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Lo que comenzó como un encuentro entre músicos en medio de fiestas, viajes y conversaciones dispersas, terminó convirtiéndose en una colaboración que revela mucho más que una canción. ‘El Observador’ no solo captura una emoción reconocible dentro del amor contemporáneo, sino que también expone dos formas de entender la música: una más intuitiva, otra profundamente meticulosa. En esta conversación, Duplat y Esteman desmenuzan el origen de su conexión, el proceso creativo detrás del tema y la manera en que escribir juntos los llevó a cuestionar sus propias ideas sobre la composición, la producción y la honestidad dentro de la música.
Estuve escuchando su canción, ‘El observador’, y me gustaría comenzar preguntándoles ¿cómo se conocen ustedes dos? ¿Cómo surge esta dupla?
Duplat: Oficialmente nos conocimos en un matrimonio. Diciembre de 2023. Obviamente conocía de la música de Esteban (Esteman) hace mucho, referente rolo internacional, y nos vimos en esa fiesta. Me acuerdo que la primera primera vez que nos conocimos, técnicamente, fue en una fiesta en Kaputt, tal vez 2022 o 2021. Los dos salimos del baño, como en el lobby del baño antes de entrar al baño, los dos super ebrios, una interacción así, pero esto es real. Créame que no me lo estoy inventando, yo me acuerdo lúcidamente.
Esteman: Sí. Yo no me acuerdo también, ya estoy más viejo entonces no me acuerdo tanto de las cosas, pero sí, nos conocimos oficialmente en el matrimonio de Juan Pablo Vega, y fuimos bien intensos, nos caímos muy bien, y ahí yo creo que pasó la conexión.
Duplat: Pasó eso y yo tuve varios viajes esporádicos a México, y realmente conocí México, porque yo no conocía, gracias a que Esteban fue quien todas las veces que fui, me sacaba un día para tomarse un cafecito o hablar mierda, y también ha sido alguien que realmente me ha sabido introducir a México muy espontáneamente, entonces, no sé, cuatro, cinco, seis veces tal vez que yo fui a México, siempre me veía con Esteban, siempre hablábamos, y la verdad hablar de la vida y de México y de la música, y ya fue después, hace como un año que escribimos la canción en un viaje de Esteban a Bogotá, y este año sí la acabamos de producir. Más o menos, ese es el timeline.
Claro.
Esteman: Oiga, ¿fue hace un año exactamente que escribimos la canción?
Duplat: Fue en enero de 2025.
Esteman: Wow, qué locura.
Duplat: Que ustedes estaban en Bogotá de vacaciones, que vino, se pasó por mi estudio casero en la casa de mis papás que ya no es mi estudio ni mi casa, y ahí escribimos esa canción en bombas. Me acuerdo que fue una hora, dos horas, y estuvo madurándose la canción hasta que un año después, en enero de este año, la acabamos.
Esteman: Productivos. Total.
Y hablando del tema, ¿de donde sale? ¿Quién es el observador? ¿Cómo llegaron a esta temática como eje central de la canción?
Esteman: Yo no me acuerdo. Fue algo más bien como que fuimos decidiendo un tema con el que nos sentimos identificados los dos y que nos llamó la atención, pero no está basado en ninguna historia puntual más que en una sensación que creo que a ambos nos ha pasado y algo en lo que nos vemos un poco identificados.
Duplat: Sí. Como que queremos escribir de amor. Yo en esa época estaba muy metido con la idea de cómo hacer que el amor no sea rosas, que creo que es un problema que muchos artistas se plantean, entonces hablamos de esto del amor, del amor imposible, tal vez no tan dramático como imposible. También me gustó mucho como Esteban escribe, que tú eres muy puntual. Tú dices “hablemos exactamente del concepto”, y nos paramos duro con la idea de eso, de detectar a alguien que está donde no deberías. Pero sí, componer es una mezcla entre experiencia real y fantasía, porque yo nunca vi a nadie entrando con alguien en un hotel, pero las imágenes dan ese efecto.
