Los Rolling Stones estrenarán el sencillo “Rough and Twisted” para lanzar su nuevo disco, el cual será el número 25 de su discografía. Ahora, ojo, “Rough and Twisted” no estará disponible en plataformas de streaming, saldrá únicamente solo en vinilo, y en una edición especial sin sello discográfico, bajo el nombre de The Cockroaches, un […]

El cargo Los Rolling Stones anuncian su álbum de estudio número 25 apareció primero en WARP.la.

El debate sobre separar al artista de su obra rara vez ha sido tan evidente como en el caso de Kanye West. A estas alturas, pocos discuten su capacidad para crear canciones y proyectos que marcaron a más de una generación. Discos como Graduation (2007), My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010) o The Life of Pablo (2016) no solo lo demuestran, sino que consolidan una carrera impulsada por un talento desbordante, una personalidad irreverente y una ambición que, en su punto más alto, lo llevó a ser el artista más grande del planeta. Sin embargo, esa ambición desmedida—como sugiere C. Tangana en la canción del mismo nombre— también ha sido el motor de su propia caída.

A pesar de nunca haber sido una persona convencional, causando escándalos y polémicas por sus actitudes y sus letras, en los últimos años el cantante y productor ha cruzado un límite. Si bien episodios como la cancelación abrupta de su gira en 2016 y su posterior hospitalización ya anticipaban un desgaste personal y mediático, el verdadero punto de quiebre comenzó a consolidarse en 2018, cuando su apoyo abierto a Donald Trump —incluyendo su aparición con la gorra “Make America Great Again” y su visita a la Casa Blanca— lo distanció de buena parte de su audiencia. 

A partir de ahí, sus intervenciones públicas dejaron de ser vistas como excentricidades y empezaron a percibirse como declaraciones problemáticas, una tendencia que se intensificó en 2020 con su fallida candidatura presidencial. Sin embargo, el punto más crítico llegó en 2022, cuando además de su divorcio de Kim Kardashian, una serie de comentarios antisemitas en entrevistas y redes sociales provocaron la suspensión de sus cuentas, la ruptura de contratos millonarios —incluida su alianza con Adidas— y un rechazo casi unánime por parte de la industria 

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A pesar de todos estos episodios —que dejaron de ser simplemente “polémicos” para entrar en el terreno de los discursos de odio—, la relación entre Kanye West y su público nunca se rompió del todo. Cada nueva controversia, cada retraso en sus proyectos y cada lanzamiento que no cumplía las expectativas —Donda 2 o Vultures 2, por ejemplo— venían acompañados de una reacción casi predecible: sus fans salían a defenderlo en redes sociales, especialmente en X y TikTok. Las justificaciones variaban —sus problemas de salud mental, su entorno, su genio incomprendido—, pero el argumento de fondo era siempre el mismo, convertido ya en meme: “pero hizo Graduation”, dejando claro que, para muchos, su obra pesa más que sus actitudes.

Este comportamiento, aunque podía escandalizar a algunos, no es nuevo en lo absoluto. Los seguidores de West han tendido históricamente a validar —e incluso celebrar— casi todo lo que hace, independientemente de sus implicaciones. Un ejemplo claro son sus ya conocidas interacciones con Taylor Swift: desde interrumpirla en los MTV Video Music Awards de 2009 hasta afirmar años después, en una de sus canciones, que “él hizo a esa perra famosa”. Lejos de generar un rechazo sostenido entre su base de fans, estos episodios fueron recibidos con humor, complicidad e incluso admiración, al punto de convertirse en memes y merchandising.

