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Desde la música clásica hasta el rock, los músicos afinan sus instrumentos a una frecuencia común para poder tocar juntos en armonía. Durante al menos 80 años, esa frecuencia estándar ha sido A440 Hz, que define la nota La por encima del Do central y, por extensión, todas las demás notas a su alrededor. Pero este estándar de afinación de larga data está siendo cuestionado en diversos géneros, ya que cada vez más artistas, incluyendo a dos ganadores del Grammy, lanzan álbumes afinados a A432 Hz. Es una afinación ligeramente más baja, y para estos músicos, marca la diferencia. 

El interés del guitarrista de Radiohead, Ed O’Brien, por este tema comenzó hace unos 12 años, en el Festival de Glastonbury. “Tuve una conversación inspiradora sobre la escala de solfeo, una escala antigua, y esto me llevó a descubrir los 432 Hz”, dice O’Brien, cuyo segundo álbum en solitario, Blue Morpho, se publicará el 22 de mayo. “Me encantó la idea de que la música pudiera ser más que simplemente agradable al oído o conmovedora; que la frecuencia en la que se tocaba pudiera tener un componente curativo o vibrar en armonía con las células del cuerpo y el mundo que nos rodea”.

Para O’Brien, los efectos de la afinación a 432 Hz son profundos. «Para mí, simplemente suena bien», afirma. «Tiene mayor profundidad y potencia; se siente completa. En comparación, la música a 440 Hz suena un poco estridente. Los instrumentos suenan y resuenan mejor a esta frecuencia, especialmente los instrumentos acústicos como las guitarras. Se siente más profunda».

Los artistas de la Nueva Era llevan décadas publicando discos a 432 Hz. Sus defensores creen que la música suena mejor afinada a esta frecuencia, y que los 432 Hz, junto con sus tonos y armónicos relacionados, armonizan mejor con las frecuencias naturales del cuerpo humano y de la Tierra. 

La diferencia entre 432 Hz y 440 Hz es sorprendentemente pequeña: menos de un tercio de semitono. Sin embargo, estudios recientes muestran algunos efectos fascinantes de los 432 Hz en los oyentes, como una mayor apreciación de la música en comparación con los 440 Hz, una menor frecuencia cardíaca y respiratoria, y una reducción de la ansiedad. Los efectos aparentemente desproporcionados de esta afinación ligeramente más plana están impulsando el creciente movimiento a favor de los 432 Hz.

“Es una sensación diferente”, dice James Blake , quien comenzó a explorar esta afinación mientras trabajaba en su álbum más reciente, Trying Times. “No soy de los que afinan todo a esa frecuencia, pero sí noto que cuando compongo música a esa frecuencia, me resulta muy relajante”. 

Como es natural, YouTube alberga una infinidad de vídeos musicales a 432 Hz que prometen reducir el estrés mientras se escuchan tonos relajantes para la meditación, Mozart ligeramente ralentizado o miles de éxitos y temas ambientales con arreglos diferentes. Entre los artistas consagrados que graban a 432 Hz se encuentra el compositor nominado al Grammy, Steven Halpern, cuyos álbumes se describen como «un diapasón para el cerebro». Además, Spotify y Apple Music ofrecen extensas listas de reproducción a 432 Hz, con una gran cantidad de artistas italianos. 

Sin embargo, hasta hace poco, pocos artistas populares se habían atrevido a grabar a una afinación distinta a 440 Hz. Las afirmaciones de que leyendas como Jimi Hendrix, Prince, John Lennon y Grateful Dead interpretaron y grabaron a 432 Hz probablemente se deban a experimentos, o quizás a guitarras desafinadas.

Ziggy Marley es otro destacado seguidor de la afinación a 432 Hz. En una llamada desde su flamante estudio Rebel Lion en Los Ángeles, explica por qué grabó su nuevo álbum, Brightside, de esa manera. “Durante toda mi trayectoria musical, he estado buscando, leyendo, intentando crear música según lo que imagino que podría ser: espiritual, todas esas cosas fantásticas que creo que la música debería ser”, dice Marley. “Así que 432 Hz ha estado en mi radar desde hace tiempo. Escuché que esa frecuencia es más relativa a la frecuencia humana a la que vibramos, y todo tiene una frecuencia. Todos vibramos en frecuencias. Así que, cuando decidí usar 432 Hz, comencé a grabar mis demos. Me siento mucho más cómodo a esa frecuencia”.

Marley, quien ha ganado nueve premios Grammy, incluido el de Mejor Álbum de Reggae de 2026 por One Love – Music Inspired by the Film (Deluxe), también ha estado actuando con instrumentos afinados a 432 Hz. 

