de las personas que más quiero, las traté fatal. Ustedes sufrieron miedo, confusión, humillación y el agotamiento de intentar amar a alguien que, a veces, era irreconocible. Mirando hacia atrás, me desconecté de mi verdadero yo”.
En la carta de disculpa, Ye afirmó que ya se encuentra en un momento de claridad, y que su energía está enfocada en mandar un mensaje positivo, desde la música hasta otras variantes de su arte: “No pido compasión ni perdón, aunque aspiro a ganarme su comprensión. Les escribo hoy simplemente para pedirles paciencia y comprensión mientras busco mi camino de regreso a casa”.
Aún cuando West aseguró que “perdió el contacto con la realidad” y que “todos estaban exagerando” por no creer que estaba enfermo, muchos mantienen opiniones divididas, pues los escépticos creen que ha sido una estrategia para reivindicar su papel en la industria musical y en el mundo en general, pues, después de tantas controversias, el magnate del rap vive en una polémica constante.
Ahora, con el lanzamiento de Bully, revive una nueva polémica, donde James Blake se ve implicado. El músico británico asegura que la pieza en la que colaboró para el material es totalmente diferente a la que fue publicada. “La forma en que modifiqué su voz y construí la pista a partir de su estilo libre está parcialmente ahí, salpicada principalmente con otras tomas vocales más nuevas, etc. Estoy feliz por los fans, pero he pedido que me quiten de los créditos de productor por ahora, ya que no quiero atribuirme el mérito del trabajo de otras personas y esta versión no es la que creé con Ye”, dijo.
Y añadió: “No es nada personal. Simplemente llegué a un punto en el que no quiero que se me acredite en música en la que no puedo influir en el resultado final. Hace tiempo que no nos vemos… creo que prefiero no hacer comentarios… y lo digo con tristeza”.
Por ahora, ya puedes escuchar Bully en todas las plataformas de streaming musical.
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En Dedo de novia, Giselle Elías Karam parte de un archivo personal acumulado durante años para construir una película sobre el amor, la familia y las expectativas que se heredan. Lo que comienza como un registro doméstico termina tomando forma durante la pandemia, cuando la directora revisa ese material y encuentra en él una pregunta central. En esta conversación, habla sobre ese proceso, el peso de lo íntimo frente a la cámara y lo que descubrió al convertir su historia en cine.
Tu película está construida a partir de material que grabaste durante años. ¿Cuándo entendiste que eso podía ser una película?
Fue durante la pandemia. Tenía muchos discos duros con material, pero nunca lo había organizado. En ese momento empecé a revisarlo todo y a preguntarme qué estaba buscando. Ahí apareció una idea muy clara: entender qué es el amor para mí. Venía también de una experiencia personal, de sentirme sola y de cuestionarme por qué no lograba construir relaciones duraderas, mientras veía a mis padres con casi cincuenta años juntos. Esa comparación fue el detonante.
El documental trabaja con tus padres como eje, pero también hay una tensión entre tu lugar como hija y como cineasta. ¿Cómo manejaste eso?
No fue algo que tuviera que resolver de manera consciente. En mi familia siempre ha habido mucha honestidad. Nunca existió la idea de ocultar cosas frente a los hijos. Mis papás se mostraban tal cual eran, con sus discusiones, sus afectos, todo. Entonces la cámara no cambió esa dinámica. Ellos sabían que estaban siendo grabados, pero no modificaban su comportamiento. Cuando vieron la película, sí fue fuerte para ellos, pero también entendieron que lo que aparece ahí es real.
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La película evita idealizar a la familia. ¿Era importante mantener esa complejidad?
Creo que tiene que ver con cómo empezó todo. Yo no estaba haciendo un documental desde el inicio. Solo estaba grabando mi vida. Si hubiera partido de una idea clara de “voy a retratar a mi familia”, seguramente el resultado sería distinto. Pero al ser algo tan espontáneo, lo que aparece es lo que es, con sus contradicciones.
En ese sentido, el proyecto también funciona como una especie de autoanálisis.
Totalmente. Para mí fue como hacer una constelación familiar, pero en video. Verlo proyectado es muy fuerte porque empiezas a notar cosas que no habías visto antes. Y eso no se termina. Cada vez que veo la película descubro algo nuevo. No es un proceso cerrado.
También hay un componente cultural importante, el origen libanés de tu familia. ¿Cómo influye eso en la historia?