Esteman: Sí, pero ese sentimiento de ser observador y el que está un poco de lejos que pues no está sintiendo lo mismo que uno en el momento, al menos, es super común, yo al menos lo he vivido, cuando empezaba a descubrirme y a entender quién me gustaba y demás, pero sí, obviamente entré realidad y fantasía.
Duplat: Y otra cosa para que mencione ahí, Martín, es que personalmente, y creo que es normal de crecer, estoy en un proceso amoroso ya menos denso, menos tóxico y menos ablescente, entonces, siento yo que progresivamente uno deja de usar sus propias anécdotas al pie de la letra para escribir porque uno no puede andar sufriendo toda la vida para hacer música, y se vuelve una mezcla entre recuerdos y posiciones que no son exactamente así. Muchas veces uno escala situaciones super normales para volverlas dramáticas, pero creo que se vuelve uno inteligente y recursivo en cómo usa su experiencia personal para escribir y deja de ser una necesidad. No es un tema de que todo tiene que ser real al pie de la letra, aunque yo sí he sido esa persona 1000 veces. Es más, cualquier persona que me ha gustado en la vida nunca ha estado soltera cuando me gusta, nunca. Eso es como un patrón muy normal del amor moderno, yo no sé, pero es un reto aprender a escribir siendo sincero y honesto y ser literalmente un cronista de lo que pasó al pie de la letra.
Más allá de la canción, que descubrieron del proceso del otro que quizás no esperaban. Aquí Daniel nos contaba que no esperaba que fueras tan puntual con tus letras, Esteban, ¿qué viste para el otro lado?
Esteman: Un poco volviendo a cómo nos conocimos y cómo ha sido este proceso y que al final la canción nos ha permitido conocernos mucho más, cuando Duplat me propuso que escribiéramos, yo ya sabía y conocía de Duplat. Sabía que había colaborado y había hecho cosas con Manuel Medrano, con Juan´pa Vega, o sea, sabía que estábamos en una misma escena, que éramos músicos que yo creo que nos encontrábamos en un mismo espacio y que teníamos una relación similar con la música pero en una escena similar también, entonces ya de ahí obviamente había una conexión, pero en el momento en el que nos sentamos a escribir, obviamente uno está con la gran duda de “uy, ¿será que funcionará? ¿si me va a gustar un poco lo que va a proponer?”, y de entrada sentí que realmente estábamos muy conectados con la manera como creábamos, como hacíamos música, y me encontré con un músico muy talentoso.
Además de su formación, que este muchacho tiene toda una formación de músico, pero más allá de eso, para mí las personas que yo admiro en la música son personas que tienen ideas que son auténticas y que encuentran una voz propia y siento que eso lo tiene totalmente Duplat, y ahí es donde yo me vuelvo realmente fan de alguien. Siento que además es una persona muy que sabe escuchar y eso es clave en el proceso creativo. Dejar el ego a un lado. Creo que conectamos demasiado, tanto así que hemos estado escribiendo mucho también para mi próximo disco, y pues sí, es genial cuando uno encuentra esa conexión con alguien en la música. Somos de generaciones diferentes, sin embargo, siento que estamos muy conectados. Yo me siento la misma edad que Duplat y no soy [Risas], soy mucho mayor.
Duplat: Qué honor, qué honor, qué honor. Y yo también siento que podría decir muchas cosas muy puntuales sobre Esteban. Hablemos de lo musical primero. Me sorprendió muy gratamente, no me sorprendió, me impresionó más bien, la noción melódica cuando escribimos juntos. Dije como “qué buenas melodías”, o sea, de una salían melodías buenas y sentí una cosa especialmente increíble con el concepto melódico, y en lo que hemos suscrito más allá de ‘El Observador’ también lo noto como un sello. Muy buena melodía, me gustó demasiado eso.
