“Ya saben todos, nos llevamos el 2026”, se canta en ‘Tumbando el Club Rmx’ de 2019, tema considerado himno del trap argentino, en el que participa C.R.O. Siete años después, parece que el cantante no estaba bromeando con llevarse el año en el bolsillo.
En medio de una gira internacional, el trapero argentino se tomó un momento de su ajetreado calendario, aviones, fiestas y aventuras, para hablar con ROLLING STONE en Español sobre el momento que atraviesa en su carrera, pues desde que hablamos con él el año pasado, han cambiado muchas cosas. “Me siento en casa cuando vengo a México. Siempre es un placer volver aquí, con mi gente que me ama y me hace sentir en casa”, dice.
Han transcurrido diez años desde que C.R.O dio inicio a su carrera, y en ese tiempo ha logrado consolidarse como una de las figuras más destacadas de la escena musical argentina. Lejos de ser fruto del azar, su trayectoria se ha construido sobre pilares firmes: constancia, disciplina, versatilidad y, por encima de todo, una profunda pasión por la música. Este 2026, el artista alcanzó un nuevo hito al convertirse en el primer trapero argentino en presentar su show en Tokio, rompiendo así barreras geográficas y sonoras, y sumando un nuevo sueño cumplido a su recorrido. Se trata del primer trapero argentino en llegar a Asia. “Es algo increíble. La pasamos muy bien. Fue muy loco tocar tan lejos de casa, literalmente al otro lado del mundo”, comparte.
Uno de los pilares más valiosos para C.R.O es el agradecimiento. El trapero sabe que estos éxitos están acompañados de personas que lo han apoyado y confiado en su visión para consolidarse como un digno rockstar contemporáneo. Si bien su arte ha sido clave para escalar cimas artísticas inmensas, la confianza de los suyos ha sido lo primordial para llegar a las nubes. “A Tokio fue el Duko. Todo lo creó Gonzalo, mi manager, también Virginia. Gracias a ellos llegué a Tokio. Estoy muy contento con los resultados de la gira”, revela. “Fue increíble. Una anécdota que tengo fue cuando el Duko vino al show en Tokio y se puso de sonidista, a controlar todo el sonido. Estaba fascinado, tan metido y tan capo con el sonido. La tiene muy clara. Con Gonza nos estallamos. Todo sonó muy bien gracias a él. Fue una locura [Risas]. Tremendo capo, cómo lo amo. Siempre está acompañándome”.
Como un guiño de humildad, C.R.O no había pensado realmente en el potencial que tenía cuando comenzó su proyecto hace 10 años. Sin embargo, siempre supo que su visión en la música era única, pues siempre hizo lo que le apasionaba por el amor al arte. “Después llegó todo. La verdad no pensaba en romperla, solo en hacer música para llenarme y poder llenar a mi gente, quienes se identifican mucho con mis letras”, reflexiona. “Ahora es una locura la comunidad que tengo”.
Podríamos pensar que ser originario de El Cono Sur puede traer más complejidades que ventajas para internacionalizar el arte. Para C.R.O, estos retos se han tornado en su favor para convertirlo en un artista versátil, global y cada vez más maduro y cultural. Sus experiencias se reflejan en una habilidad lírica plasmada en barras y versos cada vez más llegadores y honestos, o aún más filosos y punzantes. Desde el trap o el rock, el argentino no deja de evolucionar, y claramente, mucho menos de sorprender. “Cada lugar es un reto, así como cada país. Pero también estoy muy contento y agradecido de tocar en tantos países y ciudades con un equipo tan impecable como el que tengo. Es un equipo que nos hace salir adelante. Estoy muy agradecido con todo lo que estamos logrando”, dice.
Su actuación en vivo es una experiencia inigualable. Se vive y respira euforia con temas como ‘Tony Montana’ o ‘Diamante en bruto’, pero también hay momentos de nostalgia y reflexión con ‘Ruinas’ y ‘Reina’. Se trata de una montaña rusa de emociones que se cierra en un círculo completo al experimentar un pogo en pleno centro de la cancha. Si eres amante del trap, sabes de lo que hablo, y si no, te aseguro que es algo que tienes que vivir para saber de qué se trata la exaltación en toda la extensión de la palabra. “Es increíble. La gente se vuelve loca en los shows. Me encanta que lo den todo: que salten y griten. Amo que lo den todo. Que se agarren a piñas en el pogo. Quiero que sea una puta fiesta, ¿entendés? Porque es lo que es. Es una fiesta, una locura”, afirma.
La llegada de 2026 ha despertado una enorme expectativa entre los fanáticos ante la posible reunión de todos los artistas que formaron parte de ‘Tumbando el Club Rmx’. Este tema, considerado un himno del trap argentino desde su lanzamiento en 2019, parecía anticipar que sus exponentes dominarían la escena en el año en curso. Hoy, siete años después, surgen grandes interrogantes sobre si esta destacada generación de traperos volverá a reunirse para ofrecer un guiño de nostalgia y, al mismo tiempo, reafirmar su legado dentro del género.
Hace un año, ROLLING STONE en Español habló con C.R.O sobre el tema, donde aseguró que haría un par de llamadas para dar por hecho este reencuentro, ¿habrá hecho esa llamada?: “Le dije a Neo. Seguro que este año lo vamos a hacer. Seguro que el 2026 será el año donde haremos un junte como el de ‘Tumbando el Club Rmx’. Cuenta con eso”, dice firmemente. “No van a estar todos los de aquella canción. Será algo nuevo. Si bien van a estar artistas que ya estaban, también habrá unos nuevos. Haremos algo innovador e increíble. Ya le dije a Neo que, cuando termine la gira, regresaré a Buenos Aires para ponernos firmes con eso y romper todo”.
Por el lado de C.R.O, seguro se está llevando el 2026: “Yo creo que lo que estamos haciendo en este 2026 es una locura, sobre todo lo que estamos planeando, porque aún no soltamos todas las bombas que tenemos. Estamos planeando cosas para este año que son una locura. Yo creo que sí me estoy llevando el 2026”.
Asimismo, en su última plática con nosotros, C.R.O reveló que pronto saldría un material en colaboración de Duki. Se trata de una de las duplas más amadas y valoradas del trap argentino, pues cada que este dúo entra al estudio, sale una obra que queda para la historia: ‘Alas’, ‘Harakiri’, ‘Fvck luv’, ‘Ella es una G’, entre otras. ¿Quién no quisiera un material de larga duración entre este par? “Ya hablé con él. Con Duko haremos muchísimos temas. Muchísimos más”, dice. “También le dedicaré unas barras a ROLLING STONE como te lo dije la última vez. Eso sigue en pie. Contá con eso. Obvio que sí”.
Por ahora, C.R.O mantiene su energía en cerrar con broche de oro su gira internacional que le ha traído grandes hitos a su trayectoria. Las bombas musicales que vienen en camino serán temas de trap, y de otros géneros y estilos, que fueron grabadas en Miami y Argentina, con exponentes que no se esperan, desde lo nacional e internacional. “Me encuentro en el mejor momento de mi carrera, sin duda”, finaliza.
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Hemos conocido la personalidad y esencia icónica de Karime Pindter a través de hitos audiovisuales que han marcado su trayectoria. Sin embargo, ¿conocemos la verdad de todos los caminos y experiencias que hoy la conforman? La actriz, influencer y conductora mexicana nos deja entrar a lo más profundo de su alma y carrera con la presentación de su nuevo documental: La verdadera Matryoshka.