Mucho. Durante mucho tiempo no me sentía cómoda con esa parte de mi identidad. Todo era muy intenso, muy colectivo, muy presente. Pero con el tiempo empecé a entenderlo mejor y a reconciliarme con eso. Hoy lo veo con más distancia, pero también con más cariño. La película refleja esa relación: pertenecer, pero también observar desde fuera.
El montaje parece haber sido clave para darle forma a todo ese material.
Sí, fue un proceso largo. Primero hice una selección de momentos importantes, pero después tuve que escribir un guion para organizar todo. A partir de ahí construí la narrativa, con la voz en off y también con nuevas preguntas que le hice a mis papás. Hubo escenas que tuvimos que eliminar, incluso algunas muy importantes, por temas de derechos musicales. Fue difícil, pero necesario.
Después de terminar la película, ¿sientes que cambió tu manera de entender el amor?
No tengo una respuesta definitiva. Sigo en proceso. Pero sí entendí algo importante: no puedo hacerme responsable de la felicidad de los demás. Durante mucho tiempo quise que mi mamá estuviera bien, que volviera a ser como la recordaba en ciertos momentos. Y me di cuenta de que eso no depende de mí. Lo único que sí depende de mí es cómo me relaciono conmigo misma.
¿Y qué lugar ocupa el amor dentro de esa idea?
Que si yo estoy bien, lo demás se acomoda mejor. Mis relaciones, mi trabajo, todo. También entendí que el ideal del amor romántico como algo perfecto y para siempre no es real. Para mí ahora el punto es otro: estar bien conmigo y desde ahí construir lo que venga.
Tu película genera una inmensa identificación en el espectador. ¿Eres consciente de eso?
Sabía que era un autorretrato, pero lo que más me ha sorprendido es que la gente lo convierte en el suyo. Ven a mis padres y empiezan a pensar en los suyos, en sus relaciones. Eso me parece lo más interesante de todo el proceso.
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Lizzo made a major confession about her sex life during an appearance on Benny Blanco and Lil Dicky’s Friends Keep Secrets podcast on Tuesday (March 31). “I was a late bloomer. I lied about it for a long time,” the “About Damn Time” singer, 37, said as the hosts tried to guess her age when she lost her virginity.
“Isn’t that crazy? … I wasn’t even thinking about it. For me, I just promised myself when I was younger that I wouldn’t have sex until I won a Grammy,” she explained. She won her first Grammy Award in 2020, when the deluxe version of her Cuz I Love You album took home best urban contemporary album, along with wins for best pop solo performance for “Truth Hurts” and best traditional R&B performance for “Jerome.”
When Lil Dicky asked, “Do you think you would have stuck to that? No. Eventually you would have f–ked had you not won the Grammy?,” Lizzo said “Who knows?” She also clarified that she didn’t actually have sex the night of the Grammys, but pretty soon after. And although she made the pact with herself and was excited to achieve her goal, she wasn’t thinking about sex when she won.
“I didn’t even know that it was in my cards,” she explained when co-host Kristin Batalucco asked if the excitement of the Grammy wins was overshadowed by her excitement to have sex. “I wasn’t even really set up for that,” Lizzo said.
Dicky said he could totally relate to lying about being a virgin, relating how when he was in college and his friends would ask if he was going to have sex that weekend he would act like it was definitely going to happen, like, a lot.
The singer said she also used to lie about being a virgin, saying it was “so embarrassing.” Lizzo described having a friend group of girls who were all grilling each other one night about their sex lives and when one of them asked if she was a virgin she remembers responding with an indignant “no. I remember it was so embarrassing,” she recalled. “I said, ‘I love the D!’ I said that. It was so f–king embarrassing … I was like, ‘I love the D’ and it held me over for a little while.”
She also revealed that her first kiss was at 21, explaining that it was a religious thing as well as a Grammy thing. “When we were teenagers at my church, we all made a pact that we wouldn’t do anything before marriage,” she said. “And then, I was just so scared. No one wanted to kiss me.”
And when she did have that kiss, frankly, “it was terrible. It was a New Year’s Eve thing and he, like, forced it on me,” she said. “I was really mad and I was like, ‘My first kiss is ruined!’”
Watch Lizzo discuss her sex life on Friends Keep Secrets below.
During Tuesday night’s (March 31) Broadway production of Moulin Rouge! The Musical, Megan Thee Stallion was taken to the hospital after she started feeling sick, Billboard has confirmed.
