Desde su creación por Capcom en 1996, Resident Evil se ha consolidado como una popular franquicia de terror y supervivencia que comenzó como una serie de videojuegos. Tiene una influencia muy grande en el sector gracias a su mezcla de acción, exploración y horror, generalmente ambientada en escenarios infestados por zombis y otras criaturas mutantes. Con el tiempo, se ha consolidado como una de las sagas más influyentes del género del terror en los videojuegos. Ahora, llegará una nueva versión de la aclamada franquicia a la pantalla grande este mismo año. 

En 2025 se revelaron detalles inéditos sobre la próxima película del videojuego. Su director, Zach Cregger, afirmó que la historia retomará el enfoque de terror y supervivencia característico de la franquicia, devolviéndola a sus orígenes. Posteriormente, se anunció que Austin Abrams encabezaría el reparto de esta “historia extraña, divertida y alocada”. 

Aun manteniendo la esencia y el enfoque del videojuego, Zach Cregger señaló que la historia será “completamente original”, y expresó su confianza en que esta nueva visión no decepcionará a los fanáticos. “Respeto lo suficiente los juegos como para contar una historia de Resident Evil dentro del canon de la saga, manteniendo intacto todo lo que les encanta de los juegos”, declaró en una entrevista reciente a EW.

A través de la página web oficial, la franquicia reveló que la cinta llegará en un formato premium y IMAX, junto con el logotipo deteriorado de la película. Además, confirmaron que la fecha de estreno será el 18 de septiembre. 

Zach Cregger reveló ser un gran fanático de todos los videojuegos de Resident Evil; sin embargo, también admitió haber evitado ver las adaptaciones cinematográficas anteriores, para así poder encontrar su propia visión y experiencia. “Intento contar una historia que se sienta auténtica y fiel a la experiencia de jugar a los videojuegos. No creo estar infringiendo ninguna norma importante. Pero también reconozco que, haga lo que haga, siempre habrá gente que me critique en internet”, explicó a SFX. 

La nueva adaptación de Resident Evil sigue a Bryan, interpretado por Austin Abrams, “un mensajero médico que, sin saberlo, se ve envuelto en una carrera sin fin por la supervivencia mientras una noche fatídica y aterradora se desmorona a su alrededor en el caos”. 

Resident Evil: Bienvenidos a Racoon City

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“Estamos volviendo a casa, uniendo nuestras raíces con el futuro del rap global para demostrar que nuestra cultura y nuestra resiliencia son eternas”. Con esta declaración, Cypress Hill anuncia Dios bendiga, su nuevo álbum programado para el 24 de julio de 2026 a través de HYBE Latin America. El proyecto marcará un hito en su carrera: será su primer disco completamente en español y su primer trabajo de larga duración en más de cuatro años, abriendo una nueva etapa en una trayectoria que supera las tres décadas.

“Dios Bendiga es más que una simple colección de canciones; es una oración por la cultura” explica B-Real. “Este álbum funciona como un recordatorio definitivo de que nuestra herencia no es una tendencia, sino un legado divino y un futuro global. Es nuestro regreso a casa: una conexión directa, en español, con las raíces y con la gente que nos mantiene con los pies en la tierra”, concluye el líder del grupo.

Esa idea de “regreso a casa” también atraviesa la forma en que se gestó el disco. El álbum tomó forma en apenas dos semanas, durante sesiones realizadas en noviembre pasado bajo la dirección musical del percusionista Eric Bobo, colaborador histórico de la banda. En ese espacio, Sen Dog y B-Real exploraron una conexión más directa con el español, marcando un giro claro frente a trabajos anteriores.

En lo sonoro, el proyecto mantiene la base clásica del grupo —con raíces en la Costa Oeste—, pero introduce nuevos matices, impulsados en parte por el trabajo de DJ Lord, cuyo scratching aporta una capa más cruda y orgánica a las canciones.

El disco también abre espacio para nuevas voces. Entre los colaboradores aparecen nombres como Alemán y Trueno, dos figuras clave del rap latino actual, junto a artistas emergentes como Coyote y Poe Leos. Más que una suma de invitados, el álbum plantea un cruce generacional en el que la influencia de Cypress Hill dialoga con una nueva escena que ha crecido bajo su legado.

Como adelanto del álbum, el grupo presentó el sencillo ‘Campeones’, en el que participa el miembro original Mellow Man Ace, acompañado de un video oficial. La canción fue producida por DJ Flict, productor multiplatino y nominado al Grammy, quien además está a cargo de la dirección sonora del proyecto.

Más que un simple lanzamiento, el tema funciona como una declaración de intenciones: la agrupación reafirma su lugar dentro del rap, apoyándose en un estilo que combina su tradicional juego entre inglés y español con referencias directas a sus raíces. El resultado es una pieza que conecta su historia con el presente, sin perder el pulso que los convirtió en una referencia global.

“Desde el primer día de grabación de este álbum, sucedió algo especial. Hacer un disco completamente en español y simplemente confiar en nuestros instintos fue un desafío para nosotros, pero nos demostramos que podemos estar a la altura de cualquier situación. También queríamos retribuir y cumplir nuestra promesa con nuestros fans latinos. Volver a conectarnos con nuestras raíces siempre fue algo que quisimos hacer. Ahora era el momento adecuado”, explica Bobo.

Más de tres décadas después de su irrupción, Cypress Hill sigue ocupando un lugar central en la historia del rap. Con nominaciones al Grammy, giras globales y una influencia que atraviesa generaciones, su música ha logrado moverse entre escenas, idiomas y territorios sin perder identidad.

Ese presente también se siente en los escenarios. En los últimos meses, el grupo encabezó algunos de los festivales más importantes de América Latina, con presentaciones en citas masivas como Vive Latino, Lollapalooza Brasil y Tecate Pa’l Norte, donde volvieron a encontrarse con audiencias que han crecido con su música.

En ese cruce entre pasado y presente, Dios bendiga no aparece solo como un nuevo lanzamiento, sino como una reafirmación de identidad. “Esto es por nuestra gente, por nuestra historia, y para que el mundo sea testigo de nuestro poder como comunidad”.

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Para Mateo Palacios, mejor conocido como Trueno, el número 4 tiene un significado personal dentro de la numerología. Está presente en la banda de su padre, en la comuna donde creció y en distintos momentos de su vida en el barrio. Su cuarto álbum, en consecuencia, “tenía que ser el mejor”.

Ese cuarto álbum es TURR4ZO y ya está disponible. En él, el rapero hace una dedicatoria, como en todos sus materiales, pero en esta ocasión vuelve a mirar hacia el barrio argentino. En su anterior disco, El Último Baile, rindió homenaje a la cultura y la historia del hip hop. El nombre de este nuevo proyecto busca reivindicar una palabra que se ha utilizado de forma despectiva para referirse a la gente del barrio en Argentina.