Este nuevo material trata de una puerta abierta y honesta a la vida íntima y profesional de Pindter. En la producción, la figura se muestra vulnerable al compartir varios de sus momentos más personales, experiencias más únicas y feroces. Además, nos muestra momentos icónicos de algunos de sus proyectos más recientes: su vivencia, evolución y preparación durante su participación como conductora en La Más Draga 7, uno de los realities más influyentes dentro de la cultura pop y la comunidad LGBTQ+ en México. A través de imágenes inéditas y momentos clave, el documental muestra el compromiso, disciplina y pasión detrás de cada paso que dio en este escenario.
También nos desvela momentos como la determinación que ha trabajado en el último año para buscar un papel en la cultura pop mexicana. Algunos de los momentos clave que serán tocados en el documental serán: Conductora de los Impulse Awards; galardonada como Personalidad LGBTIQ+ del Año en los Impulse Awards; desde la música hasta su participación en reality shows; así como su papel como aliada cercana a la comunidad LGBTQ+, una audiencia que ha sido fundamental en el crecimiento y éxito de su carrera.
Karime Pindter buscó que La verdadera Matryoshka mostrará su lado más auténtico, vulnerable y poderoso, reflejando la evolución que ha trabajado y vivido con el pasar de los años. Su público podrá conocer mucho más de la figura, además de crear una conexión y complicidad más profunda.
Con una mirada única y sin filtros, La verdadera Matryoshka tendrá una premiere el lunes 20 de abril en las salas de Cinemex. La presentación oficial será el jueves 23 de abril en todas las salas de cine mexicanas.
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Al final del que sería el último concierto de los Sex Pistols, en San Francisco, enero de 1978, Johnny Rotten le preguntó al público: “¿Alguna vez tuvieron la sensación de que los habían estafado?”.
Casi medio siglo más tarde, este sábado, al final del concierto de Public Image Ltd. en Buenos Aires, el público de John Lydon puede que se haya retirado con otra sensación, más grata que la de autopercibirse engañado: la impresión de haber apostado por el equipo correcto.
Eso decían las caras, sonrisas, palmas y cantos, incluso las cariñosas puteadas (requeridas oportunamente por el propio cantante) de la compacta multitud de melómanos senior que colmó el Complejo C Art Media, no sólo para disfrutar de un concierto sino para reencontrarse (con una banda que ya “vino” otras veces, con pares, consigo mismos, con la historia viva del rock y con la historia personalísima).
Por las dudas: Rotten y Lydon son la misma persona. Al primero le bastó un par de años al frente de los Pistols para irrumpir en la cultura rock, romper todo y volver a salir rápidamente. El segundo se reinventó de manera radical después del terremoto Pistol, al frente de una “nueva” banda, Public Image Ltd., que como banda nueva ya viene durando unas veinticinco vidas más que los padres fundadores del punk (hoy, otra vez activos, aunque sin Rotten/Lydon ni material nuevo ni nada que se le parezca).
Y, sin embargo, lo interesante y gratificante y para nada decepcionante es que PiL sostiene en 2026 esa capacidad de sonar “novedoso”. Por varias razones, que se pudieron apreciar en su gran concierto porteño (antecedido por uno en Rosario y seguido de uno en Mar del Plata, curiosamente):
1. Porque su concepto de post-rock (no solo “post-punk”), es decir la operación de destripar y deconstruir la canción rock, preservando su potencia, pero desentendiéndose de sus clichés conservadores, complacientes y fatalmente autoindulgentes, no se podría decir que sea una fórmula excesivamente usada y escuchada (como sí ocurre con el manual de estilo punk-rock), a pesar de tener ya medio siglo (¡!).
2. Y, por otra parte, esa fórmula es de algún modo la anti-fórmula: como lo hicieron en Buenos Aires, Lydon y sus músicos toman en vivo las bases de canciones viejas o recientes de PiL y hacen con ellas lo que les place en extensas improvisaciones más deudoras del kraut rock, el dub, la no-wave, el free-jazz y George Clinton y The Pop Group, que del 1-2-3-¡vamos! a lo Ramones. Una libertad rara y estimulante, en tiempos de shows pautados, coreografiados, precocidos y controlados al detalle. Incluso cuando tocaron, en Chacarita, “Rise”, su número más pop y su manifiesto, lo que entregaron fueron partes iguales de “canción” y de base+noise+impro y una sucesión insistente e hipnótica y tribal del mantra-PIL que asegura que “la ira es energía” y que Lydon escupe con una voz llamativamente entera a sus 70 años, cumplidos el 31 de enero.
3. El paso del tiempo jugó a favor de PiL en un sentido: se podría inferir que las muy mejoradas condiciones audio-técnicas hoy permiten disfrutar de otra manera el dispositivo Public Image. Por ejemplo, ese sonido de guitarra ultracargado de efectos, legado del primer guitarrista de Public Image, Keith Levene, y en manos ahora, otra vez, del histórico Lu Edmonds (que supo pasar brevemente por The Damned). Lo mismo con la atronadora base de bajo y batería, en la misma línea que aquellos Jah Wobble y el enorme y exMinistry Martin Atkins (entre otros ilustres ex PiL), pero hoy con una claridad difícil de apreciar años atrás. El post-punk siempre fue un desafío para los sonidistas, pero hoy deslumbra, por ejemplo, en el bombástico “This is Not a Love Song”, quizás el mejor momento del sábado, junto con “Death Disco”, con un Lu Edmonds protagónico y dando una clínica de guitar anti-hero post-punk en cinco minutos, con todo y citas a El lago de los Cisnes.
Ah, sí, y está ese otro tema… Lo del John Lydon al que se le escapa el Rotten, bastante seguido, con sus declaraciones incorrectas, derechosas, incómodas, cuando no Trumpistas, brutales o simplemente brutas. Molestas, sobre todo, y leídas por muchos como alta traición al punk, por más que Lydon lleve ya cinco prolíficas décadas renegando del punk, sin atenuantes ni eufemismos.
Pero nada de eso aparece en el escenario de Chacarita ni desvía la atención de Lydon de la música, a la hora de la verdad. A pesar de la leyenda y de la lógica del hate bait, PiL en vivo es una banda de rock concentrada en la música. Apenas flashes e indicios de ese otro personaje; el viejo iconoclasta, que se suena la nariz (sin pañuelo ni elegancia; “me resfrié”, se disculpa), que invita al público a exclamar “fuck you” y “fuck off” o propone que le dediquen los mejores insultos que tengan a mano. Aunque a cada pequeño gesto de punkitud, Lydon lo completa con una sonrisa cálida y un agradecimiento que parece más sentido que sus desconcertantes diatribas anti-woke.
Sin polémicas, sin artificios, Lydon se enfoca puramente en la música, con una banda intencionalmente simple y compacta, pero a la vez dinámica e inventiva. Podría tener razón o no, pero ese es hoy su acto más auténticamente contracultural. Quienes, en el volantazo de Lydon desde el punk-rock hacia aguas menos previsibles, vieron riesgo y no traición, seguramente no se sentirán estafados.
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La edición de abril de Rolling Stone Argentina ya está disponible para comprar online, con Divididos como protagonistas de tapa. El número puede conseguirse a través de la web de Colecciones La Nación.