También sentí que me impresionó y me pareció también una lección para mí como compositor, y es que siento que tú eres muy meticuloso, muy meticuloso, y no es una meticulosidad caprichosa, es muy real y necesaria, entonces es como “será que sí es aquí en esta notica o en esta otra”, y como que cada detalle, cada nota, será que aquí es con vibrato o sin vibratos, o sea, pocos artistas en mi experiencia van a mirar en detalle tanto todo, y después cuando nos sentamos a producirla, la primera versión, la maqueta original, era mucho más synthwave, puede ser la onda, era como más electrónica, más de sintes, más funky, y a mí me gustaba, no lo había pensado tanto, pero Esteban sí tuvo la meticulosidad de decir “no, no es el universo sonoro”, y es muy grato encontrar a alguien que tiene opiniones puntuales e inteligentes y con una dirección clara de cada melodía, de cada acorde, de la estructura, de todo. En la mezcla como “me hace falta un poquito más de esto”, y todo con un propósito artístico, no es como más tal cosa porque sí. No, es como es que esto me da la cosa bailable, pero también le da el espíritu de los 70s, pero también le da la calidez. Me parece muy educativo encontrar esa perspectiva de entender que cada detalle sí le aporta como al mensaje artístico.
Muchos artistas son caprichosos porque pueden, que son como “quiero más batería porque sí, porque me suena bien”, pero siempre era como “no, no, es que cuando le quitamos el sinte, me suena más cálido, más setentas, y creo que la letra es eso”, o sea, todo con un propósito artístico y personalmente me has hecho replantear mi noción de la producción musical, porque es verdad que cualquier decisión musical, si va en pro de una letra o de una idea o de una imagen o de un concepto, y a veces para mí la producción era simplemente como “uy, suena de la verga”, que también es importante eso, que suene bien y ya, pero me gusta esa idea y creo que es la filosofía implícita de como Esteban hace música, que es que todo es para enaltecer el mood y la letra.
Por ejemplo, antes la canción era más de guitarras eléctricas, de más sintes, y fue como no, vámonos más bien a un universo piano y guitarra acústica, pero sin que pierda lo cool, sin que pierda lo groove, y es muy difícil hacer que mantenga la cosa groovera sin tener tú eléctricas y percu, y eso requiere un una visión muy clara que creo que es lo que más le he aprendido a Esteban, o sea, como visión clara y comprometerse a hacerla, y muchos músicos no tienen esa habilidad, no oyen, no imaginan cómo puede quedar la música, que es difícil.
Quería preguntarles cómo escriben esas nuevas canciones que están haciendo. ¿Por qué lado van? ¿Por qué lado está tirando tu disco?
Esteman: Úpale. Yo estoy estoy hablando todavía porque está en un proceso creativo total. O sea, me da miedo hablarlo, sobre todo porque estamos en el proceso. Lo que sí te puedo decir, que me encanta igual poder hablar de esto porque hasta ahora es la primera vez que lo digo y demás, pero estoy en el proceso.
Como yo estaba en este en esta etapa con Daniela Spala de amorío, de un disco que sacamos juntos, de una gira que ya casi termina, termina en junio, pues ya desde enero de este año empecé a escribir porque ya hay un momento en el que uno dice “Ay, juepucha, claro, ya pronto se va a acabar”, en ese momento todavía no se iba a acabar, pero bueno, que viene. Empecé a escribir canciones, todavía hace unos meses estaba muy abierto a ver qué venía y cada vez se está cerrando un concepto más que me emociona, pero yo no quiero entrar tanto a hablar de eso todavía porque es algo que quiero ir contando con calma y dejarle su espacio a que a que se cocine un poco más, pero en el proceso que estoy viviendo ahorita, más que cuidadoso, estoy siendo muy selectivo con las personas con las que me he juntado. Está siendo un proceso superpersonal.
