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Harry Styles‘ friends are in love with American girls, and so is he — well, at least one of them.
Since August 2025, the singer’s relationship with Zoe Kravitz has been one of the buzziest couplings in pop culture, and fans and hopeless romantics alike can’t stop swooning over everything from repeated sightings of the pair walking hand in hand to reports that they got engaged this spring.
Before they got together, though, the British pop star and American actress — both of whom have been famous for roughly two decades — each had their own series of romances that played out in the public eye. Styles was linked in the past to Taylor Russell, Olivia Wilde, Camille Rowe and, many years ago, Taylor Swift. (The latter proves just how small of a world the entertainment industry can be, as the Eras Tour headliner is close friends with Kravitz, who helped her pen “Lavendar Haze” on Midnights.)
And the Caught Stealing star — the daughter of rock star Lenny Kravitz and actress Lisa Bonet — was previously married to Karl Glusman from 2019 to 2021. After that, she was engaged to Channing Tatum for some time, but they broke up after three years together in fall 2024.
But as Styles sings on “Aperture,” his 2026 Billboard Hot 100 No. 1 single: “We belong together/ It finally appears, it’s only love,” a line that definitely seems to apply to him and Kravitz. At some point after their most recent heartbreaks, the One Direction alum and Hollywood star found each other and felt the sparks fly — and Billboard is keeping track every step of the way.
To see a full timeline of Styles and Kravitz’s romance, keep reading below.
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In conversation with Billboard and Honda Stage, Mariah The Scientist explores authenticity, artistry and connection — reflecting on her creative journey, the vulnerability behind her songwriting and the deep, honest relationship she shares with her fans.
Mariah The Scientist: Mariah The Scientist is just a scientist, you know? Mariah The Scientist was a scientist, at least, and one day she just decided she wanted to explore a different science.
I think songwriting is really, really important. I think that the way I look at it is that it’s something that you make from scratch. “Rainy Days” is more the kind of song where I’m, like, super vulnerable and discussing, constantly fighting to prove a point. Vulnerability is very expensive.
Honestly, to make a good song, you wind up exploiting your trauma, but it becomes rewarding at the end, once you do 1,000 shows, and you go and you see people crying and singing it because it makes you feel like you did something that people can connect to, and they feel seen and now, and them feeling seen now, you feel seen. When my fans tell me that they feel like I’ve written something about them, or I look at them more like my friends than a fan.
The very first show, I was like, “Oh my gosh, people are coming to see me, they’re singing.” I was so nervous, but I felt like I didn’t have to be nervous by the end because they were singing the words for me. Honestly, sometimes I get emotional when I hear them singing certain songs or, like, and I’ll just cry on the stage. I’ll be trying not to do that, though.
When Honda Stage gave me a call and said, “Hey, would you like to collaborate on this Rising Star opportunity with Billboard?” I said, “Wow, I’m not under a rock anymore, and maybe all the work, tireless nights and tireless days are getting me somewhere.” I’m just so flattered, and I am hoping that I can live up to my new title, Rising Star.
January 2026 started off with a cold, hard fact: Death is inevitable.
The first major musician death to make the news this year was that of Jim McBride, the Nashville Songwriter Hall of Fame artist known for penning country hits alongside Alan Jackson; he died days into the new year on Jan. 6 at age 78. Among his most known songs that he collabed with the country star on were “Chasin’ That Neon Rainbow,” “Someday,” “That’s All I Need to Know,” “(Who Says) You Can’t Have It All” and “Chattahoochee,” with the last song peaking at No. 48 on the Billboard Hot 100 in 1993.
Days later, on Jan. 10, Colombian singer-songwriter Yeison Jiménez passed away in a plane crash that took the lives of six people. He was 34. Deadheads were stunned the same day when a statement on Bob Weir’s Instagram account announced that the Grateful Dead founding member had died at 78 after beating lung cancer, but had “succumbed to underlying lung issues.”