En esta edición, el trío formado por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella repasa su presente artístico y reflexiona sobre el contexto social actual en una entrevista en profundidad. Bajo el título “Hoy el negocio es el odio”, la banda despliega una mirada crítica sobre la época y reafirma su lugar como uno de los pilares del rock argentino.
La tapa —que combina bandera, humor y una impronta casi caricaturesca— también tiene su propia historia: en el detrás de escena, el grupo se definió con ironía como “los tres chiflados”, en un guiño que captura el espíritu lúdico que atraviesa la producción.
Además de la cover story, el número incluye material exclusivo, fotos inéditas y contenido editorial pensado para coleccionistas y lectores históricos de la revista.
A lo largo de la entrevista principal, Divididos también profundiza en su vínculo con el público y en la construcción de una identidad que se mantuvo al margen de las lógicas más comerciales de la industria. Entre recuerdos, definiciones políticas y momentos de humor, la banda deja en claro cómo logró sostener una ética propia durante décadas, incluso en contextos adversos para el rock.
Comprá la revista Rolling Stone con Divididos en tapa haciendo click acá.
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Cuando RM atraviesa una crisis existencial —lo cual ocurre con bastante frecuencia—, puede que piense en las palabras de Rainer Maria Rilke, o quizá en las letras de Tyler, the Creator. Al líder de BTS le encanta ese otro RM con inclinación poética, y siempre vuelve a un fragmento muy citado de su poema de 1905 Ve hasta los límites de tu anhelo: “Deja que todo te acontezca: la bella y el terror / Y sigue adelante. Ningún sentimiento es definitivo”. En otras palabras, simplemente nada.
Recostado en su fría litera militar, con el pelo rapado al cero, luchando contra 18 meses de insomnio durante el servicio militar obligatorio, RM escuchaba a Don Toliver, a Playboi Carti, el álbum debut de Dijon y la balada de Joji ‘Past Won’t Leave My Bed’. Cuando las letras le llenaban la cabeza de demasiadas ideas, cambiaba a música clásica y ambiental. Pero el tema que realmente le cautivó fue ‘Darling, I’ de Tyler y la frase del estribillo “Forever is too long [Para siempre es demasiado tiempo]”. Tyler y Teezo Touchdown cantaban sobre evitar la monogamia a toda costa, pero RM le sacó su propio significado más profundo. “Quizá en ese momento, el servicio militar me parecía demasiado largo”, dice RM. “No paraba de cantar esa frase todo el tiempo, y me sentía reconfortado solo de hacerlo”.
Su paso por el ejército afectó su salud mental, dejándolo en lo que él describe como una “cueva” interior. Pero ningún sentimiento es definitivo, y no fue para siempre. Un sábado gris de mediados de febrero en el centro de Seúl, Corea del Sur, se reúne con sus seis compañeros de banda en la imponente sede de Hybe, el conglomerado musical global construido, en su mayor parte, sobre el particular éxito de BTS. Es una especie de “Estrella de la Muerte” de la música pop, reluciente y metálica, donde los guardias del vestíbulo interceptan a los visitantes con una intensidad con la que ciertas estrellas del pop estadounidenses solo podrían soñar, y los empleados de las plantas superiores ofrecen acuerdos de confidencialidad en sus portapapeles. Incluso los baños son futurísticamente seguros, custodiados por puertas corredizas electrónicas que requieren tarjetas de identificación tanto para entrar como —por alguna razón— para salir.
Sin embargo, con BTS en el edificio, ¿quién podría culparlos? El más mínimo cambio en la percepción de la suerte de la banda podría afectar el precio de las acciones de Hybe, pero eso es lo de menos. Es casi imposible exagerar la importancia del grupo para su ciudad y su país, cuando modificaron las normas de reclutamiento militar en 2020 pensando en BTS, aunque los siete miembros acabaron alistándose igualmente. Si tienes la suerte de volar a Seúl, en pocos minutos verás a V con una camiseta sin mangas en una valla publicitaria de la autopista promocionando una marca de café local. Para su concierto gratuito que darán aquí —y que paralizará la ciudad—, BTS caminará hacia el escenario por el Camino del Rey, siguiendo la ruta de cinco siglos de monarcas.
Cinco semanas antes del lanzamiento de Arirang, el primer álbum de BTS con material totalmente nuevo en casi seis años, RM vuelve a vivir su poema favorito. (Su compañero de banda Jimin se garabateó varios versos de Rilke en el pecho para un videoclip en 2023. BTS es justamente ese tipo de banda). “Siento un estrés extremo y una alegría extrema al mismo tiempo”, dice RM. “Y todo va siempre de un lado a otro, de un lado a otro cada vez, cada noche”. Lleva una chaqueta de cuero negro brillante sobre una camiseta negra, botas gruesas y unos pantalones de paracaidista oversize que solo un miembro de BTS podría lucir. Su pelo tiene las puntas decoloradas y cuidadosamente despeinadas; sus ojos son atentos, divertidos, siempre indagadores. Al comienzo, RM se encaminaba hacia una vida más académica, y es fácil imaginarlo en otras líneas temporales como un profesor joven muy popular, probablemente con las mismas gafas de marco grueso que ya lleva en su vida cotidiana.
RM siempre se está haciendo preguntas, y en los últimos años ha tenido una larga lista sobre su grupo: ¿Cómo deberían sonar? ¿Qué representan? ¿Deberían seguir? Le resultaría sencillo decir que Arirang resuelve todas esas dudas, pero es muy compulsivamente sincero para eso. “Sigo estando muy confundido”, dice, “y eso es lo que descubrimos después del servicio militar”. Pensó que tal vez habría “algún consenso preciso y claro con el que todos pudiéramos identificarnos, lo cual no era del todo cierto”. Así que el panorama “sigue borroso”, añade, pero “estas 14 canciones podrían ser una respuesta para quienes se preguntan: ¿Cómo es BTS en 2026?”.
Sea como sea, su ansiedad persiste: “Me gustaría poder fingir que estoy bien y que estoy listo, que lo tengo todo decidido, que todo va genial y que no puedo esperar [a estar de vuelta]. Me gustaría mucho decir eso, pero, más que eso, quiero ser sincero”.
V: Chamarra Simone Rocha, camisa Ami, pantalones Maison Margiela, joyería Celine y Cartier.
SUGA: Chamarra Enfants Riches Déprimés, camisa SSSTEIN, joyería Werkstatt München.
JIN: Camisa Rick Owens, joyería Fred.
JUNG KOOK: Todo el outfit Calvin Klein Collection, brazalete Werkstatt München, reloj Hublot.
RM (OUTFIT BLANCO): Outfit Taekh, camisa Ann Demeulemeester.
RM (OUTFIT NEGRO): Outfit Rick Owens, zapatos Guidi, collar Werkstatt München.
JIMIN: Chamarra John Lawrence Sullivan, suéter Our Legacy, pantalones y joyería Dior.
J-HOPE: Chamarra Juun.J, camisa Post Archive Faction, reloj Audemars Piguet, anillos Louis Vuitton, collar SCHO.