According to a statement from Megan’s team sent to Billboard: “During Tuesday night’s production, Megan started feeling very ill and was promptly transported to a local hospital, where her symptoms are currently being evaluated. We will share additional updates as more information becomes available.”
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Megan’s hairstylist Kellon Deryck first alerted fans to the hospitalization on Tuesday night, posting on X: “Everyone say a prayer for Megan, we are all at the hospital.”
Megan Thee Stallion made her Broadway debut last week as the first female-identifying performer in the role of Zidler, starting an eight-week engagement on March 24 and set to continue through May 17 at New York’s Al Hirshfeld Theatre. The three-time Billboard Hot 100-topping rapper celebrated opening night by posting a clip from the show on Instagram with the caption: “So grateful for this incredible cast & crew & everyone who worked so hard to make opening night a success!! HOTTIES IM ON BROADWAY!!”
Billboard has reached out to reps for the musical for further updates.
The Breakfast Club producer and host Loren LoRosa was at Tuesday’s performance, sharing on X: “Came to see Meg The stallion on broadway and that was short lived. The few opening scenes I saw her in she was great on stage! I was excited BUT…They just stopped moulin rouge mid show apologized to the audience and said ..’stay inside and seated’ I asked security if we’re safe .. they told us ‘for now, we’ll update you if anything changes.’”
When Billboard spoke with Meg ahead of her first night, she raved about the chance to bring her talents to Broadway. “When I got the opportunity to do it. I was like, ‘Hell yes, I’m coming up here doing it. How many times a day we gotta perform? OK, hell yeah, I’m doing that,’” she recalled. “This is not like a regular Megan Thee Stallion concert. This is Zidler. This is not even me, but the hotties get to come. Please make sure you tell the hotties this: I would like for them to come dressed the part.”
Salt-N-Pepa argue in a new appeal brief that a judge was wrong to dismiss the duo’s high-stakes music ownership lawsuit against Universal Music Group (UMG).
The Tuesday (March 31) court filing at the Second Circuit Court of Appeals is the opening bout in a fight by Cheryl “Salt” James and Sandra “Pepa” Denton to revive their copyright case against the world’s largest music company. The iconic hip-hop duo sued UMG last year for refusing to honor its so-called “termination rights,” a tenet of copyright law that allows artists to claw back ownership of their master recordings decades after signing them away.
A New York federal judge threw out the claims in January, determining that Salt-N-Pepa had no termination rights because the duo did not actually sign its 1986 record deal with Next Plateau Records. Rather, that contract was between Next Plateau (which was later sold to London Records, then absorbed by UMG) and Noise in the Attic Productions, a company that was controlled by Salt-N-Pepa’s music producer, Hurby “Luv Bug” Azor.
Richard Busch, the veteran music attorney newly hired to represent Salt-N-Pepa on appeal, says in Tuesday’s brief that this dismissal decision was “riddled with error.” According to Busch, the lower court ignored the fact that Salt-N-Pepa owned its music when it was created, and that the duo was the one to begin a long “chain of grants” via its own 1986 recording contract with Azor.
“When correctly interpreted, the 1986 agreements together should be read to mean that the copyrights originated with Salt-N-Pepa, and then were transferred to Noise in the Attic, then Next Plateau, next to London, and eventually to UMG,” writes Busch. “Because Section 203 expressly contemplates that terminations would be binding and effective against successors in interest, and because the seminal grant of rights came from the authors (Salt-N-Pepa), their termination notices are effective to terminate UMG’s rights reverting them to Salt-N-Pepa.”
Salt-N-Pepa’s brief also zooms out to alert the Second Circuit to some bigger picture concerns in the duo’s appeal. Busch writes that Congress created termination rights “to rectify the imbalance of bargaining power that all artists face when negotiating with entities to exploit their works” — and that the rap duo’s 1986 record deal memorialized this exact type of imbalance.
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“The lasting success of Salt-N-Pepa’s catalog has been a windfall for UMG and its predecessors-in-interest — indeed, the catalog generated approximately $1 million in royalties in the five months preceding this lawsuit, alone,” reads the appeal brief. “Under the relevant agreements, UMG has enjoyed the lion’s share of these royalties.”
In a statement to Billboard on Tuesday, Busch said, “This is a very important case for all recording artists, and, respectfully, as we make clear in our brief, we believe the district court got it wrong. We look forward to being heard by the Second Circuit.”
A rep for UMG did not immediately return a request for comment on Salt-N-Pepa’s brief. The company is scheduled to file its own brief in response in May.