A lo largo del disco, Trueno traza un recorrido por la identidad musical argentina que lo formó, enlazando referencias que van de Carlos Gardel a Los Wachiturros, y de Miranda! a Los Abuelos de la Nada, pasando por Facundo Cabral y Gustavo Cerati. En el disco, los samples son homenajes con una gran carga identitaria. Trueno también aprovecha para celebrar su parte uruguaya con la última canción en colaboración con Rubén Rada.  Además, 

El álbum cuenta con colaboraciones de artistas como Milo J, Pity Álvarez, Neo Pistea y María Becerra. 

Trueno habló con ROLLING STONE En Español unos días antes de liberar el disco. Lee la conversación a continuación. 

¿Cómo ha ido la gira con Gorillaz? 

Uf, increíble amigo, increíble. Estuvimos en países que no me imaginaba conocer en mi vida, y fue loco también porque el idioma, quizá nos aleja mucho, pero después estuvimos ahí tocando y toda la gente lo vibra igual, respeta igual, es muy loco que con la música se logren esas cosas que, quizá, sin la música era impensado. Así que estoy muy agradecido con Damon también por hacerme espacio ahí, que para mí era súper loco un argentino tocando en UK, podría haber llamado a cualquier artista británico y me llamó a mí, así que le agradezco mucho.

Sí, qué locura, felicidades. Y también la colaboración, dices que es la más importante de tu carrera… 

Sí, para mí Gorillaz, Damon puntualmente también, me parece de los artistas y productores más trascendentes de nuestra generación y de lo que nos toca vivir como contemporáneos de la música, es un loco hermoso, y para mí que me invite, como te decía antes, que desde ‘Freestyle’ que me invitó la primera vez, después ‘The Manifesto’, y ahora hasta abrirle la gira, habla mucho de su humildad, de cómo él respeta la música y los países que también son lejanos a lo que él hace y se acerca igual. Yo estoy muy agradecido porque no necesita hacer esas cosas, e igualmente se acerca y las hace desde el respeto y la admiración. 

Hablando del título, corrígeme si me equivoco, pero la palabra “Turro” en Argentina es alguien que viene del barrio, ¿no? ¿Es como una manera de reivindicar esa palabra que puede llegar a usarse de manera despectiva? 

Cien por ciento, buenísimo lo que decís amigo, porque siento que tanto en México, como en Colombia, en Chile, como en todas las partes del mundo, hay un adjetivo para la gente que viene de la clase obrera simplemente y que nació en un contexto humilde, que es lo mismo que cuando dicen sudamericano, dicen sudaca y desde afuera lo utilizan despectivamente, pero para nosotros es un orgullo. Entonces, esta es la manera argentina de decirle. Está representando a todos los pibes que vienen de un lugar parecido al mío, de una realidad parecida a la mía, y que tenemos que estar orgullosos de eso, y que hay una parte linda también, que ser un pibe de barrio, ser un turrazo, ser un atrevido. Como digo en mi primer disco, es ser un pibe que rompe esquemas, que no le tiene miedo a nada, que tiene chispa, que está pillo, que está despierto, que está vivo y que va para adelante. 

Entonces, siento que un poco lo que quiero transmitir a los chicos de mi generación, es que yo soy uno más de ellos y ya está, simplemente fui disciplinado, y que no hay que tener miedo, que hay que mandarle para adelante. 

Cuando hablamos de EL ÚLTIMO BAILE, me decías que cada disco está dedicado a algo, ¿no? Me contaste que Atrevido habla de el barrio de La Boca, que Bien o Mal lo amplias un poco, hablas del país y su música en general, EL ÚLTIMO BAILE es un homenaje a toda la cultura del hip hop. ¿Qué dedicatoria tiene TURR4ZO? 

Bueno, siento que esto me llegó en un momento muy especial en mi vida, de hacer las tres dedicaciones más importantes básicamente a lo que me crió, a mi barrio, mi país y mi cultura. Y de la nada, me encontré con mi cuarto disco y dije, “Uff, esto va a ser el disco número cuatro, tiene que ser el mejor disco.”. Y me lo tomé de una manera muy personal, que termina englobando también los tres conceptos anteriores. Es un disco que vuelve a tener un concepto barrial, que vuelve a tocar raíz, por así decirlo, para la gente del principio de todo, que tiene el orgullo nacional, el orgullo latino de la raza en general, en las letras, en los samples, en la búsqueda, en el concepto, en todo, y que es uno de los discos más hip hop que hice. 

Un poco la primera misión que nos planteamos con Guincho y con Tatool fue decir,  ya representamos el hip hop de su manera tradicional, clásica, haciéndole referencia a Estados Unidos, a los géneros de allá. Ahora llegó el momento, con el público adquirido y con la gente que se sumó al proyecto, de establecer lo que es el hip hop argentino, hacer el hip hop sampleando, pero no sampleando jazz, no sampleando blues, sino que sampleando música nativa argentina y latina, y creo que eso nos hace también encontrar un norte en cuanto al hip hop y a nuestro estilo. 

Lo primero que vimos de toda esta nueva era, fue ‘Tírate un paso’, que fue un himno de barrio, que además usas de sample en ‘TURRAZO’, ¿qué significa esa canción o por qué querías que fuera lo primero que se viera? 

Buenísimo, esa es la canción que le dio el concepto al disco, el nombre también. Fue de las últimas que hicimos, en los últimos campamentos, porque veníamos haciendo mucho sample histórico, nacional, nativo, rock and roll, prestigioso, folclore y todo muy lindo, y de la nada nos miramos y dijimos, “Che, falta algo, samplear algo de la calle, algo también de lo que representa.”, no teníamos el nombre del disco todavía.

Hicimos el sample de Los Wachiturros, lo volvimos boom bap, lo volvimos rap pesado y lo trajimos, y ahí salió el nombre TURR4ZO, dijimos, “Es esto.”.

Para mí es muy importante también entender que cuando yo estaba contemporáneo Los Wachiturros para mí y mis amiguitos del barrio, de la primaria, de la escuela, eran como ídolos para nosotros y nos vestíamos como ellos, hacíamos la coreografía de Los Wachiturros, eran los ídolos, queríamos ser como ellos. 

Hoy en día pasa con el hip hop y con nosotros también y los pibes del barrio quieren ser raperos, entonces es como linkear también un poco lo que pasó con la cumbia en su momento y la representación barrial de la cumbia con lo que es el hip hop, y mostrar que somos la misma mierda, por así decirlo, y traerlos a este lado me parece lindo. Y fuera de que es un disco personal y es algo que a mí me influyó muchísimo, Los Wachiturros en Argentina fueron muy fuertes y tenían que ser parte de este disco. 

Obviamente si haces algo sobre el barrio argentino, es imposible no meter algo de la cumbia villera, ¿cómo hacer un disco sobre el barrio argentino pero enfocándolo más en el rap? ¿Es como unificar las dos etapas del barrio?

