La fábrica está encendida, y para Atrás Hay Truenos hace más de veinte años que no se apaga. Vienen haciendo discos con la misma formación desde el principio. Nunca se acomodaron en un nicho, tampoco se rindieron a la novedad permanente que tanto el mainstream como el under empezaron a exigir. La pandemia fue la […]

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Hay una decisión clara desde el inicio: The Devil Wears Prada 2 ya no quiere repetir la fantasía aspiracional de su predecesora. La mantiene en la superficie, sin embargo, instala debajo otra conversación más interesante y profunda sobre el fin de una industria.

En primer lugar, el mundo de Runway (la revista de moda ficticia inspirada en Elle y Vogue y creada por la periodista Lauren Weisberger para tres de sus novelas), ya no impone tendencia sino que reacciona a ella. La revista persigue clics, ajusta presupuestos y responde a intereses corporativos. Además, el poder editorial se diluye y ya la decisión final no recae en el editor jefe sino en unos ejecutivos y magnates que nunca han pisado una sala de redacción. Esa tensión es el verdadero motor del relato.

Andy Sachs, la periodista con una inmensa necesidad de validación interpretada por Anne Hathaway, regresa a la revista Runway no porque quiera, sino porque no tiene dónde más ejercer su oficio. Su carrera en el periodismo serio colapsa junto con el medio que la sostenía con despidos por mensaje, redacciones vacías y proyectos inviables. Entonces vuelve a aparecer Miranda, la editora jefa, encarnada magistralmente por Meryl Streep, y con ella, una oportunidad que también es una trampa.

Ya no se trata de aprender sobre el mundo de la moda. Se trata de sobrevivir dentro de un sistema donde escribir bien no garantiza nada. Además, Runway tampoco es el lugar sólido que Andy recuerda. Ahora tiene menos presupuesto, más presión comercial y las decisiones están condicionadas por los pautantes e inversionistas. El lujo sigue en pantalla, pero detrás, hay mucha fragilidad.

Uno de los conflictos medulares que la película trabaja es el de la profundidad periodística contra la lecturabilidad. A Andy le señalan que sus textos son inteligentes e incluso brillantes, pero que no funcionan en términos de tráfico y número de lectores. Por lo tanto, el problema no es la calidad, sino la conexión. ¿Cómo hacer periodismo que piense y que al mismo tiempo se lea? En algún momento le recomiendan a Andy que debe llegar a un punto de equilibrio entre el entretenimiento y la profundidad. Y al igual que su protagonista, The Devil Wears Prada 2 intenta hacer ambas cosas. 

La película se apoya en ese contraste. Por un lado, entretenimiento puro con vestuario, viajes, Lady Gaga y diálogos cínicos y graciosos. Pero por otro lado, introduce un discurso sobre precarización, concentración de medios y pérdida de criterio editorial. Según cómo se mire, ese equilibrio funciona. Si el espectador se queda en la superficie, verá una comedia elegante pero ligera. En cambio, si sigue las pistas, encontrará una crítica bastante directa a la industria, al periodismo y al estado actual de los medios impresos.

Meryl Streep ajusta a Miranda hacia un terreno más estratégico. Ya no domina desde la severidad y la exigencia, sino desde la adaptación y la experticia. Cada concesión editorial pesa porque implica ceder el control. En cambio, Anne Hathaway construye una Andy que poco a poco comienza a entender el nuevo juego. Sabe que tiene que hacer piezas más accesibles, pero también intenta colar ideas más densas dentro de ese formato.

Además, la relación entre ambas cambia de tono. Antes era una dinámica de poder vertical. Ahora hay algo más cercano a una negociación constante. Miranda necesita a alguien que entienda el nuevo lenguaje del público; Andy necesita un espacio donde todavía se pueda escribir con intención. Ninguna de las dos tiene el control total.

