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Elegancia. Garbo. Sofisticación. Apenas tres conceptos alcanzan para describir el impacto de Virus en el teatro Gran Rex. La celebración por los cuarenta años de Locura, su quinto disco de estudio, no fue solo un ejercicio nostálgico, sino la ratificación de un sonido poderoso, clásico y todavía moderno, potenciado por una cuidada puesta audiovisual.
Esa tríada estética se aplicó desde el minuto cero, tanto en la precisión sónica como en el vestuario elegido para la ocasión. El magnetismo de“Sin disfraz” —canción que vive un oportuno revival gracias a la escena de Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó en El Jockey (Luis Ortega, 2024)— marcó la velocidad crucero de la noche.
Con Marcelo Moura al frente, la formación actual de Virus incluye al fundador Mario Serra en los parches y a un sólido grupo de músicos (Agus Ferro y Francisco Podestá en guitarras, Patricio Fontana en los teclados, Pablo Rica en el bajo) que definen el sonido clásico del grupo. El look más elegante que sport de los músicos puede entenderse no sólo como una elección estética, sino como un gesto de solemnidad por la celebración.
Pablo Lescano (Damas Gratis) subió a cantar “Pronta entrega”, exponiendo sus dotes de arengador y entretenedor en uno de los tantos clásicos imbatibles de la velada. Un concierto retrospectivo que dialoga con la memoria emotiva y la educación sentimental de varias generaciones, que son las que agotaron las entradas para escuchar los clásicos: “Sin disfraz”, “Tomo lo que encuentro” Superficies de papel”, “Soy moderno, no fumo”, “Polvos de una relación”, y la lista sigue. Hay una imagen elocuente, la hija adolescente elevando como un trofeo el vinilo original de Locura, bajo la mirada emocionada de su padre, en una de las primeras filas de la platea.
Alejandro Lerner lanzó un pequeño paso de comedia, en clave stand up, antes de sumar su teclado a la voz de Moura para una versión íntima de “¿Qué hago en Manila?”. En el mismo mood, y con el histórico retrato que Andy Cherniavsky le hizo a Federico Moura proyectado sobre la pantalla, Marcelo Moura junto al tecladista Patricio Fontana interpretó “Despedida nocturna”, el responso pop que Julio Moura y Roberto Jacoby compusieron a la memoria de Federico en Tierra del Fuego (1989).
La presencia de Lucía Borensztein en el escenario (compañera de Agus Ferro en el altamente recomendable grupo Yogha, ex integrante de No Lo Soporto) en la percusión añadió una dosis extra de ritmo en “Encuentro en el río musical” (de Superficies de placer, 1987).
La lista no daba respiro: “Mirada Speed”, “Me puedo programar”, “Imágenes paganas”, “El probador” y una versión impecable de “Amor descartable”, con Leo García, subieron la temperatura del recital. “Hay que salir de agujero interior”, que terminó con un solo imponente de Mario Serra con una ovación ad hoc.
A la hora de los bises, “Una luna de miel en la mano” tuvo como condimento una lluvia de caramelos de miel lanzados desde la platea, que Marcelo Moura esquivó con gracia y… elegancia. El cierre con ‘Wadu Wadu’ y ‘Carolina querida’, potenciado por un solo descollante de Agus Ferro, clausuró una noche donde quedó claro que las canciones de Virus no pertenecen al pasado: son un presente continuo que se permite vestir de gala para confirmar su eterna modernidad.
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La premisa de Exit 8 es engañosamente simple. Un hombre queda atrapado en un pasillo de metro que se repite. Si detecta una anomalía, debe retroceder; si no, avanzar. Ocho decisiones correctas lo llevan a la salida. Ese esquema, heredado del videojuego original, funciona como regla narrativa y, al mismo tiempo, como metáfora existencial.
En primer lugar, el protagonista, un oficinista cualquiera con problemas de asma, conocido aquí como “El hombre perdido”, entra en ese bucle justo después de recibir una noticia que altera su vida: su ex novia (Nana Komatsu) está embarazada. A partir de ahí, el espacio deja de ser físico y pasa a ser mental. El pasillo no cambia, pero su percepción sí. Además, la rutina, que antes era su refugio, se convierte en una trampa.
Kazunari Ninomiya construye al personaje sin estallidos, pero dejando evidenciar pequeñas grietas. Su rostro, cada vez más cansado, sostiene la progresión del relato. En cambio, el entorno se encarga del resto con figuras que se repiten, gestos mecánicos y silencios que pesan más que cualquier ruido.
Junto él encontramos a “El caminante” (Yamato Kochi), con su sonrisa perturbadora que nos recuerda a los vídeos musicales de Aphex Twin de Chris Cunningham, así como a “El niño” (Naru Asanuma) y “La colegiala” (Kotone Hanase). Estos personajes corresponden tanto a estereotipos deconstruidos del anime y el manga, como a unos peculiares PNJ (personajes no jugables) de los videojuegos, aquí con sus historias propias.
La película trabaja con una lógica muy precisa. Cada anomalía introduce una variación mínima (una sonrisa fuera de lugar, una mancha que no estaba, un detalle que obliga a dudar). Por lo tanto, el terror no viene del sobresalto, sino de la incertidumbre. ¿Qué cambió? ¿Cuándo? ¿Por qué no estoy seguro?
Ahí aparecen sus influencias. La estructura del recorrido remite directamente al purgatorio de La divina comedia de Dante, en donde avanzar implica atravesar capas, reconocer errores y enfrentarse a versiones distorsionadas de uno mismo. No hay guía como Virgilio, tan solo hay ensayo y error y cada vuelta es un círculo del infierno más.
Además, el peso psicológico y visual conecta con El resplandor de Stanley Kubrick. Los pasillos, la repetición, la avalancha, los personajes misteriosos y fantasmales y la sensación de que el espacio observa al personaje. Incluso cuando la película cita de forma directa, lo hace con intención. El homenaje aquí es una forma de ubicar el deterioro mental dentro de un linaje claro.
En cambio, hay algo más silencioso que la acerca a Ugetsu de Kenji Mizoguchi. La idea de un mundo donde lo real y lo espectral conviven sin explicación. Las figuras que aparecen no necesitan justificarse. Están ahí, como si siempre hubieran estado.
Sin embargo, la película también enfrenta su mayor límite. La repetición, que al inicio genera tensión, pierde fuerza con el tiempo. Lo que debería hipnotizar termina por desgastar. El ritmo se resiente, y la experiencia se vuelve más estéril en su tramo final.
Aun así, hay una idea que sostiene todo y tiene que ver con la rutina como anestesia y como peligro. El protagonista no se pierde porque el espacio sea extraño; se pierde porque estaba demasiado acostumbrado a no mirar. Esa lectura le da peso a cada decisión, incluso cuando la película se queda girando sobre sí misma.
Exit 8 funciona mejor como experiencia que como relato cerrado. Más que explicar, busca situar al espectador en ese pasillo. Y en ese espacio, avanzar nunca es del todo seguro, como tampoco salir.
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