Hay canciones que acompañan un momento, y otras que se convierten en el eco de toda una generación. Desde los escenarios de los programas más icónicos de los 2000 nacieron artistas que no solo conquistaron las listas de éxitos, sino que transformaron la historia del pop con canciones que aún hoy siguen vivas en la memoria colectiva. Sus voces, historias y melodías abrieron el camino para muchos de los artistas que actualmente dominan la escena internacional, convirtiéndose en inspiración y referencia para nuevas generaciones.
Porque antes de los himnos que hoy encabezan el pop global, existieron canciones que nos enseñaron a sentir, a cantar a todo pulmón y a guardar recuerdos en forma de música. Sin aquellos inicios, no existiría gran parte del repertorio que hoy consideramos inolvidable.
En este listado recorremos la nostalgia de los 2000: una época que marcó a toda una generación y dejó canciones que, sin importar el tiempo, siempre encuentran la forma de volver a sonar. Escucha aquí la playlist completa:
Miley Cyrus – The Climb
Selena Gomez – Naturally
Bridgit Mendler – Hurricane
Jonas Brothers – S.O.S.
Sterling Knight – Starstruck
Vanessa Hudgens, Zac Efron – Can I Have This Dance
Miley Cyrus – See You Again
The Naked Brothers Band – If That’s Not Love
Big Time Rush – Any Kind Of Guy
Miley Cyrus – Party In The U.S.A.
Hilary Duff – What Dreams Are Made Of
Miley Cyrus – The Best Of Both Worlds
The Cheetah Girls – Fuego
Sterling Knight – Hero
Jonas Brothers – L.A. Baby
Demi Lovato – Can’t Back Down
Miley Cyrus – He Could Be The One
Taylor Swift – Crazier
Selena Gomez – A Year Without Rain
Miley Cyrus – Nobody’s Perfect
High School Musical Cast – A Night To Remember
Selena Gomez – Who Says
Zac Efron – Bet On It
Selena Gomez – Hit The Lights
Victoria Justice – Freak The Freak Out
Miley Cyrus – Ordinary Girl
Ashley Tisdale – Fabulous
Vanessa Hudgens, Zac Efron – Breaking Free
Lemonade Mouth Cast – Determinate
Vanessa Hudgens, Zac Efron – You Are The Music In Me
Demi Lovato – La La Land
The Cheetah Girls – Cheetah Love
Miranda Cosgrove – Kissin U
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A 50 años del debut discográfico de Ramones, la edición norteamericana de Rolling Stone publicó una lista con los mejores discos punk de todos los tiempos, un recorrido que repasa cómo aquel estallido nacido en Nueva York terminó cambiando para siempre la historia del rock.
La selección no se limita al punk más clásico: también incluye a artistas fundamentales que anticiparon el género, como The Stooges, New York Dolls y Patti Smith, además de todas las ramificaciones que vinieron después. Desde Sex Pistols y The Clash hasta Green Day, Blink-182 o nuevas generaciones hardcore, el ranking refleja cómo el punk logró reinventarse una y otra vez sin perder intensidad.
Más que un canon cerrado, la lista funciona como un mapa para entender la evolución de un género a lo largo de décadas. A continuación, el Top 10:
10. The Clash, ‘London Calling’ (1980)
En 1979, tras cambios en la dirección y bajo una creciente presión, Joe Strummer y Mick Jones se refugiaron en la cruda y relajada atmósfera de los estudios Vanilla de Londres, donde desataron una especie de magia mientras pasaban largas jornadas improvisando versiones, jugando al fútbol y grabando maquetas de lo que se convertiría en su monumental álbum doble. Le siguió una intensa sesión de grabación de seis semanas, que consolidó un conjunto de temas ya clásicos —desde “Clampdown” hasta “Guns of Brixton”, pasando por la canción que da título al álbum— que transmitían mensajes de desilusión política y angustias existenciales que resuenan con más fuerza cada año. Si bien las influencias del ska, el jazz y el rockabilly siguen desconcertando a los puristas hasta el día de hoy, ese espíritu multidireccional definió los límites de lo que el punk y el rock podían ser. —Julyssa Lopez
Véase también: The Clash, Sandinista! (1980); The Specials, The Specials (1980)
9. Nirvana, ‘Nevermind’ (1991)
“El punk rock debería significar libertad”, dijo Kurt Cobain en una entrevista justo cuando se estaba convirtiendo en el mesías autocancelado del rock alternativo. Le encantaban The Raincoats y Black Flag, y también Black Sabbath y Aerosmith. Nevermind irrumpió como una granada en la escena musical estadounidense, transformando los bailes de secundaria en pogos con una música que encarnaba el sueño de Cobain de un punk rock que los jóvenes metaleros con los que creció en la zona rural de Washington pudieran amar. En canciones como “In Bloom”, “Breed” y “Territorial Pissings”, tomó el sonido crudo y pesado de la escena underground del rock del noroeste del Pacífico y lo convirtió en algo implacablemente pegadizo, poderosamente opaco y extrañamente empático. —Jon Dolan
Véase también: Nirvana, In Utero (1993); Nirvana, Bleach (1989)
8. The Stooges, ‘Fun House’ (1970)
La fuerza bruta era el modus operandi de los Stooges, y su segundo álbum (producido por Don Gallucci, tecladista de Kingsmen) captura a la perfección su locura en el escenario: Iggy Pop aullando como un hombre lobo, el guitarrista Ron Asheton creando elaborados riffs de blues con la menor cantidad de acordes posible (en “T.V. Eye” prácticamente solo hay uno), letras reducidas a mantras concisos y ritmos que se repiten sin cesar porque la banda no puede dejar de machacar. Hasta que el punk rock alcanzó lo que ellos habían creado, jóvenes de todas partes, con gustos poco convencionales, se reconocían entre sí gracias a sus álbumes de los Stooges. En palabras de Thurston Moore de Sonic Youth: “Los Stooges eran la encarnación perfecta de lo que la música debería ser”. —Douglas Wolk