Another unexpected death of a celebrated artist was announced before the new year was even two weeks old. Grammy-nominated musician John Forté, who is known for his work with the Fugees, was found dead at age 50 in his Massachusetts home on Jan. 12. Fugees singer Lauryn Hill paid tribute to her late collaborator days later, writing on Instagram, “This loss is unexpected and surreal and my heart aches… for his family, for his wife, for his children, for his friends, and for all of us who were blessed to know him.”
Then on Feb. 25, hours after the Rock & Roll Hall of Fame revealed that the Wu-Tang Clan had received its first nomination for induction, the iconic hip-hop group confirmed that co-founder Oliver “Power” Grant had died at age 52. And just two days later, legendary singer-songwriter Neil Sedaka’s family announced that the musician behind hits such as “Breaking Up Is Hard to Do” had died at 86.
Though the year is still young, Billboard remembers the musicians who have passed so far in 2026.
Chris Brown is now a dad of four. The two-time Grammy-winning R&B superstar has welcomed his first child with influencer Jada Wallace.
On Sunday, Wallace shared a three-slide carousel to her official Instagram page, beginning with two snaps flaunting her pregnant belly and a third picture of the duo’s newborn infant. “Purest love,” she captioned the photoset, with Breezy writing, “Taurus Gang” in the comments section. Given that Brown’s birthday is on May 5, he and his newest addition indeed share an astrological sign.
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Though the name of Brown’s new baby boy is still unconfirmed, the “With You” singer’s mother, Joyce Hawkins, confirmed the newborn’s sex under Wallace’s post, writing, “Congratulations!!! He’s just perfect! Sending love always!” Brown boasts three older children from separate relationships, including daughter Royalty, 11, with Nia Guzman; son Aeko, 6, with Ammika Harris; and daughter Lovely, 4, with Diamond Brown.
Breezy’s family expansion comes just before the arrival of his new B.R.O.W.N. album next week (May 8). “Obvious,” the set’s latest single, has already reached No. 57 on the Billboard Hot 100, marking Brown’s 122nd career entry on the all-genre ranking. In June, he’ll join forces with fellow R&B icon Usher for their joint Raymond & Brown (R&B) Tour. The all-stadium trek will commence at Empower Field in Denver, Colo., on June 26 and visit major North American cities like New York, Toronto and Houston, before concluding with two dates at Raymond James Stadium in Tampa, Fla. (Dec. 11-12).
Brown is coming off last year’s blockbuster Breezy Bowl XX Tour, which earned $295.5 million and sold just 1.983 million tickets across 49 North American and European shows, according to Billboard Boxscore.
On Sunday, before Wallace announced the arrival of their baby boy, Brown addressed critics of his and Usher’s upcoming tour via his Instagram Story, writing, “I’m scrolling through Insta and TikTok and I come across rage bait pages and or these fake woke, stand-up-for-nothing pages bashing people for [wanting] to come have a good time. The dudes hating, I can understand that (thinking we gone steal ya girl and s–t). BUT THE KARENS, and the self-hating h—s be making me LAUGH. I CAN’T WAIT TO RUB THIS S–T IN YALL FACE.”
Click here to see Jada Wallace’s announcement of the arrival of her and Chris Brown’s new baby boy.
Maluma is gearing up for the release of his seventh studio album, Loco x Volver, dropping May 15.
Loosely translated to “dying to return,” the album will be home to 14 songs, including four previously released tracks: “1+1” with Kany García, “Botero” with Arcángel and NTG, “Con el Corazón” with the late Regional Colombian singer Yeison Jimenez, and the Ryan Castro-assisted “Pa’ La Seca.” The former of the four hit No. 1 on the Billboard Tropical Airplay and Latin Airplay charts this week.
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In a stripped-down video posted via Instagram on Monday afternoon (April 27), the Colombian superstar shared the exciting news to his nearly 65 million followers.
“I’ve been working on this for two years, and I simply can’t wait to let you all know that a new album is on the way,” he said. “You have no idea — the sheer happiness, the excitement I feel right now — to finally be able to share this news with you regarding a project I’ve been working on for years. At long last, you will get to see it; you will witness this new shell of mine—who I am now, and the mindset I currently hold.”
