At the halfway point of 2026, albums from the K-pop scene have rewritten history for new chart records while also delivering projects to expand the scope of Korea’s music scene.
Since the start of the year, it feels like there has not been a month without a major blockbuster release or highly anticipated comebacks where artists stepped up to high stakes put upon them. While BTS‘ ARIRANG spent multiple weeks at No. 1 atop the Billboard 200 (and set several new sales records while at it), the larger context behind the group’s full-length return showed the importance of an artist creatively pushing themselves and not falling back to what worked in past victories. Artists who scored breakout years in 2025, including NMIXX, Yves, WOODZ, idntt, XLOV and XngHan&Xoul, all ensured their next releases would not disappoint as fresh rookies like LNGSHOT and HEART OF WOMAN didn’t hold back with bold projects to earn themselves a place in the K-pop conversation.
Perhaps more than ever in past years’ lists, K-pop showed the different ways it’s expanding, with independent acts like AKMU, can’t be blue, Yves and Balming Tiger as well as K-pop mainstays all making their marks in major ways without sacrificing any artistic integrity. Some acts blending their style into the larger K-pop world (can’t be blue collaborated with XngHan and Stray Kids member HAN this year as PLAVE enlisted singer SOLE for their first release with a feature), looking outward to expand a message (Yves enlisted Lolo Zouaï and Lexie Liu as collaborators her EP) or doing it fully on their own (AKMU, Balming Tiger and Billlie all crafted ambitious, full-length projects without any guest features).
Spanning girl groups and boy bands to rock acts and soloists, these are the albums from the larger K-pop industry that have resonated and stayed with our staff the most in 2026 so far.
Future returns with another major week on Billboard’s charts (dated July 25), thanks to his album The Real Me.
Released July 10 via Sahluna/Freebandz/Epic Records, the set debuts atop the Billboard 200 with 131,000 equivalent album units earned in the United States through July 16, according to Luminate. Future earns his 12th No. 1, lifting him past Eminem, Bruce Springsteen, Barbra Streisand and Ye for the fifth-most in the chart’s history. The Beatles lead with 19, followed by Drake, Taylor Swift (15 each) and Jay-Z (14).
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On the Billboard Hot 100, 17 tracks from The Real Me’s 22-song setlist appear, led by “California Girls” at No. 23. Here’s a breakdown (with all debuts unless otherwise noted):
Rank, Title:
No. 23, “California Girls”
No. 28, “Fukk a Interview”
No. 29, “Konnichiwa”
No. 33, “One Two”
No. 37, “Tank Top Pluto”
No. 38, “Snow In Skyami”
No. 46, “Radio” (re-entry; new high)
No. 48, “Weight Up”
No. 52, “Trench Coat”
No. 54, “No Misery”
No. 58, “Build a Bitch”
No. 64, “Money Over Everything”
No. 76, “Off the Hinge”
No. 83, “2018”
No. 93, “If I Could”
No. 97, “Kick”
No. 98, “Eye to Eye”
Future also ranks at No. 61 as a featured artist on Drake’s “Ran to Atlanta,” also featuring Molly Santana. The track debuted and peaked at No. 2 on the May 30-dated chart, when Drake placed a single-week record 42 songs on the Hot 100 simultaneously.
With 16 debuts this week, Future ups his career total to 245 Hot 100 entries, the third-most in the chart’s history, after only Drake (402) and Swift (277). Of those, 83 have reached the top 40, 16 have hit the top 10 and three have hit No. 1: “Way 2 Sexy,” by Drake featuring Future and Young Thug; “Wait for U,” featuring Drake and Tems; and “Like That,” with Metro Boomin and Kendrick Lamar.
Thanks to his six new top 40 hits this week, Future also increases his career sum to 83 such songs. He passes Elvis Presley and Ye for the fourth-most in Hot 100 history and trails only Drake (241), Swift (178) and Lil Wayne (91).
Notably, Future has charted at least one song on the Hot 100 in 16 consecutive calendar years — every year since his debut in 2011, when he arrived as a featured act on YC’s “Racks,” which peaked at No. 42.
Future also returns to No. 1 on the Billboard Artist 100 chart for a sixth total week on top, and for the first time since May 2022.