Este patrón de reacción no es casual ni exclusivo del fandom de Kanye. Responde, más bien, a una forma bastante común en la que percibimos a las figuras públicas. En psicología, esto se conoce como el efecto halo: un sesgo que hace que una cualidad particularmente destacada termine influyendo —o incluso distorsionando— la manera en que evaluamos todo lo demás. En el caso de Kanye West, su talento —probado una y otra vez a lo largo de su carrera— no convierte necesariamente sus errores en algo aceptable, pero sí los vuelve secundarios. Cada polémica, por grave que sea, termina siendo absorbida por el peso de su obra, como si su capacidad artística funcionara como un filtro que reduce el impacto de todo lo demás. Así, más que separar al artista de su obra, el público parece hacer lo contrario: usar la obra para justificar, relativizar o simplemente dejar en segundo plano al artista. El canal de youtube Proyecto Escolar realizó una serie de pulsos a las afueras del concierto del artista en México, evidenciando este comportamiento.

A pesar de ese respaldo constante —casi automático— por parte de su público, West pareció reconocer que había cruzado un límite. En enero de 2026, el artista publicó una disculpa pública en forma de anuncio pagado en The Wall Street Journal, bajo el título “To Those I’ve Hurt” (“A quienes he lastimado”). Allí, no solo admitía haber causado daño, sino que se mostraba explícitamente arrepentido: “me avergüenzo profundamente de mis acciones”, escribió, reconociendo que durante años dijo e hizo cosas de las que hoy se arrepiente . Lejos de ser un mensaje superficial, la carta buscaba dar contexto a su comportamiento, señalando que había “perdido el contacto con la realidad” en distintos momentos de su vida reciente.

En ese mismo texto, West intentó explicar el origen de esa desconexión. Atribuyó su trastorno bipolar a una lesión cerebral provocada por el accidente de coche que sufrió en 2002, asegurando que durante años vivió episodios maníacos en los que sentía que tenía una claridad absoluta cuando, en realidad, estaba “perdiendo el control por completo” . También abordó directamente sus declaraciones más polémicas, incluyendo el uso de simbología nazi, afirmando: “no soy nazi ni antisemita. Amo al pueblo judío”. Aunque insistió en que su condición no justificaba sus acciones, sí pidió “paciencia y comprensión” mientras intentaba asumir responsabilidad y reconstruirse, en lo que podría interpretarse como el intento más claro de reconciliarse tanto con su audiencia como con la opinión pública.

Tras la disculpa, Ye publicó su duodécimo álbum de estudio, Bully, que, aunque dividió a la crítica, logró cautivar a su base de seguidores. No es casual: se trata de su proyecto más sólido en lo que va de la década, con colaboraciones de artistas como Travis Scott y Don Toliver o Peso Pluma que refuerzan su vigencia dentro del panorama actual. A esto se sumó una gira de conciertos que terminó de consolidar la narrativa de su regreso. En ese contexto, sus fans parecen haber dejado atrás —o simplemente relegado— todo lo ocurrido en los últimos cuatro años, reafirmando a Kanye en ese pedestal del que, en el fondo, sus seguidores nunca lo bajaron.

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Si el título de esta nota es “¿El público ya perdonó a Kanye West?”, la respuesta no es del todo sencilla. Para una parte del público general, el perdón aún está lejos de concretarse. Sus declaraciones antisemitas no solo generaron rechazo inmediato, sino que se insertaron en un contexto global donde los discursos de odio han cobrado una nueva visibilidad, alimentados por tensiones geopolíticas y la proliferación de teorías conspirativas. En ese sentido, figuras como David Schwimmer —recordado por su papel de Ross en Friends— han sido tajantes al respecto: “no alcanza con pedir perdón cuando se trata de discursos que alimentan el odio”. A esto hay que añadir consecuencias concretas, su exclusión de eventos y restricciones para presentarse en ciertos países, evidenciando que, fuera de su núcleo duro de seguidores, la herida sigue abierta.

Por otro lado, hablar de perdón en el caso de sus fans resulta, incluso, impreciso. Para ellos, Kanye nunca fue realmente culpable. Desde el inicio, sus acciones fueron justificadas, diluyendo cualquier posibilidad de una condena real. En ese contexto, no hay lugar para el perdón porque nunca existió un reproche genuino. Más que redimirse ante su público, West simplemente continuó una relación que jamás se rompió.