Emily Blunt entra como un recordatorio de hacia dónde va la industria. Su Emily ya no responde a nadie en la redacción; responde al mercado. Ahora está comprometida con el magnate Benny Barnes (Justin Theroux) y maneja una marca que representa el lujo y la exclusividad, pero todavía guarda la ambición de llegar a ocupar el lugar de Miranda, al igual que la baja autoestima y la desconfianza en su talento, que ella oculta bajo una armadura de capas de maquillaje y supuesta indiferencia. Mientras tanto, Stanley Tucci sostiene el lado más humano. Nigel observa el cambio, más se mantiene constante y leal, mientras entiende lo que se pierde en el proceso.

Como en la menospreciada Superman de James Gunn, aquí el periodismo funciona como una columna ética dentro de un relato más accesible. También dialoga con el cine clásico sobre salas de redacción como All the President’s Men, aunque aquí la batalla no es revelar una verdad política oculta. Esta es una película divertida se mira a sí misma. Así como Runway busca equilibrio entre contenido y consumo, la propia secuela intenta ser ligera y reflexiva al mismo tiempo. A ratos lo logra con precisión; en otros, se queda en la superficie. Ese riesgo es parte de su propuesta.

Al final no hay una solución limpia. Lo que queda es más específico y tiene que ver con encontrar una forma de hacer el trabajo dentro de un sistema que empuja hacia otra cosa. Andy lo intenta. Miranda lo administra. El resto se adapta o se queda fuera.

El mayor acierto de The Devil Wears Prada 2 es el de usar la moda como fachada, el entretenimiento como vehículo y el periodismo como tema real. Los vestidos, los viajes y las miradas gélidas de Streep siguen siendo impecables. Pero esta vez, eso es lo de menos. Y ahí está el punto. Esta vez, la moda no es el tema. Es el escenario donde se juega algo mucho más concreto y es sobre si todavía vale la pena escribir y hacer una película para un público que la lea y la vea de verdad.

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Hollywood ha construido por años relatos románticos de redescubrimiento en escenarios europeos, casi siempre con mujeres en el centro. Piensen en Roman Holiday, Summertime, French Kiss, Only You, Forget Paris, Under A Tuscan Sun, Letters To Juliet o Eat Pray Love, por nombrar algunas. Solo Mio invierte ese punto de partida y coloca a un hombre en ese lugar. Matt Taylor, un profesor de primaria, abandona el altar con una vida que se desarma en cuestión de minutos y un itinerario de luna de miel que ya no tiene sentido.

La decisión de llevar a cabo la luna de miel en solitario solo no surge como impulso liberador. Llega porque todo está pagado, no hay alternativa inmediata y no hacerlo implicaría enfrentar algo que la película prefiere dejar en un segundo plano. El guion pasa rápido por la ruptura y entra de lleno en el viaje, sacrificando el peso emocional que debería sostener lo que viene después. Ahí aparece el primer problema. El desamor existe más como punto de partida que como experiencia. Matt carga con él, pero la película no se detiene lo suficiente para que se sienta. El recorrido por Italia con su bicicletas, botes, motos, cenas y excursiones, ocupa el espacio que debería pertenecer al conflicto.

Kevin James, un actor que a menudo es desperdiciado en comedias ridículas (Paul Blart, Zookeper, Here Comes The Boom), encuentra un tono que funciona dentro de ese vacío. Su personaje se mueve con torpeza en un entorno diseñado para parejas. Hay momentos donde esa soledad genera situaciones cercanas al absurdo, pero también pequeñas pausas donde aparece algo más honesto. Cuando la cámara se queda con él, a la película le va mejor.

El entorno que lo rodea, en cambio, se construye con personajes que entran para cumplir funciones claras y se quedan en eso. Los otros recién casados que incluyen a Meghan (Alyson Hannigan) y Julian (Kim Coates), una pareja que ha contraído matrimonio tres veces; y la terapeuta Donna (Julee Cerda) que se casó con su paciente Neil (Jonathan Roumie), funcionan como ruido constante con sus consejos, bromas e intervenciones que no modifican realmente el recorrido de Matt. La sensación es de acompañamiento impuesto más que de interacción real.