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Se nota ya desde la portada de su nuevo álbum, Yendo rápido a ningún lugar. Bestia Bebé es ese grupo de amigos con los que te juntás el fin de semana a comer un asado, el que se esfuerza para llegar a diez y después de los 30 todavía armar un fútbol 5 un jueves a las doce de la noche y con el que sale juntada obligada de cábala para ver a la selección en el Mundial.
Bestia Bebé es ese grupo con el que vas creciendo a la par, que te dice que “siempre dicen que crecer es una trampa y yo crecí amigo y no cambió nada. Estuvo bien, todo bien, todo bien, todo bien” (“El atrevido”) y el que se pregunta “¿cómo llegamos tan rápido acá? Me parecía tan lejos. Planes perfectos que ni imaginé, hoy ya quedaron muy viejos. Pero acá estamos amigo mío, yendo rápido a ningún lugar” (“Planes perfecto”).
Por supuesto, en sus canciones hablan de ellos mismos, una banda de rock independiente que desde hace quince años y a base de riffs, melodías simples y estribillos pegadizos armó un cancionero urgente, con identidad y personalidad. Pero esa identificación amiguera para cualquier oyente desprevenido es instantánea.
En su sexto álbum los chicos están bien. Un poco más experimentados, pero siguen siendo los mismos, buscándole la vuelta a la canción rock, con buenas ideas y con la cabeza puesta en ese vivo que los trajo hasta acá. Las canciones de Yendo rápido… son pequeñas bombas que parecen sencillas de armar, pero si uno supera el encanto de su simpleza pop, se encuentra con que están construídas minuciosamente, con detalles sonoros y contrapuntos certeros.
El álbum arranca con el acusticazo de “Hay algo que siempre te quise decir”, como una suerte de intro con espíritu fogonero, que estalla sobre el final a pura distorsión en un clásico giro Suarezco para darle paso a “El atrevido”, el tema del “estuvo bien, todo bien, todo bien, todo bien”, que dialoga cara a cara con el “Más o menos bien” de sus amigos de Él Mató a un Policía Motorizado.
El tercer track es uno de esos temas que se convierten en el centro de los discos, “Planes perfectos”, sónico y ambiental, hipnótico y bailable, como un viaje desde los años 80 a la actualidad en apenas tres minutos.
“Si querés tirar, tirame. No le tengo miedo a nada. Si querés tirar, tirame. Tengo un chaleco antibalas” (“Chaleco antibalas”, es otro de esos estribillos perfectos que Tom Quintans escribe en mood perdedor enamorado.
La épica de “El tiempo es lo peor” se intercala con el ruidoso homenaje a Gustavo Costas (hasta hace poco más de un mes director técnico y leyenda de Racing de Avellaneda), porque aquí la reflexión madura no impide el sentimiento eternamente juguetón. Al fin de cuentas, Quintans, Chicho Guisolfi, Polaco Ocorso y Marcos Canosa no dejan de ser esos amigos que siguen yendo rápido a ningún lugar, porque crecieron, sí, pero no cambió nada.
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Las historias sobre el descubrimiento de la identidad suelen apoyarse en el conflicto permanente, la tragedia o el trauma. El fin de las primeras veces decide recorrer un camino distinto. La película acompaña a Eduardo (Alejandro Quintana), un joven que abandona su pueblo para llegar a Guadalajara, donde el deseo, la amistad y el amor aparecen como experiencias tan confusas como transformadoras. Más que construir un gran drama, Rafael Espejo apuesta por observar cómo la vida sucede frente a la cámara, permitiendo que los silencios, los pequeños gestos y el paso del tiempo revelen aquello que los personajes nunca expresan con palabras.
El director nos habló sobre la representación de la comunidad LGBTQ+, la importancia de la felicidad como forma de resistencia, la construcción visual de la intimidad y el derecho que todos tenemos a equivocarnos mientras descubrimos quiénes somos.
El fin de las primeras veces evita muchos de los clichés habituales tanto del coming of age como del cine queer, especialmente aquellos relacionados con la tragedia y el trauma. ¿Por qué decidiste contar el despertar emocional y sexual de Eduardo desde un lugar mucho más cotidiano y silencioso?
Sin duda era algo que tenía muy presente. No quería hacer una historia desde la victimización porque no considero que seamos víctimas. Claro que todavía hay mucho por hacer y seguimos siendo una población vulnerable en muchos sentidos, pero también ha habido avances muy importantes.