Véase también: Iggy and the Stooges, Raw Power (1973); Iggy Pop, Lust For Life (1977)
7. The Sex Pistols, ‘Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols’ (1977)
The Sex Pistols causaron un escándalo nacional con sus infames sencillos “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen”. Su mánager, Malcolm McLaren, aprovechó la indignación que generó la banda para popularizar la estética y la actitud del punk a nivel mundial. Pero lo que a veces se pierde en el mito de la banda es la fuerza y la inventiva de su música. Con el gruñido nasal cockney del cantante Johnny Rotten, la guitarra estridente de Steve Jones y la atronadora batería de Paul Cook, su primer y único álbum de estudio es un testimonio de la ira y la frustración de la vida a finales de los años 70, cuando la inflación se descontrolaba, los sistemas colapsaban y los políticos no hacían nada al respecto. ¿Les suena familiar? —Elisabeth Garber-Paul
Véase también: Sex Pistols, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle (1979); Sex Pistols, Spunk (1977)
6. Wire, ‘Pink Flag’ (1977)
Ningún LP resumió mejor la infinita posibilidad de la radical simplicidad del punk que este álbum debut de 35 minutos y 21 canciones. Cada tema crea su propia realidad: la mecánica post-punk (influenciada por Elastica, entre otros) de “Three Girl Rhumba”, la pesadilla sensacionalista de 28 segundos “Field Day for the Sundays”, el cubo de Rubik de estudios culturales “12XU”. Entre los blancos de Wire estaba la propia escena; como la describió Greil Marcus en su reseña de 1978 para Rolling Stone: “Pink Flag representa al punk rock británico intentando salir de un pozo, y ese pozo, según la percepción de Wire, parece ser el propio punk rock”. Sus canciones fueron versionadas por muchos, y su influencia fue enorme. En palabras de Henry Rollins de Black Flag: “Un álbum perfecto”. —Will Hermes
Véase también: Wire, Chairs Missing (1978); Elastica, Elastica (1995)
5. Sleater-Kinney, ‘Dig Me Out’ (1997)
El trío de Olympia, Washington, Sleater-Kinney, ya había causado sensación antes de su tercer álbum, pero Dig Me Out consolidó su formación característica, catapultándolos a la cima de la historia de la música. Con la incorporación de la baterista Janet Weiss, la interacción vocal y guitarrística entre Corin Tucker y Carrie Brownstein encontró la combinación perfecta, dinámica y enérgica. El álbum explora las relaciones, románticas y de otro tipo, desde la vertiginosa declaración de la canción que da título al disco: «Sácame de aquí, sácame de este lío», hasta las vulnerables voces de llamada y respuesta en «One More Hour», pasando por la forma en que la banda integra la crítica social sobre los roles tradicionales en un estribillo melódico en «Little Babies». El torbellino de emociones se despliega con ferocidad y sentimiento. —Althea Legaspi
Véase también: Heavens to Betsy, Calculated (1994); Excuse 17, Such Friends Are Dangerous (1995)
4. The Clash, ‘The Clash’ (1977)
El debut homónimo de The Clash, una explosión de furia politizada y estribillos vocales callejeros, transformó el punk británico, pasando de ser una rebelión adolescente a un arma social dinámica, con canciones como “White Riot”, “London’s Burning” y “I’m So Bored With the U.S.A.”, un desafío al imperialismo cultural estadounidense. Joe Strummer y su coautor, el guitarrista Mick Jones, no eran precisamente oradores natos; su mánager, Bernie Rhodes, los presionó para que abordaran temas de actualidad. Pero el resultado —impulsado por el bajista Paul Simonon y el baterista original Terry Chimes, y producido por el técnico de sonido en directo de la banda, Mickey Foote— fue una furia británica decisiva. CBS en Estados Unidos se negó a publicar el álbum, alegando problemas de fidelidad; una edición de 1979 incluyó sencillos posteriores. La original sigue siendo el sonido de una revuelta naciente: un nuevo Londres que clama sin miedo ni concesiones. —D. Fricke
Véase también: The Clash, Give ‘Em Enough Rope (1979); The Clash, Black Market Clash (1980)
3. The Minutemen, ‘Double Nickels on the Dime’ (1984)
The Minutemen llegaron desde San Pedro, el puerto obrero de California: tres tipos duros que rompieron todos los clichés sobre cuánto se puede decir en una canción de punk rock, tanto musical como políticamente. El guitarrista D. Boon y el bajista Mike Watt eran mejores amigos desde la infancia y se unieron al baterista George Hurley. Double Nickels on the Dime es su extenso clásico de doble vinilo de 1984, lleno de calidez fraternal y humor irreverente; como declaran en “History Lesson, Pt 2”, “Nuestra banda podría ser tu vida”. Boon y Watt intercambian rimas, exploran el jazz y el folk, y lanzan diatribas anticapitalistas contundentes como “This Ain’t No Picnic”. Incluso versionan clásicos de Steely Dan, Creedence Clearwater Revival y Van Halen. Pero, trágicamente, D. Boon falleció en un accidente de furgoneta en 1985, pocos días después del lanzamiento de su último álbum, 3-Way Tie (For Last). —Rob Sheffield