Cien por ciento, tanto de Los Wachiturros, que era como una cumbia más remixada, más nueva para ese entonces, como en ‘BAILANDO SOLA’ ampliamos a Pibe Chorro, a Paulito Lescano, a lo que es más puro de la cumbia villera argentina. Después te juntás con gente que es parte de la cumbia villera, te juntás con cantantes y son iguales que nosotros, vienen del mismo contexto que nosotros, es lo mismo, por así decirlo. Entonces siento que también un poco la misión que tengo en mi proyecto y con mi carrera es dejar de generar fronteras o diferencias y entender que la unión es lo más importante.

Buenísimo, y obviamente los samples siempre se han usado en el hip hop, pero me gusta que en este caso los usas más como para hacer homenajes, ¿no? O sea, ahí Sandro, Los Abuelos, Cerati, hasta Miranda, ¿Cómo ves tú los samples en este disco? ¿Cómo los querías usar? 

Para nosotros fueron algo especial los samples, porque no era samplear por samplear, sino, ¿Quién queremos que forme parte de este disco? Está todo muy elegido puntualmente, muy hilando fino. Para nosotros es gente que está viva en el disco, que vive dentro de esta atmósfera, y de la nada tenemos, desde Los Wachiturros, hasta Miranda, Sandro, Chaqueño Palavecino, Rubén Rada, Carlos Gardel, Cerati, Spinetta, Charly García, hay de todo.  

Entonces, siendo tan fan también de lo que son las producciones, de lo que es el hip hop, también te tenés que poner a escuchar los beats para entender de dónde salen y qué referencias tienen. Me parece muy lindo que sea un disco que si metés la mano así dentro de la música encuentres mucho pasado, mucha historia, mucho prestigio, y era un poco la idea principal que nos tomamos en la producción. 

Sí, lo estuve escuchando y justo tiene tantos elementos que sí necesitas varias escuchas para ver todo, pero también me gusta que es como una manera de llevar esa música a nuevas generaciones. 

Tal cual. Para mí es un poco el link de gente que no conoce esa música o gente que no vivió esas épocas, que es más contemporánea a mí o más chico que yo, y que gracias a mi música se abra una puerta para nutrirse de música antigua, y para la gente que sí vivió esas épocas y sí viene de otras generaciones, que se sientan representados con la reivindicación de esa música antigua. De mostrarles que esta generación les tiene respeto y que somos admiradores también, entonces para mí el trabajo está ahí, en acercar a esa generación y hacer que la gente aprenda y conozca, por así decirlo.

Claro, también hablas de unir cosas finas con cosas más de barrio, por ejemplo, ‘CON EL COMBO’ que haces esa mezcla, ¿cómo trabajas esa dualidad de meter cosas más finas a algo que no lo ha tenido tanto en la historia?

Eso está buenísimo porque es lo que buscamos, las cosas que son más obras de arte prestigiosas, ensuciarlas un poco y las cosas que ya son sucias, como de calle, como ‘TURRAZO’ con el tema de los Wuachis, volverlas un poco más obras de arte y más traídas a la modernidad. Y bueno, ‘CON EL COMBO’ creo que es una de las representaciones más fuertes de agarrar algo súper lindo, algo hecho perfectamente y ponerle bumba, ponerle bajo, bombo, caja, y que sea uno de los temas más fuertes del disco. Y también con mucho acercamiento al sample que se llama ‘Fácil de Olvidar’ y yo en mi letra, digo, “Soy difícil de olvidar.”,  hacer la referencia a Sandro y todo eso me parece como el núcleo del concepto que buscamos. Y es eso, proponer el nuevo hip hop, que en vez de que use samples de blues o de jazz, esté Sandro de fondo y que la gente de Argentina lo sienta así. 

O también como Carlos Gardel, ¿no? Esa mezcla con tu música se siente muy bien lograda, especialmente en ‘RAIN IV’. La vez pasada hablamos de ‘RAIN III’, que forma parte de esta saga de canciones muy personales. En este caso, ¿esta nueva entrega funciona como una dedicatoria a tus padres?

Esta es una dedicatoria a mis padres. También toca que en mi cuarto disco sea ‘RAIN IV’, que es muy importante. Empezó no siendo ‘RAIN’, empezó siendo una canción simplemente mía, escrita para mi papá y mi mamá y terminó siendo ‘RAIN IV’. Justamente usamos un tema de Gardel, que habla de Caminito, de La Boca, de todo eso, entró perfecto. 

¿Cómo te das cuenta de que una canción es para la saga de ‘RAIN’? ¿Tiene que ser muy personal? 

Sí, yo creo que sí. Hubo veces que me propuse empezar desde el momento cero sabiendo que estoy escribiendo ‘RAIN’, con ‘RAIN III’ me pasó eso.  

En este caso, fueron dos canciones que escribí por separado, una para mi madre y otra para mi padre. Las juntamos y de la nada en el estudio, en los últimos campamentos dije “Che, esta es ‘RAIN IV’, sí o sí.”. Y dándole la trascendencia que yo le doy a la numerología, me parece muy lindo que, para mi gusto y siendo el creador de todos, ‘RAIN IV’ sea el más emotivo, el que más me llega, el más lindo de todos, el que no habla de una manera tan egoísta quizás, sino como que es una dedicación y me encanta. Me encanta que haya tocado el número cuatro para una dedicación a mis padres.

¿El número 4 es importante para ti? 

El cuatro me marcó la vida. Es la banda de mi padre, es la comuna donde yo vivo, es el número que veía en cada esquina de mi barrio donde caminaba. Para mí era siempre un número que me persiguió, por así decirlo. 

En ‘X UNAS LLANTAS’ incorporas géneros como merengue o salsa, ¿querías hacer algo más universal para el panorama latino? 

Sí, tenía ganas de tocar varios géneros también en este disco, que sea un disco muy dinámico, por así decirlo. Nunca había rapeado en un merengue, entonces también salió en esa cosa en el estudio de tratar de probar cosas nuevas y salió ‘X UNAS LLANTAS’, que en cierto punto es una mezcla de todo. Porque es un estilo muy norteamericano, muy del Caribe, de todo lo que es lo tropical, pero al mismo tiempo tiene un sample de Chaqueño Palavecino, tiene a Gardel también de homenaje. El tango, que lo trae mucho para acá también, y el concepto es muy barrial, muy universal para los latinos, que es mi raza y es mi familia latinoamérica, siempre, no solamente soy argentino, sino latinoamericano, y me pareció también lindo como el mensaje decir yo soy uno más de ustedes, de un pibe de barrio que soñaba con unas Nike, que siempre todos nos morimos por una, y hoy en día poder hacer la colaboración con Nike es algo súper lindo y es una demostración de que se puede.

Hablando de colaboraciones, ‘PUMAS’ es la que se siente más dedicada a Argentina, y se juntan dos de los grandes referentes del país, tú y Milo J, ¿cómo fue crear esa canción? 