Hoy vivimos un momento extraño, donde parece haber ciertos retrocesos y debemos resistir para no perder derechos que ya habíamos conquistado. Pero esa resistencia, para mí, nace desde el gozo. Desde ser visibles y felizmente visibles. Creo que no hay mayor revolución que ser felices. Frente a quienes odian a la comunidad LGBTQ+, nuestra respuesta puede ser precisamente esa: vivir en libertad, con alegría, y convertirnos en un ejemplo para quienes vienen detrás.
Eduardo llega de un pequeño pueblo a Guadalajara, una ciudad que también parece convertirse en un personaje. ¿Qué querías mostrar sobre la experiencia de ser joven, foráneo y queer dentro de un espacio que al mismo tiempo ofrece libertad y miedo?
Creo que Guadalajara es como cualquier otra ciudad: tiene burbujas de protección y también espacios hostiles. Al final, esas burbujas no las construye la ciudad sino las personas que la habitan.
Cuando te rodeas de personas queer encuentras lugares donde puedes sentirte más seguro. Eso no significa que seamos perfectos; somos tan diversos y complejos como cualquier otra comunidad. Pero existe una posibilidad de cuidado mutuo que termina siendo muy importante.
Yo llevo más de veinte años viviendo en Guadalajara y ya forma parte de mí. Muchas cosas que aparecen en la película son completamente cotidianas para mí, pero quienes no conocen la ciudad las perciben como algo muy característico. Más que intentar construir un retrato específico de Guadalajara, creo que terminé filmando la ciudad que llevo conmigo.
La película transmite una enorme sensación de intimidad. ¿Cómo trabajaste visualmente esa cercanía con el protagonista?
Creo que la clave está en el tiempo. Para que exista verdadera intimidad es necesario permitir que el tiempo transcurra. Ese fue uno de los grandes riesgos de la película. Vivimos en una época donde los espectadores tienen cada vez menos paciencia, pero yo necesitaba que las escenas respiraran.
Las secuencias de intimidad, por ejemplo, ocurren casi en tiempo real porque lo importante no son únicamente las acciones, sino todo lo que sucede emocionalmente detrás de ellas: el miedo, la anticipación, el descubrimiento, incluso el conflicto interno que vive Eduardo mientras desafía la educación con la que creció.
También fue muy importante mantener la cámara extremadamente cerca del protagonista. La película está construida prácticamente desde su rostro. Quería que el espectador sintiera que habitaba su punto de vista y descubriera el mundo junto a él.
Y, por supuesto, hubo mucho espacio para la improvisación. Existía un guion muy trabajado, pero también queríamos que las escenas conservaran una sensación auténtica. No es lo mismo pedirle a un actor que se ría porque así lo dice el libreto, que provocar genuinamente esa risa en el momento. Mi trabajo consistía en crear un ambiente donde los actores pudieran sentirse protegidos para jugar, equivocarse y descubrir cosas nuevas frente a la cámara.
Además de periodista soy psicólogo y hubo algo que me llamó mucho la atención. Los personajes parecen estar improvisando la vida más que interpretando una estructura dramática tradicional. ¿Qué tan importante era eso para ti?
Todo. Me da muchísima alegría que lo hayas percibido así porque justamente era lo que buscábamos. Hay muchas maneras de hacer cine, pero a mí me interesaba sentir que la vida estaba ocurriendo frente a la cámara. Eso no es sencillo. Requiere mucha disposición de quienes están actuando, mucha paciencia de quienes están detrás de la cámara y también un enorme acto de fe.
Además, era la primera película prácticamente para todo el equipo. Creo que hubo una suma de voluntades muy especial. Todos queríamos que ocurriera esa magia y, afortunadamente, ocurrió.
¿Qué películas o cineastas estuvieron presentes mientras escribías y dirigías esta historia?
Me interesa muchísimo el cine latinoamericano contemporáneo. Tenía muy presentes Joven y alocada, que me encanta; también Dólares de arena, Te prometo anarquía, Gloria y, por supuesto, el trabajo de los hermanos Dardenne, especialmente por la relación entre la cámara y los personajes. Son películas que, de distintas maneras, dialogaban con lo que yo estaba intentando construir.