Toda esta discusión nos lleva de nuevo al interminable debate sobre si es posible separar la obra del artista. Más allá de la postura individual frente a esta cuestión, el caso de Kanye West sugiere que esa separación no solo es posible, sino que, en la práctica, suele ir un paso más allá: no se trata de aislar la obra, sino de usarla como escudo. Su música no lo distancia de sus errores; los amortigua, los relativiza y, en muchos casos, los eclipsa por completo. En ese sentido, Ye no fue perdonado: fue protegido por el peso de su propio legado.

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Manuel Turizo, uno de los artistas colombianos más relevantes de la actualidad, estrenó este 9 de abril su más reciente álbum de estudio, El Apambichao. En este proyecto, el artista explora las raíces y tradiciones del país que marcaron su vida y forjaron su identidad, sin dejar de lado los géneros que lo han acompañado desde su debut hace casi una década, como el pop latino y la música urbana.

Con este disco, Turizo busca retratar la esencia de las calles colombianas, incorporando elementos como sus colores, su gastronomía, la autenticidad de su gente y su atmósfera tropical. A lo largo de sus 15 canciones, sin embargo, no abandona los temas recurrentes de su propuesta: el romance, el baile y esa conexión directa con el espíritu caribeño que define su sonido.

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El disco también destaca por un amplio abanico de colaboraciones que expanden su propuesta sonora y visual. A lo largo del tracklist, Manuel se rodea de grandes artistas como Emilia, Dei V, Dálmata, Luis Alfonso y Xavi, quienes aportan matices distintos a canciones como ‘Cumbia Playera’, ‘No me mientas así’, ‘Sunset en la Sanse’ y ‘Mi loca’. Estas colaboraciones no solo diversifican el sonido del proyecto, sino que también refuerzan su identidad, apoyadas además por una serie de visualizers que amplían el universo estético del disco.

Como antesala del lanzamiento, Turizo presentó ‘Apambichao’ junto a Maluma, un sencillo que funciona como carta de presentación del álbum. El Featuring reúne la sensualidad y el ritmo característicos de ambos artistas, marcando con claridad el tono del proyecto: una apuesta por la energía festiva y los códigos del sonido urbano contemporáneo con sello colombiano.

El focus track del disco, ‘Te hacen falta dos’, llega acompañado de su video oficial, una pieza cargada de color, movimiento y referencias a la cultura colombiana. Más allá de lo musical, el lanzamiento refuerza la intención conceptual del proyecto, integrando lo visual como un elemento clave para consolidar la narrativa que atraviesa todo el álbum.

En conjunto, El Apambichao se presenta como un paso firme dentro de la evolución de Manuel Turizo, un proyecto que equilibra lo personal y lo comercial sin perder coherencia. A través de sus sonidos, colaboraciones y propuesta visual, el artista logra conectar con sus raíces mientras amplía los límites de su identidad musical. Más que un giro radical, el álbum funciona como una reafirmación: la de una voz que entiende su lugar dentro de la música en español y que, desde ahí, sigue explorando nuevas formas de expandirse.

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En Chinatown, Roman Polanski convirtió el agua en una maquinaria de poder silenciosa, una corriente que definía quién dominaba la ciudad y quién quedaba condenado a la sed. Entre 2 aguas recoge ese impulso y lo traslada a un territorio donde la paradoja es punzante. Un país atravesado por ríos donde el acceso al agua sigue siendo un privilegio negociado. Aquí no hay sequía como fatalidad natural. Hay administración, corrupción y negocio.

La película de Carlos Gabriel Vergara (Huellas, Esto se calentó), se articula desde un conflicto que no se disfraza de metáfora. Moisés, interpretado por Nelson Camayo, no es un héroe en construcción sino un hombre ya comprometido con una estructura de poder que conoce demasiado bien. Viene de la escasez, de cargar agua antes del amanecer, de entender el líquido como sobrevivencia. Y ahora habita el otro lado: el de quienes regulan, negocian y restringen.