The set’s title is an ode to his very beginnings, with Maluma adding: “It’s titled ‘Loco x Volver’ because I missed Juan Luis (his real name); I missed my true essence, that dreamer of a boy, and now, I’m back. I’m doing well now; I feel strong, happy, and excited. This is an album that helped me heal, and without a doubt, it is the most personal project I have ever created. This is a very special moment for me—one that I hope resonates with you all—an album that truly represents my roots and my culture.”
According to a press statement, the project goes beyond the evolution of his more than decadelong career, forming “a deeply personal musical journey that blends genres, emotions and high-caliber collaborations.”
Loco x Volver — whose album cover shows the artist when he was a young boy — is Maluma’s first album in three years, following Don Juan (2023), Papi Juancho (2020), 11:11 (2019), F.A.M.E. (2018), Pretty Boy, Dirty Boy (2015) and Magia (2012).
En una industria que vive de lo irrepetible, Marco Barranca ha hecho de la consistencia su mayor apuesta. Con más de 15 años en el circuito del entretenimiento en vivo, el CEO de AME Concerts entiende el presente del negocio con una claridad que bordea lo incómodo: el ecosistema de festivales, al menos como lo conocíamos, ya está lleno. “Actualmente ya no hay espacio para más festivales”, dice sin rodeos. No es una sentencia pesimista, sino una lectura precisa de un mercado que ha alcanzado su punto de madurez y donde entrar ya no depende de tener una idea, sino de tener la idea correcta.
El punto de quiebre, para Barranca, no está en la cantidad sino en la forma. En cómo un evento logra diferenciarse en un entorno donde todo compite por atención. Su experiencia reciente lo confirma: lograr que un festival sea exitoso desde su primer año es, hoy, una anomalía. Y sin embargo, lo lograron. La clave no fue el cartel ni la infraestructura, sino entender que el público ya no busca asistir a un concierto, sino habitar una experiencia.
Esa idea redefine todo. Cambia la manera de producir, de comunicar y de pensar el entretenimiento. Para Barranca, producir un evento hoy implica leer culturas, adaptarse a contextos y construir puentes emocionales con cada audiencia. No es lo mismo operar en Colombia que en Chile, donde, por ejemplo, no se vende alcohol en ciertos eventos. Y aun así, el público responde con la misma intensidad. “Es un público espectacular”, afirma, subrayando que la energía no depende de estímulos externos, sino de la conexión con la música.
Esa lectura cultural se vuelve aún más relevante cuando se trata de fenómenos masivos como Grupo Firme. Para Barranca, el impacto de este tipo de giras no se construye únicamente desde el repertorio, sino desde los detalles que conectan con cada territorio. Camisetas de equipos locales, referencias culturales específicas o guiños a canciones populares de cada país se convierten en herramientas para amplificar la experiencia. No es solo entretenimiento: es identidad en vivo.
En medio de este panorama, la competencia se ha intensificado, especialmente con la expansión de actores globales como Live Nation en América Latina. La adquisición de compañías clave y la consolidación de festivales han elevado el estándar, pero también han reconfigurado el mapa. Barranca lo entiende como un reto inevitable, aunque no necesariamente como una amenaza. “Hay espacio para todos”, insiste. Y en lugar de reforzar la lógica competitiva, propone otra: la colaboración.
En su visión, el crecimiento de la industria pasa por alianzas estratégicas más que por disputas de mercado. Trabajar con empresas locales, integrarse a dinámicas existentes y construir proyectos conjuntos permite escalar sin perder identidad. Esa filosofía ya está en marcha, con asociaciones en distintos países y nuevos desarrollos en Colombia que apuntan a expandir el alcance de AME Concerts.
El crecimiento, de hecho, no se detiene. Barranca habla de giras en expansión, incluyendo nombres como Nicky Jam, y de una estrategia que ya mira hacia Estados Unidos y Europa. La internacionalización no es una aspiración, sino una consecuencia natural de un mercado latinoamericano que ha ganado peso global. Países como Perú, Chile o Argentina están demostrando una capacidad de convocatoria que compite directamente con mercados tradicionales, llenando arenas y estadios con una regularidad que antes parecía improbable.