La película deja la sensación de que las primeras veces rara vez son épicas; suelen ser experiencias confusas que terminan definiéndonos con el paso del tiempo. Después de terminar este proyecto, ¿qué descubriste sobre la identidad, la memoria y el pasado?
Creo que lo más importante fue comprender que necesitamos darnos permiso para equivocarnos. Ese momento en el que empezamos a convertirnos en adultos está lleno de decisiones y muchas de ellas inevitablemente serán errores. Pero hay una enorme belleza en equivocarse. La belleza del ser humano está precisamente en su imperfección.
A veces dañamos a otros o a nosotros mismos intentando descubrir quiénes somos, y eso no nos convierte automáticamente en malas personas. Es parte del aprendizaje.
En las personas queer ocurre algo muy particular. Muchas veces sentimos que ya hemos decepcionado al mundo simplemente por existir, como si cargáramos con una responsabilidad adicional de tener que ser mejores que los demás para compensar nuestra identidad. Eso me parece profundamente cruel.
No quisiera que las nuevas generaciones crecieran sintiendo que ya le fallaron a alguien. Al contrario. Ojalá puedan descubrir que tienen derecho a equivocarse, a aprender, a ser imperfectos y, sobre todo, a ser felices. Esa es, en el fondo, la película que intenté hacer.
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Bluey, el show animado que capturó la atención y los corazones de millones de familias alrededor del mundo rinde homenaje a los clanes Yolŋu (se pronuncia Yolngu) del norte de Australia. ABC involucró a miembros de la comunidad para adaptar cinco episodios a la lengua Yolŋu Matha en honor a la semana NAIDOC (sucede cada primera semana de julio; celebra la historia, la cultura y los logros de los pueblos aborígenes e isleños del Estrecho de Torres).
La serie ha sido doblada a más de 20 idiomas, incluyendo islandés, chino y lituano. Por lo tanto, cuando se acercó la celebración de la cultura e historia de los nativos australianos, era lógico que se involucraran en una iniciativa como esta. Según ABC News, Will Porter (codirector del proyecto junto con la Sylvia Nulpinditj) afirmó que el doblaje era “una ofrenda para la preservación del idioma”.
La producción se realizó en colaboración de Ludo Studio y Yolŋu Radio en las instalaciones de la estación de radio comunitaria. El elenco del doblaje incluyó a Dimathaya Burarrwanga, miembro fundador de la banda de surf rock Yolŋu King Stingray como Bandit Heeler, el papá; El respetado mayor Andrew Gurruwiwi hizo la voz del abuelo, Mort Cattle; Rosie Mununggurr interpretó a Chilli Heeler, la mamá, y, con la ayuda de los niños de la comunidad, se dio vida a los perritos titulares, Bluey y Bingo.
Se reporta que la experiencia, desde la preproducción hasta la muestra final de los cinco episodios en vivo (T1E9 El Arroyo, T1E26 La Playa, T2E26 A dormir, T2E27 Abuelo y T2E10 Isla Alfombra) fue mágico para todos los involucrados; significó una celebración de la niñez, la cocreación comunitaria y, sobre todo, la lengua Yolŋu Matha, término que designa a las lenguas estrechamente relacionadas que hablan los diferentes clanes del noreste de la Tierra de Arnhem, Territorio Norte, Australia
(@abckids)De acuerdo con Will Porter, “Intentamos que sonara lo más parecido posible a lo que se oye en un hogar Yolŋu actual, que es una mezcla (de idiomas)”
El legado perdido, la sangre derramada y el genocidio australiano
La catástrofe que significó la llegada de europeos a la tierra australiana deja a muchos sin palabras. La consiguiente masacre y discriminación sistemática por parte de las autoridades australianas y británicas, con el objetivo de erradicar la cultura aborigen, deja claro que detrás de las playas cristalinas, música y entretenimiento yace crímenes de lesa humanidad.
Desde su fundación como colonia penal en 1788 y la posterior creación del Commonwealth of Australia en 1901, el país siempre ha rechazado y reprimido las culturas aborígenes que habitaron la isla durante más de 50.000 años antes de la intervención europea. El conflicto entre el gobierno, los colonos y los aborígenes fue, como señalan muchos historiadores, uno de los más sangrientos, vergonzosos e inhumanos de la historia.