“Le dije a la banda: ‘Vamos a tocar a 432 Hz, todo tiene que estar afinado a 432 Hz’. Y ellos se quedaron como: ‘¿Qué?’. Así que, de repente, todos los instrumentos del espectáculo tenían que estar afinados a 432 Hz, y la experiencia de hacer los primeros conciertos a esa frecuencia ha sido muy gratificante. Por lo que veo, sí tiene un impacto y un efecto en el público, en mí y en la banda. La conexión es más fuerte. Es una reacción diferente a esa frecuencia.” 

A lo largo de la historia de la música, los estándares de afinación han evolucionado considerablemente. En el siglo XVII, los instrumentos orquestales solían afinarse en tonos más graves, y desde entonces, las afinaciones han ido aumentando progresivamente y estandarizándose cada vez más. Hoy en día, la afinación en La 440 Hz predomina en la mayoría de la música occidental.

Quienes defienden esta teoría argumentan que 432 Hz corresponde a la frecuencia electromagnética resonante natural de la cavidad Tierra-ionosfera (7,83 Hz) y sus armónicos, conocidos como “resonancias de Schumann”. A pesar de esta y otras afirmaciones matemáticas dudosas (a menudo acompañadas de lenguaje pseudocientífico e ilustraciones “armoniosas” generadas por IA), la evidencia sólida sobre los beneficios de los 432 Hz es bastante escasa. 

¿Pero importa? Artistas como Ed O’Brien y Ziggy Marley pueden sentir la diferencia. Como afirma el título del álbum de 1980 de la madre de Ziggy, Rita Marley: « Quien lo siente, lo sabe». 

“Le da una nueva inspiración a la música”, dice Ziggy. “Cuando lo haces a una frecuencia diferente, tu mente escucha las cosas de manera distinta, y eso crea ese tipo de energía, como la primera vez que lo hiciste”.

Independientemente de lo que muestren los estudios sobre el efecto en la frecuencia cardíaca y respiratoria, Marley tiene muy claro el poder de las frecuencias, y cree que los aspectos musicales de los 432 Hz están a punto de experimentar un nuevo renacimiento. 

“Escucha, va a ser increíble”, dice.

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A una década del fallecimiento de Prince, ha salido a la luz una canción inédita que abre la puerta a un proyecto nunca antes visto del artista estadounidense. No es ningún secreto que el ícono dejó un vasto repertorio sin publicar; sin embargo, sus herederos —actuales custodios del archivo conocido como The Vault— han decidido compartir este primer adelanto para conmemorar el décimo aniversario de su partida. Se trata del sencillo ‘With This Tear’.

La canción fue grabada en 1991 y concebida originalmente para ser interpretada por Céline Dion. Fascinado por su voz, el músico preparó una maqueta y se la envió a la mánager de la cantante con la intención de que aceptara la propuesta. Así, en 1992, Dion incluyó el tema en su álbum homónimo, siguiendo las indicaciones de Prince.

Lo que hoy sale a la luz es la versión inédita y original de ‘With This Tear’, que celebra y conmemora el 10° aniversario de la partida terrenal de Prince. La nueva versión contó con la mezcla y masterización de Chris James, ingeniero y productor nominado al Grammy que ya había trabajado junto a Prince en proyectos como HITnRUN Phase Two, Art Official Age y Plectrumelectrum.

La canción original nos deja ver el lado más sentimental y vulnerable del cantante, sumergiéndonos en los sonidos y esencia del pop melódico de los 90. El acompañamiento visual también es un guiño a la nostalgia, pues Prince nos habla de sus aspiraciones artísticas que se centran en la igualdad: “Cuando era más joven, siempre decía que algún día tocaría todo tipo de música, y que no sería juzgado por el color de mi piel, sino por la calidad de mi trabajo. Espero que eso continúe”.

A lo largo de ‘With This Tear’, podemos apreciar diversos momentos clave en la vida de Prince: su infancia, inicios de su trayectoria, conciertos en vivo, videos musicales y mucho más. 

Aún cuando se asegura que Céline Dion fue la elegida para interpretar el tema, según Rolling Stone, ‘With This Tear’ fue pensada para Jevetta Steele, pero hubo un momento que cambió la visión de Prince. El tema siguió permaneciendo su esencia original hasta el día de hoy, que sale a la luz su versión inédita. “‘With This Tear’ fue un regalo de Prince que siempre atesoraré. He llevado esta canción conmigo durante muchísimos años. Escuchar ahora su versión, compartida por primera vez al público, es algo realmente especial”, dijo Dion sobre el lanzamiento. 