Termination rights have become a hot-button issue in music law in recent years. Artists such as 2 Live Crew have gone to court to win back their catalogs, and others asserted their termination rights en masse via class-action litigation against UMG and Sony. Both majors ultimately settled those lawsuits in 2024.
In the past, termination rights have generally been considered to apply only to U.S. copyright grants. But that’s now up in the air after a first-of-its-kind appeals court ruling held this summer that termination rights can also be asserted overseas — potentially upending decades of industry practice. This week, units of all three majors announced that they’d bought out the copyright at issue in that case so they can take it to the Supreme Court.
Morgan Evans just performed a cover of one of Garth Brooks‘s most vocally challenging, enduring ’90s hits — and the Country Music Hall of Famer had some thoughts about it.
During an episode of the God’s Country podcast earlier this month, Evans briefly sang a bit of “Ain’t Going Down (‘Til the Sun Comes Up),” which appeared on Brooks’ 1993 album In Pieces and was a two-week Country Airplay and Hot Country Songs chart-topper. The song’s full-throttle, spit-fire delivery makes it a fan favorite in concert.
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Alongside the podcast’s hosts, brothers Dan and Reid Isbell, Evans sang the song while seated casually in a chair, and smoothly kept pace with the rapid-fire lyrics, singing the song with such ease that even Brooks himself had to comment on it.
Brooks replied to a video of the performance, writing, “Dude!!!!! Are you kidding me???? I can’t sing that song without going into cardiac arrest and you guys make it look easy!!!! QUIT doing Garth stuff better than Garth!!!! Honored, flattered and absolutely LOVE that moment!! love, g”
Evans replied to Brooks, writing, “Hahahaha maaaaaaate!!! Been singing your songs my whole life. Means a lot! Thanks legend!”
During the podcast, Evans recalled growing up listening to Brooks’ music, and said of “Ain’t Going Down (‘Til the Sun Comes Up),” “finally learning all the lyrics to this song was like a great achievement.”
Evans appeared on the podcast in support of the March 20 release of his new album Steel Town, which finds the Australian-born singer/songwriter returning to his roots.
“In 2026, I feel like people are more drawn to the more unique version of someone,” he said. “I really tried to lean into that with songs like ‘Steel Town,’ about my hometown, or ‘Land I Love,’ which is about Australia.”
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Festival season is on the horizon, and with it comes unbearably hot weather.
Sweating is a natural part of festival and concert attendance. You’re laughing, screaming, singing and dancing along to some of your favorite artists, trying to have a grand old time despite the oppressive heat. Coachella is right around the corner, not to mention Governors Ball, Stagecoach and Lollapalooza. You’ve also got major tours to look forward to in the next few months, including big names like BTS, Rosalia, Raye, Peso Pluma and Bruno Mars, among others.
If you plan on attending any of these upcoming festivities and you want to keep cool, you’ll need an excellent handheld or portable fan in your concert/festival-going arsenal. This is just as important as a good water bottle and bag. As someone who has attended a handful of concerts or festivals with a portable electric fan, it really makes a world of difference as far as enjoyment goes. You don’t want to be passing out mid-set of heat exhaustion, that’s for sure.
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After releasing in theaters on Feb. 13, Emerald Fennell’s steamy Wuthering Heights film starring Margot Robbie and Jacob Elordi is now available to watch online. Releasing digitally on Tuesday (March 31), fans of Emily Brontë’s pivotal Victorian novel can buy and rent the modern film adaption digitally through premium video-on-demand services, such as Prime Video and Apple TV.
How to Watch Wuthering Heights, At a Glance:
- Release Date: Tuesday, March 31
- Digital Release: Amazon Prime Video, Apple TV
- Physical Release: Pre-order on Amazon (release date on May 5)
- Price: Buy for $24.99, rent for $19.99
In Fennell’s modern adaptation, Robbie and Elordi star as Catherine Earnshaw and Heathcliff in the period drama that charts the passionate and tragic romance between their star-crossed characters. With stunning visuals, viral steamy scenes and a chart-topping soundtrack by Charli XCX, let this film be a great excuse to stay in and have yourself a fun movie night.
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And whether you’re going goth, in your feelings and need a good cry, or just winding down for the night, you can light this Wuthering Heights-inspired candle to help set (or soften) the mood. The Amazon sellers says this 9 oz. candles “smells like books;” more specifically, that means notes of leather, clover, freesia, sweet fig and ivy vines.