Sin entrar en detalles sobre otras formas en que las autoridades reprimieron, asesinaron, torturaron y criminalizaron la cultura aborigen, una de las metas más relevantes para la exterminación total fue el idioma.
Desmond Crump, profesor de lenguas indígenas de la Universidad de Queensland, afirmó que la pérdida de mayores, cabezas de las tribus, significa “perder una biblioteca por la cantidad de conocimiento que poseen. (Conservar el idioma) resulta muy difícil cuando no hay hablantes fluidos”. La lenta desaparición de los líderes comunitarios fue una parte de la estrategia colonial; sin embargo, la asimilación (una táctica implementada en primera instancia por los británicos en la conquista) hizo que las generaciones más jóvenes fueran “reformadas” por la crueldad australiana. Anny Chau, reportera de The Young Reporter, explica que “Entre 1910 y la década de 1970, niños aborígenes fueron separados de sus hogares, adoptados por familias blancas y obligados a rechazar su cultura en lo que se denominó ‘políticas de asimilación’”. Dicha técnica se repitió en colonias como Canadá, Sudáfrica y Estados Unidos.
Tras décadas de lucha y protesta, los pueblos indígenas de Australia y el gobierno han destinado presupuestos nacionales a la creación de programas para la restauración, preservación y celebración de la cultura aborigen. En corto, uno de los hitos significativos de este proceso de reunificación y resignificado de la identidad australiana ha sido la formación del Comité Nacional para la Observancia del Día de los Aborígenes (NADOC) en los años 70; en 1991 cambiaron el nombre a NAIDOC para reconocer a los isleños del Estrecho de Torres y describir toda una semana de reconocimiento, en lugar de un solo día.
Bluey ayuda a curar heridas
Ludo Studios, la productora de Bluey afirmó que “Bluey es un programa pensado para que lo disfrute todo el mundo, así que poder compartirlo en una lengua indígena durante la Semana NAIDOC es algo realmente especial.” Si bien las atrocidades cometidas contra los pueblos aborígenes representan una deuda monstruosa que todos los australianos deberán cargar para siempre, pequeños pasos como estos ayudan a sanar a un pueblo que estaba dividido y se sentía excluido de la sociedad australiana.
Me atrevo a decir que muchos de los que leen este artículo han visto y se han sentido identificados con Bluey, la serie animada sobre una familia que vive su vida enfrentando desafíos como las dificultades para hacer amigos, la pérdida, el amor y, sobre todo, compartir en comunidad. Esta serie ha enseñado al mundo que, para enmendar los errores, las acciones valen más que las palabras y ahora, gracias a los esfuerzos de los equipos detrás de este proyecto, se logró compartir la alegría con aquellos que han estado privados de ella durante generaciones.
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Liam Gallagher no disfrutó del espectáculo del medio tiempo durante la final de la Copa Mundial de la FIFA el domingo por la noche. El cantante de Oasis, quien se ha mostrado muy crítico con los partidos durante todo el evento deportivo, comparó las actuaciones de Madonna, Shakira, Justin Bieber, BTS, Burna Boy, el compositor Gustavo Dudamel y los Muppets con un “mal viaje”.
“Esto es como un mal viaje”, escribió el músico en X. “Menos mal que estoy en modo espiritual, o ese espectáculo del medio tiempo podría haberme hecho perder el control”.
El espectáculo del medio tiempo comenzó con una actuación de dos canciones de Madonna, quien recorrió los túneles subterráneos del New York New Jersey Stadium en un carrito de golf conducido por las leyendas del fútbol brasileño Ronaldo y Ronaldinho, interpretando una nueva versión de su éxito de 2000, ‘Music’, y su reciente sencillo ‘Danceteria’, de su nuevo álbum Confessions II.
BTS hizo una breve aparición para interpretar ‘Dynamite’ durante unos segundos, mientras que el actor Jason Sudeikis salió al campo caracterizado como el entrenador Ted Lasso, acompañado de su fiel ayudante, el entrenador Beard (Brendan Hunt), para animar a Justin Bieber. Posteriormente, Bieber interpretó ‘Everything Hallelujah’.
El espectáculo también incluyó la interpretación de ‘Dai Dai’, de Shakira y Burna Boy, y la actuación del Coro PS 22, un coro formado por alumnos de cuarto y quinto grado de una escuela primaria pública de Staten Island, que interpretó una canción escrita por Coldplay llamada ‘We Dance’, con la participación del vocalista Chris Martin.