Esa fue una canción que la empecé yo en mi casa, me acuerdo yo hice el beat y empecé a escribir, y me gusta porque para mí es como la respuesta a ‘TIERRA ZANTA’ también, que la escribí muy desde estar acá en Argentina, de no viajar, desde el orgullo nacional, quedarme en mi tierra y todo. Esta es un poco la respuesta para mí de haber podido conocer el mundo, poder haber visto a Argentina desde afuera, extrañarlo, encontrarme argentinos afuera de Argentina; esa sensación de ir a plantar bandera a otros países. Me parece muy lindo y es justamente con esa visión que invité a Milo, que siento que ahora mismo está en mi versión, cuando yo hice ‘TIERRA ZANTA’, que él está en Argentina, está empezando a salir a conocer otros países y habla desde otro lugar, entonces representa como esas dos caras de lo que es sentirse representado, no solo en Argentina, sino que le llega a cualquier persona que ame a su país o que viva afuera de su país y lo mantenga en costumbres y en amor. 

¿Y cómo has visto la evolución de Milo? Me encantó el disco que sacó, La Máquina. 

Es una máquina. Me representa mucho él también, con sus ideales. Es un pibe muy tranquilo, muy humilde, me hace acordar mucho a mí cuando tenía su edad. Es una locura también empezar a conocer artistas que se criaron con nosotros. Nosotros siempre estábamos medio solos y lo logramos desde las batallas y todo, y ahora empiezan a salir artistas que se criaron viendo nuestras batallas, que me escuchan a mí, al Duki y a los pibes en general, y que hoy en día son íconos también. Es un poco la cara de la nueva generación, el Milito, y tiene un amor por la música nacional argentina que creo que la tiene muy impregnada y que la representa muy bien, y así le está yendo también porque se lo merece y porque vive por la música y la siente mucho. 

Y con María Becerra, quieres hacer un homenaje más como a los noventas, ¿no? 

Sí, para mí los noventas es una etapa que siempre quise vivir, que nunca pude, y que mi papá me cuenta, mi mamá me cuenta, y siempre fue como, “Uy, la puta madre, me encantaría haber pasado por ahí.”,  y un poco el concepto es ese, es teletransportarse al pasado, a esa época y vivirla. Y Mari quedó increíble, le sumó un verso increíble. Su presencia me parece muy importante, siempre digo que a ella la sumé porque también es la más turra de todas las mujeres del género urbano y es muy amiga mía,  me llevo muy bien con ella y me siento muy representado, así que siento que sumó muchísimo.

También incorporas un homenaje a tu parte uruguaya en ‘URUGUAY’, ¿por qué sentiste esa necesidad? 

Hay gente que lo sabe, hay gente que no, pero mi familia se divide a la mitad, mi parte materna es argentina igual que yo, que nací acá, y mi parte paterna es toda uruguaya, empezando directamente desde mi padre hasta todo lo que lo sigue. Yo tengo una conexión muy grande con Uruguay, vengo de un barrio uruguayo, La Boca. Está lleno de uruguayos, me crié entre bombos de candombe, familias uruguayas, fui muchas veces a Uruguay; así que es un tema que le dediqué a esa parte de mi familia y se sumó para mí el magnate uruguayo de la música afrodescendiente, Rubén Rada, que es una máquina. Lo escuchaban mi mamá y mi papá, lo escuchaban mis abuelos, de hecho era amigo de mis abuelos, Rubén Rada, entonces para mí es una entrega muy importante también a una rama y una parte de mi sangre que siempre estuvo ahí y que necesitaba hacerle también un homenaje y una dedicación. 

Estás en una etapa en la que puedes colaborar con gente muy importante y crear con los mejores de la industria. ¿Cómo te sientes al poder llevar a cabo ese disco que imaginabas, hacerlo tal como lo visualizabas?

A veces uno no toma noción del tiempo, pero ya pasaron tres discos y muchísimo tiempo, más de seis años desde que hago música y que saqué mi primer disco. Es loco porque uno lo transita tranquilo y después se da cuenta que la gente lo transita con uno, que va evolucionando y me siento realizado con este disco también. Siento que todo lo que pasó también fue para hacer este disco ahora y para hacer esta entrega ahora, y tanto desde el respeto de los íconos de la música, como el respeto a la gente, como mi ambición de siempre estar buscando horizontes nuevos, siento que estoy en mi camino y que estoy feliz con lo que estoy haciendo y que todo llega a este álbum, así que este es el álbum de mi vida y siento que lo logramos con mucho cariño, mucha perseverancia y se logró el resultado que queríamos, así que, muy contento. 

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No es un misterio que uno de los negocios más rentables de la industria musical son las giras globales: decenas de conciertos uno tras otro en distintas ciudades del mundo, millones de asistentes y, por supuesto, millones de dólares en tickets, merchandising y demás. Sin embargo, a medida que la industria —y los propios artistas— han tomado mayor conciencia sobre la importancia de su salud física y mental, el negocio del touring, aunque sigue vigente, empieza a verse cada vez más insostenible no desde lo económico, sino desde lo humano. Basta pensarlo: presentaciones día sí, día también; vuelos extensos; periodos de descanso insuficientes, durante uno o incluso dos años. Es simplemente inviable para cualquiera que no sea una máquina inmune al cansancio y a las emociones. Es en ese contexto que otro formato de presentaciones en vivo empieza a cobrar más fuerza: las residencias. 

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Aunque para muchos las residencias pueden parecer un formato nuevo, en realidad se trata de una práctica con varias décadas de historia dentro del medio. En términos simples, una residencia consiste en una serie de conciertos que un artista realiza en un mismo recinto —generalmente teatros, casinos o salas de mediana capacidad— durante un periodo extendido, a diferencia de una gira tradicional en la que el espectáculo se traslada de ciudad en ciudad. Su origen se remonta a mediados del siglo XX, cuando lugares como Las Vegas empezaron a consolidarse como centros de entretenimiento permanente, con artistas que se instalaban durante semanas o meses en un mismo escenario. Sin embargo, el formato moderno comenzó a tomar forma a finales de los años 2000, especialmente tras el anuncio de This Is It de Michael Jackson, una serie de cincuenta conciertos en The O2 Arena que, pese a no concretarse, evidenció el potencial económico y logístico del modelo.

A partir de ahí, figuras como Celine Dion, Elton John y Cher afianzaron el formato en escenarios como The Colosseum at Caesars Palace, con decenas —e incluso cientos— de funciones consecutivas y cifras millonarias en ingresos. En los últimos años, además, las residencias han dejado de ser vistas como un formato reservado para artistas en etapas finales de su carrera. Casos como el de Adele o Bruno Mars muestran cómo este modelo también puede ser adoptado por figuras contemporáneas en pleno auge, reforzando la idea de que quedarse en un solo lugar no es un retroceso, sino otra forma —quizás más sostenible— de mantener la música en vivo. 