Luego de venir de un disco escrito a dúo, que se vuelve más colectivo, digo muy personal en el sentido de lo que estoy contando, y Duplat ha hecho parte desde esos inicios del proceso creativo de este nuevo disco y se ha convertido en alguien clave, y yo se lo he dicho. De hecho, me hace falta desde hace un tiempo porque han pasado muchas cosas en estos últimos meses y no nos hemos visto y necesito mostrarle cómo han avanzado las cosas, pero bueno, eso es todo lo que puedo contar, que estoy escribiendo nuevo disco y que creo que Dupla lo entiende muy bien. Un poquito de misterio todavía [Risas].
Ahorita te vi en Monterrey con Daniela en el Tecate
Esteman: ¿Ah sí? ¿Estábas allá? Sí, ha sido un proceso igual increíble todo este proceso con Daniela, y nos ha permitido a los dos crecer mucho. Obviamente es una suma de fuerzas cuando uno se junta con otro artista que tiene un camino similar, que está haciendo cosas que están teniendo un impacto en México, eso ha sido lo máximo. Ahorita pasó el Tecate Pal’ Norte, el Vive Latino, y ahorita tenemos los últimos shows aquí en junio, y antesitos una gira por Estados Unidos que se te va a estar bien pesada. Muy pesada. [Risas]
Sí, no más miren como está Duplat con un show [Risas].
Esteman: Voy es a perder plata porque esto es una semana ir allá a gastar en cada cosa. La visa de trabajo. Solamente lo que cuesta la visa de trabajo, eso es una cosa terrible.
Duplat: Estoy aquí conociendo apenas Estados Unidos y ya estoy sintiendo lo caro que es venir acá.
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Ariana Grande, una de las voces más importantes del pop contemporáneo, anunció el pasado 28 de abril —a través de sus redes sociales— que su octavo álbum de estudio, titulado Petal, llegará el próximo 31 de julio de 2026. Desde comienzos de abril, la artista ya había dejado entrever que estaba trabajando en nueva música mediante una serie de publicaciones en Instagram; sin embargo, la confirmación oficial de su próximo proyecto desató una ola de reacciones tanto entre sus seguidores como dentro de la industria.
El proyecto —que sucede a su más reciente álbum, Eternal Sunshine— llega tras un periodo en el que Grande centró gran parte de su energía en su faceta actoral. En los últimos años, la cantante dio un giro significativo hacia el cine al integrarse al elenco de Wicked, donde interpreta a Glinda. A esto se suma su participación en la comedia Focker in Law, ampliando su presencia en distintos registros dentro de la pantalla. Estos proyectos no solo marcaron su regreso a la actuación a gran escala, sino que también la reposicionaron en el radar de Hollywood, abriendo una nueva etapa en su carrera creativa en la que ha equilibrado su identidad como estrella pop con su desarrollo como actriz.
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Volviendo a Petal, la información que se tiene sobre este trabajo aún es limitada. Uno de los primeros aspectos que llamó la atención del público es que el disco verá la luz en medio de la gira Eternal Sunshine Tour, que comienza el 8 de junio en Oakland, California, y se extiende hasta el 1 de septiembre en Londres. En cuanto a su propuesta conceptual, Grande adelantó en un comunicado que el álbum gira en torno a la idea de “crecer a través de las grietas de algo frío, duro y difícil”, sugiriendo una narrativa de resiliencia y transformación. Según la propia artista, se trata de un proyecto “lleno de vida”, lo que apunta a un tono emocional pero también luminoso dentro de su discografía.
Además, de acuerdo con Spotify —donde el álbum ya se encuentra disponible para reserva—, Petal contará con 12 canciones. También se sabe que Grande figura como productora ejecutiva y coautora del proyecto, trabajando nuevamente junto a su colaborador habitual, el productor y compositor Ilya Salmanzadeh, con quien ha mantenido una estrecha relación creativa desde Sweetener (2018). Esta continuidad en su equipo sugiere una evolución coherente de su sonido, al tiempo que deja espacio para posibles nuevas exploraciones dentro de su universo musical.