Gallagher quizás se sintió decepcionado por la derrota de Inglaterra el miércoles por la noche, que abrió la puerta para que Argentina se enfrentara a España en la final. El éxito de Oasis, ‘Wonderwall’, se había convertido en el himno no oficial del equipo antes de las semifinales, con Gallagher liderando su popularidad. “¡Vamos Inglaterra, vamos Wonderwall!”, escribió antes del partido contra España.
Oasis estrenará en septiembre Don’t Look Back in Anger, el documental que casi se archivó sobre el improbable regreso de los hermanos Gallagher. La película fue creada por Steven Knight, de Peaky Blinders, y dirigida por Dylan Southern y Will Lovelace. Se estrenará en IMAX y cines antes de llegar a Hulu y Disney+ a finales de este año.
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En el día en que la atención del país se dividía entre la tensión y la esperanza por la final del mundo entre Argentina y España, Cristian “Pity” Álvarez reapareció públicamente en las redes con un mensaje para sus seguidores. Lo hizo a través de un video en su cuenta de Instagram grabado en la intimidad de su sala de ensayo. Rodeado de instrumentos y dejando ver una camiseta vintage de la Selección Argentina con el número 2 y su apodo estampado en la espalda —única e implícita alusión futbolera en una jornada dominada por el mundial—, el exlíder de Viejas Locas e Intoxicados utilizó la plataforma para comunicar la cancelación del show que tenía agendado para el próximo 8 de agosto en la provincia de Tucumán. ¿Las razones? Según explicó el propio músico, el show fue desactivado por el consejo de sus allegados y su círculo íntimo, quienes le advirtieron sobre el impacto simbólico de la fecha elegida.
Ocurre que el lunes 10 de agosto comienza el juicio oral contra el músico, que será juzgado por el delito de homicidio, tras ser acusado de asesinar a tiros a su vecino Cristian Maximiliano Díaz en julio de 2018 en Villa Lugano.
“Decidí bajarla porque muchos amigos, mucha gente cercana a mí me dice como que podría parecerle a los jueces y al fiscal como que yo me estoy burlando de ellos tocando dos días antes”, argumentó el cantante. Aunque el compositor aclaró en la misma toma que no comparte esa lectura del calendario (“Yo no creo lo mismo”, enfatizó), optó por resguardar su situación actual: “Tanta gente me lo dijo que bueno, la gente manda y decidí eso”. De este modo, el concierto en el Jardín de la República será reprogramado para el mes de septiembre, probablemente para el sábado 19.
En el mismo descargo, el Pity adelantó que se encuentra en pleno proceso de grabación de dos nuevas canciones. La primera de ellas es una relectura de un clásico de Viejas Locas: una versión remozada de “Una piba como vos”, cuyo germen comenzó a moldearse de manera improvisada durante un concierto en Mendoza. El segundo apunta hacia el funk: “Colgado”.
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La Justicia confirmó el sobreseimiento del empresario argentino Rogelio Nores en la investigación por la muerte de Liam Payne, el exintegrante de One Direction que murió el 16 de octubre de 2024 tras caer desde el tercer piso del hotel CasaSur, en el barrio porteño de Palermo.
Según informó La Nación, la Cámara Nacional de Casación en lo Criminal y Correccional rechazó un recurso presentado por el Ministerio Público Fiscal y dejó firme su desvinculación de la causa por presunto suministro y/o facilitación de estupefacientes. De acuerdo con el fallo firmado por los jueces Pablo Jantus, Gustavo Bruzzone y Alberto Huarte Petite, las pruebas incorporadas al expediente, especialmente el análisis de las comunicaciones entre Payne y Nores, no demostraron que el empresario hubiera proporcionado drogas al músico.
Los magistrados señalaron que, incluso cuando Payne le solicitó estupefacientes, Nores no respondió al pedido y que la investigación apunta a que quienes habrían suministrado cocaína fueron los imputados Braian Paiz y Ezequiel Pereyra durante la estadía del cantante en el hotel.