En paralelo, el desarrollo de infraestructura ha acompañado ese crecimiento. Las arenas, antes exclusivas de Estados Unidos, se están convirtiendo en estándar en la región. Nuevos recintos en ciudades como Medellín o Ciudad de Guatemala están cambiando la escala de lo posible, permitiendo producciones más ambiciosas y experiencias más inmersivas.
En ese contexto, la relación entre el streaming y la música en vivo deja de ser una tensión para convertirse en una sinergia. Para Barranca, no hay competencia entre ambos mundos. La música grabada alimenta el deseo de vivirla en directo, y el concierto refuerza el vínculo con el artista. Es un ciclo continuo donde el consumo digital y la experiencia física se potencian mutuamente.
Lo que viene, entonces, no es una revolución, sino una evolución sostenida. Menos festivales, pero más relevantes. Menos shows, pero más significativos. Y una industria que, lejos de saturarse, se redefine constantemente a partir de su capacidad de conectar. En palabras de Barranca, no se trata de competir, sino de compartir. Y en ese matiz, quizás, está la clave de todo.
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A tan solo unos días de iniciado el rodaje, Helena Bonham Carter ha abandonado la cuarta temporada de The White Lotus, según anunció HBO el viernes.
“Con la producción de la cuarta temporada de The White Lotus apenas en marcha, se hizo evidente que el personaje que Mike White había creado para Helena Bonham Carter no terminó de encajar una vez en el set”, señaló HBO en un comunicado (vía Variety).
“El papel ha sido replanteado, está siendo reescrito y será recasteado en las próximas semanas. HBO, los productores y Mike White lamentan no poder colaborar con ella, pero siguen siendo grandes admiradores y esperan trabajar con la legendaria actriz en otro proyecto en el futuro cercano.”
La nominada al Oscar Helena Bonham Carter formaba parte de la segunda ola de incorporaciones al elenco de la cuarta temporada de The White Lotus, que se desarrollará en Francia e incluirá, según reportes, una trama vinculada al próximo Festival de Cannes en mayo. “La cuarta temporada seguirá a un nuevo grupo de huéspedes y empleados del hotel White Lotus a lo largo de una semana, en el marco del Festival de Cannes”, anunció HBO a inicios de este mes.
HBO no reveló qué papel interpretaría Bonham Carter, y la actriz no ha comentado sobre su salida. La cuarta temporada también cuenta con un elenco que incluye a Vincent Cassel, Steve Coogan, Chris Messina, AJ Michalka, Kumail Nanjiani, Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Heather Graham, Max Greenfield y Rosie Perez, entre otros.
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Han pasado 10 largos meses desde que King Gizzard & the Lizard Wizard publicó su último álbum de estudio, Phantom Island. El disco contó con un sonido más orquestal y fue hecho en colaboración con el músico y compositor Chad Kelly, pero ahora la agrupación australiana acaba de revelar que su próximo LP está listo y ofreció una pequeña pista de su sonido.
El grupo compartió un video en su perfil de Instagram en donde únicamente se ve una consola llena de cables y se escucha una pista de techno. La publicación también contiene una fotografía de Stu Mackenzie, Joey Walker y Michael “Cavs” Cavanagh abrazándose entre sí, mientras que su descripción va justo al grano: “El álbum está listo”.
La actualización llega después de que la banda encabezada por Mackenzie anunciara el retiro de su música de Spotify en julio pasado. “Hola, amigos. Un aviso para quienes no lo sabían: el CEO de Spotify, Daniel Ek, invierte millones en tecnología militar de drones con inteligencia artificial”, escribió el grupo en ese entonces. “Acabamos de retirar nuestra música de la plataforma. ¿Podemos presionar a estos tech bros malignos para que hagan las cosas mejor? Únanse a nosotros en otra plataforma”.
Ek es el cofundador de Prima Materia, una compañía que ha invertido más de 700 millones de dólares en Helsing, una empresa alemana que desarrolla drones e Inteligencia Artificial para ser utilizados en operaciones militares. “No me considero realmente un activista y no me siento cómodo dando discursos. Pero esto me parece una decisión fiel a nosotros mismos, hacer lo que creemos que es correcto para nuestra música, tener nuestra música en lugares en los que nos sentimos bien”, declaró Mackenzie semanas después. King Gizzard & the Lizard Wizard se ha enfocado en promover su música a través de Bandcamp, logrando que sus discos sean de los más vendidos en la plataforma.