Más allá de su viabilidad económica y logística, las residencias han empezado a leerse también desde otro lugar: el del bienestar de los artistas. Frente a un modelo de giras que exige movimiento constante, cambios de horario y una exigencia física que se extiende durante meses, el hecho de permanecer en un solo lugar introduce condiciones distintas. No se trata necesariamente de eliminar el desgaste, pero sí de reducirlo al traer consigo menos traslados, rutinas más estables y una mayor posibilidad de recuperación entre presentaciones.

No es solo una percepción. Según el artículo Mental health issues among international touring professionals in the music industry, el touring es mental y físicamente agotador. De hecho, investigaciones citadas en ese mismo análisis señalan que cerca de la mitad de los profesionales en gira presentan depresión clínica, mientras que muchos otros lidian con ansiedad o pensamientos suicidas. La experiencia, lejos de ser lineal, se mueve entre extremos, pasando de los picos de euforia del aplauso y el reconocimiento a los momentos de soledad e inestabilidad fuera del escenario, en una dinámica que termina por desgastar tanto el cuerpo como la mente.  A esto se suma un entorno donde el consumo de sustancias aparece como mecanismo de escape, así como un aislamiento estructural que persiste incluso en medio de multitudes, donde la distancia y el movimiento constante terminan por erosionar los vínculos personales. 

A este panorama se añade otro elemento clave: la presión constante de tener que rendir. Como señalan distintos análisis sobre la vida en gira, detrás de cada concierto hay una exigencia permanente por sostener un alto nivel de energía, adaptarse a entornos cambiantes y responder tanto a las expectativas del público como a la propia autoexigencia. La falta de rutinas, el aislamiento prolongado y la dificultad para acceder a redes de apoyo terminan configurando un escenario donde el agotamiento no es una excepción, sino una constante. Incluso para artistas consolidados, este ritmo de vida puede derivar en episodios de ansiedad, insomnio o burnout, evidenciando que el problema no está en casos individuales, sino en la lógica misma del modelo. 

Es justamente frente a este escenario que las residencias empiezan a cobrar otro sentido. Si el problema está en el movimiento constante, la falta de descanso y la inestabilidad, este formato invierte esa lógica, reduciendo los desplazamientos, estableciendo rutinas y abriendo la posibilidad de tener una vida más estable fuera del escenario. Dormir en el mismo lugar, eliminar los viajes continuos y tener mayor control sobre los tiempos no solo impacta en lo logístico, sino también en lo emocional. Sin romper del todo con la exigencia del espectáculo en vivo, las residencias introducen algo que el modelo de gira rara vez permite: continuidad, pausa y cierto margen de recuperación.

El caso de Harry Styles resulta revelador para entender este cambio. Después de casi dos años de gira con su más que exitoso Love On Tour, un recorrido masivo que lo llevó por decenas de ciudades y consolidó su alcance global, el cantante británico decidió detenerse. En entrevistas posteriores ha sido claro al respecto: necesitaba parar, reconectar con su vida personal y prestarle atención a otras áreas de su vida. Lejos de ser una pausa menor, la decisión evidencia un cambio de enfoque en torno a cómo sostener una carrera en vivo sin replicar de manera indefinida un modelo que, como ya se ha visto, puede resultar desgastante.

Su regreso, sin embargo, no regresa a la lógica del touring tradicional. Con el anuncio de su gira Together, Together, Styles planteó una serie de conciertos estructurados en torno a residencias en distintas ciudades, con múltiples fechas en un mismo recinto en lugar de un desplazamiento constante. El formato —que incluye largas estancias en grandes ciudades y decenas de shows concentrados en pocos lugares— no solo responde a la demanda de su público, sino que también propone otra forma de pensar el espectáculo. En lugar de moverse sin pausa, es el artista quien se queda, invirtiendo un modelo que durante años pareció incuestionable dentro de la industria.

Aunque no se trata de un caso aislado —cada vez más artistas exploran formatos similares—, lo de Styles funciona como síntoma de un cambio más amplio. Las residencias ya no aparecen únicamente como una alternativa logística o económica, sino como parte de una conversación más profunda sobre los límites del modelo tradicional y la necesidad de repensar cómo se sostiene la música en vivo en el tiempo. 

En un momento en el que la industria empieza a reconocer que el éxito no puede medirse únicamente en cifras, sino también en la capacidad de sostener carreras a largo plazo, las residencias se posicionan como algo más que una tendencia. No reemplazan por completo al modelo de gira, pero sí lo cuestionan. En esa tensión se juega quizás una de las transformaciones más silenciosas, pero necesarias, de la música en vivo.

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Siete años después de su última visita, Ed Sheeran anunció su regreso a Buenos Aires con un show el próximo 29 de noviembre en el Estadio Tomás Adolfo Ducó, como parte de su nueva gira internacional, el “Loop Tour”.

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La fecha tendrá además un atractivo extra: el estadounidense FINNEAS fue confirmado como artista invitado.

El tour llega impulsado por Play, su más reciente trabajo editado en 2025, donde el británico explora nuevas direcciones sonoras. El disco incorpora influencias de tradiciones musicales de India y Persia, combinadas con el folk irlandés que marcó sus comienzos, en un cruce que busca un lenguaje pop global sin perder su identidad como compositor de baladas.

En vivo, el “Loop Tour” promete un formato renovado: nuevo diseño de escenario, un repertorio actualizado que mezcla el material reciente con sus hits, y una puesta pensada para ampliar la experiencia del público. Tras su lanzamiento, Play alcanzó el puesto número uno en múltiples mercados internacionales, incluyendo Reino Unido, Alemania y Australia, consolidando una nueva etapa en la carrera de Sheeran.

Ed Sheeran en Argentina: cuándo salen las entradas a la venta

Las entradas para el show de Ed Sheeran en Buenos Aires estarán disponibles a través de Livepass, con una preventa exclusiva para clientes BBVA desde el 4 de mayo a las 12, que incluirá la posibilidad de pagar en seis cuotas sin interés. La venta general comenzará el 5 de mayo, también al mediodía, con el mismo beneficio para clientes de la entidad.

LOOP TOUR – SUDAMÉRICA

9/5 | Estadio Quisqueya | Santo Domingo | República Dominicana

13/5 | Coliseo de Puerto Rico | San Juan | Puerto Rico

16/5 | Vive Claro | Bogotá | Colombia

20/5 | Estadio Nacional | Lima | Perú

23/5 | Estadio Atahualpa | Quito | Ecuador

27/5 | Estadio Cementos Progreso | Ciudad de Guatemala | Guatemala

30/5 | Estadio Nacional | San José | Costa Rica

21/11 | Estadio Bicentenario | Santiago | Chile

26/11 | Estadio Nueva Olla | Asunción | Paraguay

29/11 | Estadio Huracán | Buenos Aires | Argentina

5/12 | Parque Allianz | San Pablo | Brasil

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Dave Mustaine volvió a sus días de garage con Metallica el domingo, cuando él y su banda Megadeth —que este jueves 30 de abril, y si sumamos el acústico en el Hotel Four Seasons, dará su 38.º show en Argentina— interpretaron dos temas que Mustaine ayudó a escribir y grabar durante su breve paso por su antigua banda.