En declaraciones a La Nación, el abogado Rafael Cúneo Libarona, defensor de Nores junto al estudio Fontán Balestra, sostuvo: “Hemos probado que Nores jamás suministró droga a su amigo. Nores era amigo de Payne, no era su enfermero ni su custodio. El suministro de drogas fue realizado por personas que Nores no conocía ni tenía ninguna vinculación”.
Payne tenía 31 años cuando murió tras caer al patio interno del hotel donde se hospedaba. La autopsia determinó que sufrió múltiples lesiones compatibles con una caída de altura y reveló la presencia de alcohol, cocaína y otras sustancias en su organismo, según consta en el expediente judicial.
La investigación reconstruyó que el músico había llegado al hotel el 13 de octubre acompañado por Nores, quien no se alojó allí, pero dejó su número de teléfono como contacto. Durante los días siguientes, el cantante protagonizó distintos episodios vinculados al consumo de alcohol y drogas, además de conflictos con empleados y huéspedes del establecimiento. Horas antes de su muerte, personal del hotel solicitó la intervención de Nores para intentar resolver una situación que involucraba al artista.
No es la primera vez que la Justicia desvincula al empresario. En febrero de 2025, la Cámara del Crimen ya había revocado su procesamiento por homicidio culposo, al igual que el de la gerenta y el jefe de recepción del hotel CasaSur. Mientras tanto, los otros dos acusados en la investigación por presunto suministro de estupefacientes, Braian Paiz y Ezequiel Pereyra, continúan a la espera del juicio oral y público.
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Madonna, Shakira, Justin Bieber, BTS, Burna Boy, el director de orquesta venezolano Gustavo Dudamel (actualmente al frente de la Filarmónica de Nueva York), los Muppets y muchos más. Todo en 11 minutos. El fútbol no suele tener espectáculos de medio tiempo, pero la final de la Copa Mundial de la FIFA 2026 fue diferente: de alguna manera, la FIFA y Global Citizen concentraron un repertorio de nombres que tomó casi tanto tiempo leer como verlos actuar, todo mientras España y Argentina estaban empatadas 0-0, reorganizándose y planeando su estrategia en los vestuarios durante el entretiempo.
El espectáculo de medio tiempo comenzó con una presentación de dos canciones a cargo de Madonna, quien recorrió los túneles subterráneos del New York New Jersey Stadium en un carrito de golf conducido por las leyendas del fútbol brasileño Ronaldo y Ronaldinho, mientras interpretaba a todo pulmón una nueva versión de su éxito del año 2000, “Music”, y su reciente sencillo “Danceteria”, de su nuevo lanzamiento Confessions II.
La actuación de Madonna dio paso a una interpretación del clásico rompe-estadios de The White Stripes, “Seven Nation Army”, a cargo del director de orquesta Gustavo Dudamel y una orquesta conformada por miembros de la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y el violinista iraní Bijan Mortazavi. Ah, y la banda residente de los Muppets, Dr. Teeth and the Electric Mayhem.
Si eso no fuera suficiente para procesar, las recientes estrellas de portada de Rolling Stone, BTS, salieron al escenario para interpretar unos segundos de su éxito “Dynamite”, un cameo comprensiblemente breve considerando que habían estado en París menos de 24 horas antes.
El guiño más evidente a la cultura del fútbol estadounidense llegó justo después, cuando el actor Jason Sudeikis entró a la cancha caracterizado como el entrenador Ted Lasso (personaje de la serie homónima, estrenada en 2020, sobre un optimista entrenador de fútbol americano que se muda a Inglaterra para dirigir a un equipo de fútbol profesional), con su fiel asistente, el entrenador Beard (Brendan Hunt), a su lado, para darle una charla motivacional a Justin Bieber.
Luego, Bieber interpretó una versión de su tema “Everything Hallelujah”.
La presentación de Bieber sigue a su concierto como cabeza de cartel en Coachella en abril, y dio paso a una interpretación de la canción oficial del torneo, “Dai Dai”, por parte de Shakira y el cantante nigeriano Burna Boy. La performance incluyó la presentación de los Ghetto Kids, de Uganda, un grupo de niños bailarines que se volvieron virales, apadrinados por una ONG que utiliza la danza como herramienta de desarrollo social.
La vertiginosa presentación cerró con un momento de unión: el coro PS 22 —un grupo compuesto por estudiantes de cuarto y quinto grado de una escuela primaria pública en Staten Island— interpretando una canción escrita por Coldplay llamada “We Dance”, a la cual se unió el líder de la banda, Chris Martin.