Steel Mill & Co Original Book-Shaped Decorative Vase
We love this Wuthering Heights-inspired vase, which is made to look like a hardcover book. It’s actually made from a molded ceramic material with a gold-flecked spin and front cover, and textured ribbed detailing on the right side to mimic pages. This vase measures approximately 5.5 x 7.5 inches in size. It makes a great gift for Wuthering Heights fans too.
Wuthering Heights T-Shirt
“So kiss me, and let us both be damned!”
The final line of the Wuthering Heights trailer finds Elordi’s Heathcliff uttering these fateful words to Robbie’s Cathy, highlighting the intense love they have for one another — and the tragic circumstances that keep them apart. This T-shirt captures that quote in all its emotional resonance with a skull and roses graphic that represents their forbidden affair.
Universal Zone Wuthering Heights by Emily Brontë Tote Bag
Amazon has this Wuthering Heights canvas tote bag, inspired by the book cover of Brontë’s novel. This tote measures 15 x 16 inches in size and comes with a ten-inch strap that you can wear on the arm or shoulder.
Wuthering Heights Movie Details
- Director & Writer: Emerald Fennell
- Cast: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Alison Oliver, Martin Clunes, and Ewan Mitchell
- Release Date: February 13, 2026
- Run Time: 136 minutes
- Studio: Warner Bros. Pictures, MRC, LuckyChap Entertainment
- Music: Score by Anthony Willis, with original songs by Charli XCX
- MPAA Rating: R (for sexual content, some violent content, and language)
Watch the trailer for Wuthering Heights below:
Fresh caselaw from the U.S. Supreme Court may throw a wrench into the major music publishers’ lawsuit accusing Elon Musk’s X of widespread copyright infringement.
Publishers teamed up in 2023 to sue X (then known as Twitter) in federal court for refusing to license songs that users post on the platform. The suit has been in evidence discovery since a Nashville judge greenlit certain copyright claims in 2024, and it’s set to go to trial at the beginning of 2027.
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That schedule might be changing, though, because of the Supreme Court’s decision last week in a separate music piracy case brought by the major record labels against internet service provider Cox. In that case, the justices ruled 9-0 that an internet platform cannot be held liable for its subscribers’ copyright violations unless the service is marketed or tailored specifically for infringement.
X’s lawyers now argue that this new binding precedent dooms the music publishers’ copyright claims. That’s because the publishers are asserting a similar theory of so-called contributory liability that was rejected in the Cox case — that is, that X is at fault for slow-walking its response to takedown requests and failing to terminate users who repeatedly post infringing music.
“If the Supreme Court had issued this opinion three years ago, X believes this court would have dismissed plaintiffs’ contributory-infringement claim in its entirety,” wrote X’s attorneys in a Friday (March 27) court filing. “Indeed, virtually every contributory-infringement case plaintiffs cited in opposing X’s motion to dismiss — including the Fourth Circuit case on which this court relied — is no longer good law.”
In a court response on Tuesday (March 31), the publishers’ lawyers said they “disagree with defendant’s assertion that the Cox decision means that this case should be dismissed.” Without going into detail, they argued that “plaintiffs’ allegations and the factual record support this case moving forward.”
That said, the publishers acknowledged that the Cox ruling may have implications for their lawsuit, and they accepted X’s proposal to pause the discovery process while they file briefs digging deeper into the issue. A rep for the publishers declined to comment further on Tuesday (March 31).
The case is being brought by all three major publishers (Universal Music Publishing Group, Sony Music Publishing and Warner Chappell Music), plus a slew of indie publishers, including Concord, BMG, ABKCO, Kobalt, Reservoir and Wixen. Helmed by the National Music Publishers’ Association (NMPA), the suit alleges that X “profits handsomely” from infringement of compositions on its platform.
Most major social media companies, namely Meta, TikTok and Snapchat, have entered into blanket licensing agreements that provide a pre-cleared library of music for users to add to their posts. But X has long refused to do the same, maintaining that such broad licenses are not required under copyright law.
Last summer, it looked for a time as if X and the music publishers might strike a settlement after the long legal fight. Attorneys reported in court filings that they’d made “substantial progress” towards a deal, but they ultimately reached an impasse in the fall and went back to litigating.
With settlement talks on ice, X went on the offense this January by countersuing the NMPA for antitrust violations. X alleged that the publishers colluded to overwhelm its staff with hundreds of thousands of takedown requests as part of a “coercive campaign” to “force it to buy industrywide licenses it does not need.” That countersuit remains in its earliest stages.