Con un trío de sencillos en inglés en 2020 y 2021 (‘Dynamite’, ‘Butter’ y ‘Permission to Dance’), BTS culminó su larga conquista mundial, algo nunca antes hecho por un grupo de Corea del Sur, o de cualquier otro lugar de Asia. Pero una parte de RM parecía preguntarse si, en el proceso, el mundo también había conquistado a BTS. Antes, habían participado activamente en la composición de su propio material, siempre habían mantenido la mayor parte de sus letras en su lengua materna y comenzaron haciendo temas de hip hop agresivo, no de pop disco suave. “Ya no sabía qué tipo de grupo éramos”, admitió en 2022, justo antes de que el grupo iniciara una pausa de varios años que llenarían con el servicio militar y éxitos en solitario. “No sé qué tipo de historia debería contar ahora”.
Después, ese mismo año, en una conversación con Pharrell Williams para ROLLING STONE, RM fue más allá. “Cuando era joven, solo era un rapero y letrista sin importancia”, le dijo a Williams. “Fueron diez años muy intensos como equipo. Necesito dejarlo por un tiempo, tengo que desconectarme, alejarme de todo y ver qué pasa… A veces siento mucho miedo. ¿Y si ya no me gusta la música?”. Williams le dijo que era algo temporal y le dio un consejo de despedida que, sin querer, hacía eco de las palabras de Rilke: “Solo sigue”. Mucho más tarde, en una transmisión en vivo en la que posteriormente se disculpó por su excesiva franqueza, RM admitió lo que había estado insinuando: “He pensado millones de veces si sería mejor disolver el grupo o tomarnos una pausa”.
J-Hope, el pilar emocional del grupo, un rapero feroz igualado únicamente por Jimin —que cuenta con formación clásica— como el miembro más bailarín, daba vueltas a la misma duda. “‘¿Recibir todo este amor y atención es realmente algo bueno?’. ‘Quizá mientras todo el mundo me aplaude y me anima, debería simplemente apagarlos’. Y me preguntaba si realmente quería esto. Todo lo que tenía era una pequeña llama en mi interior, y se había extendido como la pólvora. Sentía mucha presión por eso”, dice J-Hope ahora, recordando sus sentimientos. En 2022, se convirtió en el primer miembro de BTS en lanzar un álbum en solitario, Jack in the Box, que planteaba la pregunta directamente: “¿Apago el fuego o ardo con más intensidad?”.
J-Hope eligió la segunda opción, aunque no estaba seguro de tener otra alternativa. “Me di cuenta de que probablemente no es algo que pueda detener solo porque quiera”, me dice. “Personalmente, me afectan mucho las personas que me rodean, así que tengo que pensar si puedo manejar el impacto emocional que mis decisiones tendrán en tantos otros. Al final, sentí que mantener viva la llama es lo que realmente quiero, y la opción que más me representa”.
El tercer rapero del grupo, el intelectual y misteriosamente carismático Suga, no está seguro de que hubiera alguna duda. “No hay forma de que yo conozca los pensamientos y deseos individuales de cada uno”, comenta, “pero todos nos lanzamos en solitario porque en ese momento no podíamos trabajar en grupo. Así que, antes de ir al servicio militar, sabía que siempre íbamos a volver a reunirnos. Pero entiendo que pueda resultar sorprendente desde una perspectiva externa. Para nosotros, sin embargo, seguir juntos era algo obvio. Así que nadie tenía realmente una opinión al respecto. Yo simplemente pensaba: ‘Claro que vamos a hacer esto’”.
Chamarra y zapatos Louis Vuitton, reloj Audemars Piguet.
Arirang resultó ser un éxito tanto artístico como comercial, vendiendo 641.000 copias solo en Estados Unidos durante su primera semana y encabezando las listas de Apple Music en 115 países. “Les he estado diciendo a los otros miembros: ‘Si ya no nos planteamos retos, entonces creo que no hay razón para que sigamos haciendo esto como equipo’”, afirma. “Tenemos que demostrar al mundo que seguimos en marcha y que seguimos explorando. A veces es muy complicado. Pero, no obstante, creo que tenemos que llevarlo al límite aún más, mucho más, y sigue sin ser suficiente”, sonríe ante su propia intensidad.
EN OCTUBRE DE 2022, los siete miembros de BTS, con sudaderas moradas a juego, se tomaron de las manos e hicieron una profunda reverencia sincronizada mientras los fuegos artificiales inundaban el cielo sobre la ciudad costera de Busan. Mientras se retiraban del escenario, V levantó un cartel plastificado con el mismo mensaje en inglés y coreano, extraído de la letra de la canción que acababan de interpretar: “El mejor momento aún está por llegar”. Saludaron a sus fans, tratando de parecer optimistas. Jimin se quedó en la parte delantera del escenario, con los ojos brillantes. Era la última vez que los miembros de BTS se presentarían juntos en público en cuatro años.
Jin, el mayor del grupo con 33 años, dotado de un encanto sarcástico y con un injustificado síndrome del impostor respecto a su lugar en el grupo, fue el primero en alistarse en el ejército, poco después de lanzar el hilarante sencillo de synth pop ‘Super Tuna’. Como suboficial de instrucción, compraba comida extra para las tropas, que llegaron a quererlo tanto que lloraron cuando terminó su servicio; él también lloró en la ceremonia de baja. Una vez salió, llevó la antorcha olímpica en los Juegos de París, protagonizó un exitoso programa de variedades de Netflix y lanzó dos excelentes EP que se inclinaban hacia los sonidos rockeros que había llegado a amar, sobre todo gracias a su larga afición por Coldplay.
Pero durante todo ese tiempo, quería encontrar el camino de vuelta al grupo. “Extrañaba muchísimo a los demás miembros”, dice. “Siempre he pensado que no hay razón para seguir adelante si no es con el grupo. Supongo que una carrera en solitario simplemente no es tan importante para mí. Si hiciera algo, sería intentar algo diferente dentro del grupo cuando los fans se aburran. No me interesa la actuación ni nada por el estilo”.
En 2023, Suga lanzó su primer álbum oficial bajo su alter ego, Agust D (el nombre es Suga al revés, más las iniciales de su grupo local, D-Town), tras dos mixtapes que traspasaron los límites con confesiones personales muy directas. Esta vez, en ‘Amygdala’, rapea sobre cómo lidiar con las enfermedades de sus padres y otros traumas, pero se declara liberado del pasado: “Lo que no me mató, me hizo más fuerte/Y empiezo a florecer como una flor de loto una vez más“. Al parecer, debido a un accidente en moto ocurrido alrededor de 2012, que en su momento lo incapacitó de levantar los brazos en el escenario, su servicio militar se desarrolló en el ámbito civil, donde pasó 21 meses como trabajador social. “Después de ese último álbum, ya no me queda ningún sentimiento negativo en el cuerpo”, afirma. También superó el miedo a quedarse sin letras, algo que había confesado en 2022. “Me he centrado en estresarme menos por eso. Siempre voy a encontrar cosas que decir, y luego me volveré a quedar sin ellas. Es un ciclo eterno”.
Outfit y joyería Dior.
Antes de alistarse, J-Hope fue cabeza de cartel del Lollapalooza en julio de 2022, convirtiéndose en el primer artista surcoreano en hacerlo en un gran festival estadounidense. “Sentía que estaba atrapado en una especie de molde que me impedía expresarme con la libertad que deseaba”, afirma. “Anhelaba romper ese molde y salir al mundo con mi verdadero yo y toda la música que quería compartir. Pero ahora que he creado más música propia y me he desafiado a mí mismo, ya no diría que estoy encerrado en una caja. Ahora me pregunto: ¿qué puedo crear ahora que estoy fuera de ese molde?”. Al mismo tiempo, se ha recordado a sí mismo el poder de su grupo: “Ahora que estamos de nuevo juntos, los demás miembros están llenando cualquier vacío que siento en mi expresión, en mi presentación. En muchos sentidos, me di cuenta de que por eso éramos siete”.