Ese desplazamiento es el verdadero núcleo dramático. No se trata solo de descubrir una red que mercantiliza el agua como plantea la premisa, sino de enfrentarse a la evidencia de que el ascenso social puede estar construido sobre la negación de la propia historia.

Camayo entiende eso con una contención precisa. Su Moisés es un cuerpo atravesado por tensiones de memoria y presente, lealtad y culpa, comodidad y ruptura. Es aquí donde respira la película. A su alrededor, Ana Harlem y Angélica González no funcionan como figuras ornamentales, sino como extensiones de un entorno social donde el poder no siempre tiene rostro, pero sí consecuencias.

Vergara construye la narrativa en capas temporales (niñez, juventud, adultez) como si el personaje fuera tres versiones de sí mismo atrapadas en distintas estaciones emocionales. La infancia, seca y luminosa; la juventud, impulsiva; la adultez, fría, casi mineral. Ese diseño no es caprichoso. Es una manera de entender cómo se forma un verdugo sin dejar de ser víctima.

Cuando la película se instala en esos recuerdos en la caminata, en el pozo y en el gesto cotidiano de buscar agua, encuentra su verdad más contundente. Porque ahí el conflicto deja de ser político y se vuelve corporal.  El problema aparece cuando el relato se desplaza hacia el thriller más convencional. En su intento por expandir el alcance hacia estructuras de poder más amplias, incluso globales, la película adopta códigos reconocibles de giros previsibles que contrastan con la sobriedad de sus momentos más íntimos. No rompe la película, pero sí la vuelve intermitente.

Esa oscilación entre memoria, denuncia y género no siempre se articula con la misma precisión. Hay fragmentos donde la fragmentación enriquece y otros donde dispersa. Pero incluso en esa irregularidad, el eje permanece intacto: el agua nunca es decorado. Es el conflicto mismo. Uno donde la sed no es ausencia de agua, sino consecuencia de quién decide abrir o cerrar la llave.

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A lo largo de su carrera, Fatih Akin ha construido una filmografía marcada por personajes que viven entre mundos: migrantes, desplazados o individuos atravesados por tensiones culturales y políticas. Desde Head-On hasta In The Fade, su cine ha explorado la identidad desde lo social, lo histórico y lo emocional.

Con Amrum, Akin desplaza esa mirada hacia un terreno más interior. Ambientada en 1945, la película sigue a un niño en una isla alemana durante el final de la guerra, en un entorno donde la violencia no siempre es visible, pero sí constante. En esta conversación, el director habla sobre identidad, memoria, herencia familiar y las decisiones formales que marcaron esta nueva etapa de su cine.

A lo largo de tu carrera, tus personajes negocian constantemente identidad, pertenencia y pérdida. ¿Cómo lleva Amrum esas preocupaciones a un nuevo terreno?

Creo que sigue siendo una película sobre identidad, pero de otra forma. Las historias de crecimiento siempre tratan sobre identidad, pero aquí es más interna que externa. En mis trabajos anteriores, la identidad estaba más definida por el entorno, por lo social. Aquí es algo que ocurre dentro del personaje.

El niño llega a la isla desde el continente y se encuentra con un grupo que no lo acepta. Es la historia clásica del marginal que quiere pertenecer. ¿Qué hace para lograrlo? Incluso participa en el rechazo a otros niños, como los refugiados, solo para ser aceptado. Eso habla de algo que vemos en todas partes: personas que buscan pertenecer aunque eso implique ir en contra de sí mismas.

Películas como La infancia de Iván o Come and See retratan la guerra desde la mirada de un niño. ¿Fueron referencias para ti?