En un show en Bogotá, Colombia, la noche del domingo (26 de abril), Megadeth tocó “The Mechanix” —una canción del célebre demo de Metallica No Life ’Til Leather, que Mustaine había escrito en una banda anterior— y “Ride the Lightning”, el tema que da título al segundo álbum de Metallica. Si bien “Ride the Lightning” fue completada y lanzada después de que terminara la corta etapa de Mustaine en Metallica, igualmente recibió crédito como coautor por los riffs de la canción. La presentación en Bogotá marcó la primera vez que Megadeth interpretó “Ride the Lightning” en vivo.

Videos filmados por fans muestran a la banda ejecutando una versión reverente de “Ride the Lightning”, con Mustaine cantando la letra e intercambiando partes del solo de Kirk Hammett con el guitarrista de Megadeth, Teemu Mäntysaari. Cabe destacar que los fans colombianos estaban tan entusiasmados de escuchar el tema que corearon el riff de guitarra inicial.

Megadeth grabó una versión de la canción para su decimoséptimo álbum homónimo —y, en apariencia, el último—, que fue número uno cuando salió en enero. Aunque Mustaine ha tenido una relación conflictiva, intermitente, con sus excompañeros de Metallica, la grabación surgió desde un lugar de genuina calidez. “Quería rendirle tributo a la banda”, le dijo Mustaine a Rolling Stone en octubre. “Y ahora que me estoy preparando para colgar la guitarra, quería asegurarme de que no quedara nada sin decir”.

En 2017, reflexionó sobre sus contribuciones a ambos temas en la entrevista Mi vida en 15 canciones de Rolling Stone. Explicó cómo escribió “The Mechanix” “mucho antes de estar en Metallica”, así como también cómo la transformaron en “The Four Horsemen” para su LP debut de 1983, Kill ’Em All; Megadeth volvió a grabar la canción en su forma original para su debut de 1985, Killing Is My Business… and Business Is Good!.

También contó cómo reconoció de inmediato sus aportes en “Ride the Lightning”. “Hay ciertos riffs que escuchás y simplemente sabés quién es el autor”, dijo. “Y no hablo solo de cuando escribo yo. Hay partes de ‘Ride the Lightning’, de ‘Leper Messiah’ y del primer disco, todo eso, en las que podés notar pequeños detalles que son similares a la forma de tocar la guitarra en Megadeth, porque sabés que hay un límite en lo que se puede hacer con un instrumento. Creo que hicieron un gran trabajo con eso”.

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En otro momento, registrar una frase como “Hey, it’s Taylor” habría parecido un simple gesto de branding dentro de la maquinaria legal de una superestrella. Hoy, sin embargo, con la irrupción de la IA (capaz de clonar timbres, gestos y presencias), Taylor Swift se ve obligada a replantear las reglas.

Y con justa razón. La imagen de la artista de Pensilvania, de 36 años, ha sido utilizada sin autorización en contenidos generados por IA, que van desde imitaciones hasta material pornográfico y deepfakes que se han difundido masivamente en internet. Incluso alcanzaron el terreno político. El fenómeno incluso se coló en el terreno político cuando, en la antesala de la Elección presidencial de Estados Unidos de 2024, Donald Trump compartió imágenes creadas con IA que sugerían falsamente que Taylor Swift le había dado su respaldo.

El viernes 24 de abril, su empresa TAS Rights Management presentó tres solicitudes de marca ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos, detectadas por el abogado especializado en propiedad intelectual Josh Gerben, de Gerben IP.

Dos de estas marcas buscan proteger fragmentos de su voz, específicamente dos frases con las que ella misma se presentaba en Spotify y Amazon Music al anunciar su último disco, The Life of a Showgirl, lanzado el pasado octubre, “Hey, it’s Taylor Swift” y “Hey, it’s Taylor”. 

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En la imagen se la ve de pie frente a un micrófono, con un body de lentejuelas en tonos azul y rosa, botas plateadas y una guitarra rosa en la mano. Se trata, además, de una de las postales utilizadas en la promoción del documental de Taylor Swift en Disney+.

“Intentar registrar la voz hablada de una celebridad es un uso nuevo del registro de marcas que aún no ha sido puesto a prueba en los tribunales”, señaló el abogado de propiedad intelectual Josh Gerben en una publicación de blog.

“Históricamente, los cantantes se han apoyado en la ley de derechos de autor para proteger su música grabada”, añadió Josh Gerben. “Pero las tecnologías de IA ahora permiten generar contenido completamente nuevo que imita la voz de un artista sin copiar una grabación existente, creando un vacío que las marcas podrían ayudar a cubrir.”

“Al registrar frases específicas asociadas a su voz, Taylor Swift podría no solo impugnar reproducciones idénticas, sino también imitaciones ‘confusamente similares’, un criterio clave en el derecho de marcas.”

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Sin embargo, no es la primera personalidad que toma medidas frente a la IA. Anteriormente, Matthew McConaughey ya había avanzado por ese camino al registrar expresiones y materiales asociados a su figura, incluido el inolvidable “Alright, alright, alright!” que arrastra desde Dazed and Confused, convirtiendo lo que antes era una frase icónica en un activo legal.

Taylor Swift ha construido su carrera alrededor del control, desde sus grabaciones hasta su narrativa pública. Posee más de 50 marcas registradas vinculadas a su nombre, títulos de álbumes y letras clave de sus canciones. Pero nada como esto había ocurrido antes. Quizá, porque en la era de la IA, proteger lo que haces ya no es suficiente. También hay que proteger lo que eres, o al menos lo que otros pueden llegar a fabricar a partir de eso.

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Con más de 15 años de carrera, Laura Tobón aprendió a moverse dentro de una industria que exige precisión, imagen y control. A decir lo correcto, en el momento correcto, bajo estructuras que no siempre dejan espacio para la duda o la espontaneidad. Durante ese tiempo, su trabajo pasó por algunos de los escenarios más visibles de la televisión colombiana, donde la exposición nunca se detiene, y la libertad se reduce. Pero lo que empezó como una trayectoria dentro de ese sistema, terminó convirtiéndose en una búsqueda constante de nuevos retos y formatos. Entre sets de televisión, rutinas marcadas por el teleprompter, decisiones postergadas y una necesidad cada vez más clara de hacer algo propio, su recorrido empezó a girar hacia un lugar menos predecible, en el que la conversación pesa más que el guion y la autenticidad deja de ser un discurso aspiracional para convertirse en método de trabajo. 