Jung Kook no tardó en demostrar que era la estrella de pop que estaba destinado a ser, aunque el miembro más joven de BTS, de 28 años, sigue comportándose con una humildad notable. “Sinceramente, todavía no me veo como una estrella del pop”, dice. “Pero estoy muy agradecido de que me lo pregunten y de que los fans piensen en mí de esa manera. Así que quiero seguir mejorando, para poder sentirme como una estrella por mí mismo. ¡Algún día!”. Su sencillo ‘Seven’, con Latto, que ofrecía un nivel de explicitud bastante impactante (“Te follaré bien/Siete días a la semana“), fue la cuarta canción más reproducida en Spotify en 2023.
“No me avergonzó”, dice Jung Kook sobre la letra. “Simplemente pensé: “¿Qué más da?””. Pero RM cuenta que tuvo que intervenir para que se mantuvieran esas frases después de que los ejecutivos se pusieran nerviosos: “Le dije a la discográfica que por favor no lo cambiaran. [Jung Kook] ya es mayor, puede cantar una palabrota’”. Luego, en el ejército, Jung Kook trabajó en la cocina, removiendo ollas gigantes, incluso los fines de semana, alimentando bien a las tropas, los siete días de la semana. “Lo que realmente sentía era que tenía muchas ganas de presentarme”, dice Jung Kook. “‘Quiero cantar. ¡Ay, qué ganas de salir de aquí! ¡Quiero salir y bailar!’. Eso era en lo único en lo que pensaba”.
Jimin, cuya voz aterciopelada y carisma de galán casi felino destaca incluso en un grupo repleto de cantantes virtuosos y presencias arrolladoras, se sorprendió a sí mismo con su éxito en solitario. Su sencillo ‘Like Crazy’ alcanzó el Número Uno meses antes que ‘Seven’, lo que le convirtió en el primer artista solista coreano en encabezar la lista Hot 100. “No me lo esperaba para nada”, dice Jimin. “Pero, a través de ese proceso, aprendí que todavía me queda un largo camino por recorrer”. Se alistó al mismo tiempo que Jung Kook, y en sus primeros días en el ejército, participaron juntos en una carrera a pie. (A diferencia de su carrera hacia lo más alto de las listas, Jung Kook ganó esa). Me dijo en 2021 que no podía imaginarse fuera del grupo. “No he cambiado de parecer”, dice. “Si hay algo en lo que he cambiado es que el hacerlo bien y ser parte de BTS sigue siendo mi máxima prioridad, también quiero ser un mejor cantante. Todos mis compañeros de grupo son increíbles, así que siento la necesidad de mejorar mi valía como miembro del grupo y no quedarme en su sombra”.
V, la ardiente voz de barítono de la banda, considerado un alma vieja y actor ocasional, eludió la carrera armamentística del pop en solitario y optó por un R&B sensual con toques de jazz en su EP Layover. “Si Layover no hubiera salido, creo que V, como artista, se habría quedado estancado como bailarín y cantante hardcore, incapaz de compartir todos los colores diferentes y vibrantes que hay en su interior”, explica. También dice que probablemente grabe un álbum pop algún día. “Incluso ese es un estilo de música que me encanta. No sé cuándo será, pero es un género que tendré que probar algún día y que me encantaría probar”.
Traje John Lawrence Sullivan, camisa Goomheo, zapatos Guidi.
En el ejército, intentó olvidarse por completo de su carrera musical y aprovechar el tiempo para reiniciarse. “Hice mucho ejercicio”, dice V. “Leí mucho, escuché mucha música. Eso me dio la oportunidad de reconstruir mi cuerpo y mi mente”. Es capaz de levantar unos impresionantes 104 kg, un peso que su unidad del ejército, llena de atletas, consideraba “peso de niños”, pero está bastante seguro de que eso le convierte en el miembro más fuerte de BTS. Leyó a Han Kang, la escritora coreana ganadora del Premio Nobel, y al novelista japonés de misterio Keigo Higashino. Se sumergía en las historias, imaginándose a sí mismo como uno de los personajes. “En aquella época estaba muy sumergido en mi imaginación. ¿Me ayudó? ¡No estoy seguro!”.
AL PRINCIPIO, todos iban vestidos de negro, con cadenas de oro al cuello, e incluso Jung Kook rapeaba. El primer sencillo de BTS, ‘No More Dream’, salió a la luz en 2013, con una línea de bajo muy parecida a la de ‘Deep Cover’, de Dr. Dre y Snoop Dogg. La canción y el video, que siguen siendo encantadores, mostraban una versión de BTS llena de energía, casi cómicamente agresiva y dominada por el hip hop. Pero ya en temas de finales de ese mismo año, como ‘Coffee’ y ‘Outro: Luv in Skool’, el enfoque del grupo comenzó a ampliarse y los cantantes pasaron gradualmente a primer plano. Para cuando lanzaron su trío de éxitos en inglés, es posible que los oyentes más ocasionales de BTS no tuvieran ni idea de los inicios del grupo, marcados por el rap.
En esta ocasión, BTS quería recuperar algo de ese sonido antiguo, aunque en una forma más madura. “Nos reunimos todos y empezamos en 2013”, dice RM. El nuevo álbum, añade, es “un nuevo comienzo, pero creo que inconscientemente volvemos a cuando empezamos, a toda esa energía desbordante, esa energía tipo ‘quiero mostrarle algo al mundo’”.
Incluso Jin, que no veía ningún problema en la transición de ‘Dynamite’ a ‘Permission to Dance’, basándose en que un éxito es un éxito, cambió de opinión. “En realidad, no estaba totalmente de acuerdo con los demás en ese tema”, dice Jin. “Porque con la música se ven ciertos resultados, ¿no? Así que creía que nuestras canciones más queridas eran nuestra identidad. Pero no todo el mundo pensaba así, así que, tras mucho debate, me convenció la opinión de que nuestra identidad está en la música que solíamos hacer”.
Pdogg, veterano productor de BigHit Music/Hybe, comenzó a trabajar con BTS mucho antes de ‘No More Dream’, tema que coescribió y produjo. “He compartido su trayectoria que ha tenido un enorme crecimiento artístico desde sus días como aprendices hasta donde están ahora”, cuenta. También participó activamente en Arirang y afirma que todos se esforzaron “mucho por plasmar una sensibilidad hip hop en el álbum. Aunque el álbum abarca una amplia gama de géneros, no creo que hayamos abandonado esas raíces hip hop”.
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En julio de 2025, los miembros —excepto Jin, que aún se encontraba de gira en solitario— se mudaron juntos a una casa en Los Ángeles. Pasaron dos meses en el estudio, rotando entre cuatro salas de composición distintas, cada una repleta de productores y compositores, trabajando siete u ocho horas al día. Según Pdogg, el equipo contó con la ayuda de Diplo, quien trabajó en numerosas canciones, para que les sugiriera otros productores y coautores occidentales. Para Gia Lim, directora del equipo de A&R de BigHit (filial de Hybe), las sesiones consistieron “fundamentalmente en romper con nuestro flujo de trabajo tradicional, centrándonos al mismo tiempo en fusionar un toque global y fresco con la identidad central de BTS”.