Claro. Come and See es una película fundamental para muchos cineastas. Pero también pensaba en Alemania: Año Cero de Rossellini, que se acerca más a lo que yo quería hacer. No me interesaba mostrar la guerra en el frente, sino en los márgenes. En mi película, la guerra está lejos. Vemos aviones, vemos rastros, pero no hay grandes escenas de combate. Era un reto: cómo generar tensión sin recurrir a lo espectacular. Porque muchas personas vivieron la guerra así, especialmente en zonas rurales. Esa experiencia más silenciosa también es real.

La isla se siente como un espacio cerrado que a la vez protege y expone. ¿Cómo la pensaste?

Para mí, la isla es un personaje. La forma en que la filmamos responde a eso. Pensé mucho en Ladrones de bicicletas de De Sica, donde un espacio limitado permite mostrar toda una sociedad. En la isla vemos distintos tipos de personas: oportunistas, nazis convencidos, gente que intenta sobrevivir. Es una especie de retrato de Alemania en miniatura. El espacio reducido permite concentrar todo eso.

En la película, el niño crece sin una figura paterna. ¿Qué significa esa ausencia?

Era algo muy común en esa generación. Muchos padres murieron, estaban presos o no podían volver a trabajar. Eso obligó a los niños a asumir responsabilidades muy pronto. Alemania fue reconstruida en gran parte por mujeres. Y también por inmigrantes, como mis propios padres. La ausencia del padre no es solo personal, es estructural. Define una época.

El mar tiene una presencia constante. ¿Qué papel juega?

El mar es algo personal para mí. Mi padre era pescador, mi familia viene de la costa. Pero también es un elemento cinematográfico muy fuerte: está en movimiento, marca el tiempo.

Las mareas son una forma de mostrar el paso del tiempo, y el tiempo es lo más difícil de trabajar en cine. Además, el mar es incontrolable. Como la vida. No puedes dominarlo.

Muchos de tus personajes están atrapados en situaciones que no pueden controlar. ¿Te interesa esa idea de destino?

Sí. No eliges dónde naces ni quiénes son tus padres. Eso determina muchas cosas. Para mí era importante no simplificar eso. Puedes no estar de acuerdo con tu entorno, pero sigue siendo parte de ti. Esa tensión es lo que me interesa.

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Después de trabajar temas contemporáneos, ¿por qué volver a 1945?

El guion ya estaba situado en esa época, pero cuando lo leí pensé inmediatamente en el presente. Especialmente en la Alemania actual.

Hay una escena donde el niño dice: “yo no soy culpable”, y un adulto le responde: “quizá no, pero tienes algo que ver, porque vienes de tus padres”.

Esa idea sigue vigente. El pasado no desaparece. Sigue influyendo en cómo pensamos y actuamos hoy. Esa idea sigue completamente vigente Por ejemplo, Alemania hoy apoya a Israel en todo lo que hace, en gran parte por un sentimiento de culpa histórica. Es una forma de intentar desprenderse de esa culpa del Holocausto. Ese tipo de relación con el pasado es lo que hace que la película, aunque esté ambientada en 1945, sea también una película sobre el presente.

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Originarios de Austin, Texas, los integrantes de la banda de alt-rock Culture Wars llegan a un punto decisivo en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum, Don’t Speak, tras firmar con AWAL (Artists Without A Label), una de las plataformas más influyentes para artistas independientes.

Rock, riffs, guitarras y baquetas. En este disco, lejos de la hiperproducción digital que domina gran parte de la escena actual, Alex Dugan, David Grayson, Dillon Randolph, Caleb Contreras y Josh Stirm apuestan por la crudeza del sonido en vivo y los instrumentos reales, construyendo un rock orgánico, directo y sostenido.

En entrevistas con ROLLING STONE en Español el año pasado, el vocalista Alex Dugan mencionó que parte del álbum fue grabado entre El Paso y Tornillo, en estudios como Sonic Ranch en Texas, además de espacios consagrados como United Recording en Hollywood y Sunset Sound en Los Ángeles.