‘With This Tear’ no es solo la canción póstuma de Prince. Según sus herederos, el tema marca el inicio de la presentación de un proyecto inédito del músico, programado para publicarse este año. El material busca honrar el legado del ícono de la música. 

Mira aquí el video oficial de ‘With This Tear’:

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En esta película de título que parece sacado de un dueto imaginario entre Chappell Roan y Billie Eilish, un hombre con un traje sucio, estrambótico y destartalado que parece venir de una película de Terry Gilliam, llega desde el futuro con un objetivo concreto: reclutar a un puñado de desconocidos en una cafetería de Los Ángeles para detener a la IA que, en la gran mayoría de líneas temporales, ya convirtió todo en una simulación baudrillana tan adictiva como peligrosa (léase el apocalipsis). El hombre tiene un dispositivo en el pecho que parece una bomba, un plan que cambia sobre la marcha y la certeza de que el margen de error es mínimo.

Este hombre del futuro es interpretado por Sam Rockwell, el actor eléctrico de Confesiones de una mente peligrosa, quien, como de costumbre, entra en modo espectáculo desde el primer minuto. Su sucio personaje funciona como líder, comediante sarcástico y alarma encendida. Cada intervención suya tiene ritmo y dirección. Y cuando el guion duda, él no.

Gore Verbinski, el autor de cintas familiares exitosas y derivativas como Un ratoncito duro de roer,  Piratas del Caribe y Rango, así como del mega fracaso El llanero solitario  y la arriesgada y vanguardista La cura siniestra, (otro gran fracaso), regresa a las pantallas luego de casi una década de ausencia con una película que se mueve rápido, pero que es constantemente interrumpida por historias intercaladas de sus personajes. Hay caos, humor negro y decisiones visuales estrambóticas como la de un rey gato gigante con pezuñas que devora personas y vomita escarcha. La historia avanza como si alguien estuviera probando combinaciones hasta dar con la correcta.

El grupo que arma el viajero del tiempo no responde a ningún criterio heroico. Susan, interpretada por Juno Temple (Ted Lasso), entra con una decisión que no admite discusión. Hay una historia de pérdida detrás que se deja ver sin discursos largos y Temple, como siempre, le da fuerza y presencia a su personaje.

Ingrid, a quien interpreta Haley Lu Richardson (The White Lotus), parece salida de los universos de Scott Pilgrim o Sucker Punch. Vestida de princesa y con una historia de amor malograda, mantiene una inexplicable reacción alérgica con los dispositivos tecnológicos y la internet. Por otra parte, Michael Peña y Zazie Beetz encarnan a Mark y Janet, una pareja de profesores de secundaria y amantes en crisis. Mark quiere que las cosas funcionen, pero no soporta la apatía de sus estudiantes y sus adicciones a los teléfonos celulares. Busca que lean a Ana Karenina y que interactúen sin mediadores tecnológicos. La escena del salón de clase es lo más aterrador de la cinta, especialmente por los comentarios de los alumnos.  Janet, pensando en su permanencia en el trabajo, se ajusta al sistema y le pide a su compañero que haga lo mismo sin protestar. Entre los dos aparece una tensión que la película aprovecha muy bien.

Ahora bien, nuestro antagonista no tiene rostro fijo. Estamos hablando de la IA (¿no han sentido que desde que la inteligencia artificial se impuso en la red se están viviendo tiempos oscuros?). La IA opera desde todos los frentes. Se presenta como asistente, compañía, como un niño calvo adicto a los pasabocas de queso y como una solución inmediata ante la cruel realidad, incluyendo la muerte. Aquí hay una línea directa con Black Mirror, con esa aproximación pesimista a la tecnología de punta que ofrece una supuesta comodidad, mientras acumula deshumanización y control. El peligro no entra disparando, sino que se instala en nuestros dispositivos como si se tratara de una actualización del infierno de Dante.

El manejo del tiempo de esta cinta ciberpunk trae a la memoria a La Jetée, el clásico de Chris Marker y obviamente a 12 Monkeys, el remake de Terry Gilliam. También se cruzan ideas cercanas a En la luna (también protagonizada por Rockwell) y 8 minutos antes de morir, ambas dirigidas por Duncan Jones, el hijo de David Bowie. Y aunque la película nunca llega al delirio paroxístico de Todo en todas partes al mismo tiempo de los Daniels (¡menos mal!), tampoco se detiene a explicar el mecanismo, optando por moverse dentro de él sin explicar o justificar lo que va sucediendo.