Véase también: The Minutemen, What Makes a Man Start Fires? (1982); Saccharine Trust, Surviving You Always (1984)
2. X-Ray Spex, ‘Germfree Adolescents’ (1978)
“Algunos creen que las niñas deben ser vistas pero no oídas, pero yo pienso… ¡que se joda la esclavitud! ¡Uno, dos, tres, cuatro!” Así es como se empieza un sencillo debut, y así fue como una adolescente londinense multirracial llamada Poly Styrene se convirtió de la noche a la mañana en un icono feminista del punk-rock. Llevaba aparatos en los dientes y vestía sus propios trapos fluorescentes hechos en casa, gritando sobre la sociedad de consumo en himnos como “Art-I-Ficial” sobre explosiones de saxofón, coreando “¡Soy una impostora y me da igual! ¡Me gusta que la gente me mire!”. Estos chicos londinenses eran tan crudos que su explosivo álbum debut ni siquiera pudo publicarse en Estados Unidos. Pero Germfree Adolescents se convirtió en un clásico de culto que se transmitió de boca en boca, pasando de mano en mano e inspirando a artistas desde The Slits hasta Sleater-Kinney y los Beastie Boys. Styrene falleció de cáncer en 2011, pero su leyenda perdura en himnos como «Plastic Bag» y «The Day The World Turned Day-Go». —Rob Sheffield
Véase también: Essential Logic, Beat Rhythm News (1979); Delta 5, Singles and Sessions 1979-1981 (2006)
1. Ramones, ‘Ramones’ (1976)
Cuando los Ramones grabaron su álbum debut por 6400 dólares en febrero de 1976, su objetivo era simple: «Eliminar lo innecesario y centrarse en lo esencial», como lo expresó Tommy en 1999. Pero la genialidad del disco más influyente y perdurable del punk —cómo cuatro marginados dispares de la corriente principal adolescente estadounidense crearon una furia tan original y contundente— sigue siendo difícil de definir. El cantante Joey, con su voz de cigüeña, era un joven pop que coreaba «¡Hey ho, vamos!» al comienzo de «Blitzkrieg Bop». El guitarrista Johnny redujo la influencia de Dick Dale y Bo Diddley al staccato impecable y sin blues de «Beat on the Brat» y «Loudmouth». El bajista y principal letrista, Dee Dee, escribía sobre lo que conocía (drogas, desesperación, la vida de los estafadores) con un ingenio telegráfico. Y el baterista Tommy, antiguo ingeniero de sonido en las sesiones de Jimi Hendrix, coprodujo Ramones, cuidando su brevedad y pureza. «Pensábamos que podíamos ser la banda más grande del mundo», recordó Johnny. En cierto modo, lo serían. Aquí empezó todo. –D. Fricke
Véase también: Various Artists, CBGB: A New York City Soundtrack 1975-1986 (2025); Ramones, Hey Ho, the Anthology (1998)
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Una duración no muy extensa (cinco años y cuatro álbumes de estudio en su primera versión) le alcanzó a Serú Girán para dejar una huella profunda en el rock argentino. Desde entonces, como lo demostraron la reunión de 1992 y todas las posteriores, pasando por la existencia de numerosas bandas tributo, reediciones discográficas y la nueva propuesta a cargo de Pedro Aznar y David Lebón, nunca hay suficiente Serú Girán. Un repaso por su discografía, en vivo y en estudio, arroja pistas sobre el origen de la leyenda.
Serú Girán (1978)
A pesar de ser inicialmente maltratado por la crítica y rechazado por el público, el homónimo álbum debut de Serú Girán ha envejecido extraordinariamente bien, siendo revalorizado como una obra maestra. Introspectivo, críptico, ambicioso, oscuro por momentos, este disco, producido por Billy Bond y grabado en los Estudios El Dorado de San Pablo, establece un nexo con la última etapa de Sui Generis (“Nena”, transformado aquí en “Eiti-Leda”, una de las grandes letras de García; “Separata”), entrega los primeros frutos de la colaboración autoral entre Charly y David (“El mendigo en el andén”, “Voy a mil”), retrata el exilio e incorpora la experiencia brasileña (“Autos, jets, aviones, barcos”) y produce una balada rock que se convierte en clásico del rock argentino (“Seminare”). La orquesta grabada en Los Ángeles, con arreglos de Daniel Goldberg, envuelve majestuosamente las pretensiones sinfónicas de “Serú Girán” y “Eiti Leda”.
La grasa de las capitales (1979)
Charly acusa el golpe con la realidad argentina, y el resultado es una bomba en todo sentido. En el segundo álbum de Serú, García recupera su condición de afilado cronista de la realidad sociopolítica, la banda posee un ajuste y musicalidad explosivos, la dupla compositiva Lebón-García alcanza su punto de cocción ideal, las armonías vocales son tan refinadas como exquisitas, y las canciones, inspiradas e inolvidables. Para reflejar el clima de represión, paranoia, y frivolidad de la época, la banda se vale de una variedad deslumbrante, que incluye una especie de sinfonía de rock latino en “La grasa de las capitales”, el folk en la elaborada parábola de “San Francisco y el lobo”, la declaración de identidad de Charly en uno de sus momentos más tangueros (“Los sobrevivientes”), y la desesperanza elevada a un nivel de dramatismo cinematográfico en “Viernes, 3 AM”, que fuera prohibida por la dictadura. Además, se burla de la prensa sistémica en la tapa (una sátira de la revista Gente), donde aprovecha para responderles a las revistas de rock que lo habían criticado.