A lo largo de las 12 canciones que lo conforman, Culture Wars explora la identidad, las secuelas emocionales y el proceso (a menudo incómodo) de crecer, equilibrando arrepentimiento, autoconciencia y aceptación.

El lanzamiento, acompañado por el video oficial del sencillo que da nombre al álbum, llega tras un año clave para la banda. Todo comenzó con ‘Heaven’, un tema que irrumpió con más de 2.2 millones de streams desde su estreno en 2024, marcando el primer gran punto de quiebre en su proyección internacional.

Asimismo, canciones como ‘Typical Ways’, escrita, según Dugan, como ‘una carta enojada a su yo del pasado’, atraviesan el disco desde un lugar de autoconocimiento crudo e introspectivo. 

‘Lies’, por su parte, regresa al origen de la banda, pues es una canción nacida del desamor y la pérdida de confianza que evoluciona hacia un momento de claridad y propósito creativo.

Así, desde el lanzamiento de su EP Teche en 2021, Culture Wars ha mantenido un crecimiento constante como una banda independiente y autogestionada. En sus inicios, incluso compartieron escenario en arenas junto a Maroon 5, Keane y Wallows y habían logrado sold outs en venues de Nueva York o Londres, consolidando su creciente alcance internacional.

En ese contexto, y con su debut recién estrenado y más de un millón de oyentes mensuales, la banda se prepara para su primera gira mundial, que comenzará en mayo con fechas en Estados Unidos, Reino Unido y México, que ocupará un lugar especial en ese recorrido: el 30 de mayo en el Foro Puebla y el 31 de mayo en Monterrey, dos noches en las que presentarán por primera vez en el país, las canciones de este debut.

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A menos de 24 horas de lanzar Eterno, Diego Millán —mejor conocido como Calle 24— no intenta disimular lo evidente: está nervioso. Pero no es miedo. Tampoco ansiedad. Lo que siente es distinto. Algo más cercano al vértigo. Una mezcla entre orgullo, expectativa y una emoción difícil de nombrar que aparece justo antes de soltar algo que ya no le pertenece. 

El disco, grabado meses atrás en un home studio improvisado en el clóset de una casa en Anaheim, California, y bajo el sello de Street Mob Records, no es cualquier lanzamiento. Es, quizá, su trabajo más íntimo. Aquí, “Dieguito” no busca impresionar con excesos ni repetir fórmulas: busca permanecer.

En la antesala de este lanzamiento, Calle 24 conversó con ROLLING STONE en Español sobre el significado de la eternidad, el peso de su entorno, sus relaciones personales y la responsabilidad de cantar historias sin romantizar lo que, muchas veces, duele. 

A continuación, extractos editados de esa conversación.

Faltan menos de 24 horas para el estreno de Eterno. ¿Cómo te sientes?

Imagínate… traigo de todo. Estoy contento, la neta, pero también siento muchos nervios.  Es raro, porque este disco lo grabamos desde noviembre y todo este tiempo ha sido como aguantarte, ¿sabes? Tenerlo ahí guardado, escucharlo, y ahora ya soltarlo… sí pega. Son muchos sentimientos juntos. Pero más que nada, estoy agradecido y emocionado. Ya quiero que la gente lo escuche.

¿Qué significa “Eterno” para ti y por qué convertir esta palabra en el centro del álbum?

Para mí, Eterno es eso que dejas cuando ya no estás. No tiene tanto que ver con vivir para siempre, sino con permanecer. Yo siento que uno como artista tiene ese poder de dejar un legado a través de lo que escribes: tus letras, tu forma de pensar, lo que transmites… y también cómo eres como persona. Debes dar esa aura de ser sencillo.