Mientras un comentarista deportivo argentino gritaba “¡¡¡GOLLLLL!!!”, los fuegos artificiales explotaron desde el borde exterior del estadio. Y en un abrir y cerrar de ojos, terminó. La lona que cubría el campo fue retirada rápidamente por un ejército de voluntarios que parecían hormigas. El humo se disipó lentamente. Los aspersores se encendieron de nuevo para regar el césped. Y casi de inmediato, el otro grupo de estrellas estaba de regreso en la cancha.
El espectáculo de medio tiempo está destinado a beneficiar al Fondo de Educación FIFA Global Citizen, que busca recaudar 100 millones de dólares para brindar a niños de todo el mundo un mayor acceso a la educación y al fútbol. Ya ha recaudado más de la mitad de esa cantidad y sigue avanzando hacia su objetivo, ya que se dona 1 dólar de cada entrada vendida para los partidos durante todo el torneo.
Antes del primer espectáculo de medio tiempo en la historia de la Copa del Mundo y del inicio del partido, se llevó a cabo una ceremonia previa al juego que contó con Post Malone como artista principal. La cantante italiana Laura Pausini, la cantante y actriz estadounidense Nicole Scherzinger, el stramer IShowSpeed y Robbie Williams también se presentaron, y Tom Cruise hizo una aparición especial. Jennifer Hudson también interpretó el himno nacional de los Estados Unidos.
Las presentaciones musicales del partido final coronaron un torneo lleno de momentos musicales memorables. El fin de semana pasado, Ellie Goulding se presentó en el show de medio tiempo de un partido de cuartos de final entre Inglaterra y Noruega. Y además del ya mencionado show de Shakira y Burna Boy en la Ciudad de México, Katy Perry y el cantante noruego de 10 años Tius Luka interpretaron “Wonder” en el partido inaugural de la Copa del Mundo 2026 entre Estados Unidos y Paraguay en Los Ángeles el 12 de junio, precedidos por la enérgica actuación de Future y Tyla con “Game Time”. A ellos les siguieron Lisa de Blackpink, el ícono brasileño Anitta y la superestrella nigeriana Rema, quienes presentaron “Goals”. Ese mismo día, la ceremonia de apertura de Canadá contó con las actuaciones de Michael Bublé, Alanis Morissette, Alessia Cara, Eliana, Jessie Reyes, Noah Fatehi, Sanjoy, Vegedream y William Prince.
Liam Gallagher dice que el show fue “como un mal viaje”
Liam Gallagher no disfrutó del show de medio tiempo durante la final de la Copa Mundial de la FIFA el domingo por la noche. El cantante de Oasis, quien se ha mostrado muy activo opinando sobre los partidos a lo largo de todo el evento deportivo, comparó las actuaciones de Madonna, Shakira, Justin Bieber, BTS, Burna Boy, el director de orquesta Gustavo Dudamel y los Muppets con un “mal viaje”.
This is like a bad trip
— Liam Gallagher (@liamgallagher) July 19, 2026
“Esto es como un mal viaje”, escribió el músico en X. “Menos mal que tengo puestos mis calcetines espirituales, o ese entretenimiento de medio tiempo podría haber dejado al borde del abismo”.
It’s a good job I’ve got my spiritual socks on or that halftime entertainment could have tipped me over the edge
— Liam Gallagher (@liamgallagher) July 19, 2026
Gallagher quizás estaba decepcionado por la derrota de Inglaterra el miércoles por la noche, la cual le abrió la puerta a la Argentina para enfrentarse a España en la final. “Wonderwall”, el éxito de Oasis, se había convertido en el himno no oficial del equipo en la antesala de las semifinales, con Gallagher a la cabeza de la campaña de popularidad del tema. “Vamos Inglaterra vamos Wonderwall”, escribió antes del partido contra Argentina.
Oasis estrenará en septiembre Don’t Look Back in Anger, el documental —que estuvo a punto de ser archivado— sobre el improbable regreso de los hermanos Gallagher. La película fue producida por Steven Knight (Peaky Blinders), dirigida por Dylan Southern y Will Lovelace, y se estrenará en salas IMAX y cines convencionales antes de llegar a Hulu y Disney+ a finales de este año.
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