Bicicleta (1980)
Serú termina su contrato con Music-Hall y establece su propio sello independiente, SG Discos, junto a su manager Daniel Grinbank. El grupo ya no necesita reaccionar contra nada, ha establecido su propia personalidad, y produce el álbum que los iba a instalar definitivamente en la masividad. Bicicleta inicialmente iba a ser un álbum doble, pero quedó reducido a un solo disco, con lo mejor de lo mejor. Especialmente “Canción de Alicia en el país”, que utiliza la imaginería de Lewis Carroll para pintar un elaborado retrato del país bajo la dictadura. Pero también la introspectiva y melancólica “Desarma y sangra”, con su piano neoclásico, la minisuite “A los jóvenes de ayer”, donde asoma la influencia piazzolliana, y “Mientras miro las nuevas olas”, con un Charly que critica la new wave pero acusa su influencia musical.
Por su parte, Lebón contraataca con el mayor de sus himnos dentro de Serú, “Cuánto tiempo más llevará”, entrega toda su sensibilidad en “Nayla”, que incluye un solo jazzero de piano Rhodes del invitado Diego Rapoport, y rockea al compás de una sección de vientos en “Encuentro con el diablo”, un efectivo afano a Lynyrd Skynyrd.
Peperina (1981)
Serú acepta la llegada de los 80 en su cuarto álbum de estudio, regresando a un esquema más tradicional de canción y desterrando los rastros de sinfonismo. También deja de lado mayormente las referencias a la realidad para centrarse en temáticas más personales y de búsqueda espiritual. La única que tiene un sesgo satírico-social es “José Mercado”, que había quedado de los tiempos de Bicicleta. La colaboración de los dos principales compositores sigue proporcionando grandes canciones, como “En la vereda del sol”, con su aire tropical, y la mística “Esperando nacer” (ambas con un aire esperanzado, que es un signo de los tiempos). Charly aporta gloriosas melodías en “Llorando en el espejo”, “Cinema Verité”, “Salir de la melancolía”, y descarga su ira contra una periodista que había destrozado la banda en la potente “Peperina”. David entrega un nuevo himno con “Parado en el medio de la vida”, y hay tres instrumentales reveladores de sus respectivas influencias: Jimmy Page, en “Cara de velocidad”, de Lebón; Erik Satie en “20 trajes verdes”, de Charly, y los impresionistas (Ravel, Debussy) en “Lo que dice la lluvia”, de Aznar.
En vivo – No llores por mí, Argentina (1982)
Hubo que esperar a su separación para tener un testimonio grabado de algo que era vox populi: Serú Girán en vivo poseía una fuerza e intensidad que no conseguía trasladar a sus producciones de estudio (no hay más que comparar las respectivas versiones de “Encuentro con el diablo”, por ejemplo). Si bien contiene numerosos retoques y sobregrabaciones posteriores, En vivo, grabado en Obras el 6 de marzo de 1982 (en lo que estaba pensado inicialmente como la despedida de Pedro Aznar, y terminó siendo el adiós de la banda), contiene buena parte de los hits de sus cuatro discos anteriores, junto a dos inéditas. “No llores por mí, Argentina”, donde Charly utiliza el título del tema principal de la ópera Evita (prohibida por la dictadura) para construir una canción totalmente distinta, quizás el último de sus ácidos comentarios sociales sobre la época del proceso. El rock’n’roll “Popotitos” (“Bony Moronie”) es Serú versionando a Palito Ortega versionando a los Teen Tops versionando a Larry Williams.
Serú 92 (1992)
Aunque la relación entre ellos estaba bastante tensa, y la crítica tampoco fue demasiado amable, el único álbum de estudio que produjo la reunión de Serú, después de diez años, también ha sido revalorizado con el tiempo, y sus integrantes reversionaron buena parte de los temas en sus posteriores carreras solistas. Si bien es probablemente el menos rockero de sus discos, los hits abundan. Se nota una mayor participación de Pedro Aznar en todos los aspectos (de los once temas, compone tres en solitario y otros cuatro en colaboración). Además, produce su primer clásico dentro del grupo con “A cada hombre, a cada mujer”, al que podemos agregar la beatlera “Si me das tu amor”. David entrega dos temas utopistas cien por ciento “lebonianos” como el hit “Mundo agradable” y “Nos veremos otra vez”, y rockea (si bien discretamente) en “Ese tren”. Y Charly, a punto de ingresar en su etapa Say No More, no puede evitar dar testimonio de su propia metamorfosis en “No puedo dejar” y la magnífica “Transformación”.