Por el momento se desconocen más detalles acerca del álbum número 28 de la agrupación, pero teniendo en cuenta el ritmo de publicación que maneja entre disco y disco, podría llegar más pronto que tarde.
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John F. Kennedy Jr. no era solo el hijo de un presidente. Era una figura pública desde la infancia y alguien cuya vida había sido observada desde el funeral de su padre. Carolyn Bessette venía de otro lugar. Trabajaba en Calvin Klein, se movía dentro del mundo de la moda y no tenía relación con ese nivel de exposición hasta que empezó la relación. Se conocieron a mediados de los noventa, se casaron en 1996 y murieron en 1999 cuando el avión que él pilotaba cayó al Atlántico.
La miniserie biográfica de nueva episodios sobre John F. Kennedy Jr. y Carolyne Bessette, que está a centímetros de convertirse en un producto de Hallmark, parte de un final que ya se conoce y que condiciona todo lo que viene después. Estamos hablando del accidente de 1999 que cierra la historia de una manera abrupta y que también fija la imagen de la pareja en un estado casi mítico. A partir de ahí, el relato retrocede y se propone explicar por qué esa relación generó tanta atención y por qué sigue ocupando ese lugar en la memoria pública.
Love Story funciona cuando deja de mirar el mito y se concentra en la relación. Ahí es donde el relato encuentra algo concreto. La conexión entre ambos personajes no se construye de inmediato. Necesita tiempo, varios episodios incluso, para pasar de la atracción inicial a una forma de entendimiento más compleja. Cuando eso ocurre, la serie gana peso y deja de apoyarse en la imagen pública para sostenerse en lo que sucede entre ellos.
Sarah Pidgeon (Tiny Beautiful Things) es clave en ese proceso. Su Carolyn no se presenta como una figura decorativa ni como víctima pasiva del entorno, sino como alguien que entiende el espacio en el que está entrando y que intenta marcar distancia frente a él. En esa mezcla de control, vulnerabilidad y desgaste, es donde el personaje se vuelve humano y creíble.
Paul Anthony Kelly tiene un recorrido más irregular. La serie muestra a John como alguien que carga con una identidad pública desde la infancia, y eso se traduce en una tensión constante entre lo que representa y lo que realmente es. Esa dualidad entre la seguridad heredada y la inseguridad personal, aparece con más claridad a medida que avanza la historia, cuando el personaje deja de apoyarse en la imagen y empieza a evidenciar sus fisuras.
Ese desarrollo, sin embargo, convive con un problema constante y es que la serie no sabe cómo recortar. Hay una acumulación de escenas que buscan cubrir cada etapa de la relación y elemento del contexto, lo que termina afectando el ritmo. El resultado se acerca por momentos a un registro exhaustivo y soporífero de eventos que no siempre aportan al conflicto central. La historia avanza, pero lo hace con una sensación de peso innecesario.
Esa dispersión se hace más evidente en los personajes secundarios. Muchos de ellos quedan reducidos a versiones exageradas o simplificadas, y eso rompe el equilibrio que la serie logra cuando se enfoca en la pareja. Figuras como Calvin Klein (Alessandro Nivola), Jackie Kennedy Onassis (Naomi Watts) o Daryl Hannah (Dree Hemingway), aparecen más como interpretaciones marcadas que como presencias orgánicas dentro del relato, lo que introduce un tono irregular.
La música cumple una función específica dentro de esa construcción. La serie recurre a temas reconocibles de los noventa. Canciones en la línea de Vogue, Crazy, No Ordinary Love, Bitter Sweet Symphony o No Scrubs, para ubicar cada etapa emocional dentro de un contexto claro. No se trata solo de ambientación temporal. Es una forma de reforzar el estado de la relación en cada momento de euforia inicial, consolidación y desgaste. La selección funciona cuando acompaña lo que ya está en escena, aunque en varios tramos se siente más como una referencia inmediata que apela a la nostalgia, más que como parte orgánica del relato.