La relación con Gia (una mágica Nicole Grimaudo), intenta reorganizar la historia. Ella introduce una energía distinta, más abierta y directa, y el guion la utiliza como punto de giro hacia una nueva posibilidad afectiva. La idea es clara y hace parte de los cánones del género. Y es que alguien debe empujar al protagonista a salir de su propio encierro emocional. El desarrollo, en cambio, se siente apurado. La conexión entre ambos no alcanza a construirse con suficiente tiempo con escenas que la sostengan. Funciona como concepto, pero no como un vínculo orgánico.

Italia se convierte en un elemento constante con sus calles, cafés, paisajes y recorridos turísticos que aportan una superficie atractiva que la película explota con insistencia. Esa presencia, que incluye al cantante Andrea Boccelli, ayuda a mantener el ritmo visual, pero también termina sustituyendo lo que falta en la historia.  

La dirección a cargo de los hermanos Charles y Daniel Kinnane y el guion escrito por los otros hermanos Kinnane, Patrick y John, junto a Kevin James (Pete, el quinto hermano Kinnane, se encarga de la edición), intenta equilibrar varias líneas sobre el duelo, el nuevo romance y las dinámicas de las otras parejas. Pero ninguna termina de desarrollarse con profundidad. Las situaciones se suceden con rapidez, el conflicto se diluye y el cierre llega sin que el recorrido haya dejado un cambio claro.

Solo Mio encuentra momentos donde su idea inicial aparece con fuerza con ese un hombre fuera de lugar, atravesando un espacio que ya no puede compartir con la mujer que ama. Pero la película se desplaza hacia terrenos más conocidos y pierde ese sabor agridulce inicial. Queda una comedia romántica ligera, sostenida por el carisma de su protagonista y por un entorno que siempre luce bien, aunque la historia no logre acompañarlo con la misma consistencia.

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Tras semanas de especulación en torno a una supuesta tensión creativa, Taylor Swift ha decidido poner fin a los rumores sobre su relación con Jack Antonoff. La conversación surgió a raíz del proceso creativo de  The Life Of A Showgirl (2025), su más reciente álbum, en el que la cantante optó por trabajar con otros productores, dejando fuera a uno de sus colaboradores más frecuentes.

La ausencia de Antonoff, figura clave en discos como 1989 y The Tortured Poets Department (2024), alimentó versiones sobre un posible distanciamiento. Sin embargo, Swift fue directa al abordar el tema en una entrevista reciente con The New York Times el pasado 28 de abril. ‘Jack Antonoff es un colaborador mío y uno de mis mejores amigos’, afirmó, descartando cualquier conflicto personal o profesional.

Más allá de desmentir la supuesta ruptura, Taylor Swift ofreció detalles sobre su dinámica creativa. Entre ellos, destacó un recurso que desarrolló junto a Jack Antonoff a lo largo de los años y que se ha convertido en una de sus firmas compositivas, al que llaman ‘rant bridge’.

‘Es básicamente una especie de flujo de conciencia, un desbordamiento continuo de emoción, pensamientos intrusivos mezclados con metáforas, conversación y hasta gritos. La idea es que ese momento concentre la intensidad máxima de lo que la canción intenta construir y funcione como un crescendo’, explicó la cantante.

Ese mismo día, el propio Antonoff también se pronunció durante su participación en The Howard Stern Show. Lejos de reforzar la narrativa de conflicto, el productor adoptó una postura abierta frente a la evolución artística de Swift. Señaló que no considera necesario repetir colaboradores de forma constante y describió su relación profesional como algo excepcional dentro de la industria.

‘No es normal trabajar con las mismas personas una y otra vez’, explicó. Desde su perspectiva como músico y compositor, entiende la necesidad de explorar nuevos procesos y sumar distintas voces creativas. ‘Solo siento gratitud por el trabajo que ya hicimos’, añadió, dejando claro que la colaboración pasada no pierde valor por los cambios presentes.

El contexto reciente de Swift también apunta a una etapa de control y expansión en su carrera. En paralelo, la cantante ha tomado medidas para proteger su obra e identidad en un entorno cada vez más influenciado por la inteligencia artificial, registrando elementos clave como su voz e imagen.

En ese sentido, el movimiento hacia nuevos productores no parece responder a una ruptura, sino a una lógica de evolución.

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