Uno de esos colaboradores, el productor de hip hop Mike WiLL Made-It, tuvo que acostumbrarse a trabajar en un horario laboral normal. “Es muy diferente a cómo es en Estados Unidos”, dice Mike, quien entabló amistad con los miembros de la banda gracias a sus relojes. “Podíamos pasar toda la noche trabajando… Pero, ¡lo entiendo! Es más eficiente así”. Le gustó que acudieran directamente a él y no a un imitador. “Hay que felicitar a BTS por acudir a la fuente adecuada, ¿sabes a qué me refiero? Ni siquiera hablamos con fluidez el mismo idioma, pero cuando estábamos creando esas canciones, era como si lo hiciéramos… Me gustó lo diferentes que intentaban ser. Los ritmos que eligieron no se parecen a ninguna otra producción que haya hecho. Es algo totalmente fuera de lo común y simplemente original”.
Era la primera vez que Pdogg participaba en todas las fases de un álbum de BTS, desde la composición hasta la masterización. Y notó la diferencia. “El color individual de cada miembro se volvió más prominente”, afirma. “Esta vez pude ver un mayor nivel de ambición”. En lugar de intentar que las siete voces se fundieran en una sola, se centraron en lo que los años en solitario habían aportado a cada vocalista: “Nos centramos más en resaltar el carácter distintivo de cada voz”.
Al menos uno de los miembros de BTS se preguntaba si las carreras en solitario podrían haber alterado la dinámica del grupo. “Dado que los siete hemos tenido carreras en solitario y hemos reforzado nuestros egos”, comienza V, “pensé que eso significaría que todos tendríamos opiniones mucho más firmes cuando volviéramos a trabajar juntos. Pero, para mi sorpresa, todos los miembros llegaron con una mentalidad muy abierta y habían madurado mucho como personas. He aprendido muchísimo de ellos trabajando en este álbum”.
‘Swim’, el sencillo principal, tomó forma en su versión más cruda durante las sesiones previas, semanas antes de que los miembros llegaran a Los Ángeles. “Me pareció especial desde la primera vez que la escuché”, dice Pdogg. “Siempre pensé que lo más genial que podían hacer era algo un poco más sutil”, dice el prometedor compositor británico James Essien, una figura clave detrás del sencillo. “Era muy predecible intentar hacer otra canción como ‘Dynamite’”. Recuerda haber improvisado la pista de acompañamiento de la canción con el compositor y multiinstrumentista Tyler Spry después de que al presidente de Hybe, Bang Si-Hyuk, no le impresionara otra pieza musical. “Bang entró con una cara de piedra”, cuenta Essien. “Así que empezamos con otra idea, probando cosas… y la melodía simplemente surgió. Cayó del cielo”. La banda terminó sintiendo cierto temor a la hora de elegir una canción más sutil, pero Essien recuerda que RM le dijo: “Esto es más sexy. Esto es lo que necesitamos ahora, somos más sexis, tenemos condecoraciones militares”.
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El intrépido productor español El Guincho, cuyos trabajos abarcan desde Rosalía hasta Charli XCX, les presentó dos ritmos en sus primeros diez minutos con la banda. Ellos eligieron ambos y los combinaron para crear el tema estrella ‘Hooligan’, que superpone fragmentos de cuerdas extraídos de una película francesa de 1962 con el sonido percusivo de cuchillos chocando. “Se decantaron por las ideas más extremas en lugar de por las apuestas más seguras”, afirma. “Me dijeron: ‘Muéstranos la mierda más loca que tengas’”. Volviendo a sus raíces en el rap, a Jung Kook se le ocurrió el concepto de ‘Hooligan’. “Cuando escuché la canción, se me ocurrió el flow de inmediato”, dice. “Y no sabía si la canción saldría adelante. Pero la eligieron, y eso fue genial”.
Mientras El Guincho daba forma a ‘Hooligan’, los miembros ya estaban probando pasos de baile, y él se encontró ajustando los patrones de batería en función de lo que veía. “Me fijo en cómo les sientan ciertos golpes de bombo, ciertas líneas de bajo, ciertos tambores”, dice. “Eso es lo que los diferencia de cualquier otro artista con el que haya trabajado”. En un momento dado, Essien se topó con una sala lateral del estudio donde un equipo con pizarras blancas ya estaba esbozando la coreografía para canciones que aún no estaban del todo terminadas. “Pensé: ‘Vaya, esto es realmente una máquina bien engrasada’”, comenta.
Suga era un enigma para los productores. Entraba en una sala, escuchaba, no decía nada, se marchaba y volvía días después. A veces cogía una guitarra y acompañaba las canciones. “Se notaba que realmente sentía la canción y que intentaba entenderla”, dice El Guincho. J-Hope dejaba boquiabiertos a todos cuando pasaba de su alegre personalidad cotidiana a su feroz estilo de rap, que un colaborador compara con el de DMX. Jimin se sentaba en silencio durante 30 minutos, asimilando las ideas de los productores, y luego intervenía con una toma perfecta que incorporaba todos los comentarios. Jung Kook, por su parte, dejó a todos boquiabiertos con su asombrosa facilidad para cantar en lo que suena como un inglés perfecto. “Creo que tengo buen oído para ese tipo de cosas”, dice Jung Kook. “Pero, al fin y al cabo, es un idioma extranjero para mí. No quiero que los hablantes nativos me oigan y se sientan incómodos, o que no les guste, de ninguna manera. Así que he trabajado mucho en ello”.
V, por su parte, dio un paso al frente como compositor, especialmente en la última canción del álbum, la etérea ‘Into the Sun’, que surgió de una sesión con la banda en vivo. “Las cosas no fluían con tanta facilidad, y decidimos relajarnos y simplemente divertirnos un rato. V terminó cogiendo el micrófono, yo estaba con un bajo Moog, [el productor y compositor] Tyler Johnson estaba en la cabina con la batería y [el productor y compositor] Nitti a la guitarra”. Suga escribió la parte de rap de la canción en la terraza de la casa que compartían. “Antes de este álbum, nunca me había imaginado componer una canción al aire libre”, dice Suga. “Realmente, solo necesitas un cuaderno y un bolígrafo”.
Una vez que terminó la gira en solitario de Jin, se dirigió al estudio, donde descubrió que ya había más de cien canciones escritas. “Me preocupaba que los fans se aburrieran mientras todos estábamos en el servicio militar, así que ahí estaba yo, reconfortando a nuestros fans. Mientras tanto, todas las canciones fueron compuestas”. ¿Se siente frustrado? “Estoy un poco desanimado. Pero en la vida hay más que solo el presente. Está el futuro. Además, si hubiera sido codicioso y hubiera pospuesto toda la sesión para poder añadir mis propias canciones, esta entrevista se estaría haciendo dentro de unos meses. ¿No se aburrirían demasiado los fans durante ese tiempo?”.