El último episodio intenta reducir el exceso, deja de intentar abarcarlo todo y se concentra en ordenar y hacer énfasis en las consecuencias de la pérdida. Ahí la serie encuentra una forma más clara de cerrar la historia, alejándose del espectáculo de la tragedia, para aproximarse al impacto en quienes quedan. Ese cambio de enfoque permite que las emociones se sientan más trabajadas y menos impuestas .
Vista en conjunto, la miniserie oscila entre dos impulsos. Por un lado, la intención de reconstruir un mito contemporáneo con todos sus elementos. Por otro, la posibilidad de contar una relación atravesada por la presión externa. Cuando se inclina por lo segundo, el resultado es sólido y convincente. Cuando intenta sostener ambos al mismo tiempo, el relato se diluye. Lastimosamente, esa tensión define la serie de principio a fin. No la destruye, pero sí explica por qué nunca termina de encontrar una forma completamente estable.
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Desde sus primeros trabajos, Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, han construido una obra marcada por lo pop, el exceso emocional, el humor irreverente y una profunda conexión con lo íntimo. Desde La llamada hasta Paquita Salas, su sello ha sido reconocible gracias a unos personajes que buscan sentido en medio del caos, atravesados por la música, la fe y el deseo de pertenecer.
Con La Mesías, ese universo no desaparece, pero se transforma. La serie se adentra en un terreno más oscuro, donde la religión, la familia y el trauma se entrelazan en un relato inquietante y profundamente humano. En esta conversación, Los Javis explican este giro, su evolución creativa y los riesgos que asumieron para construir su obra más ambiciosa hasta la fecha.
A lo largo de su carrera han trabajado con el exceso, el humor negro y lo pop, pero con La Mesías entran en un territorio mucho más oscuro. ¿Qué los llevó a dar ese giro?
Javier Calvo: Yo creo que es madurez creativa y personal. Cuando hicimos La llamada yo tenía 25 años cuando rodé la película y 21 cuando la escribí. Ahora ya hemos pasado los 30 y quisimos hacer algo más oscuro, más seco, más árido. Cuando maduras creativamente dejas de poner cosas de más porque dejas de intentar gustarle a todo el mundo. Ya sabes que te van a ver, que te van a escuchar.
El lugar en el que estábamos en España era más cómodo, sabíamos que la gente iba a ver la serie, entonces quisimos retarla un poco más y hacer algo más depurado y maduro, sin perder el humor, la música y esa iconicidad que atraviesa todo lo que hacemos.
Javier Ambrossi: Sí, el punto de partida es más cinematográfico, seco, dramático y oscuro, pero el espectador va a pasar por todo lo que sabemos hacer: hay momentos de risa, musicales, pop, de ternura familiar y de belleza. Es continuista con lo que hacemos, pero para nosotros era importante demostrarnos que podíamos seguir creciendo.
La serie aborda la religión, un terreno delicado. ¿Cómo construyeron ese universo sin caer en la caricatura o el juicio?
Calvo: A nosotros más que delicado nos parece fascinante. La fe es un misterio enorme. Como decía Lorca, solo el misterio nos hace vivir. Y la fe es uno de los mayores misterios que existen.
Explorar a una madre que cree ciegamente que Dios le habla, explorar la luz y la oscuridad de la fe —aquí más la oscuridad que en La llamada— nos parecía muy interesante. Pero siempre pasando por Montse.
Ambrossi: La serie no habla de cristianismo, habla de “montseología”. Es la religión de Montse. Eso nos permitió jugar con todo, porque no hay ofensa: es una mujer que se cree su propia historia y construye su propio sistema de creencias.
Calvo: Y eso nos dio libertad para crear nuestras propias reglas.
Los personajes se sienten muy reales, incluso en situaciones extremas. ¿Cómo evitar la caricatura?
Ambrossi: Tratándolos con respeto. Pero el respeto no es idealizarlos, es hacerlos reales.