Hoy, como una de las creadoras de contenido más importantes de Latinoamérica, Laura Tobón sabe que ninguna cifra sostiene por sí sola una trayectoria. En Cuixmala, México, durante su encuentro con ROLLING STONE en Español, reflexiona sobre carrera y vida personal desde una certeza más valiosa: la autenticidad.

El camino no empezó en la televisión, sino mucho antes, en una versión de sí misma que evitaba el centro de atención. “En el colegio yo era demasiado introvertida, muy tímida. Me daba pena hablar en público. Cada vez que tenía una exposición me temblaban las piernas, la voz… hacía el oso siempre”, recuerda. Ese temor no desapareció de un día para otro, pero sí empezó a transformarse cuando la exposición dejó de ser una amenaza y se volvió práctica. 

El cambio llegó casi sin aviso. A los 17 años, alguien la detuvo en la calle y le propuso hacer un comercial. “Yo dije que sí, sin pensar mucho, y ahí empecé”, cuenta. La exposición dejó de ser un evento aislado y se volvió rutina: cámaras, equipos, gente mirando. “Más que hablar en público, era el miedo a sentir la mirada de las personas encima mío”. La repetición hizo su parte. Cada grabación empujaba ese límite un poco más. “Tan pronto empecé a permitir que otras personas me miraran, fue ahí cuando empecé a perder el miedo”. Al graduarse, la decisión ya estaba tomada. “Me gustaba tanto, pero a la vez era tan aterrador, que dije: ‘Voy a estudiarlo, y me voy a volver la mejor’”.

Antes de consolidarse en televisión, su interés apuntaba hacia el periodismo. “Me gustaba mucho la radio”, dice, recordando un espacio donde la voz tenía un peso distinto. Ese interés se reconfiguró con el descubrimiento del entretenimiento como lenguaje. Programas como Fashion Police y el universo de E! Entertainment Television le mostraron otra manera de narrar lo cultural, más ligera en tono y amplia en alcance. En paralelo, referentes locales como Andrea Serna, Adriana Arboleda y Claudia Bahamón, ampliaban la idea de lo que significaba ocupar la pantalla con criterio y presencia. “Yo decía, ‘Además de lindas, son inteligentes, son fuertes, son líderes’; yo quería ser así”.

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“No soy la mejor presentadora del país. Hay mujeres muy talentosas”, recalca. “Lo que estoy haciendo es ser yo misma. Por eso el show lleva mi nombre”.

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Con ese cruce de referencias, Tobón definió una aspiración que desde el inicio tuvo escala internacional. “Siempre lo soñé más internacional”, resalta. Ese impulso encontró una primera forma concreta en 2011, cuando participó en el concurso Chica E! Colombia. El video que presentó, grabado en Cartagena con recursos mínimos, funcionó desde la intuición. “Lo hice pensando, ‘Seguro no me van a llamar, pero vamos a hacerlo como pueda’”. Se metió en discotecas, restaurantes y playas, armando una pieza espontánea que terminó conectando con el jurado. Quedar entre las finalistas abrió una puerta importante en un momento en el que ese formato tenía peso real dentro de la industria.

Más allá del resultado, hubo una idea que se instaló como eje. Durante ese proceso, Isabella Santo Domingo le dijo algo que se quedó: “Lo más importante es tener tu propio sello, ser tú misma”. La frase parecía obvia, pero sostenerla dentro de un sistema que estandariza el tono, la imagen y la forma de comunicar, implicaba otra cosa. Su paso por los grandes canales le dio estructura, experiencia y visibilidad, pero también le mostró el costo de esa precisión. “Te dicen, ‘Léelo al pie de la letra’, y ahí uno pierde la identidad en un dos por tres”, advierte. 

Esa distancia se hizo visible en la respuesta del público. “Me veían lejana. Yo era demasiado presentadora”, reconoce. La ejecución funcionaba, la conexión quedaba corta. Durante años, ese fue el equilibrio: cumplir con el formato sin sentirse completamente dentro de él. 

En medio de ese recorrido apareció un formato que empezó a abrir otra posibilidad. Su paso por Discovery Home & Health, con el programa Dile sí al vestido, la puso en un lugar distinto frente a cámara. Laura dejó de limitarse a presentar y empezó a conectarse emocionalmente con las historias que tenía al frente. “Era muy especial porque en ese momento yo también me iba a casar, entonces estaba viviendo lo mismo que ellas. Lloraba con las novias, con las familias… me involucraba mucho”, recuerda entre risas.

La experiencia marcó un cambio en la forma en la que entendía su trabajo. “Ahí entendí que a mí me gustan los reality shows, donde puedo ser yo misma, sin encasillarme”, confiesa. Esa intuición (la de encontrar formatos donde la experiencia pesa más que el guion) empezó a abrir camino en medio de proyectos, agendas llenas y decisiones aplazadas, hasta volverse imposible de ignorar: “Un día dije: ya, me cansé de no hacerlo. Voy a hacer mi propia cosa. Algo que me apasione y me represente de verdad”.

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“Gracias a Dios soy colombiana.”

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La Tobón Show nació como un piloto de seis episodios, y se convirtió en una operación completa. “Somos como 50 personas cada vez que grabamos. Es una locura, pero yo dije, ‘No voy a hacer nada a medias’”. La apuesta fue construir un estándar alto desde el inicio, sin diferenciar entre lo digital y lo televisivo. “Quería hacerlo como si estuviéramos en Estados Unidos, como si fuera un programa internacional”. Producción, investigación, invitados, logística. Un engranaje que sostiene cada episodio y que redefine su rol para dejar de ejecutar y pasar a diseñar.

El formato cambia la entrevista desde su punto de partida. El teleprompter desaparece. El guion se vuelve flexible. El trabajo previo sostiene lo que ocurre en cámara. “Tengo un equipo que investiga, que se mete a fondo para encontrar información distinta”. La diferencia aparece en el momento en que la conversación toma su propio rumbo. “A mí me interesa que se sienta real. Que no sea la misma entrevista de siempre”. La apuesta se aleja de la primicia y se acerca a la conexión. En un ecosistema donde muchas respuestas están ensayadas, ese margen de apertura se vuelve diferencial.

Trabajar así implica aceptar la incertidumbre como parte del proceso. “A uno le da miedo salir de la zona de confort… ¿qué tal que no me salga?”. La duda acompaña incluso cuando los resultados empiezan a escalar. Invitadas como Anne Hathaway o Meryl Streep forman parte de ese recorrido. En una de esas conversaciones, Hathaway le habló de algo que también atraviesa su experiencia. “Muchas veces no creemos que algo tan grande nos vaya a suceder, hasta que pasa”. La inseguridad aparece como un lenguaje compartido.