En Vivo I & II (1992)
La reunión de Serú de 1992 estuvo plagada de inconvenientes, muchos causados por ellos mismos, especialmente García, ya en una etapa de autosabotaje que profundizaría en años posteriores. Sin embargo, En vivo I y II, un álbum doble editado como dos volúmenes separados, grabado el 19 y el 30 de diciembre de 1992 en River (fue el primer grupo de rock argentino en llegar a ese estadio), muestra que la combinación entre los cuatro seguía siendo imponente. Hay excelentes versiones de “Cinema Verité”, “El mendigo en el andén” y una emotiva “Eiti Leda” cantada por Charly. Pero además contiene numerosas perlas de interés para fans, con temas de las respectivas carreras de sus integrantes interpretadas por Serú, como “Mientes”, de Tango 4, “Dos edificios dorados”, del primer álbum de David, y especialmente el set acústico, donde combinan temas de Serú, de Sui Generis (“Alto en la torre”), de Aznar (“Fotos de Tokio”) y Lebón solistas (“El tiempo es veloz”, “Casas de arañas”) para culminar con una gran “San Francisco y el lobo”.
Yo no quiero volverme tan loco (2000)
El mejor y más auténtico testimonio de Serú Girán en vivo proviene de un casete que consiguió Moro en Parque Rivadavia, con el audio mejorado posteriormente por Pedro Aznar. Es una grabación de consola del segundo de tres conciertos que ofreció la banda en el Teatro Coliseo, el 26 de diciembre de 1981, sin retoques de estudio. Sin conciencia de la separación (que ocurriría meses después) y sin la obligación de presentar un álbum, la banda funciona en la cúspide de sus poderes, con una fantástica selección de canciones y un tremendo ensamble musical. Presentan varios temas pensados para lo que iba a ser su quinto álbum de estudio, y después serían incluidos en sus respectivos discos solistas, como “Yo no quiero volverme tan loco”, “Inconsciente colectivo” (Charly), “Oh Dios… ¿qué puedo hacer?” (David) y “Espejismo en la nieve” (Pedro). Está claro por qué los cuatro integrantes decidieron que se editara esta grabación.
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El solo de guitarra sigue siendo uno de los grandes momentos de la música popular: ese instante en que una canción se abre y el instrumento dice algo propio, ya sea desde el virtuosismo o la pura actitud. Con esa idea, Rolling Stone en su edición estadounidense elaboró una lista de los 100 mejores solos de guitarra de todos los tiempos, un recorrido que cruza géneros, épocas y estilos.
El criterio no tiene que ver con el éxito comercial, sino con el impacto: solos que elevan canciones, que se vuelven inolvidables y que incluso pueden cantarse nota por nota. Entre leyendas como Jimi Hendrix o Jimmy Page y nombres más recientes, la selección confirma que la guitarra sigue teniendo mucho para decir. A continuación, listamos los primeros 10:
10. The Beatles, ‘While My Guitar Gently Weeps’ (1968)
«While My Guitar Gently Weeps», el clásico del Álbum Blanco, es el solo más legendario de los Beatles, y sin embargo, lo interpretó el mejor amigo de George Harrison, Eric Clapton. Fue un capricho espontáneo: George invitó a su amigo a tocar justo antes de la sesión, mientras ambos conducían hacia Londres. Clapton se horrorizó y exclamó: «¡Nadie toca en las sesiones de los Beatles!». George simplemente respondió: «¿Y qué? ¡Es mi canción!». Pero tenía una segunda intención: estaba harto de las constantes disputas en Abbey Road y sabía que los Fab Four se comportarían correctamente con un invitado de honor. Como bromeó: «Se portaron de maravilla». Clapton tocó un solo muy al estilo de Harrison en una Les Paul de 1957 de color rojo cereza que le acababa de regalar a George, apodada “Lucy”. George la usó en el Álbum Blanco y en Abbey Road, incluyendo “Something”. (Sí, así es: tocó su canción de amor más romántica para Pattie Boyd en la guitarra que Clapton le regaló). —Rob Sheffield
9. Funkadelic, ‘Maggot Brain’ (1971)
Según cuenta la leyenda, George Clinton, la mente maestra del P-Funk, le pidió al guitarrista Eddie Hazel que tocara el tema de apertura del álbum de Funkadelic de 1971 como si acabara de enterarse de la muerte de su madre. El resultado es una pieza instrumental desgarradora y alucinante que transmite un dolor puro e incontenible. Guitarrista autodidacta y admirador de Jimi Hendrix, Hazel contribuyó enormemente al legado del P-Funk. Pero el solo de guitarra de casi 10 minutos que da inicio a su oscuro, inquietante, pero a la vez increíblemente genial LP de 1971, sigue siendo la piedra angular de su legado. Las notas no se tocan tanto como se lloran y se arrancan de su instrumento; Hazel finalmente evoca una sensación de perseverancia, resurgiendo como el ave fénix de las cenizas de sus pedales de eco en los minutos finales. “Es una pieza musical para evocar los fantasmas del pasado”, dijo Vernon Reid de Living Colour. “Evoca el sufrimiento. Evoca la alegría. Es una obra maestra”. —David Fear
8. Steely Dan, ‘Kid Charlemagne’ (1976)