Calvo: Y para que sean reales deben tener contradicciones, aristas, cambios. Como cualquier persona: momentos buenos, malos, regulares. Cuando encuentras eso, puedes jugar con el personaje. Lo importante era que Montse fuera real. Y cuando lo es, puedes reírte con ella, sentir miedo, espiritualidad o incluso verla en lo más terrenal.
Sus proyectos tienen una identidad muy clara. ¿Sienten que su voz ya está definida o sigue en proceso?
Calvo: Yo creo que está en proceso.
Ambrossi: A mí me gusta pensar que sigue en proceso. Vamos cambiando. No somos los mismos que hacían teatro para 100 personas que los que ahora están rodando con actores como Penélope Cruz o Glenn Close.
Pero también hay cosas que permanecen: el humor, la música, el tono, esa mezcla de lo popular y lo íntimo. En La Mesías, por ejemplo, el grupo Stella Maris tiene algo muy nuestro, muy de La llamada o Paquita Salas.
Calvo: Nuestra voz evoluciona, pero hay elementos que nunca van a desaparecer.
En la serie, el pasado no es solo recuerdo, sigue afectando el presente. ¿Cómo trabajaron esa estructura narrativa?
Calvo: Nos gusta trabajar con diferentes épocas, con idas y venidas.
Ambrossi: Lo hacemos de forma muy artesanal. Tenemos una pizarra grande donde organizamos todo con post-it de colores: cada línea temporal, cada trama.
Calvo: Vamos moviéndolos, conectando momentos, haciendo que los eventos dialoguen entre sí. Es un rompecabezas.
Ambrossi: Es un caos estructurado. Está muy pensado, pero no debe notarse. Tiene que parecer que fluye solo.
La música aquí tiene una carga particular: es celebratoria pero también inquietante. ¿Cómo trabajaron ese contraste?
Ambrossi: La música está en el origen de la serie. Queríamos crear un grupo de chicas que creyeran que con su música podían salvar el mundo.
Calvo: Esa idea tiene algo muy mesiánico, muy de líderes radicales que creen que pueden cambiarlo todo.
Ambrossi: Y encontrar el sonido fue difícil. Queríamos algo que no sonara a lo de siempre. Por eso trabajamos con Raül Refree y con Hidrogenesse, que hacen música extraña, disonante, muy particular.
Calvo: El resultado es algo que se te queda, pero que también incomoda. Como los propios personajes.
¿Qué influencias cinematográficas sienten más presentes en La Mesías?
Ambrossi: Son muchas y muy variadas. Creo que el punto de partida es Alice Rohrwacher, con el mundo de la casa, con las niñas y sus pequeños detalles, es muy el mundo de esta directora italiana el que pasa por nosotros.
Calvo: Evidentemente, Pedro Almodóvar es fundamental para nosotros. Pero también el cine europeo de los 90 y 2000, directores como Haneke. También Bergman, al que recurro mucho incluso a nivel personal.
Ambrossi: ¿Sabes a quién también hemos tenido muy presente? A Denis Villenueve…
Calvo: Y hay influencias muy concretas en la serie: desde The Leftovers hasta el cine de Víctor Erice, especialmente El espíritu de la colmena, pasando por referencias como Lilja 4-ever de Luca Moodysson o Personal Shopper de Olivier Assayas.
Ambrossi: La serie va cambiando de referencias a medida que avanza, por eso tiene tantos matices.
Han trabajado en cine, teatro y televisión. ¿Qué les permitió el formato de serie en La Mesías?
Calvo: Experimentar.
Ambrossi: Tiempo. Rodamos durante seis meses. Pudimos conocer a los personajes, reescribir, ajustar.
Calvo: En una serie puedes probar cosas, equivocarte y corregir en el siguiente episodio. Ese margen no existe en el cine.
Ambrossi: Esa libertad de prueba y error es lo que hace tan interesante la televisión.
Nos estaremos viendo con el nuevo proyecto de ustedes, ¿no? La bola negra.
Calvo: La bola negra se estrena en octubre en España y veremos a ver qué pasa.
Bueno, esperemos entonces volvernos a encontrar para hablar de ese proyecto. Hasta luego, gracias.
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