La clonación abre otra línea. Hay ecos del Steven Spielberg de AI: Inteligencia Artificial y Ready Player One en la creación de vínculos artificiales y una relación clara con Gattaca de Andrew Niccol y No me dejes ir de Mark Romanek en la idea de diseñar y clonar cuerpos. Están también los bucles temporales tipo videojuego de Al filo del mañana de Doug Liman y del anime Solo necesitas matar de Kenichiro Akimoto (ambas basadas en el libro de Hiroshi Sakurazaka). En otras palabras, Buena suerte, diviértete, no mueras, bien podría pensarse como un mosaico de “grandes éxitos” de la ciencia ficción contemporánea más ingeniosa.

El guion de Matthew Robinson, escritor de las adorables pero mal recibidas Monster Trucks, Dora y la ciudad perdida y Amor y monstruos, alterna momentos precisos y potentes con otros confusos y mal resueltos que se diluyen en el camino. Verbinski, que tiende siempre a llevar todo al frenetismo, milagrosamente logra mantener el ritmo y evita que la película se pasme o se desmadre.

Pero en realidad, es Rockwell quien sostiene todo. Su personaje no es un héroe, y como Reese en Terminator, llega del futuro para escoger voluntarios que, quiéranlo o no, puedan salvar el mundo. Mientras tanto, la odiada IA los presiona con los resultados de malos prompts, con la horda de adolescentes zombies pegados a sus celulares y con sus muñecos extraídos de Toy Story. El escuadrón suicida responde como puede y no todos saldrán vivos de esta aventura. Ahí está la película. Verbinski ha vuelto con fuerza y ojalá para quedarse, ya que esta cinta es tremendamente divertida. 

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Michael Jackson, ya consagrado como estrella de proporciones galácticas, dirige la reunión, impasible, desde la cabecera de una mesa de directorio en lo que da toda la impresión de ser una firma de abogados top en Nueva York. Entre el escuadrón de letrados imbatibles, señala a uno, John Branca, el menos formal, para que de ahí en más lo represente. Le pide al resto que los dejen solos y le comunica a Branca su primera misión: despedir a Joseph Jackson, su propio padre, a cargo de su carrera desde niño, del que ya hacía mucho necesitaba librarse. Branca escucha como quien recibe las coordenadas para una operación suicida de la que depende el futuro de la humanidad. Y entonces todo parece conducir a un momento cumbre, de máxima tensión, en Michael, la nueva ¿biopic? sobre Michael Jackson, dirigida por Antoine Fuqua, escrita por John Logan y estrenada simultáneamente en buena parte del mundo. Una producción a escala… bueno, a escala Michael Jackson. 

Pero lo que ocurre es esto: acto seguido, vemos a Joe Jackson (recibir un fax con apenas una línea en la que se le informa que, de ahí en más, el octavo de sus hijos artistas prescindirá de sus servicios. Eso es todo. Lo que se veía venir como un tsunami sobre la estructura familiar y encima de toda la industria del entretenimiento resulta en los honorarios más fáciles que Branca haya facturado en su carrera. Pero no hay remate ni alivio cómico: la película simplemente pasa a otro tema. 

Esa situación es característica de Michael, un film que se parece mucho a las hoy de moda biopics sobre músicos, pero que en verdad juega a otro juego. Y, en ese sentido, es justo decir que no se trata de una película fallida, sino de una película que apuesta a algo diferente, y que no se demora en contar una historia interesante, a explorar e indagar en los recodos de un camino ascendente, con sus retrocesos, sus curvas y volantazos. Lo que más le importa a Michael es celebrar el notable legado de Jackson, desde sus comienzos en los setenta, con los hermanos, como los Jackson 5, y justo hasta el comienzo de la gira de Bad en 1988.  

No vamos a encontrar en estas dos horas un intento de estudio profundo del personaje bajo los reflectores, ni una indagación seria acerca de su entorno familiar, más allá de la caricaturización del padre tiránico (colman Domingo), el cliché sin atenuantes de la madre amorosa, Katherine Scruse-Jackson (Nia Long) y la depurada intrascendencia de Jermaine, Marlon, Tito, Jackie y La Toya (no, no me olvidé de Janet: ella ni siquiera es mencionada). Lo que sí encontramos, en cambio, es, más que un actor de oficio, un doble de la megaestrella, su sobrino (hijo de Jermaine) Jaafar Jackson y al talentoso Juliano Krue Valdi, como el Michael niño. También abundan las recreaciones de hitos musicales, que serían como covers cinematográficos: grandes presentaciones de los Jackson 5, en las que Michael rápidamente brilla sobre los demás; la grabación, junto a Quincy Jones, de Off the Wall; la gestación de “Beat It”, con su mensaje a las (increíblemente domesticables) pandillas en guerra de Los Ángeles; el rodaje de “Thriller”, la despedida de los Jackson 5 en el estadio de los Dodgers y muchos, muchos más cuadros musicales en los que las canciones corren completas y con un audio realmente espectacular [para escribir esta reseña, vi la película en una sala Imax, donde el sonido es aún más impactante].  