Así, Ariana Grande no solo marca su regreso formal a la música tras su incursión en el cine, sino que también parece consolidar una etapa de madurez artística en la que convergen sus distintas facetas creativas. A la espera de nuevos adelantos —como sencillos o el listado completo de canciones—, el álbum ya se perfila como uno de los lanzamientos más esperados del año y una pieza clave para entender el siguiente capítulo en la evolución de una de las figuras más influyentes del pop actual.
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Para algunos artistas cada disco es como una parada en el largo peregrinaje de su carrera, y Draco Rosa es uno de ellos; cada álbum tiene un gran peso en su historia, y describe una etapa. Para fortuna del puertirriqueño, hace un tiempo sus discos dejaron de sentirse como estaciones de un tortuoso viacrucis.
Olas de luz, su más reciente LP, llega cinco años después de Sound Healing 1:11, que fue su último trabajo con canciones inéditas.
Tal vez Olas de luz no deba compararse con su predecesor porque este iba en una línea muy distinta, aunque mostraba -con evidencias de sobra- el momento que atravesaba Draco al trabajar con muchos simbolismos en medio de oleadas ambient con instrumentos y frecuencias sanadoras. En 2021 Draco le decía a Los Angeles Times que Sound Healing 1:11 era una continuación para Monte sagrado, de 2018, que fue un disco muy rockero. En medio de todo eso, tal vez podríamos encontrar que estos tres últimos discos se encuentran atravesados por el espíritu de la plegaria. Muchas de estas canciones se sienten como rezos en los que el artista agradece las nuevas oportunidades que le ha dado la vida, y pide protección después de haber atravesado varios infiernos.
“‘Llama eterna’ es una oración”, ha confesado Draco sobre esta canción, que recuerda un poco el tono jazzero de Mad Love (2004). “Una plegaria nace en cada suspiro […] En tu luz todas mis heridas sanaré”, canta antes de pasar a ‘Colores del ayer’, que navega entre el Caribe y el Mediterráneo con aires flamencos.
Luego viene ‘Montserrat’, que por su oscura densidad podría haber hecho parte de Vagabundo, la joya de 1996 que explotó con ‘Penélope’ y ‘Madre tierra’. ‘Carro de heno’ es puro Draco, haciendo equilibrio mientras pisa nuevamente todas las huellas que nos ha dejado, porque este álbum -de principio a fin- se siente como una síntesis definitiva de quien ha dejado de pelear con sus fantasmas para empezar a conversar con ellos bajo una luz distinta.
Si Frío (1994) fue el estallido de un compositor excepcional que reclamaba su espacio en el rock latino con la sensibilidad de un grande, Vagabundo fue una especie de catedral gótica, construida con distorsiones y angustias que alcanzaban a proyectarse en la liberación experimental de Mad Love. Pero esto es otra cosa, en Olas de luz la profundidad no viene de la desesperanza o la locura, sino de la contemplación y sus reflexiones anexas.
“Vendo mis pecados, mis cartas sin respuesta / Y mis viejas melodías de dolor, mis promesas incumplidas te las vendo yo / Y mis días de alegría, mis mentiras y verdades / Mis promesas de papel, todo lo que queda en mí”, canta en ‘Todo por el amor’, mientras se despoja de cualquier armadura para mostrar una vulnerabilidad sin trampas.
Aunque buena parte de la inspiración proviene de un viaje largo y placentero (que incluyó la República Dominicana, España y Francia, entre otros lugares) en compañía de su pareja, la melancolía atraviesa el disco. Hablando con ROLLING STONE en Español sobre esta grabación, Draco asegura que “uno nace con el corazón roto”, y eso le ha llevado a sentirse “atraído por las teclas negras… hay ciertos acordes que me llaman”.
El viaje tuvo lugar, y lugares, mientras llevaba a todas partes una libreta grande en la que iba tomando notas que reflejaban una nueva etapa, con los aprendizajes de la enfermedad que superó y un mayor “orden emocional”.