Ese punto conecta con una declaración que redefine su lugar dentro de la industria. “No soy la mejor presentadora del país. Hay mujeres muy talentosas”, recalca. “Lo que estoy haciendo es ser yo misma. Por eso el show lleva mi nombre”. La autenticidad pasa de discurso a método. “Puedes manifestar mucho, pero si no haces las cosas, nada va a pasar”. Todo se define en la ejecución. Disciplina, equipo y autoconfianza sostienen lo demás.

Esa lógica atraviesa sus otras facetas. Sea Salt, su marca de vestidos de baño, nace desde la necesidad de construir algo propio. “Yo trabajaba con muchas marcas, pero sentía que necesitaba la mía”. El crecimiento trajo expansión y ajustes. “Es como un restaurante: si se te llena, te quedas sin meseros, sin platos”. Producción, equipo, logística. Hoy, la marca emplea a cerca de 20 personas. “Lo más bonito es generar empleo”, señala, ubicando el impacto en un plano que trasciende las cifras.

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“No me comparo, me inspiro”

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Esa búsqueda por entenderse y sostener una voz propia aparece mucho antes de sus proyectos actuales. En el libro La magia está dentro de ti (2016), Laura Tobón ya exploraba las tensiones entre inseguridad, intuición y disciplina, en un momento donde su carrera todavía estaba profundamente ligada a la televisión. El texto funciona como un primer intento por organizar ese proceso interno, por darle forma a una inquietud que todavía no encontraba salida en su trabajo diario. “Puedes manifestar mucho, pero si no haces las cosas, nada va a pasar”, comenta Tobón, retomando una idea que sigue atravesando su forma de operar. Más allá del lenguaje de autoexploración, lo que plantea es una lógica de acción: confiar en el instinto, ejecutar, sostener. Ese principio, que en ese momento se formulaba desde lo personal, hoy se traduce en decisiones concretas.

Esa misma lógica toma forma más adelante en MTZ Agency, una extensión directa de su recorrido dentro de la industria. La agencia, que construyó junto a su familia, funciona como un espacio donde su experiencia se convierte en estructura para otros. “A mí me llegan muchas marcas y no puedo aceptar todo, entonces las voy distribuyendo entre las niñas con las que trabajo”, explica. El enfoque va más allá de la intermediación: se trata de acompañar procesos, de formar perfiles que entiendan el valor de su voz y el peso de lo que comunican. En un entorno donde la visibilidad puede ser inmediata pero frágil, MTZ introduce una lógica de sostenibilidad. Ordena, filtra y proyecta. Conecta talento con marcas, y construye trayectorias dentro de un sistema que rara vez ofrece este tipo de guía.

A ese mapa de proyectos se suma Verified, una iniciativa que introduce un contrapunto dentro del mismo ecosistema que alimenta su crecimiento. Mientras La Tobón Show apuesta por la cercanía, la espontaneidad y la conexión emocional, Verified se construye desde el criterio. “Hoy hay mucha gente que desinforma o no usa sus redes de manera responsable. Tener seguidores no significa ser confiable”, analiza, y señala una de las grietas más evidentes del entorno digital. La visibilidad puede fabricarse con base en likes, comentarios, follows, pero la credibilidad se ha vuelto más difusa y, al mismo tiempo, más necesaria.

El proyecto parte de una premisa concreta: la influencia implica responsabilidad. Verified funciona como un sistema de validación para creadores y profesionales que comunican desde el conocimiento, más allá de la exposición. “Si alguien está dando consejos, por ejemplo de alimentación, sin tener idea, puede hacerle daño a muchas personas”, explica. La iniciativa introduce un filtro en un espacio que rara vez lo tiene, marcando una diferencia entre alcance y preparación. En lugar de limitar la creación, propone orientar la atención y ofrecer herramientas para que la audiencia pueda distinguir a quién escuchar.

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“Yo necesito la adrenalina del en vivo”.

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Ese contraste termina definiendo mejor su lugar dentro de la industria. Por un lado, construye un formato donde la autenticidad es el motor; por otro, impulsa un sistema que exige responsabilidad en esa misma autenticidad. La visibilidad adquiere peso cuando se sostiene en criterio. Esa postura introduce una pregunta incómoda: ¿quién debería estar hablando y bajo qué criterios? En esa tensión entre libertad y rigor es donde la bogotana empieza a moverse con mayor claridad.

Ese posicionamiento dialoga con un momento cultural más amplio. Marcas como Chanel, Dolce & Gabbana y Tiffany & Co. han intensificado su mirada hacia Latinoamérica. “Hoy en día, los latinos estamos de moda, y hay un interés real por entender nuestra cultura”, comparte. La audiencia se mueve entre territorios y conecta distintos mercados. “Hay colombianos en Europa, en Estados Unidos… es una comunidad enorme”. Su origen se integra a ese alcance. “Gracias a Dios soy colombiana”, afirma.

La actuación suma otra capa a su recorrido. Participó en la serie Primate (2022), una experiencia que amplió su relación con la cámara. “Yo toda la vida quise actuar… me lo gocé”, manifiesta. El rodaje le mostró otra velocidad. “Es una carrera de esperar. Horas para grabar dos o tres párrafos”. Ese ritmo contrasta con la inmediatez que busca. “Yo necesito la adrenalina del en vivo”. La actuación queda como un territorio posible dentro de un mapa que sigue expandiéndose.

A pesar de esa expansión, hay una constante que atraviesa todo su proceso. “Todo el tiempo estoy pensando en qué mejorar”, sostiene. El show cambia, el set se ajusta, las ideas se reformulan. “Nunca sientes que ya está listo”. La exigencia se convierte en motor. “No me comparo, me inspiro”, añade, marcando una diferencia clave en un entorno donde la comparación es permanente. Referentes como Ellen DeGeneres o Alex Cooper funcionan como guía, no como estándar.

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“Hoy en día, los latinos estamos de moda, y hay un interés real por entender nuestra cultura”.

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En medio de ese ritmo, la maternidad reorganiza su tiempo y amplía su capacidad de sostener múltiples frentes. “Luca me ha enseñado que todo se puede hacer al mismo tiempo”, dice. Trabajo, proyectos, viajes, familia. Todo convive dentro de una agenda que exige organización y límites claros. El descanso se vuelve una decisión. “Un domingo no contesto el celular. Se puede estar cayendo el mundo y no respondo”. Ese espacio sostiene el resto.

Al final, la forma en la que se define integra todas sus capas. Periodista de formación, presentadora por oficio, empresaria por decisión y actriz por exploración, Tobón se posiciona como una creadora de contenido en el sentido más amplio del término. “Siempre me he considerado una mujer soñadora”, expresa. Su recorrido avanza a partir de reinicios que la mueven entre formatos, industrias y lenguajes. En un entorno donde la visibilidad suele ser el principal objetivo, su apuesta se enfoca en otra dirección: construir desde la autenticidad, y enfrentar, con todas sus implicaciones, el riesgo de hacerlo.

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Historia: Valentina Sánchez R / @valentinasanram
Fotografía: Nirvana Nungaray / @nirvananh

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