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Fue idea de Bang y Hybe titular el álbum Arirang, en honor a la antigua, profundamente melancólica y casi sagrada canción popular coreana. La banda aceptó el concepto casi al instante, pero, como se ve en su documental de Netflix, la idea de incluir un sample de la canción original en ‘Body to Body’ desencadenó semanas de debates. Dejando ese momento a un lado, “no nos propusimos poner en primer plano la ‘coreanidad’ de una manera obvia”, explica Pdogg. Pero la banda sí presionó para dar prioridad a las letras en coreano. ‘Please’ se grabó en inglés, pero BTS insistió en reescribirla casi por completo en coreano. Lim afirma que el equipo de A&R confiaba en que “la música resonara por sí sola en los oyentes más allá de las barreras lingüísticas”.
El álbum podría haber sido fácilmente un conjunto de canciones totalmente diferentes. “Hubo muchos conflictos; qué incluir y qué descartar”, añade RM. A J-Hope todavía le gusta mucho una canción descartada llamada ‘Like This’, mientras que Essien recuerda una canción llamada ‘Five Minutes’ que a todo el mundo parecía encantarle. “Me pregunto qué pasará”, dice Jimin. “¿Qué será de esas canciones que escribimos?”.
Suga tiene la respuesta: están destinadas a futuros proyectos en solitario. “¿No las usaríamos individualmente o algo así? Las usaríamos entre nosotros, en lugar de regalarlas”.
LOS MIEMBROS DE BTS hicieron historia juntos, se separaron, hicieron más historia individualmente y volvieron a reunirse. Estarán de gira por el mundo hasta el próximo marzo, después de que Jin insistiera en alargar el itinerario unos ocho meses más de lo previsto. “Cuando recibimos los planes de la gira por primera vez, no tenía muchas paradas, solo iba a durar unos tres o cuatro meses. Dije: ‘Ahora que volvimos, le prometimos a la gente que iríamos a verla, y siento que esto es romper nuestra promesa’”. Pero después de eso, ¿qué le queda por lograr a la banda?
Suga simplemente quiere marcar un tono diferente. “Deberíamos disfrutar”, dice. “Antes éramos demasiado competitivos. Siento que, en las prisas por alcanzar nuestros objetivos, no nos preocupábamos demasiado por nuestra salud física y emocional. Pero ahora podemos relajarnos un poco, sobre todo porque todos somos mayores. Así que creo que ahora podemos divertirnos más con esto”.
“Es increíble que hayamos vuelto a reunirnos”, dice J-Hope, “y que sigamos haciendo música como grupo. Cuando pienso en eso, las metas ya no me parecen tan importantes”.
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Durante los ensayos de febrero, Jimin sugirió al resto del grupo que volvieran al estudio nada más terminar la gira y grabaran otro álbum. Pero eso, a su vez, le dio a Suga una idea diferente. “El tiempo pasa muy rápido y las tendencias cambian muy pronto. Me pregunto si no deberíamos intentar sacar sencillos durante un tiempo. Verás, en septiembre del año pasado terminamos la fase de pregrabación del álbum, pero ha tardado todo este tiempo en salir a la venta. Así que, cuando lo hicimos, no teníamos ni idea de cuáles serían las tendencias en marzo y abril, ni qué tipo de géneros serían populares. Fue complicado intentar hacer buena música. Por muchas de esas razones… quizá hagamos un sencillo, quizá un miniálbum, algo por el estilo”.
Los miembros de la banda tomaron nota del triunfo —enteramente en español— de Bad Bunny en el show del medio tiempo del Super Bowl, y les intriga la idea de seguir su ejemplo. “No podemos hacerlo a menos que nos inviten”, dice Jimin, mientras que Jin reconoce que ya se imagina cómo sería su presentación.
RM es más cauteloso. “Puede ser, si pasa el tiempo y cambia la mentalidad de la gente. Todo el mundo está viendo Parasite y todas estas cosas maravillosas de la cultura coreana, así que, si surge la oportunidad, sin duda querríamos hacerlo algún día”.
El líder del grupo es muy consciente de que BTS ha atraído a algunos haters acérrimos, y se dirige a ellos directamente en ‘2.0’, producida por Mike WiLL. “De verdad hay gente que se limita a rezar en su casa: ‘Por favor, BTS, caigan. Sepárense y colapsen’. Así que pensamos: ‘Vale, chicos, llevamos dos o tres años separados… pasaron tres años y los ARMY nos están esperando, el mundo nos está esperando, ya se divirtieron un rato’”, dice RM.
¿Siguen leyendo los comentarios? “¡Nunca!”, dice Suga.
“A veces”, admite RM, y el resto del grupo se ríe.
La fanfarronería de ‘2.0’ también parece dirigida a la competencia, pero ¿a quién, exactamente, iría dirigida en este momento? Le sugiero al grupo que la respuesta podrían ser otros iconos del pop mundial: Taylor Swift, Bruno Mars, Harry Styles. RM hace una mueca ante la comparación: “Son artistas más grandes que nosotros”, responde en voz baja. “Nosotros somos más pequeños. Solo somos una boy band de Corea”; es lo único que me dijo en todo el día que no suena realmente sincero.
Historia por Brian Hiatt
Fotografías por Pak Bae.
Estilismo por Yejin Kim.
Peinado por Hansom, Hwayeon y Hyunwoo Lee.
Maquillaje por Dareum Kim y Shinae.
Diseño del set por Yeabyul Jeon.
Producido por Nuhana.
Productor ejecutivo: Sooh Hwang.
Productores: Sebin Park y Kaly Ngo.
Productor de línea: Cherry Lee.
Técnico digital: Huijin Kim.
Asistentes fotografía: Soojung Oh, Minhyuk Lee, Minjun Kim, Jihyun Oh, Juwan Kang y Junhyung Yang.
Equipo diseño del set: Sohyun Won, Yunseon Choi, Junhyuk Sim.
Director de fotografía y video RS: Mike Beech.
Operadores de cámara: Byeong Hwi Min, Churl Gwon, Hyunsuh Paik.
DIT: Jiwoon Lee.
Operador de sonido: Min Jae Lee.
Asistente de producción: Seohyun Yoon.
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En una maniobra que combina la mística de sus años dorados con una campaña de marketing de guerrilla, los Rolling Stones lanzaron este sábado 11 de abril de 2026, un misterioso vinilo de 12 pulgadas firmado por The Cockroaches. Lo que comenzó como un rumor en los foros de coleccionistas se confirmó en se trata de “Rough and Twisted”, el nuevo single oficial de Sus Majestades Satánicas. La distribución fue selectiva y casi azarosas: algunas copias llegaron a disquerías independientes de Londres, pero también un coleccionista italiano reportó una única copia en una tienda de Milán.
El uso del alias no es casual. “The Cockroaches” (Las Cucarachas) es el nombre de guerra que la banda ha utilizado históricamente para anunciar shows secretos en clubes pequeños, una tradición que se remonta a su legendaria presentación en El Mocambo en 1977. En esta ocasión, la campaña incluyó carteles callejeros en el barrio de Camden con la provocadora frase “Who the fuck are The Cockroaches?”, un guiño directo a las icónicas remeras que los integrantes de la banda popularizaron en la década del 70.
“Rough and Twisted” tiene un sonido crudo,que remite a Exile on Main St., el clásico de 1972. Un riff poderoso con el sello de Keith Richards y un rol protagónico de Mick Jagger, que interpreta la armónica y le da un toque blusero y visceral a la canción.