“Del Caribe no me sacan”, dijo Draco en algún momento de la charla, recordándonos que la música latina ha estado siempre presente en su trabajo como intérprete y compositor; “¡Todos los panas míos me dicen, ‘Tienes que hacer un disco de salsa, cabrón!”. Sin embargo, en Olas de luz el Caribe no está presente de una forma convencional, se nota una experimentación, una exploración que lleva el sonido por otros lados, sin perder la calidez y las cadencias. Nada con Draco es tan sencillo.
Hacia el final del disco, después de ‘Compás de sanación’, le oímos cantar bajito, tratando de no despertar a su compañera, y le atribuye ese inserto tan personal a la decisión del venezolano Héctor Castillo, que estuvo a cargo de la mezcla, y ha trabajado con gente como Cerati, David Bowie, Philip Glass, Björk o Lou Reed.
Olas de luz es un álbum profundamente humano, que pide quietud e inmersión, en las antípodas de las grabaciones perfectas, frías e insípidas que pretenden competir con los fake artists de la IA. La voz de Draco suena gastada por el tiempo, pero fortalecida por la experiencia de vida, e iluminada por la serenidad de quien ha pasado por casi todo; un hombre con una historia irrepetible que palpita en cada una de estas canciones.
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La serie documental Up, iniciada en 1964 con Seven Up! y continuada por el fallecido director Michael Apted cada siete años, partía de la hipótesis de que la clase social podía definir el futuro de una persona desde la infancia. El proyecto siguió a catorce niños británicos durante décadas y terminó transformándose en una de las grandes obras sobre el paso del tiempo, la movilidad social, las renuncias y aquello que una sociedad permite o bloquea en la vida de sus ciudadanos.
El juego de la vida recoge esa intuición y la traslada a Colombia. Andrés Ruíz Zuluaga acompañó durante catorce años a cinco familias rurales y urbanas, a partir de una investigación de la Universidad de los Andes sobre dinámicas sociales y económicas. El resultado convierte datos, encuestas y seguimiento académico en cine con cuerpos que envejecen, jóvenes que toman decisiones tempranas, familias que migran, madres adolescentes, trabajadores rurales y personas que intentan sostener una vida digna en un país donde el esfuerzo rara vez se juega solo.
La película tiene una premisa poderosa porque se instala en una pregunta que Colombia suele responder con frases de cajón y refranes: ¿Qué tanto depende una vida de la voluntad individual y qué tanto de las condiciones de partida? Ruiz no convierte a sus personajes en ejemplos de superación ni en víctimas abstractas. Los observa en el tiempo, en sus cambios y en sus contradicciones. Ahí aparece la fuerza del documental, puesto que muestra la pobreza como una estructura transversal que interviene en cada decisión.
El director también entra en la película. Su presencia cambia el lugar del relato porque deja ver el vínculo entre quien filma y quienes son filmados. Durante esos años, Ruíz registra información ve crecer, envejecer, fracasar y resistir a las familias que acompaña, pero también nos cuenta acerca de la lucha y de las decisiones que tomó para poder convertirse en periodista y documentalista. Esa relación le da al documental una dimensión ética, ya que mirar durante tanto tiempo implica responsabilidad, cercanía y una conciencia clara de que cada imagen pertenece a una vida que sigue después de la cámara.
El juego de la vida funciona mejor cuando permite que el tiempo haga su trabajo. Una decisión tomada a los quince años puede cambiar una década entera. Una migración puede abrir una salida y también producir otra forma de pérdida. La vida rural aparece atravesada por la falta de oportunidades, mientras lo urbano tampoco garantiza estabilidad. El país que emerge de la película está lleno de caminos posibles, aunque casi todos exigen un costo alto.
Su mayor valor está en traducir una investigación extensa a un lenguaje emocional sin perder su complejidad. La película entiende que las cifras explican tendencias, pero las historias muestran consecuencias. En ese cruce entre academia y cine aparece un documental necesario, capaz de desmontar la idea de que todos juegan con las mismas cartas. En Colombia, como muestra Ruíz, la vida también es una partida marcada por el azar, la clase, el territorio y la capacidad de seguir intentando cuando el tablero ya viene inclinado.
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