También porque meto y mezclo muchos puntos entre canciones que han sido eternas dentro de la regional mexicana y dentro de la música en general. Por ejemplo, en ‘No soy pa ti’. Ese es un sample que está inspirada en ‘Star Shopping’ de Lil Peep —que en paz descanse—, pero lo hicimos a nuestra manera, tratando de dar ese mismo mensaje. Porque, para mí, él es eterno porque dejó legado, ¿me entiendes? A ese nivel quiero llegar yo de eternidad.

“A mí me gustaría que el día de mañana, cuando yo ya no esté, que un chavalo ponga una canción mía y diga: “Yo escuchaba a Calle 24”. Eso, para mí, es ser eterno.”

Si alguien te descubre por primera vez con este disco, ¿qué te gustaría que percibiera?

Hablando musicalmente, que soy versátil. Nunca me ha gustado quedarme en un solo género; me gusta experimentar: con banda, con norteño, con trap, con lo que sea. Me gustaría que me recuerden como un artista que no se quedó en un solo lugar, sino que quiso llevar la música mexicana , especialmente la de mi tierra, Chihuahua, a otros países.

Y como persona, me gustaría que vean a una persona real, sencilla. No soy alguien clavado en el dinero o la fama. Claro que estoy agradecido con eso y con mi gente, que es quien me ha puesto aquí, pero me gustaría que me recuerden más por cómo soy que por lo que tengo. Ser recordado por ser auténtico.

Esa versatilidad se refleja en las canciones del álbum, que van desde lo más romántico hasta lo más crítico. ¿Cuál es el mayor sentimiento que atraviesa este disco?

Es que así es la vida. En un solo día puedes sentir muchas emociones: amor, tristeza, coraje, nostalgia. El disco es eso. Estoy hablando de tantas emociones en un solo proyecto, tan de la vida cotidiana, tan humanas, que te llevan a identificarte con cualquier tema. No quise meter canciones de “yo esto, yo tengo esto, yo soy esto”. No, no, no. Son canciones para todo mundo, para que cualquiera pueda sentirse identificado, especialmente porque yo lo vivo así.

Y es raro, porque normalmente cuando termino un disco lo escucho una vez y ya no lo vuelvo a poner. Pero este no. Con este estuve clavado. Me subía al carro y era lo único que escuchaba, tronaba la bocina con las canciones. Llegó un punto en el que dije: “Ya lo tengo que dejar de escuchar porque me va a cansar”.

El focus track, ‘El Sentrita’, toca el tema de la narcocultura desde un ángulo muy crítico…

Sí, quisimos hacer algo diferente ahí. Al principio puede sonar como un corrido más, incluso como si idolatrara esa narcocultura, pero conforme avanza te das cuenta de que no va por ahí. Quise darle un vuelco más reflexivo. Porque ese mundo no es fácil. La mayoría de las veces entras sin nada y terminas igual… o peor.

En esa misma canción hay una línea donde cantas: “esto no se va a arreglar cambiando la letra de las canciones”. Cuéntame sobre el simbolismo de esa frase.

Pues es que el tema de la narcocultura es mucho más grande, es estructural. En 2021 saqué un disco que abarca todo eso: el desenlace de un personaje que se mete a esos temas, desde que empieza hasta que termina… mal, ¿me entiendes? Más que nada para decirle a los jóvenes: “Ojo con eso”.

Entonces la gente me pedía mucho: “Hey, saca ‘Mi nueva familia Vol. 2’. Pero en lugar de darles otro disco completo de lo mismo, preferí hacerlo distinto: concentrarlo en una sola canción con esa idea y darle ese giro. Decir que nosotros no tenemos la culpa, ni la sociedad como tal, porque muchas veces es lo que te da el país. Porque hay gente buena que termina ahí por falta de oportunidades… y muchos ya no regresan.

El vídeo, producido por Luxon Films, también es muy crudo. ¿Qué hay detrás de la historia que vemos en él?

Conforme vas escuchando el corrido te va dando pistas que te dicen: “ok, el Daniel [personaje interpretado por el actor Jaime Bernache] no era así”, sino que no tuvo oportunidades de ser más cosas. Y en las tomas de él quisimos reforzar eso.