Como es habitual en Steely Dan, Larry Carlton pasó al menos 90 minutos —posiblemente más— en el estudio con Donald Fagen y Walter Becker, trabajando en el solo de guitarra de “Kid Charlemagne”. El guitarrista, formado en el jazz y tan conocido por su dominio de la Gibson ES-335 que se ganó el apodo de “Mr. 335”, incluso tuvo que grabar varias tomas, a petición de Becker, con una Fender Stratocaster antes de poder volver a su guitarra principal. “Poco después, ya estábamos metidos de lleno en ello”, recordó Carlton en una entrevista, con una despreocupación propia de su trabajo en “Kid Charlemagne”. Sus solos intermedios y finales (este último grabado en una sola toma) equilibran magistralmente complejidad y sencillez, melodías pop-rock de oro puro que no temen a los giros cósmicos del jazz. Y su fraseo nunca flaquea, un deslizamiento sin esfuerzo incluso en las partes más rápidas o punzantes, cada nota derritiéndose como tinta sobre un secante. —J. Blistein
7. Led Zeppelin, ‘Stairway to Heaven’ (1971)
«Pensé que “Stairway to Heaven” cristalizaba la esencia de la banda», declaró el guitarrista Jimmy Page a Rolling Stone en 1975. Y no se equivocaba. Esta odisea de ocho minutos del álbum Led Zeppelin IV muestra lo mejor de cada miembro: las letras pastorales de inspiración celta de Robert Plant, interpretadas con su icónico lamento; el bajista John Paul Jones, tan versátil como siempre, aportando su mística flauta dulce y piano eléctrico; y John Bonham trayendo tanto el cielo como el infierno con su atronadora batería. Luego está Page, quien usó una Fender Telecaster de 1959, regalo de Jeff Beck, para el deslumbrante final. El solo de Page fue totalmente improvisado, una clase magistral de melodía y potencia basada en la espontaneidad: lo justo para rematar la faena, pero sin llegar a eclipsar todo lo demás. «Todo músico quiere crear algo de calidad perdurable, algo que se mantenga vigente por mucho tiempo», dijo Page. «Y supongo que lo conseguimos con “Stairway to Heaven”». —Angie Martoccio
6. Chuck Berry, ‘Johnny B. Goode’ (1958)
Chuck Berry perfeccionó el solo de guitarra de rock and roll tal como lo conocemos en “Johnny B. Goode”, el himno definitivo de los guitarristas virtuosos. Su ráfaga inicial de 18 segundos fue un sonido que resonó en todo el mundo, una explosión de bravuconería eléctrica al estilo de Tunguska que inspiró a la mitad de los músicos de esta lista a tocar su primera guitarra. Como dijo Keith Richards: “Chuck es el abuelo de todos nosotros”. Es la historia del chico de campo de Luisiana que rasguea mientras su madre le grita: “¡Vamos, Johnny, vamos!”. Pero la inspiración provino de su primer concierto en Nueva Orleans, marcado por la historia de la ciudad. Como escribió en sus memorias: «La emoción de ver mi nombre negro por toda la ciudad, en una de las ciudades por las que pasaron los esclavos, se transformó en “Johnny B. Goode”». Cada tradición de la música estadounidense está presente en la guitarra de Chuck Berry, y nunca con mayor fuerza ni rebeldía que aquí. —R.S.
5. Van Halen, ‘Eruption’ (1978)
Casi medio siglo después del lanzamiento del álbum debut homónimo de Van Halen, resulta casi imposible imaginar el impacto que la segunda canción del disco, un solo de guitarra de un minuto y 42 segundos titulado acertadamente «Eruption», tuvo en la historia de la guitarra. La concisa declaración de intenciones de Eddie Van Halen, con su revolucionario uso del tapping a dos manos, su dominio absoluto de la palanca de vibrato, su velocidad vertiginosa y su rico sonido saturado —que él mismo denominaba «sonido marrón»—, sentó las bases para una nueva generación de guitarristas. Como contó Van Halen —quien a menudo se quejaba de que “Eruption” tenía un error que no podía reproducir posteriormente—, la inclusión del solo en el álbum fue casi una ocurrencia tardía. “Estábamos en el estudio ensayando para un concierto que teníamos esa noche en el Whisky, y yo estaba calentando con mi solo”, dijo Van Halen al periodista Jas Obrecht. “Nuestro productor, Ted Templeman, pasó y dijo: ‘¿Qué es eso?’ Le dije: ‘Oh, es solo algo que hago en vivo’. Y él dijo: ‘¡Oye, eso es genial; vamos a ponerlo en el disco!’” —Tom Beaujour
4. Pink Floyd, ‘Comfortably Numb’ (1979)
El trascendental solo de David Gilmour en “Comfortably Numb” no es solo una melodía, sino la recopilación de las mejores partes de cinco o seis tomas, aunque nadie lo sepa. “Simplemente seguí mi procedimiento habitual: escuchar cada solo y marcar las líneas divisorias, indicando qué partes son buenas”, dijo Gilmour en una ocasión. Subía y bajaba los faders cada vez que una frase le llamaba la atención, creando un mosaico que se convirtió en el solo más conmovedor de su carrera. Su interpretación es melancólica, conmovedora y hermosa, dotando de calidez humana a la melancolía de The Wall. Por suerte para los fans de Pink Floyd, lo mantuvo en los conciertos de la banda tras la marcha de Roger Waters, ampliándolo brillantemente en álbumes en directo como Pink Floyd’s Pulse y su reciente álbum en solitario en directo, The Luck and Strange Concerts. Según Gilmour, cada vez que tocaba el solo, se convertía en algo nuevo sobre el escenario. —Kory Grow
3. The Eagles, ‘Hotel California’ (1976)
