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Genki Kawamura ha construido su carrera entre la producción, la escritura y la dirección, siempre con una preocupación por la experiencia del espectador. En Exit 8, esa búsqueda toma una forma particular, y es la de partir de un videojuego extremadamente simple para construir una película que trabaja sobre percepción, repetición y decisión.
La historia se sitúa en un espacio cotidiano (el metro de Tokio), que poco a poco se transforma en un escenario mental. Lo que parece un recorrido simple se convierte en una prueba constante donde cada elección importa.
En esta conversación, Kawamura explica cómo abordó la relación entre cine y videojuego, el uso del vacío narrativo y la dimensión psicológica de la película.
Exit 8 es la adaptación de un videojuego. ¿Cuál es la clave para que un videojuego funcione en cine o televisión?
La adaptación de videojuegos es muy difícil, porque en el juego el protagonista es el jugador. Por eso hay tantos casos fallidos. Desde el inicio tomé una decisión: dejar de pensar en términos de adaptación.
No quise llevar un videojuego al cine. Lo que busqué fue crear una experiencia donde la frontera entre el videojuego y la película se volviera ambigua. Una experiencia nueva en la que ambos lenguajes conviven.
Tanto el videojuego como la película parten de una premisa mínima. ¿Cómo decidiste cuánto vacío narrativo conservar?
Quise mantener esa regla tan simple y minimalista del juego original. Pero al mismo tiempo, pensé en cómo conectarla con nuestro mundo, con la realidad cotidiana.
Ese espacio que se repite lo concebí como algo cercano al purgatorio de La divina comedia de Dante. Las anomalías que aparecen son una manifestación de la culpa que cada persona lleva dentro.
Entonces surge una decisión: notar esa anomalía y detenerse, o ignorarla y seguir avanzando. Esa elección se parece mucho a las decisiones que tomamos en la vida.
Desde mi experiencia como psicólogo, la película resulta muy impactante. Muchas personas no entienden lo que significa extraviarse, pero la angustia puede generar desorientación. ¿En qué momento entendiste que el verdadero laberinto es psicológico y no espacial?
Esa idea estuvo presente desde el inicio. Pensé en referentes como Ugetsu de Mizoguchi, The Shining de Kubrick y Vertigo de Hitchcock. Son películas que trabajan con la ansiedad, la culpa y el miedo desde el interior del ser humano.
Quería hacer una película que, aunque use un espacio concreto como el metro de Tokio y tenga origen en un videojuego japonés, conecte con ese tipo de cine clásico que explora el miedo psicológico.
Al eliminar la perspectiva del jugador, ¿qué ganaste y qué perdiste?
En la película, todos los personajes no tienen nombre. Son como NPC. Cuando voy en el metro en Tokio, siento que soy el protagonista de mi propia historia. Pero, al mismo tiempo, para los demás soy solo una persona más.
Me interesaba pensar qué pasaría si esos personajes secundarios también tuvieran una historia, si también estuvieran atravesando algo. En ese espacio, todos están en igualdad de condiciones, como si enfrentaran una especie de prueba. Algo cercano a la idea del purgatorio. No siento que haya perdido nada con esa decisión. Al contrario, creo que permitió encontrar una forma más original de contar la historia.
El concepto de anomalía es central en la película. ¿Qué representa para ti en un mundo cada vez más uniforme?
Todos los días tomo el metro para ir al trabajo. Veo a la gente mirando sus teléfonos, concentrada solo en sí misma. Puede haber un bebé llorando y nadie se da cuenta. En los teléfonos vemos violencia, guerras, pero seguimos deslizando la pantalla, como si nada pasara. Ese acto de fingir que no vemos lo que ocurre es, para mí, una forma de culpa.
Las anomalías en la película representan eso: aquello que está frente a nosotros y decidimos ignorar. En la vida cotidiana, esas anomalías están ocurriendo todo el tiempo. La pregunta es si decidimos reconocerlas y detenernos, o ignorarlas y seguir adelante. Creo que cada una de esas decisiones individuales termina afectando la forma del mundo en que vivimos.
¿La película habla sobre el sentido de la vida?
Más que sobre el sentido, habla sobre la elección. El juego se basa en decisiones muy simples, en elegir entre dos opciones. Pero esas decisiones pequeñas reflejan elecciones más grandes en la vida. Todos los días evitamos ver ciertas cosas. La película pregunta si somos capaces de enfrentarlas o si preferimos seguir adelante sin mirarlas. En ese sentido, es una historia sobre elegir.
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