El debutante Jaafar, en especial, cumple con una labor impecable, si damos por hecho que el objetivo era imitar a su tío hasta lograr el moonwalk perfecto y emular su característico falseto de niño inocente perdido en cuento de hadas. Conocemos la sólida tradición de imitadores de Michael. Jaafar es el rey de ellos, perfecto en el exigente (sin ironía) arte de copiar a un artista que supo inventar un estilo personal y tomar el mundo del pop en sus propios términos.   

Esos largos y técnicamente logrados pasajes no fallan: ni siquiera hace falta ser un fan, de los que acuden a la función con sombreros y guantes, para vibrar con esas canciones por gusto, por nostalgia ochentera o simplemente como una reacción humana inevitable frente a estas descomunales producciones de Quincy Jones y estas performances eléctricas. En ese sentido, Michael es un triunfo total del groove. 

En términos narrativos y de lo que suele ir a buscar a una sala de cine, en cambio, Michael tiene la complejidad de un videoclip de 1984. Debe ser una de las primeras películas sobre músicos en las que todos los ejecutivos de discográficas y managers son nobles y empáticos con sus artistas (y eso que abundan: desfilan por la pantalla capos de Motown, Epic y CBS, todos de trato entre muy razonable y hasta francamente paternal); ni siquiera ese lugar común se permite el guion en favor de que pase algo, aparte del constante tironeo de Michael con el padre; un vínculo traumático, sí, pero que básicamente se despliega en toda su dimensión ya desde el primer ensayo en el living familiar de Gary, Indiana, y no se modificará hasta la escena final. [en este atípico perfil de managers y hombres de negocios benévolos quizás haya incidido que justo Branca, el representante de MJ, sea el productor de la película].  

Podemos mencionar también la participación especial de un mono vía FX (Bubbles), una llama, una rata, una serpiente y una jirafa, todas mascotas de Jackson, que la familia (incluso el déspota del padre) parece no tener más remedio que aceptar en la mansión de Encino, California; y el rol más enigmático del chofer-seguridad Bill Bray (KeiLyn Durrel Jones), que nunca termina de justificar su presencia, más que en un ligero gesto final (de pronto uno toma conciencia de lo raro que es el papel de un guardaespaldas en una ficción en la que nunca debe ejercer su oficio). 

Y, por supuesto, no hay en Michael ni el más ínfimo indicio de ninguna polémica, cuestionamiento o leyenda de tintes oscuros en torno de su protagonista. No está el contenido (ni la negación) de las denuncias que aparecerían luego de su muerte, especialmente a través del documental Leaving Neverland (Dan Reed, 2019). Nadie esperaba eso de una producción generada desde la familia. Pero tampoco hay espacio para otras miradas menos duras, pero ciertamente con atendibles dudas sobre la estabilidad emocional de una de las figuras más deslumbrantes de la cultura pop en el siglo XX. Michael, más que dar cuenta de la personalidad del Rey del Pop parece mirar el mundo desde su perspectiva-Peter Pan. Y es difícil asumir que ninguno de los hombres de negocios detrás de este tanque comparta con MJ ni una pequeña dosis de inocencia.

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El martes 21 Charly García fue sometido a una intervención quirúrgica renal en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento (IADT). Según el parte médico oficial y fuentes cercanas al artista, se trató de una nefrectomía parcial programada, un procedimiento quirúrgico destinado a extirpar una lesión localizada en uno de sus riñones preservando el resto del órgano funcional.

La cirugía, que duró aproximadamente tres horas, se realizó sin complicaciones técnicas. El equipo de urología a cargo del procedimiento confirmó que el objetivo fue cumplido de manera satisfactoria. A diferencia de otras internaciones anteriores del músico, esta no fue producto de una descompensación súbita, sino de una decisión médica tras una serie de estudios de rutina realizados en el mes de marzo.

Luego de la intervención, el equipo médico dispuso el inicio de un esquema de diálisis preventiva con el fin de supervisar la recuperación de la función renal. Pese a los antecedentes clínicos del artista, fuentes cercanas al artista confirmaron que el procedimiento resultó exitoso. García se encuentra actualmente en una habitación de internación general, donde permanece bajo estricta observación para evaluar su evolución diaria.

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