Es innegable la incomparable grandeza de los solos de guitarra de “Hotel California”, un clásico del rock de los setenta. Preservados para siempre por el productor Bill Szymczyk en la extensa canción que da título al álbum de la banda de 1976, los solos representan un duelo épico entre los guitarristas Joe Walsh y Don Felder. Además, son sumamente pegadizos; admítelo, seguro que has gritado “da, da, da, da…” en el coche durante el clímax de la canción. “Siempre hubo una pequeña competencia entre Felder y yo. Siempre intentábamos superarnos el uno al otro… ‘¿Ah, sí? ¡Escucha esto!’”, dice Walsh en el documental de 2013 History of the Eagles. Ya sea en la grabación original o en el escenario, los solos de guitarra nunca dejan de evocar esa brisa fresca y el cálido aroma de las colitas. Dice Szymczyk, quien supervisó álbumes de B.B. King y Bob Seger, “El final de ‘Hotel California’ es uno de los puntos culminantes de mi carrera discográfica”. —Joseph Hudak
2. Jimi Hendrix, ‘Machine Gun’ (1970)
Nadie dominó la guitarra como Jimi Hendrix, pero “Machine Gun” lo muestra en su máxima expresión: la manifestación más ambiciosa, cruda, conmovedora y arrolladora de su genio musical. Pertenece al álbum Band of Gypsys, grabado en directo el día de Año Nuevo de 1970 en el Fillmore East. Doce minutos de pura furia eléctrica y rabia política, inspirados por la violencia en Vietnam y Estados Unidos. Numerosas leyendas de la guitarra lo han calificado como el mejor solo de guitarra de la historia, desde Slash (“ese es el Santo Grial”) hasta Kirk Hammett. “No solo es mi solo de guitarra favorito de todos los tiempos”, dijo Trey Anastasio de Phish, “sino que incluye la mejor nota jamás tocada en una guitarra eléctrica: la nota aguda y estridente que Jimi toca justo al comienzo de su solo”. (Escúchenlo justo en el minuto cuatro). Hendrix tuvo éxitos más grandes, pero este es el punto más alto al que llegó. Más de 50 años después, “Machine Gun” sigue siendo el límite de lo alto que puede llegar una guitarra —y un guitarrista—. —R.S.
1. Prince, ‘Purple Rain’ (1984)
Los orígenes de “Purple Rain” están rodeados de leyendas: Prince pensó que podría haberse convertido en una canción country; se la ofreció a Stevie Nicks, quien la consideró demasiado cinematográfica para grabarla; y una mujer sin hogar fue la primera en escucharla cuando Prince la invitó al local de ensayo de The Revolution. Pero nada de eso importa, ya que para todos los demás, la banda dio vida a “Purple Rain” en First Avenue, Minneapolis, el 3 de agosto de 1983, cuando Prince interpretó un solo de guitarra que sonó más como un conmovedor grito del alma que como un momento estelar. Fue la primera vez que la tocaron en vivo, y es la versión que aparece en Purple Rain. La destreza de Prince con la guitarra ya estaba bien documentada en ese momento, pero la fluidez de su fraseo en la canción y la forma en que pulsaba las cuerdas para obtener notas que ascendían al cielo decían más sobre el significado de “Purple Rain” que sus letras crípticas. —K.G.
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El Rock & Roll Hall of Fame anunció la noche del lunes 13 de abril a la generación de 2026, y se trata de una particularmente sólida. Tras años de vacilaciones en los que se sostuvo que Foreigner y Bon Jovi eran, de algún modo, más merecedores que Joy Division/New Order, el Salón finalmente incorpora a la influyente banda de post-punk. Hasta ya empezaba a parecer que Bernard Sumner, Stephen Morris y Peter Hook tendrían que formar otra banda revolucionaria para ser reconocidos por la institución.
En otros frentes, Phil Collins se suma al club de los artistas inducidos en dos ocasiones (algo que debió ocurrir al menos hace una década), mientras que los iconos Sade y Luther Vandross reciben reconocimientos largamente merecidos. Wu-Tang Clan junto con Oasis representan a los años noventa.
Pero, como cada año, persisten la confusión y las interrogantes. Un número inusualmente alto de artistas británicos forma parte de la generación, pero, históricamente, no profesan la misma reverencia por el Salón de la Fama que sus pares estadounidenses. No está claro cuántos asistirán. También existe la posibilidad de una reunión particularmente tensa entre compañeros de banda que se detestan y han tenido escaso contacto en dos décadas. Y, en al menos un caso, el Salón parece haber cometido un error bastante desconcertante respecto a qué miembros exactos de una banda serán incluidos.
Estas son algunas preguntas que nos deja la ceremonia de inducción al Rock & Roll Hall of Fame de este año.
¿Aparecerá Oasis?
La incorporación de Oasis corona un año extraordinario para los íconos del britpop. Su gira de reunión de 2025 llenó estadios en todo el mundo; ni siquiera fueron tan populares en Estados Unidos en su punto álgido de fama con (What’s the Story) Morning Glory? a mediados de los noventa. No hay indicios de futuros conciertos, y han dicho muy poco sobre el Salón de la Fama más allá de una serie de publicaciones sarcásticas en X por parte de Liam Gallagher.
En un mensaje cargado de ironía, escribió: “Quiero agradecer a toda la gente que votó por nosotros, es un verdadero honor; desde que era un niño pequeño y cantaba en la ducha soñaba con que algún día estaría en el salón de la fama del RnR. Es cierto lo que dicen: todo es posible si tienes un sueño.”