El sábado, desde sus cuentas oficiales en redes sociales, los Stones anunciaron el lanzamiento de una serie de playlist. “Esta serie de listas de reproducción profundiza más allá de los grandes éxitos de The Rolling Stones para destacar qué canciones están escuchando los 30 países con más reproducciones: ¡debajo de los hits! Cada semana se lanzarán 5 nuevas playlists; ¡las primeras son las de Argentina, Francia, México, Reino Unido y Estados Unidos! Algunas canciones aparecen de manera constante en todo el mundo, ¡pero cada país tiene su propio sabor stone particular! Escuchalas en el Spotify de los Stones o tocá en las historias destacadas…”, decía la publicación.
El sucesor de Hackney Diamonds (2023) saldría en algún momento del mes de julio, y el título según trascendió es Foreign Tongues. La producción volvería estar a cargo deAndrew Watt, que a la vez colaboró con el inminente disco de Paul McCartney.
En el mundillo local, crecen las expectativas por lo que todavía es solo un rumor, la posible visita del grupo, en un formato de residencia, en cunco presentaciones en el estadio de River Plate, aunque los conciertos serían más espaciados a los que ofrecieron en su debut en la Argentina, entre el 9 y el 16 de febrero de 1995, en el marco de Voodoo Lounge Tour. La patria stone se ilusiona y prende velas.
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The third and final day (Apr. 12) of this year’s Coachella festival might have been its most diverse, particularly among its two main stages. The two performance areas spent the final portion of the night ping-ponging between EDM, alt-pop, hip-hop, jazz, reggaetón and K-pop — an array of genres even remarked upon by Laufey while delivering the penultimate set of the night on the Outdoor Stage.
Closing the Coachella Stage shortly after was of course Sunday headliner Karol G, who went on a half-hour late but made the wait worth it with a triumphant closing set that brought the fireworks both figuratively and very, very literally. She also brought out a variety of guests, including Mariah Angeliq, Becky G, and Wisin, who performed a number of Wisin y Yandel favorites. (A reunited BIGBANG also played out the Outdoor Stage simultaneously.)
In general, it was easily the most temperate of the three days at the festival, with a hint of rain even briefly materializing in the afternoon. But the performers continued to bring the heat, with yet more big Coachella debuts and reunions, and even a mini-run of punk rock legends in the early evening. And one of the biggest disappointments from earlier in the weekend was made good on when DJ/producer Anyma’s Friday set — which had been canceled due to weather concerns — was rescheduled for the DoLab on Sunday night.
Round out a strong weekend of big performances and memorable moments, here were our staff’s 10 favorite things we saw on Sunday.
Justin Bieber’s 2026 Coachella set is generating buzz among his fellow music stars.
The 32-year-old pop superstar headlined the festival’s main stage in Indio, California, on Saturday night (April 11) with a hit-filled set that took festival-goers on a stroll down memory lane as he also showcased some of his early YouTube videos.
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“Thank God he has Premium. I don’t wanna see no ads,” Katy Perry joked in an Instagram video she posted while watching Bieber’s set from the crowd.
Perry, who wore a shirt emblazoned with the phrase “Pls don’t give me a rip off your vape no matter what I say,” attended weekend one of Coachella with her boyfriend, former Canadian Prime Minister Justin Trudeau.
The “Teenage Dream” hitmaker wasn’t the only artist to react to Bieber’s YouTube-fueled segment. Zara Larsson also shared a TikTok — seemingly filmed on her tour bus — showing her watching a livestream of Bieber’s set as he played old videos on his laptop for the audience.
“It’s giving lets smoke and watch YouTube,” Larsson wrote in the clip, where her friends can be seen watching a video of Bieber showing off his viral “double rainbow all the way” video.
“He’s in my dream blunt rotation,” the Swedish pop star captioned the post.
Bieber spent roughly 25 minutes of his Coachella headlining set going down an internet rabbit hole, pulling up once-viral clips such as “Deez Nuts” and “Double Rainbow.” He also played a string of his early hits, singing along to snippets of “Baby,” “That Should Be Me” and “Never Say Never,” as their music videos filled the screen behind him. The pop star then took it all the way back, playing the video that launched his career: his “With You” cover from 2008.
Bieber will return for Coachella’s second weekend on April 18. Check out Billboard’s full review of his opening-weekend headlining set here.
KATSEYE can check off a big accomplishment from their bucket list: performing at Coachella.
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The K-pop girl group — currently a five-piece (Daniela, Lara, Megan, Sophia and Yoonchae) while bandmate Manon is on a temporary hiatus — chatted with Billboard the day after their first time playing the iconic music festival in Indio, Calif., Friday night (April 10).
“It was electric,” Lara tells Billboard‘s Tetris Kelly of KATSEYE’s time on the Sahara Stage. “Our dreams came true last night. You know, every interview, if you’ve ever asked our biggest goal it was playing Coachella. We achieved that last night. so I think it’s so much gratitude.”
“It was bonkers,” she adds, as seen in video of KATSEYE’s full interview, seen above. “We went crazy.”
One of the headline-making moments of KATSEYE’s Coachella set: welcoming surprise guests HUNTR/X to their stage for a joint performance of the massive Kpop Demon Hunters hit “Golden.”
Yoonchae was quick to tell Billboard what the experience was like from their perspective: “I was so happy to bring HUNTR/X to our Coachella stage. They were really, really nice. They were so sweet. When we started to sing ‘Golden,’ we saw a lot of the crowd was screaming — they were so excited. I was so happy about that.”
“It’s really beautiful to have a joint slay on the stage at Coachella,” Sophia chimes in.
Perhaps the biggest personal moment for KATSEYE at Coachella was the group’s live debut of “Pinky Up,” the brand-new hyper-pop single they dropped just before performing it on the big stage. (The song is their first release without Manon.)
“We absolutely love, love, love the song,” Daniela says. “To perform it for the very first time, debut it at Coachella, was fire. I looked back at the videos and I was like, ‘Guys, we ate that.’ Especially the dance break. The crowd went wild.”
Megan adds of the track, “I think it’s one of our favorites. It’s very hard-hitting, something that makes us feel confident. I think it’s probably pretty high up there.”
“Pinky Up,” the new single from global girl group KATSEYE, tops this week’s fan-voted music poll.
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Listeners voted in a poll published Friday (April 10) on Billboard, choosing the five-piece’s latest song — their first to be released while member Manon is on hiatus — as their favorite new release of the week.
“Pinky Up” rose to the top in a week that saw new music streaming in from Lady Gaga and Doechii, Tiny Habits, The Strokes and more. At the poll’s closing time on Sunday, KATSEYE had earned 50% of the vote.
KATSEYE’s high-energy, hyper-pop new single — written by Justin Tranter and produced by dwilly, “hitman” bang and FRANTS — was accompanied by a dance-ready music video directed by Bardia Zeinali.
“Pinky Up” also got its live debut this week at Coachella, where the group performed Friday night.
“We absolutely love, love, love the song,” Daniela told Billboard on Saturday following KATSEYE’s show at the Indio, Calif., festival. “To perform it for the very first time, debut it at Coachella, was fire. I looked back at the videos and I was like, ‘Guys, we ate that.’ Especially the dance break. The crowd went wild.”
Megan added, “I think it’s one of our favorites. It’s very hard-hitting, something that makes us feel confident. I think it’s probably pretty high up there.”
Among the new releases trailing behind “Pinky Up” are Lady Gaga and Doechii’s “Runway,” with 12% of the vote, and Tiny Habits’ “Right in Front of Me,” with 10% of the vote.
See the final results of this week’s poll below.