Metimos el verde, el blanco y el rojo como fondos, en alusión a la bandera mexicana. Cuando aparece el blanco con la serpiente, por ejemplo: en la bandera ves al águila devorando a la serpiente, pero aquí es al revés. La serpiente lo está ahorcando (por eso la tiene en el cuello) y representa cómo ese mundo va consumiendo a la persona, cómo va acabando con quien era antes, con esa parte buena. Y al final yo solo salgo tocando la guitarra, porque como digo: no se canta lo que se hace, se canta lo que se ve.

Siguiendo con el arte, la imagen de la portada parece muy planeada: tú entre dinero, azul total. ¿Qué hay detrás de esa imagen?

Esa foto ni siquiera estaba planeada. Yo no estaba bien en ese momento. Mentalmente estaba mal. Y justo por eso se me hizo fuerte: tener dinero enfrente, pero por dentro estar hecho pedazos. Ahí entendí que el dinero no te da la felicidad. Te da estabilidad, sí, pero no te llena. Por eso el infinito en la portada. Porque lo que realmente buscas, lo que te llena… es lo que permanece.

Trabajas con varios artistas en el álbum, entre ellos Fuerza Regida o Grupo Frontera. ¿Cómo fue colaborar con ellos?

Todo ha sido siempre muy light. La mayoría son mis amigos, y eso hace todo más fácil. Con Fuerza Regida tenemos una trayectoria de colaboraciones que, gracias a Dios, siempre hacen ruido. Nos entendemos, sabemos qué puede pegar. Eddy es como mi hermano, es muy bueno. Y con Grupo Frontera fue algo muy chido; se me hizo bien impresionante que ellos me dijeran que eran fans, y yo como: “¿cómo crees?”. Pero así se dio con todos. Nada forzado.

En canciones como ‘Ay, Dieguito’ parece que dialogas con tu yo más joven. ¿Cómo ha cambiado ese Diego respecto a quien eres hoy?

Pues es un cambio muy grande. Entré a esta profesión como a los 17 [años] y ahora tengo 23. He crecido, he aprendido, me he equivocado… y el disco también refleja eso, mi madurez actual. Porque ser artista no es fácil. Pero también es importante voltear atrás y decir: “No manches todo lo que he hecho”. Porque a veces uno está tan ocupado en el futuro que se olvida de todo lo que tuvo que pasar para llegar al punto en el que está.

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Hablando de futuro, en ‘Mi último deseo’  hablas de la muerte desde un lugar muy particular. ¿Cómo te gustaría ser recordado?

Que estén los míos es lo más importante. Prefiero tener dos o tres amigos reales ahí conmigo que un montón de gente por puro chisme. Y que no sea algo triste. Que sea una fiesta. Yo soy alegre, así soy. Quiero que me recuerden como alguien que fue feliz, que dio todo en la música y que siempre fue auténtico.

¿Qué viene después de Eterno?

Ojalá poder confirmar una primera gira. Nunca había hecho una porque no me sentía listo, pero ahora sí. Aparte ahora tengo mi equipo que me apoya demasiado. Entonces tenemos muchos planes este año que, con el favor de Dios, se van a dar con este disco que nos va a impulsar. Por lo pronto, queremos empezar en Estados Unidos, luego México, y ojalá bajar a Sudamérica, porque nos están pidiendo en muchos lados. Pero hay que ver…

Finalmente, ¿qué le dices a tu gente, que ha esperado este disco… desde noviembre?Que gracias. De verdad. Sé que fue larga la espera, incluso para mí lo fue. Pero ellos siempre han estado ahí: mi gente, el equipo de productores de Street Mob Records, Lencho, Gabriel Ssoe, Billy Manhattan, mis amigos… Yo siempre lo voy a decir: si estoy donde estoy es por ellos. Yo les debo todo. Todo. Estoy eternamente agradecido.

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