Resulta difícil imaginar a Noel Gallagher, con los ojos llorosos, aceptando el galardón en la ceremonia de noviembre antes de reunirse con su hermano y el resto de la banda para interpretar ‘Wonderwall’ y ‘Live Forever’ mientras ruedan las cámaras para la transmisión de ABC. En cambio, es mucho más fácil imaginar que no asistan, e incluso que envíen en su lugar una carta mordaz, al estilo de Sex Pistols. También existe la posibilidad de que el único en presentarse sea el baterista fundador Tony McCarroll.
¿Declararán Joy Division/New Order una tregua de una sola noche?
A lo largo de las últimas cuatro décadas, grupos enfrentados como The Police, Yes, Talking Heads y Led Zeppelin han dejado de lado sus profundas diferencias por una noche para reunirse y tocar en el Salón de la Fama. En 2017, Steve Perry apareció en el podio junto a Journey, aunque no cantó con ellos. Los fans de Joy Division/New Order han fantaseado durante años con el regreso de Peter Hook al redil con motivo de esta ceremonia, tras dos décadas de tensiones y batallas legales con la banda.
“Solo quiero decir lo maravillosamente feliz que estoy de ser finalmente aceptado en el Salón de la Fama del Rock & Roll de Cleveland”, escribió Hook en Instagram cuando se dio a conocer la noticia. “Llevaba años esperando esto, así que definitivamente voy a aprovecharlo al máximo. Me gustaría decir que esto es por Ian Curtis y por todos los fans de ambas bandas. Sin ustedes, no seríamos nada”. En el pie de foto añadió: “Nos vemos en la ceremonia”. Eso significa que Hook estará en el Peacock Theater el 14 de noviembre. Pero sus antiguos compañeros aún no han dicho una sola palabra.
Resulta realmente difícil predecir cómo se desarrollará esto. Hay tanta animadversión acumulada que incluso el Salón de la Fama podría no ser capaz de reunirlos. Sin embargo, si ocurre, sería una de las grandes reuniones en la historia de la institución. New Order lleva demasiado tiempo fracturado, y Hook fue un arquitecto clave de su sonido. Todos deberían hacer a un lado sus diferencias y lograr que suceda.
¿Actuará Phil Collins?
Hasta ahora, Collins solo ha reaccionado a su ingreso al Salón de la Fama con un breve mensaje en Instagram. “Obviamente estoy contento y honrado de ser inducido”, escribió. “Es el broche a una vida maravillosa en la música”. Su vida fuera de los escenarios ha estado marcada en los últimos años por importantes problemas de salud, y no actúa en vivo desde el final de la gira de despedida de Genesis a comienzos de 2022.
Es probable que asista al evento, sobre todo ahora que se encuentra en proceso de recuperación. Incluso es fácil imaginarlo abriendo la ceremonia con In the Air Tonight. En la versión biográfica de su vida, sería la escena final. Ojalá ocurra también en la realidad.}
¿Y qué pasa con Sade?
No hay un nuevo álbum de Sade desde Soldier of Love (2010), no han ofrecido conciertos desde 2011 y su vocalista, Sade Adu, es notoriamente reacia a la exposición mediática. Se decía que estaban trabajando en un nuevo disco en 2018, pero el proyecto empieza a parecerse al Chinese Democracy del sophisti-pop. ¿Asistirán a la ceremonia y deslumbrarán al público con ‘Smooth Operator’ y ‘The Sweetest Taboo’? Este caso podría ir en cualquier dirección.
¿Podrá la ceremonia del Rock & Roll Hall of Fame poner fin, por fin, a la rivalidad entre Oasis y Phil Collins?
El ascenso de Oasis coincidió casi a la perfección con el declive de Phil Collins como figura dominante de la cultura pop tras más de una década de omnipresencia, lo que lo convirtió en un blanco fácil de sus burlas. “Votaré por el Partido Laborista porque creo que es lo moralmente correcto”, dijo Noel Gallagher en 2005. “Otra razón para votar por ellos es que, si los conservadores ganan, Phil Collins ha amenazado con volver a vivir aquí. Y seamos sinceros, ninguno de nosotros quiere eso”.
En el improbable caso de que los hermanos Gallagher se presenten, podría ser una oportunidad para limar asperezas. Tal vez incluso podrían unirse para un mashup de ‘Supersonic’ y ‘Take Me Home’.
¿Podemos profundizar más en los noventa la próxima vez?
Los artistas son elegibles para el Rock & Roll Hall of Fame 25 años después del lanzamiento de su primer álbum o sencillo. Eso significa que, en teoría, ya deberíamos estar en la era de principios de los 2000. Sin embargo, el Salón sigue centrado en gran medida en actos de los años ochenta que había pasado por alto. En muchos casos, eso tiene sentido: más vale tarde que nunca.
Pero antes de empezar a incluir a The Strokes y Coldplay, todavía hay muchas bandas de los noventa que siguen esperando. La lista incluye a Weezer, Smashing Pumpkins, Alice in Chains, Tool y Hole.
También sería necesario retroceder aún más para reconocer a Pixies, Devo, Pavement, Sonic Youth y The Replacements. Y yendo todavía más atrás, resulta absurdo que King Crimson y The New York Dolls no estén incluidos. Para cuando Taylor Swift entre en su primera votación en 2031, esperemos que todas estas omisiones ya hayan sido corregidas. (Y seguiremos defendiendo a The Monkees y a “Weird Al” Yankovic hasta el final). Mientras tanto, al menos podemos dejar de gritar por Joy Division/New Order.
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